Del 16 al 19 de enero se celebra en Pamplona el FAN Festival 2020, el Festival de Anime de Navarra. El Planetario de Pamplona y los cines Golem Yamaguchi serán sus sedes oficiales, el primero de ellos acogerá charlas, exposiciones y actividades, mientras que el segundo proyecciones con lo último del panorama de animación japonesa. A estos espacios se les une la carpa Yamaguchi Torii y la Biblioteca Pública Yamaguchi.

Podéis consultar la programación completa y la escaleta de horarios, cargada de actividades y proyecciones, en la web oficial del Festival. Nosotros os resumiremos un poco que películas podrán verse en el evento durante el próximo fin de semana, que incluyen una gran selección de títulos recientes con todas las grandes novedades que se han ido presentando este 2019 en nuestro país. Podéis consultar su web para obtener toda la información.

QUIERO COMERME TU PÁNCREAS
Película ganadora del FAN19
Jatorrizko izenburua: Kimi no suizô wo tabetai
Dirección: Shinichirô Ushijima
Año: 2018
Duración: 108´

La persona protagonista de esta historia encuentra en un hospital el diario de Sakura Yamauchi, una compañera de su clase. Leyendo el cuaderno descubre que a la chica le quedan pocos meses de vida, debido a una enfermedad terminal en su páncreas. Sakura le pide que no cuente su secreto porque, con excepción de su familia, nadie más lo sabe. Tras prometérselo decide también que estará junto a Sakura en sus últimos meses de vida.

MUTAFUKAZ
Dirección: Shôjirô Nishimi, Guillaume Renard
Año: 2017
Duración: 90 min.

Conocíamos el cómic. Francés de divina influencia west coast creado por Guillaume Renard alias Run. Conocíamos a sus criaturas, Angelino, Vinz, Willy. Ya habíamos pisado las calles de su infecta pero inconmensurable ciudad, Dark Meat City. Amábamos su scooter, su calavera en llamas, su angustia vital, su no buscado destino mesiánico. Solo faltaba que alguien hiciera la película. Y han sido el mismo Run y la misma editorial Ankama quienes buscaron y encontraron la complicidad de Shojiro Nishimi, que ya condujo Batman: Gotham Knight (2008), y de la productora STUDIO 4ºC. El resultado es una fascinante mezcla de hip hop, podredumbre, ciencia ficción sobrenatural, horror, lucha libre, tristura existencial y la electrónica del DJ Toxic Avenger.

PSYCHO PASS: SINNERS OF THE SYSTEM. On the Other Side of Love and Hate
サイコパス Sinners of the System
Dirección: Naoyoshi Shiotani
Año: 2019
Duración: 68 min.

Shinya Kogami viaja a la región del Tibet como mercenario independiente. Allí salva a un autobús lleno de refugiados de la guerrilla, incluida una chica japonesa llamada Tenzing Wangchuk. Ella le pide que le enseñe formas de lucha para vengar la muerte de sus padres. Él le advierte de los peligros de la venganza.

En 2019 el célebre estudio de animación IG produjo tres películas dirigidas por Naoyoshi Shiotani y que tienen como protagonistas a algunos de los personajes de la serie Psycho Pass. La tercera de ellas es On the Other Side of Love and Hate y en ella la aventura se centra en Shinya Kogami, personaje principal de la serie.

RIDE YOUR WAVE
Kimi to, Nami ni Noretara (きみと、波にのれたら)
Dirección: Masaaki Yuasa
Año: 2019
Duración: 94 min.

Hinako se siente invencible cuando surfea. Después de trasladarse a un pueblo de la costa, sigue sin tener muy claro su futuro. Cuando se produce un incendio en el pueblo, conoce a un joven bombero llamado Minato. Pronto ambos compartirán su deporte favorito a la vez que descubren que lo que más desean en el mundo es ayudar a otras personas. Sin embargo Hinako tendrá también que aprender a enfrentarse a los contratiempos.

Cuando parecía que las voces propias en el mundo del anime pertenecían a otras décadas, apareció en el panorama Masaaki Yuasa, probablemente uno de los creadores de anime más singulares: Mind game (2004), Lu Over The Wall (2017), Night Is Short, Walk On Girl (2017). El amor está en el agua fue premiada como Mejor largometraje de Animación en el festival de Sitges 2019.

CHILDREN OF THE SEA
Kaijû no kodomo (海獣の子供)
Dirección: Ayumu Watanabe
Año: 2019
Duración: 110 min.

El padre de Ayuka pasa mucho tiempo en el acuario local, donde trabaja. Como sus padres se han separado también la chica permanece largos ratos en ese lugar, fascinada con las especies marinas. Un día conoce a dos chicos llamados Umi y Sora quienes, según cuentan, fueron creados por unas grandes criaturas marinas, lo que explicaría sus especiales habilidades en el mar y en la tierra. Ambos tienen una conexión muy especial con el océano, pero su aparición coincidirá con una serie de misteriosos acontecimientos.

Desde hace más de treinta años Ayumu Watanabe pertenece a los creadores de anime que forman parte de equipos encargados de sacar adelante proyectos para series como After the rain, gurazeni… Responsable de un par de películas de Doraemon, Los niños del mar es su cuarto largometraje de anime.

THE WONDERLAND
Birthday Wonderland (バースデー・ワンダーランド)
Dirección: Keiichi Hara
Año: 2019
Duración: 115 min.

Akane es una chica que no tiene confianza en sí misma pero, un día antes de su cumpleaños, conoce a un alquimista llamado Hippocrates y a su aprendiz Pipo que le implican en su misión para salvar el mundo. A través del sótano de la casa de Akane los tres se adentrarán en un país de las maravillas mágico y misterioso en el que la chica será reconocida como la salvadora de un mundo en peligro.

Keiichi Hara, responsable de títulos tan inolvidables como El verano de Coo (2007) o Colorful (2010), firma este nuevo trabajo en el que ha vuelto a contar con una buena parte del equipo con el que trabajó en su última película, Miss Hokusai (2015).

EL IMPERIO DE LOS CADÁVERES
Shisha no Teikoku (屍者の帝国)
Dirección: Ryoutarou Makihara
Año: 2015
Duración: 120 minutos

En Inglaterra el científico Victor Frankenstein desarrolló una tecnología que permitía resucitar y controlar a personas que han muerto, que fue prohibida. Tras quebrantar la ley el joven Watson se enfrenta a un dilema: trabajar para el gobierno o aceptar su castigo. Así es enviado en una misión secreta para encontrar las anotaciones de Frankenstein, el hombre que consiguió reanimar un cadáver por primera vez.

A partir de la novela del mismo título de Project Itoh (autor también de Genocidal Organ y Harmony), El imperio de los cadáveres ha sido adaptado en formato manga (con dibujos de Tomoyuki Hino) y también en forma de anime, dirigido por Ryoutarou Makihara. Se trata de una historia de ficción ucrónica, un relato situado en un periodo histórico real pero donde hay ciertos elementos cambiados que modifican la historia conocida.

WEATHERING WITH YOU
Tenki no ko (天気の子)
Dirección: Makoto Shinkai
Año: 2019
Duración: 112 min.

Hodaka Morishima es un estudiante de secundaria que vive en una isla aislada y que un día decide mudarse a Tokio. Pronto se dará cuenta de que el aislamiento no se soluciona en la gran ciudad. Tras encontrar trabajo en una revista como escritor, conoce a Hina Amano, una joven que vive con su hermano menor. Pronto descubrirá que la chica tiene un extraordinario poder: es capaz de detener la lluvia y despejar el cielo.

Tras el éxito de Your Name, una de las películas de animación más taquilleras, Makoto Shinkai se adentra en esta nueva fantasía que se estrenó en Japón en julio de 2019 y que representó a Japón en los Premios Oscar.

MIRAI MI HERMANA PEQUEÑA
Mirai no mirai (未来のミライ)
Dirección  Mamoru Hosoda
Año: 2018
Duración: 100 minutos

Kun es un niño de cuatro años cuya vida cambia drásticamente cuando sus padres traen al hogar a su nueva hermana, Mirai. Hasta entonces todo lo que le rodeaba era suyo en exclusividad y no tenía que competir por el interés o el tiempo de sus padres o de su abuela. Cuando una versión adolescente de su hermana viaje en el tiempo para vivir junto a él una aventura extraordinaria, Kun descubrirá lo que conlleva tener una hermana.

El realizador de La chica que saltó en el tiempo, Summerwars o El niño y la bestia, Mamoru Hosoda, es el responsable de esta película que estuvo nominada para los Premios Oscar. Hosoda comenzó trabajando en los estudios Ghibli y pasó porteriormente a Madhouse hasta que fundó el Studio Chizu en 2011, donde ha desarrollado sus trabajos más personales.

DRAGON BALL SUPER BROLY
Doragon bôru chô: Burorî (ドラゴンボール超ブロリ)
Dirección: Tatsuya Nagamine
Año: 2018
Duración: 100 min.

Aunque la Tierra disfruta en paz la celebración del Torneo del Poder, Goku sigue entrenándose sin descanso, consciente de que siguen existiendo enemigos en el Universo. Un día aparece un supersayano llamado Broly, un poderoso guerrero que debía haber sido eliminado hace décadas, cuando fue destruido el planeta Vegeta. Por si fuera poco Frieza vuelve desde el infierno lo que lleva a los héroes a tener que luchar para salvar el planeta.

Responsable de series como One Piece (1999), Digimon Savers the Movie (2006), One Piece Film Z: Glorious Island (2010), One Piece: Heart of Gold (2016), Dragon Ball Super Special: Jiren vs Goku (2017) y películas como Interlude (2004), Tatsuya Nagamine forma parte desde hace años del conocido estudio de animación Toei Animation.

HUMAN LOST
Ningen shikkaku (人間失格)
Dirección: Fuminori Kizaki
Año: 2019

En el año 2036 la medicina ha conseguido superar a la muerte colocando nanomáquinas en lo que se denomina “Shell System”. Sin embargo solo los más ricos pueden acceder a esa tecnología. Yozo Oba no se encuentra entre ellos. Perturbado por unos sueños extraños, decide formar parte de un grupo de moteros que ha decidido adentrarse en The Inside, el lugar donde vive la élite. Una vez allí una serie de terribles descubrimientos cambiarán su manera de entender las cosas.

El nombre de Fuminori Kizaki se puede rastrear en decenas de equipos de animadores responsables de títulos tan conocidos como Neon Genesis Evangelion, Trigun, Ghost in the shell: Stand Alone Complex… y en películas como afro Samurai. Con Human Lost retoma una temática tan estrechamente vinculada al anime como la ciencia ficción y la curiosidad por el mundo del futuro.

WHITE SNAKE
Bai she: yuan qi (白蛇)
Dirección: Amp Wong, Zhao Ji
Año: 2019
Duración: 99 minutos

Un atrapa-serpientes rescata a una mujer amnésica, llamada Blanca, de una muerte segura. Sin embargo con su vuelta a la vida los enigmas no han hecho sino empezar. Ambos comienzan a trabajar juntos para tratar de encontrar pistas que les ofrezcan datos sobre el pasado de Blanca. A medida que avanzan en la investigación comienzan a sentir algo el uno por el otro. Pero, cuando están a punto de descubrir quién es ella, ocurre un terrible suceso.

Amp Wong y Zhao Ji dirigen esta adaptación de una fábula tradicional china titulada Legend of the White snake. La película ha participado en el festival de Annecy, en el London Film festival o en el festival de Sitges, entre otros muchos. China se convierte año a año en una referencia más importante del cine de animación.

ONE PIECE: ESTAMPIDA
One Piece: Stampede (ワンピース スタンピード, Wan Pīsu Sutanpīdo)
Dirección: Takashi Ōtsuka
Año: 2019
Duración: 101 min.

Durante la Fiesta de los Piratas se reúnen piratas de todas partes y comienza una batalla campal. Allí encontraremos, además de a los Piratas Sombrero de Paja, otros personajes secundarios de la serie como miembros de «La Peor Generación», Marines, como Smoker o Koby, empleados del Gobierno Mundial como Rob Lucci o miembros del Ejército Revolucionario como Sabo o Koala. También aparecen nuevos personajes: Douglas Bullet, antiguo miembro de la tripulación de Gold Roger; Buena Festa, organizador de la Pirates Expo o Donald Moderate, anunciador de la Pirates Expo.

Con motivo del 20 aniversario de la creación de la saga One Piece, el 9 de agosto de 2019 se estrenó en Japón One Piece Stampede, la decimocuarta película de estos ya archiconocidos piratas. Dirige el filme Takashi Otsuka, responsable de la serie One Piece: Episode of East Blue (2017).

Mizoguchi nació en Tokio en 1898, poco después de que el invento del cinematógrafo llegara a Japón. Apenas era un niño cuando se enfrentó a los sinsabores de la crueldad y la pobreza. El conflicto bélico que sostenía Japón a nivel internacional provocó una crisis interna y la ruina económica de su padre, un carpintero emprendedor que vio destruidos sus sueños y arruinada su empresa. Todas las biografías insisten en recalcar un hecho determinante para apreciar el compromiso de Mizoguchi por las mujeres y su querencia ideológica siempre al lado de las personas más necesitadas.

La cuestión es que, con el comienzo del siglo XX, viviendo en el popular barrio de Asakusa, el padre de Mizoguchi, empezó a dar síntomas de una enfermiza amargura que se manifestó en una nefasta querencia por el alcohol y comportamientos violentos hacia su mujer. Una deriva fatal que alcanzó su punto más oscuro con la venta de la hermana de Mizoguchi a un establecimiento de geishas.

Feminista en una sociedad que no lo era, e izquierdista en un país que soñaba con conquistas imperiales, Mizoguchi jamás lo tuvo fácil. Nunca renunció a sus señas de identidad e hizo un cine en el que especialmente a partir de los años 30, se hacía perceptible su especial sensibilidad. Un cine de rigor y contención, cine en el que las mujeres con frecuencia ocupan la zona central del escenario y en donde la profundidad de campo se adentra de manera inequívoca en una insufrible desigualdad. Pero lo que más estremece en el cine de Mizoguchi se encuentra en el lado de la enorme calidad humana de sus personajes. Sobrecogen sus criaturas, sus códigos y sus comportamientos, su paso por la vida con una dignidad extraordinaria.

La alta dignidad de la gente ordinaria. Mizoguchi respetó a sus personajes por encima de su status y sus roles. Geishas o emperatrices, cortesanas o señoras, Mizoguchi dibujaba a sus heroínas desde el respeto, la empatía y la complicidad. Supo desde niño, que ser mujer era una dificultad añadida en un mundo cruel e injusto. Y mantuvo siempre, en todas y en cada una de sus películas, una irrenunciable actitud de beligerancia. Con ella retrataba ferozmente los clientes de los burdeles, siempre tambaleantes en su borrachera, siempre misóginos y miserables. La dureza de esa mirada contrastaba con la comprensión hacia sus víctimas.

Hace unos años, el Art House Zinema tuvo un pequeño ciclo con su obra, ahora, 11 películas, muchas de ellas completamente restauradas y en 4K sirven para un reencuentro siempre enriquecedor. Un ciclo con 11 títulos realizados en los últimos años de su vida. En un tiempo difícil cuando el director japonés, sabedor de que una leucemia lo estaba matando lentamente, dirigió con prisa y con sabiduría, lo mejor de su filmografía. Esa que ahora y durante tres meses centra la programación de la Fundación BilbaoArte.

10 Y 13 DE ENERO, 19:00

«LAS HERMANAS DE GION»
Japón, 1936, 67’
Título original: Gion no shimai
Protagonistas: Isuzu Yamada, Yôko Umemura, Benkei Shiganoya, Eitarô Shindô

Las hermanas Omocha y Umekichi son dos geishas que viven en el barrio de Gion, en Kioto. Encarnan dos polos opuestos de la mujer japonesa: mientras Omocha es una chica moderna, Umekichi sigue siendo una tradicional mujer japonesa. Este contraste se agudiza cuando el negocio del mercader Furusawa, su protector y cliente habitual, quiebra.

Las hermanas Omocha y Umekichi, ambas geishas, viven en el barrio de Gion, en la ciudad de Kioto. En más de un sentido, representan los polos opuestos de la mujer japonesa: mientras Omocha es una chica moderna y rebelde, Umekichi sigue siendo tradicional y sumisa. El contraste se agudiza cuando el local del mercader Furusawa, su protector y cliente habitual, quiebra y Omocha comienza a tomar decisiones temerarias que tendrán consecuencias terribles para ambas. Las hermanas de Gion es una fuerte acusación social del tratamiento de la mujer japonesa y el propio Mizoguchi la consideraba su primera obra realmente seria.

17 Y 20 DE ENERO, 18:30

«HISTORIA DEL ÚLTIMO CRISANTEMO»
Japón, 1939, 143’
Título original: Zangiku monogatari
Protagonistas: Shotaro Hanayagi, Kakuko Mori, Kôkichi Takada, Yôko Umemura

Año 1888, Tokio. Kikunosuke es hijo adoptivo de Kikugoro, prestigioso actor del teatro Kabuki durante la era Meiji. Por desgracia, el hijo no tiene las mismas virtudes del padre, lo que provoca el rechazo y la mofa de toda la compañía. La joven y humilde criada Otoku es la única persona que parece preocuparse por Kikunosuke, a quien anima para convertirse en digno sucesor del respetable nombre de Kikugoro en los escenarios. Lejos de la hipocresía general con la que es tratado, Otoku muestra toda su sinceridad hacia él. El cariño y afecto que le transmite acaban despertando el amor en Kikunosuke y la conquista de su autoestima.

Primera parte de la trilogía sobre el teatro y sus gentes durante el periodo Meiji, realizada entre 1939 y 1941 por Kenji Mizoguchi, y de la cual tan sólo se conserva ésta. «Historia del último crisantemo» es una de las películas favoritas del gran realizador japonés, que pudo llevar a cabo con total libertad creativa. Un film excepcional, una obra maestra que supone un sincero homenaje al mundo del teatro. Como una forma de sortear la censura militar durante los años de la Segunda Guerra Mundial, Mizoguchi se refugió en la historia de un actor de teatro kabuki del siglo XIX, que sólo alcanza a perfeccionar su arte gracias a la ayuda de una criada, dispuesta a sacrificar todo por él. La belleza y sofisticación formal del film le han valido comparaciones con el cine de Josef von Sternberg. “Uno de los diez films más importantes de la historia del cine japonés” (Jonathan Rosenbaum)

23 DE ENERO, 19:00: 1º PARTE
24 DE ENERO, 19:00: 2º PARTE
27 DE ENERO, 17:00: PELÍCULA COMPLETA

«LOS LEALES 47 RONIN»
Japón, 1941, 241’
Título original: Genroku Chûshingura
Protagonistas: Yoshizaburo Arashi, Utaemon Ichikawa, Chojuro Kawarasaki, Tokusaburo Arashi

En el año 1701, en la capital real de Edo, el señor feudal Asano ataca al señor Kiru mientras se encuentra en tierra sagrada. Como consecuencia de esa grave ofensa, Asano es obligado a llevar a cabo el ritual del seppuku. Sin embargo, 47 de los samuráis más leales juran vengar a su amo por lo que consideran una traición encubierta. Basada en una de las leyendas niponas más famosas de toda la historia y con su exaltación de los valores tradicionales del honor y la entrega, esta producción de envergadura realizada en dos partes formó parte indirecta del esfuerzo bélico. Mizoguchi fue mucho más allá de ese origen “por encargo” y entregó una de las películas más vitales y profundas de su período intermedio.

La leyenda de los 47 ronin de la era Tokugawa, basada en hechos reales ocurridos a comienzos del siglo XVIII, forma parte del folklore japonés y ha sido retomada por la literatura, el teatro y el cine de ese país en decenas de ocasiones, aunque pocas veces con este nivel de tensión narrativa y profundidad psicológica. En la segunda parte, luego de idas y venidas y una espera de más de un año, los 47 sirvientes del suicidado señor, transformados en orgullosos ronin, llevan a cabo una sangrienta venganza contra Kira, con la guía y liderazgo de Oishi, uno de los principales consejeros de Asano. comparaciones con el cine de Josef von Sternberg. “Uno de los diez films más importantes de la historia del cine japonés” (Jonathan Rosenbaum)

31 DE ENERO, 19:00:

«LA SEÑORITA OYU»
Japón, 1951, 94’
Título original: Oyu-sama
Protagonistas: Kinuyo Tanaka, Nobuko Otowa, Yuji Hori, Kiyoko Hirai

Shinnosuke acepta casarse con Shizu con tal de poder estar cerca de su hermana Oyu, viuda y madre de un hijo. Las costumbres japonesas prohíben que Oyu se case porque su deber es educar a su hijo para que llegue a ser el jefe de la familia de su marido. Entre los tres se creará un extraño vínculo. “Como ocurre frecuentemente en el cine de Mizoguchi, la coda de este film convence y conecta al espectador con lo ya visto, mostrando la tragedia de la condición humana a través de imágenes extraordinariamente expresivas”.

Como ya es habitual en el director, Mizoguchi hace gala de una puesta en escena ejemplar para describir con imágenes las complejas y cambiantes relaciones que se establecen entre los tres personajes, recurriendo la mayor parte de las veces al uso de elaborados movimientos de cámara en combinación de travelling y panorámica. Esto es evidente por ejemplo en la secuencia tras la boda de Shizu y Shinnosuke, en la que encontramos a los tres personajes rezando en el templo: partiendo de un primer plano de Shinnosuke, la cámara retrocede hasta un plano medio del matrimonio para, siguiendo el movimiento de Shizu que se levanta y se sienta junto a Oyu, acabar encuadrando a los tres personajes (Shinnosuke a la izquierda, Oyu a la derecha y Shizu, entre los dos), en una explícita imagen de la situación planteada.

7 DE FEBRERO, 19:00:

«LOS MÚSICOS DE GION»
Japón, 1953, 85’
Título original: Gion bayashi
Protagonistas: Michiko Kogure, Ayako Wakao, Seizaburo Kawazu, Saburo Date

La película se centra en dos jóvenes Geishas, Miyoharu (Michiyo Kogure) y su aprendiz Eiko (Ayako Wakao). Hacia el final de la Segunda Guerra Mundial, la actitud social hacia las mujeres empieza a cambiar en Japón,llevando a la joven Eiko a preguntarse si realmente quiere o no convertirse en una Geisha, una posición que siente que la rebaja en la escala social.

Realizado en uno de los períodos de apogeo de Mizoguchi, este melodrama -uno de los menos conocidos de su autor, también llamado Una geisha– gira alrededor de una adolescente del barrio “rojo” de Kioto, protegida de una geisha veterana, que la impulsa a rebelarse contra el rígido orden social que las oprime. “No sólo una de las obras maestras de Mizoguchi, sino también uno de los trabajos más perfectos de las artes visuales del siglo XX” (Penelope Gilliat en The New Yorker). Los músicos de Gion es también conocida con el título alternativo Una geisha.

14 DE FEBRERO, 19:00:

«CUENTOS DE LA LUNA PÁLIDA»
Japón, 1953, 96’
Título original: Ugetsu monogatari
Protagonistas: Machiko Kyo, Masayuki Mori, Kinuyo Tanaka, Mitsuko Mito

Genjurô y Miyagi son dos aldeanos sin fortuna que viven a la orilla del lago Biwa, de la provincia de Omi, durante el Japón feudal del siglo XVI, afectado por las guerras civiles. Uno trabaja de alfarero y sueña con hacerse rico, y el otro aspira a ser un samurái reconocido.

Basado libremente en un par de clásicos relatos fantásticos tradicionales y en un cuento de Guy de Maupassant –y considerado por Eric Rohmer, entre otros, como uno de los films más bellos en la historia del cine japonés–, Ugetsu es una fábula sobre los peligros de la vanidad y la ambición. “Como ocurre en Rashomon, el punto de partida es un período de guerra intestina y la aventura de un puñado de individuos en medio de la violencia y la convulsión, pero combinando los elementos del más puro folclore con la realidad. En esta extraña y hermosa obra los fantasmas –los amistosos y los vengativos–, las señales mágicas y los rituales, coexisten con el mundo visible” (Gavin Lambert).

21 DE FEBRERO, 19:00:

«LOS AMANTES CRUCIFICADOS»
Japón, 1954, 102’
Título original: Chikamatsu monogatari
Protagonistas: Kazuo Hasegawa, Kyoko Kagawa, Yoko Minamida, Eitaro Shindo

Osan (Kyoko Kagawa) vive en Kioto junto a su esposo Ishun (Eitaro Shindo), un hombre considerablemente rico y mayor que ella. Ishun es tremendamente tacaño y se niega a prestar ayuda económica a la familia de su esposa, por lo que ésta recurre a Mohei (Kazuo Hasegawa), un fiel empleado que desfalcará dinero de su señor para ayudarla, pues secretamente la ama.
Cuando Mohei es traicionado por un compañero y se descubre su robo, es aislado y encerrado fuera de la mansión. Osan, que se siente culpable, decide ayudarle.

La crítica japonesa considera a éste uno de los mejores films de Mizoguchi, quien se basó en una famosa obra teatral de Chikamatsu (el Shakespeare japonés) para narrar la historia de un amor condenado. En Kioto, hacia 1683, la mujer de un comerciante se enamora de su sirviente. La pareja ilícita es perseguida, pero no tanto por la infidelidad de la mujer, sino porque los comerciantes rivales de su marido se proponen destruirlo sacrificando a su esposa. «Ningún cineasta supo filmar tan bien el dinero como verdadero tejido de las relaciones humanas». (Emmanuel Burdeau en Cahiers du Cinéma).

28 DE FEBRERO, 19:00:

«LA MUJER CRUCIFICADA»
Japón, 1954, 83’
Título original: Uwasa no onna
Protagonistas: Kinuyo Tanaka, Tomoemon Otami, Yoshiko Kuga, Eitarô Shindô

Yukiko (Yoshiko Kuga) es una estudiante de música que ha tratado de suicidarse tras un desengaño amoroso. Su madre, Hatsuko (Kinuyo Tanaka), regenta una casa de geishas, hecho que Yukiko desaprueba. Pese a ello, la joven accede a volver con su madre, que le pide al doctor Matoba (Tomoemon Otami) -con quien mantiene una relación- que cuide de ella. El conflicto entre madre e hija se incrementará al surgir el amor entre Yukiko y el joven médico.

Aunque la historia se centrará en el triángulo amoroso y adquirirá el carácter de un melodrama clásico, el contexto de los protagonistas jugará también un papel principal en la obra, y ocupará los pensamientos y las reflexiones de Yukiko, quien en un principio rechazará a las geishas pero que poco a poco se dará cuenta de sus sufridas circunstancias. En este sentido, y empleando a la protagonista, Mizoguchi y los guionistas de la película -Yoshikata Yoda y Masashige Narusawa- reflexionarán acerca de los motivos que llevan a una mujer a ejercer tan dura profesión y sobre la imposibilidad de salir de ella.

La mujer crucificada es un melodrama bastante común, aunque la sobria y elegante narración de Mizoguchi la convierte en una pieza más que apreciable. También destacan sobre el conjunto las tres interpretaciones principales, especialmente la de Kinuyo Tanaka, uno de los grandes iconos de la cinematografía japonesa.

6 DE MARZO, 19:00:

«EL INTENDENTE SANSHO»
Japón, 1954, 123’
Título original: Sanshô dayû
Protagonistas: Kinuyo Tanaka, Yoshiaki Hanayaki, Kyôko Kagawa, Eitarô Shindô

Tamaki (Kinuyo Tanaka) viaja a través del Japón con sus dos hijos, Zushiô (Yoshiaki Hanayagi) y Anju (Kyôko Kagawa). Regresan a su pueblo natal tras muchos años, y recuerdan el momento en el que tuvieron que partir: su padre, gobernador del pueblo, cayó en desgracia por su trato justo hacia los campesinos. Durante ese ca­ mino van recordando las enseñanzas de su padre: los hombres son iguales y hay que apiadarse hasta de los enemigos. Una noche, se alojan en casa de una sacerdotisa, que ayuda a unos bandidos a raptar a los niños. Tamaki será vendida como prostituta, mientras los niños pasan a ser propiedad de Sansho, un cruel y miserable gobernador.

Otra de las obras maestras incontestables en la filmografía de Mizoguchi, El intendente Sansho está “basada en una vieja leyenda budista y reflexiona sobre temas como la esclavitud y la opresión del hombre por el hombre a partir de la historia de una madre separada de sus dos pequeños hijos. Mientras que la mujer es vendida y obligada a prostituirse en una lejana isla, sus hijos son sometidos al trabajo esclavo desde muy temprana edad. Como en otras películas de Mizoguchi se sufre. Y mucho, particularmente si se lleva nombre y ropa de mujer, y aquí el tono se acerca por momentos al de una tragedia clásica. La interpretación de Kinuyo Tanaka es poco menos que sublime y la película incluye al menos tres secuencias de antología, entre ellas el final, uno de los más bellos, devastadores y emocionantes en la historia del cine” (Diego Brodersen, Página/12).

13 DE MARZO, 19:00:

«LA EMPERATRIZ YANG KWEI-FEI»
Japón, 1955, 98’
Título original: Yôkihi
Protagonistas: Machiko Kyô, Masayuki Mori, Sô Yamamura, Eitarô Shindô

En la China del s.VIII, el Emperador está llorando la muerte de su mujer. La familia Yang quiere dar al Emperador un consorte para consolidar su influencia en la corte. El general An Lushan halla trabajando en su cocina a un familiar lejano del Emperador, e intenta emparejarla con él. El Emperador se enamora y la con­ vierte en la princesa Yang Kwei­fei. Los Yang se convierten en importantes ministros, pero An Lushan no recibe ninguna clase de reconocimiento por su labor. El abuso de los ministros es tan alto que una revuelta popular sucede en su contra, promovida por An Lushan.

Primer film del cineasta en color y de una belleza visual sobrecogedora, La princesa Yang Kwei Fei se basa en un poema chino del siglo VIII. Tiene, en la historia de amor entre un emperador y una plebeya, el aire de una leyenda (…) Lo notable es que, llevando su sistema a un grado culminante, Mizoguchi contrapone los elementos de ‘la novela del corazón’ con la más brutal guerra de clanes, intereses palaciegos y miseria de los poderosos. El resultado logra ser, así, una sublime historia de amor y, al mismo tiempo, una visión terminal del poder político, en la que ambas líneas se aniquilan mutuamente” (Horacio Bernades, Página/12). La película fue rodada en Hong Kong en los famosos estudios Shaw Brothers.

20 DE MARZO, 19:00:

«LA CALLE DE LA VERGÜENZA»
Japón, 1956, 85’
Título original: Akasen chitai
Protagonistas: Machiko Kyô, Ayako Wakao, Michiyo Kogure, Aiko Mimasu

«El País de los sueños», un burdel situado en un barrio de Tokio, atraviesa una difícil situación, ya que el Parlamento está a punto de aprobar una ley que prohíbe la prostitución. Retrato de la vida cotidiana de diversas prostitutas: aquellas a las que las circunstancias obligaron a comerciar con su cuerpo, pero también aquellas otras que intentan abandonar ese medio de vida

En su última película, Mizoguchi realiza un sutil pero potente retrato de la vida cotidiana de diversas prostitutas, mujeres a las que las circunstancias obligaron a comerciar con su cuerpo, algunas de las cuales intentan sin éxito abandonar ese medio de vida. “La siniestra música electrónica regresa a la banda de sonido sobre el final, logrando un efecto de fatalidad circular. Mizoguchi parece estar convencido de que a la tragedia de una mujer le seguirá inevitablemente la de otra” (Keiko I. McDonald).

Hace algunos años que decidí dejar de lado las maratones del Sitges Film Festival, en especial la Japan Madness. Hace algunas ediciones me vi a las 5 de la madrugada intentando ver la gamberrada llena de acción que era Yakuza Weapon de Tak Sakaguchi y me era imposible mantenerme despierto a pesar de que la película no da un respiro. Para eso me quedo en la cama, si no voy a poder ni ver las películas. Pero este año, no se muy bien porqué, me llamó la atención la selección maratoniana propuesta, excepto Vampire Clay que era la última y susceptible de no ser vista -como de hecho pasó finalmente- y nos liamos la manta a la cabeza, junto amigos y compañeros festivaleros, que así se lleva mejor, y allá que nos fuimos.

La primera cinta de la velada fue GhostMaster, del joven realizador Paul Young, de padre americano y madre japonesa afincado en Japón y que estuvo presentado la película totalmente desatado -y quizás algo borracho-. Su tráiler daba algo de miedo, ya que parecía una copia a lo destroyer del estilo One Cut of the Dead… pero nada más lejos de la realidad.

La historia nos presenta a Akira Kurosawa, un realizador sin mucha experiencia pero con un gran ímpetu que ejerce las labores de ayudante de un director que intenta hacer una película romántica con unos jóvenes actores en un instituto abandonado. Entre los caprichos de las dos estrellas protagonistas y la ineptitud de parte del equipo es evidente que la película no saldrá muy bien, pero él no desespera, y tiene la esperanza de llevar a buen puerto un drama de ultratumba que está escribiendo y que, para sorpresa de todos y cual deseo cumplido, cobrará vida como libro del infierno para llevar a cabo su propia película macabra y asesina.

A partir de aquí os podéis imaginar que sucede, litros de sangre y acción gore, una puesta en escena de bajísimo presupuesto y efectos visuales muy ajustados, pero resultona en su acabado final y trepidante y divertida como pocas. Además la cinta se plaga de referencias freak a la cultura pop no solo japonesa sino occidental, con momentos tremendamente delirantes. Diversión a raudales que disfrutaran todos los mínimamente aficionados al género.

La segunda cinta de la noche, y curiosamente una de las que tenía ganas de ver, es Fly my to the Saitama, la última producción hasta la fecha del director Hideki Takeuchi, conocido por los aficionados por firmar ambas partes de Thermae Romae.

Parece ser que en Japón, o al menos según la premisa de la película, hay una enemistas regional entre Tokio y sus regiones aledañas, concretamente Saitama. La cinta sigue a una familia de Saitama que va a Tokio mientras escuchan una especie de radio novela con una historia supuestamente real del pasado de la región que narra un enfrentamiento entre los aristócratas creídos de Tokio y los humildes oprimidos de Saitama. Esto es lo que veremos en la película, esa radionovela… y algo más…

Lo primero que sorprende de esta cinta es su estética. Cuando se nos dice que estos hechos ocurren en un pasado japonés, uno podría esperar una estética Jidai-gelki, pero aquí se usa un estilo barroco europeo, digno de una corte francesa, totalmente recargado y rocambolesco. A esto sumamos una música muy aristocrática y un estilo narrativo acorde a ella, con el conocido artista Gackt realizando una interpretación que es casi una parodia de su propia imagen de gentleman… algo bastante absurdo que casa con la idea general de la cinta, una comedia bastante inocentona, y nada desatada, que vendría a ser el “Ocho Apellidos Vascos” japonés ya que basa su humor en los clichés regionales -y en un final super rocambolesco-, aunque es disfrutarle por si misma si entras en la propuesta.

A pesar de tener la sensación de que me estaba perdiendo buena parte de la comedia, yo me lo pasé bien y no me vine abajo -el mayor peligro de una maratón-. A veces el humor este simplón y estúpido me entra muy alegremente -otras veces no-.

Finalizamos la noche -ya adelantaba que la última película nos la saltábamos-, sorprendentemente fresco para ver la película que más ganas tenía de esta maratón, Signal 100 de Lisa Takeba, adaptación del manga homónimo de Arata Miyatsuki -que, evidentemente, no he leído-.

Comenzando como la típica película de institutos japonesa, nos trasladamos a una clase relativamente problemática donde su profesor está ya más que harto de aguantar las faltas de respeto de sus alumnos. Un buen día antes de las vacaciones les dice han sido hipnotizados y que ha implantado en sus mentes 100 normas que deben cumplir, sino la hipnosis hará que se suiciden. Al amanecer solo podrá quedar uno o todos morirán, una vez dicho esto es el profesor quién se suicida. A partir de aquí deberán sobrevivir, y el primer paso es conocer cuales son esas 100 normas.

Su comienzo es algo verdaderamente brutal, impactante y bastante bruto a nivel de suicidios “creativos” de los alumnos. Pero luego la cosa se convierte en una especie de survival bastante light, donde, a lo Battle Royale pero sin violencia, cada alumno sacara a relucir su personalidad y algunos harán uso de su poder para manipular o directamente forzar el suicidio de sus compañeros. Por su parte otros intentarán sobrevivir apoyándose entre ellos y todo se centra en ese variopinto conflicto, sin desparramarse excesivamente en gore o acción. Queda ahí, en un termino medio entre momentos de cierto impacto y drama survival juvenil, bien realizado pero suave para las horas de la madrugada en que la vimos.

Aún así nada mal, me sorprendió para bien ya que, aunque tenía ganas de verla, no es que tuviera grandes expectativas.

Ya se conocen los nominados a la cuadragésimo tercera edición de los Japanese Academy Awards que concede la Academia de cine de Japón. Sorprendentemente la película presente en más categorías ha sido Fly Me To The Saitama, que estuvo en la maratón Japan Madness de la pasada edición del Sitges Film Festival. No era nada Midnight desde luego, y su diseño de producción es excelente, pero eso, 12 nominaciones nada menos. La siguen el drama Family of Strangers con 11 y el espectacular live-action Kingdom con 9. Los ganadores los conoceremos el próximo 6 de marzo, mientras tanto os dejo la lista de nominados.

Mejor Película

Kingdom
The Journalist
Fly Me to the Saitama
Family of Strangers
Listen to the Universe

Mejor Animación

Her Blue Sky
Weathering with You
Detective Conan: The Fist of Blue Sapphire
Lupin III: The First
One Piece: Stampede

Mejor Director

Shinsuke Sato – Kingdom
Masayuki Suo – Talking the Pictures
Hideki Takeuchi – Fly Me to the Saitama
Hideyuki Hirayama – Family of Strangers
Michihito Fujii – The Journalist

Mejor Guión

Shōzō Katashima – Talking the Pictures
Roba Shimori, Akihiko Takaishi and Michihito Fujii – The Journalist
Yūichi Tokunaga – Fly Me to the Saitama
Hideyuki Hirayama – Family of Strangers
Kōki Mitani – Hit Me Anyone One More Time

Mejor Actor

Shōfukutei Tsurube II – Family of Strangers
Masaki Suda – The Great War of Archimedes
Kiichi Nakai – Hit Me Anyone One More Time
Tori Matsuzaka – The Journalist
Gackt – Fly Me to the Saitama

Mejor Actriz

Shim Eun-kyung – The Journalist
Fumi Nikaidō – Fly Me to the Saitama
Mayu Matsuoka – Listen to the Universe
Rie Miyazawa – No Longer Human
Sayuri Yoshinaga – The Bucket List

Mejor actor de reparto

Gō Ayano – Family of Strangers
Yūsuke Iseya – Fly Me to the Saitama
Tasuku Emoto – The Great War of Archimedes
Takashi Okamura – The 47 Ronin in Debt
Kuranosuke Sasaki – Aircraft Carrier Ibuki
Ryo Yoshizawa – Kingdom

Mejor actriz de reparto

Yūki Amami – The Bucket List
Nana Komatsu – Family of Strangers
Mitsuki Takahata – A Banana? At This Time of Night?
Masami Nagasawa – Kingdom
Fumi Nikaidō – No Longer Human

Novato del año

Yukino Kishii – Just Only Love
Yuina Kuroshima – Talking the Pictures
Riho Yoshioka – Blind and Parallel World Love Story
Ōji Suzuka – Listen to the Universe
Win Morisaki – Listen to the Universe
Ryusei Yokohama – Aiuta: My Promise to Nakuhito, Cheer Boys!! and Inakunare, Gunjō

Mejor Banda Sonora

Talking the Pictures
Fly Me To The Saitama
Kingdom
Listen to the Universe
Weathering with you

Mejor Fotografía

Fly Me To The Saitama
Talking the Pictures
Kingdom
Listen to the Universe
Family of Strangers

Mejor Iluminación

Fly Me To The Saitama
Talking the Pictures
Kingdom
Listen to the Universe
Family of Strangers

Mejor Dirección Artística

Fly Me To The Saitama
Talking the Pictures
Kingdom
The Great War of Archimedes
Family of Strangers

Mejor Grabación Sonora

Fly Me To The Saitama
Talking the Pictures
Kingdom
Listen to the Universe
Family of Strangers

Mejor Edición

Fly Me To The Saitama
Kingdom
The Journalist
The Great War of Archimedes
Family of Strangers

Mejor Película Extranjera

Yesterday
Green Book
Joker
The Mule
Once Upon a Time in Hollywood

Afrontamos hoy nuestra última crónica asiática de todo lo que pudimos ver en la pasada edición del Sitges Film Festival afrontando nuestro último día, tres películas entre las que se esconde la mejor película que pudimos ver en este festival, que casualmente es la última película que vimos.

Tras la maratón del día anterior, a la que ya hemos dedicado una crónica, nos levantamos a ritmo de jota aragonesa, eso sí, muy bien ejecutada. En Sitges se celebra el día 12 de octubre de forma muy sonada y festiva, y nuestro apartamento estaba justo al lado de los jardines del Retiro, donde se celebraba este tradicional recital. Tocó dormir poco y aguantar estoicamente este último día, que comenzaba a primera hora de la tarde con esa cita obligada en la que se ha convertido -tras tres años consecutivos- el geki-cine.

Básicamente un teatro grabado con producción y montaje posterior de estilo cinematográfico, ya os hemos contado las bondades de este tipo de productos, que no son cine -eso es evidente- pero si suelen ser muy atractivos y curiosos.

Shiren in the Shadows nos transporta de nuevo a esa época previa a la unificación del país. Tras la muerte de un poderoso señor, diversos grupos luchan por ocupar el poder en el territorio. Una geisha con habilidades letales es contratada para asesinar al líder de los Kanto Skulls. Sin embargo, el objetivo guarda un gran parecido con el hombre al que una vez amó.

Partiendo de una base histórica parecida a la anterior Fortress of Skulls, realizada en el mismo teatro circular -en donde la platea gira 360 grados en torno al escenario- y con unos recursos de producción igualmente impresionantes, he de reconocer que este ha sido el geki-cine que menos me ha gustado de los que he visto y ha sido básicamente debido a su falta de equilibrio. La historia empieza de forma muy densa, con interminables conversaciones poniendo en antecedentes al público, conversaciones que se hacen excesivas y aburridas… tanto que incluyen dos números musicales para aligerar el conjunto, combinación que tampoco me atrajo especialmente. Eso si, pasado ese primer tramo, la cosa vuelve por el camino acostumbrado, con traiciones, giros de guión y unas escenas de acción que llegan a cotas bastante increíbles cuando dos personajes, con cierto aire cómico, llegan a hacer un “matrix” en el aire mientras lazan hoces voladoras en cámara lenta -recordemos, en un teatro en directo-. Pura diversión.

No me entandáis mal, a pesar de esa primera parte algo pesada, el general me gustó bastante, solo que menos que en otras ocasiones. No le recomendaría a la gente entrar con esta obra al género pero está bastante bien para quien ya sepa que le gusta esta formula.

Nuestra segunda película de la tarde era a la que más miedo le tenía, ya que no sabía que esperar realmente de ella. Es indudable que el fenómeno The Ring no solo encumbró la carrera del director Hideo Nakata, sino que también dio alas a un género, el de terror asiático, que ha dado una enorme cantidad de películas -en mi opinión más malas que buenas-. El personaje de Sadako es ya un mito, pero sus última películas han sido desvaríos increíbles entre la acción, el terror adolescente más simplón y el intento de alarde técnico sin sentido alguno. Poco quedaba de ese espíritu de terror sobrenatural simple y directo de la primera producción, y esta nueva Sadako, el retorno del director a este personaje, parecía que podía volver a los orígenes.

Incapaz de decir nada más que su nombre, una chica es hospitalizada en un centro psiquiátrico. Allí la atiende Mayu, que se encariña con ella. Cuando el hermano de Mayu, aspirante a Youtuber, desaparezca mientras intentaba subir un vídeo de terror, esta seguirá su pista hasta la isla de Izu-Oshima, donde el rastro de su hermano y el de su paciente se encuentran con la maldición de Sadako.

Es loable que Hideo Nakata haya intentado volver al personaje al redil del terror, construyendo una cinta sobria en lo visual y sonoro, con un acabado formal que podría recordar perfectamente a aquellas primeras producciones del j-horror. Volvemos al mito de terror, al toque de investigación detectivesca, a la introducción de la tecnología -en este caso sin cinta de vídeo-. Pero el resultado en general es bastante soso y falto de espíritu -casi parece una ironía eso-.

Todo en Sadako parece fuera de lugar, como un refrito de The Ring, Dark Water u otras películas del estilo, bien en muchas cosas pero sin un verdadero hilo de unión, una esencia de conjunto, un animo de verlo como un todo destinado a volver a crear un mito. Se vuelven a los clichés del personaje, a los estereotipos básicos y simplones, y a algunas escenas realmente ridículas. Nada del otro mundo, a pesar del intento.

No es uno de esos despiporres ridículos con un ejercito de Sadakos haciendo de las suyas cuan plaga de cucarachas, pero tampoco es una película destacable. De hecho casi la había olvidado a la hora de escribir estas líneas.

Y así llegamos a nuestra última película, en donde tenía que decidir si ver Weathering with You, la última película de Makoto Shinkai, o The Wild Goose Lake, la último del director chino Diao Yinan. No quiero que suene despectivo, pero no lo dudé ni una vez.

The Wild Goose Lake sigue a Zhou Zenong, un gángster que tras salir de la cárcel se ve implicado en la muerte de un policía. La recompensa por su captura pondrá no solo a la policía en su pista, sino también a las bandas mafiosas, que querrán capturarlo. Tratando de esconderse mientras se recupera de sus heridas, Zhou se encuentra con Liu Aiai, una prostituta de intenciones ambiguas. Zhou deberá enfrentarse a los límites de lo que está dispuesto a sacrificar tanto por esta extraña mujer como para la familia que dejó atrás.

Los que sigáis este espacio sabréis que desde hace tiempo no hago más que alabar el neo noir chino -por llamarlo de alguna forma-, ese cine de ambientación criminal con toque social, narración ambigua y un fuerte estilo visual, en el que los chinos se están convirtiendo en maestros. De hecho este tipo de cine es típicamente chino.

Diao Yinan sigue la línea de su anterior Black Coal, dotando a la cinta de un estilo visual lírico que juega de forma magistral con elementos como las sombras, la lluvia, la noche, las luces de neón y el sonido, añadiendo además una justa dosis de acción y una fuerte personalidad en sus personajes, sobre todo de los dos principales, que se mueven entre largos silencios y conversaciones ambiguas. A veces contemplativa, que parece que no quiere llevarte a ninguna parte más que a lo que estás viendo, a veces directa, con un guión que evoluciona sin descanso, pero sin prisa… Para mi es difícil de describir.

No es una película para todos los públicos, no es una película fácil, pero si es altísimamente satisfactoria. Si sabes que vas a ver, como es este tipo de thriller chino, es una experiencia cautivadora y maravillosa que espero repetir más pronto que tarde.

El Club CineAsia es un proyecto (Cine Asia + Boliche cinemes) que nace con la voluntad de dar continuidad al cine asiático en la cartelera, ofreciendo una nueva propuesta cada quince días. Una oportunidad de recuperar clásicos asiáticos, así como cintas menos conocidas, además de estrenos o premieres nacionales, dentro de un espacio: los Boliche Cinemes de Barcelona (Diagonal, 508), donde, siempre en lunes a las 20h, seguir difundiendo las cinematografías asiáticas.

La programación del primer trimestre del 2020 tendrá dos claros protagonistas: Por un lado, viajaremos a través del celuloide hasta China, con dos títulos de estilos muy diferentes, La boda de Tuya de Wang Quan´an como previa al estreno de su nuevo film El huevo del dinosaurio; y el estreno El lago del ganso salvaje de Diao Yinan, de quien ya disfrutamos su Black Coal en una de las sesiones más exitosas del Club. Por otro lado, dedicamos un ciclo a la mujer en el cine asiático, con tres miradas de diferentes países: en Persépolis su autora Marjane Satrapi nos llevaba hasta su infancia en una Irán en pleno cambio, Lipstick Under my Burkha nos explica la situación de las mujeres en India a través de la mirada punzante de su directora Alankrita Srivastava. Como colofón al ciclo, hemos seleccionado La doncella, la obra maestra de Park Chan-wook, una historia de engaño, pero también de amor, con la libertad de la mujer como protagonista.

27 de enero a las 20h.
El lago del ganso salvaje.
China, 110 min.
Dirección: Diao Yinan
Reparto: Hu Ge, Gwei Lun Mei y Liao Fan.

Zhou Zenong es un gángster de nivel medio que acaba de salir de la cárcel y se convierte en fugitivo esa misma noche, después de que una reunión de bandas que acaba mal provoque la muerte de un policía. Tratando de esconderse mientras se recupera de sus heridas, Zhou se encuentra con Liu, una prostituta que puede haber sido enviada para ayudarle, o bien para entregarlo al capitán de la policía a cambio de una cuantiosa suma. Perseguido por las bandas y por un dispositivo policial que parece abarcar toda la ciudad, Zhou deberá enfrentarse a los límites de lo que está dispuesto a sacrificar tanto por esta extraña como para la familia que dejó atrás.

10 de febrero a las 20h.
La boda de Tuya.
China, 95 min.
Dirección: Wang Quan´an.
Reparto: Yu Nan, Bater, Senge.

Tuya es guapa, fuerte, cuida de sus animales en una región desértica de la Mongolia Interior, tiene dos hijos y está casada con Bater, al que ama profundamente. Pero Bater es inválido, hace tres años tuvo un accidente cavando un pozo. Tuya debe hacerlo todo, pero un día se hace daño en la espalda mientras ayuda a su vecino Senge, un hombre propenso a los accidentes. El médico le dice que si sigue trabajando duro, empeorará, pero ella no hace caso. Incapaz de ver sufrir a su mujer, Bater la convence de que se divorcien para que encuentre a otro que pueda cuidar de ella. Acepta, siempre y cuando la persona que cuide de ella y de sus hijos también cuide de Bater. Cuando los pretendientes empiezan a llegar, anuncia que se casará con el hombre que acepte la poliandria.

24 de febrero a las 20h.
Persépolis.
Francia, 96 min.
Dirección: Marjane Satrapi.
Animación.

Persépolis es la conmovedora historia de una chica iraní desde la revolución islámica hasta ahora. La historia comienza cuando los fundamentalistas toman el poder forzando a las mujeres a llevar velo y encarcelando a miles de personas. Sin embargo ella es muy astuta y descubre el punk, ABBA y a Iron Maiden mientras vive el terror de la persecución del nuevo gobierno y la guerra de Irán e Irak. Como adolescente la envían a Europa donde por fin puede comparar otras culturas con el fundamentalismo religioso del que escapó.

9 de marzo a las 20h.
Lipstick Under my Burkha.
India, 117 min.
Dirección: Alankrita Srivastava.
Reparto: Shashank Arora, Sonal Jha, Plabita Borthakur.

Cuatro mujeres de diferentes edades protagonizan esta historia ambientada en una pequeña ciudad de India. Una joven universitaria lucha por convertirse en una cantante pop en el seno de una estricta familia musulmana. Una oprimida ama de casa busca compaginar sus tareas en el hogar con el trabajo de vendedora ante un marido que pasa más tiempo fuera de casa que en ella. Una joven está a punto de casarse en un matrimonio concertado, pero sueña con marcharse de la ciudad, enamorada de un fotógrafo con el que ha iniciado una relación. La última de ellas es una mujer viuda amante de las novelas románticas, que redescubre la pasión que creía perdida. Cuatro historias con un punto en común: todas ellas quieren la libertad en un mundo dominado por los hombres y las tradiciones.

23 de marzo a las 20h.
La doncella.
Corea del Sur, 144 min.
Director: Park Chan-Wook.
Reparto: Kim Min-Hee, Kim Tae-Ri, Ha Jung-Woo, Jo Jin-Woong.

Corea, década de 1930, durante la colonización japonesa. Una joven carterista, Sookee, es contratada por un falso Conde para robar la herencia de una rica mujer japonesa Hideko, que vive recluida en una gran mansión bajo la influencia de su tiránico tio Kouzuki. Para ello, Sookee se hará pasar por su doncella.

Hace unos días que la Hong Kong Film Critics Society dio a conocer sus premios a lo mejor del pasado año. El drama romántico gay Suk Suk se ha llevado el premio de la crítica a mejor película, al igual que su actor principal Tai Bo, quien comparte premio con Terrance Lau por su papel en Beyond The Dreams, que también ha reconocido a su actriz principal Cecilia Choi. Por su parte el premio a mejor director ha sido para Derek Tsang por Better Days, mientras que el de mejor guión ha sido para el debutante Norris Wong, quien también dirige My Prince Edward. A continuación tenéis la lista de premiados, además del top de películas recomendadas.

Mejor Película

Suk Suk

Mejor Director

Derek Tsang Kwok-cheung (Better Days)

Mejor Guión

Norris Wong Yee-lam (My Prince Edward)

Mejor Actor

Tai Bo (Suk Suk)
Terrance Lau Chun-him (Beyond the Dream)

Mejor Actriz

Cecilia Choi Si-wan (Beyond the Dream)

Top películas recomendadas

Suk Suk
Bamboo Theatre
My Prince Edward
The Great Detective Sherlock Holmes ” The Greatest Jail Breaker
The New King of Comedy
Beyond the Dream
Better Days

Fundación Japón empieza el año con un ciclo dedicado al mejor cine japonés reciente y a una nueva generación de directores que han atraído la atención del público y de la crítica tanto en Japón como fuera de sus fronteras. Bajo ese título de “nuevos talentos” se ubican un grupo de directores que ya sea por su juventud, como en el caso de Ryusuke Hamaguchi, Ū-ki Yamato o Yûya Ishii, nacidos todos en la década de los 80 o cerca de ella, o por haber realizado sus trabajos mejor valorados por la crítica en los últimos años, están renovando el panorama cinematográfico japonés.

Unos nuevos “maestros del cine japonés” que, en esta selección de películas, producidas todas en los últimos cinco años, muestran tener inquietudes similares, como la atención a las pequeñas historias, la relación de sus personajes con sus entornos o el gusto por trabajar con jóvenes y apenas conocidos actores, pero, sobre todo, demuestran su interés por una temática común, el desafío que supone para sus personajes el amor en su más diversas manifestaciones, desde el amor romántico al paterno filial.

Lugar: Cineteca Madrid (Plaza de Legazpi, 8, 28045 Madrid).
Entradas: 3.5 euros.

Martes 4 de febrero.
Takara, la noche que nadé /「泳ぎすぎた夜」
Kohei Igarashi, Damien Manivel, 2018, 79 minutos.

Esta pequeña película, producida de forma conjunta entre Japón y Francia y codirigida por Kohei Igarashi, director de Iki wo koroshite (Hold your Breath Like a Lover), y Damien Manivel (Un jeune poète), pasó exitosamente por la 74ª Edición del Festival de Cine Internacional de Venecia.

Justo antes del amanecer en un pequeño pueblo situado en un valle de Aomori, un padre (Takashi Kogawa) intenta no despertar a su familia mientras se prepara para ir al trabajo en un mercado de pescado. Sin embargo, su hijo de seis años (Takara Kogawa) se despierta por el ruido. Después de que su padre se vaya, el niño dibuja un pez con sus lápices colores. A la mañana siguiente, en vez de seguir su camino a la escuela, se dirige al mercado de pescado para poder darle a su padre el dibujo que con tanto amor ha hecho.

Jueves 6 de febrero.
Drowning Love /「溺れるナイフ」
Ū-ki Yamato, 2016, 111 minutos.

Basada en el cómic best-seller Oboreru Knife (Drowning Knife) de George Asakura, la joven creadora Ū-ki Yamato ha dirigido esta adaptación cinematográfica en la que retrata con delicadeza un frágil amor adolescente protagonizado por las jóvenes estrellas Nana Komatsu (Silencio, Martin Scorsese) y Masaki Suda (The Light Schines Only There, Mipo Oh).

Natsume (Komatsu), una modelo adolescente que se muda desde Tokio al pueblo de donde es originaria su familia, pasa los días sin ningún tipo de motivación. Tras conocer a Koichiro (Suda), heredero de una familia de tradición sintoísta que dirige el pueblo, se enamora de él como si hubiese caído en un hechizo. Tanto cuando están separados como cuando están juntos, Natsume intenta encontrar su lugar en el mundo a través de la relación con Koichiro.

Viernes 7 de febrero.
Asako I & II /「寝ても覚めても」
Ryusuke Hamaguchi, 2018, 119 minutos.

Debut en el cine comercial de Ryusuke Hamaguchi, quizá el director japonés más prestigioso internacionalmente de su generación y cuya anterior película, Happy Hour, ganó el premio a Mejor Actriz en el 68º Festival Internacional de Cine de Locarno. Hamaguchi ofrece un toque sensible al retrato de las emociones de una mujer que vacila ante la presencia de dos hombres con el mismo rostro.

Ryohei (Masahiro Higashide), un joven trabajador asalariado, se enamora de Asako (Erika Karata), que trabaja en una cafetería cercana a su oficina. Aunque Asako se siente desconcertada en un primer momento por el carácter algo puritano de Ryohei, pronto se ve atraída por él. Se van conociendo mejor, pero Asako tiene un secreto que no puede compartir con él. Su rostro es exactamente igual al de su exnovio, Baku (Higashide), de quién se enamoró apasionadamente en un fatídico romance.

Domingo 9 de febrero.
Japanese Girls Never Die /「アズミ・ハルコは行方不明」
Daigo Matsui, 2016, 100 minutos.

La película es una adaptación de la novela de Mariko Yamauchi, en la que se retrata a varias mujeres contemporáneas y sus actitudes con respecto a la vida. Al mando de esta historia se pone el director Daigo Matsui (Watashino Haa Haa).

En una pequeña ciudad provincial en decadencia vive Haruko Azumi (Yu Aoi), una empleada de oficina soltera, hasta que un día desaparece de repente. Por toda la ciudad se ponen carteles de la desaparecida, e incluso se viraliza una serie de grafitis con la imagen de Haruko. Por otro lado, aparecen rumores sobre la conexión entre Haruko y una banda de chicas de secundaria que se dedicaban a atacar a hombres de forma aparentemente indiscriminada.

Miércoles 12 de febrero.
Dear Etranger /「幼な子われらに生まれ」
Yukiko Mishima, 2017, 127 minutos.

La directora de A Stich of Life, Yukiko Mishima, lleva a la gran pantalla la novela de Kiyoshi Shigemasu con guion de Haruhiko Arai, guionista de Vibrator.

Makoto (Tadanobu Asano) no consigue llevarse bien con la hija de su segunda esposa, Nanae (Rena Tanaka). Además, ahora que ella está esperando su primer hijo juntos, Makoto ya no puede decir que tiene ganas de conocer mejor a la hija de su anterior matrimonio con Yuka (Shinobu Terajima). A medida que Makoto empieza a sentirse asfixiado por su familia actual, decide medio desesperado que su hijastra se reúna con su padre biológico, Sawada (Kankuro Kudo).

Jueves 13 de febrero.
Three Stories of Love /「恋人たち」
Ryosuke Hashiguchi, 2015, 140 minutos.

El director Ryosuke Hashiguchi vuelve tras siete años desde All Around Us con un nuevo largometraje. Los tres protagonistas son actores relativamente desconocidos elegidos personalmente por Hashiguchi, que escribió el papel que iban a interpretar especialmente para ellos. El resultado final es un retrato detallado de las emociones de unos personajes que se enfrentan a las adversidades que les propicia la vida.

Atsushi (Atsushi Shinohara) perdió a su mujer en un desafortunado asesinato callejero. Toko (Toko Narushima) vive con un marido desinteresado y una suegra antipática. Shinomiya (Ryo Ikeda) es un abogado de élite homosexual. A medida que el cambio llega a sus vidas, poco a poco comienzan a apreciar la belleza en su vida diaria.

Martes 25 de febrero,
Her Love Boils Bathwater / 「湯を沸かすほどの熱い愛」
Ryota Nakano, 2016, 125 minutos.

Un drama familiar sobre el intenso amor de una madre a punto de morir y un final que parte el corazón. Esta película fue escrita y dirigida por Ryota Nakano, director que cautivó al público con Capturing Dad.

Futaba (Rei Miyazawa), cuyo marido la abandonó sin explicación hace un año, vive con su tímida hija, Azumi (Hana Sugisaki). Cuando Futaba recibe de forma repentina el diagnóstico de una enfermedad terminal, ella decide utilizar el poco tiempo que le queda para recuperar a su marido, reanudar el negocio familiar de baños públicos que había cerrado en su momento y guiar a Azumi hacia el camino de la independencia.

La Embajada del Japón en España, en colaboración con Selecta Visión, organiza en los cines Kinépolis Ciudad de la Imagen el IV Ciclo de Cine Japonés en Madrid, que tendrá lugar del 4 al 13 de febrero y proyectará 5 películas de animación, dos de ellas de preestreno en España. A continuación os dejamos la programación general.

EL AMOR ESTÁ EN EL AGUA
Kimi to, Nami ni Noretara, 2019.
Dirección: Masaaki Yuasa.

Tras acceder a la Universidad, Hinako se muda a un pueblo de la costa. Allí se dedica a coger olas, pues se siente invencible cuando surfea, pera sigue sin tener claro qué le depara el futuro. Cuando se desata un fuego en el pueblo, Hinako conoce al joven bombero Minato. A medida que ambos comparten su tiempo mientras se dedican a su deporte favorito, Hinako comienza a darse cuenta de que lo que más desea en el mundo es, como Minato, ayudar a otras personas.

LOS NIÑOS DEL MAR
Kaijû no kodomo, 2019.
Dirección: Ayumu Watanabe.

Ruka es una joven adolescente cuyos padres se han separado. Su padre trabaja en el acuario local, por lo que pasa mucho tiempo allí, fascinada con la enorme cantidad de especies marinas que allí se dan cita. Un día, dos chicos llamados Umi y Sora son trasladados al acuario por problemas familiares. Tras entrar en contacto con ellos, Ruka se da cuenta de que ambos tienen una conexión especial con el océano, al igual que ella. Sin embargo, el poder de sus dos nuevos amigos parece interponerse con los intereses del acuario y de la población en la que todos residen.

EL TIEMPO CONTIGO
Tenki no ko, 2019.
Dirección: Makoto Shinkai.

Hotaka Morishima es un estudiante de secundaria que se muda a Tokio para dejar atrás su vida en una isla aislada del mundo. Allí conocerá a Akina Amano, una chica con el misterioso poder de manipular y controlar el clima a su antojo.

THE WONDERLAND
The Wonderland, 2019.
Dirección: Keiichi Hara.

Akane es una chica que carece de confianza en sí misma. Un día antes de su cumpleaños conoce al misterioso alquimista Hippocrates y a su estudiante Pipo, quienes aseguran estar en una misión para salvar el mundo. Juntos ponen rumbo al «País de las Maravillas», donde Akane pronto comienza a ser reconocida como la mesías de un mundo en peligro.

HUMAN LOST
Tenki no ko, 2019.
Dirección: Fuminori Kizaki

Año 2036. Una revolución en el mundo de la medicina ha logrado superar a la muerte colocando pequeñas nanomáquinas en el denominado «Shell System». Sin embargo, sólo los más pudientes pueden acceder a esta tecnología. Yozo Oba no está entre ellos. Perturbado por sus extraños sueños, decide entrar a formar parte del grupo de moteros de su mejor amigo justo antes de que éstos se adentren en «The Inside», el lugar en el que vive la élite. Una vez dentro, una serie de terribles descubrimientos cambiarán para siempre la vida de Yozo.

En los últimos años los premios procedentes de la india cambian muchísimo de fechas, cuando te quieres dar cuenta ya se han celebrado o se han retrasado varios meses. Resulta que la sexagésimo quinta edición de los Filmfare Awards, organizados por el conocido grupo mediático “Times Group” y, a efectos prácticos, los más prestigiosos y conocidos de la India, se celebrarán el próximo día 15 de febrero y desde hace algunos días se conocen ya sus nominados principales. Entre las películas presentes destacar el drama contemporáneo Gully Boy, que ya estuvo en la carrera a los Oscars por la India, la bélica URI: The Surgical Strike, el espectáculo superlativo que representa la cinta de acción War, el melodrama Chhichhore y Mission Mangal, que narra la historia real de la mujer detrás de la primera misión a marte de la India. A continuación tenéis la lista completa de nominados.

Mejor Película

Gully Boy
Mission Mangal
URI: The Surgical Strike
Chhichhore
War

Mejor Director

Aditya Dhar – URI: The Surgical Strike
Jagan Shakti – Mission Mangal
Nitesh Tiwari – Chhichhore
Siddharth Anand – War
Zoya Akhtar – Gully Boy

Mejor Actor

Akshay Kumar – Kesari
Ayushmann Khurrana – Bala
Hrithik Roshan – Super 30
Shahid Kapoor – Kabir Singh
Ranveer Singh – Gully Boy
Vicky Kaushal – URI: The Surgical Strike

Mejor Actriz

Alia Bhatt – Gully Boy
Kangana Ranaut – Manikarnika: The Queen of Jhansi
Kareena Kapoor Khan – Good Newwz
Priyanka Chopra – The Sky Is Pink
Rani Mukerji – Mardaani 2
Vidya Balan – Mission Mangal

Mejor Actor de reparto

Diljit Dosanjh – Good Newwz
Gulshan Devaiah – Mard Ko Dard Nahi Hota
Manoj Pahwa – Article 15
Ranveer Shorey – Sonchiriya
Siddhant Chaturvedi – Gully Boy
Vijay Verma – Gully Boy

Mejor Actriz de reparto

Amrita Singh – Badla
Amruta Subhash – Gully Boy
Kamini Kaushal – Kabir Singh
Madhuri Dixit – Kalank
Seema Pahwa – Bala
Zaira Wasim – The Sky Is Pink

Mejor Actor revelación

Abhimanyu Dassani – Mard Ko Dard Nahi Hota
Meezaan Jaffrey – Malaal
Siddhant Chaturvedi – Gully Boy
Vardhan Puri – Yeh Saali Aashiqui
Vishal Jethwa – Mardaani 2
Zaheer Iqbal – Notebook

Mejor Actriz revelación

Ananya Pandey -Student of the Year 2
Pranutan Bahl – Notebook
Tara Sutaria – Student of the Year 2
Saiee Manjrekar – Dabangg 3
Sharmin Sehgal – Malaal
Shivaleeka Oberoi – Yeh Saali Aashiqui

Mejor Director revelación

Aditya Dhar – URI: The Surgical Strike
Jagan Shakti – Mission Mangal
Raaj Shaandilyaa – Dream Girl
Raj Mehta – Good Newwz
Gopi Puthran – Mardaani 2
Tushar Hiranandani – Saand Ki Aankh

Mejor Película (Crítica)

Article 15 – Anubhav Sinha
Mard Ko Dard Nahi Hota – Vasan Bala
Photograph – Ritesh Batra
Sonchiriya – Abhishek Chaubey
The Sky Is Pink – Shonali Bose

Mejor Actor (Crítica)

Akshaye Khanna – Section 375
Ayushmann Khurrana – Article 15
Nawazuddin Siddiqui – Photograph
Rajkummar Rao – Judgementall Hai Kya

Mejor Actriz (Crítica)

Bhumi Pednekar – Sonchiriya
Bhumi Pednekar – Saand Ki Aankh
Kangana Ranaut – Judgementall Hai Kya
Radhika Madan – Mard Ko Dard Nahi Hota
Sanya Malhotra – Photograph
Taapsee Pannu – Saand Ki Aankh

Mejor Historia original

Article 15 – Anubhav Sinha, Gaurav Solanki
Chhichhore – Nitesh Tiwari, Piyush Gupta and Nikhil Mehrotra
Gully Boy – Zoya Akhtar, Reema Kagti
Mard Ko Dard Nahi Hota – Vasan Bala
Mission Mangal – Jagan Shakti
Sonchiriya – Abhishek Chaubey and Sudip Sharma

Mejor Música

Bharat – Vishal Shekhar
Gully Boy – Ankur Tewari and Zoya Akhtar
Kabir Singh – Mithoon, Amaal Malik, Vishal Mishra, Sachet-Parampara, Akhil Sachdeva
Kalank – Pritam
Kesari – Tanishk Bagchi, Arko Pravo Mukherjee, Chirantan Bhatt, Jasbir Jassi, Gurmoh, Jasleen Royal

Mejor Letras

Amitabh Bhattacharya – Kalank Nahi (Kalank)
Divine and Ankur Tewari – Apna Time Aayega (Gully Boy)
Irshad Kamil – Bekhayali (Kabir Singh)
Manoj Muntashir – Teri Mitti (Kesari)
Mithoon – Tujhe Kitna Chahne Lage (Kabir Singh)
Tanishk Bagchi – Ve Mahi (Kesari)

Mejor Playback femenino

Neha Bhasin – Chashni (Bharat)
Parampara Thakur – Mere Sohneya (Kabir Singh)
Shilpa Rao – Ghungroo (War)
Shreya Ghoshal – Yeh Aaina (Kabir Singh)
Shreya Ghoshal and Vaishali Mhade – Ghar More Pardesiya (Kalank)
Sona Mohapatra and Jyotica Tangri – Baby Gold (Saand Ki Aankh)

Mejor Playback masculino

Arijit Singh – Kalank’s title (Kalank)
Arijit Singh – Ve Mahi (Kesari)
Nakash Aziz – Slow Motion (Bharat)
B Praak – Teri Mitti (Kesari)
Sachet Tandon – Bekhayali (Kabir Singh)

Mejor Guión

Article 15 – Anubhav Sinha, Gaurav Solanki
Gully Boy – Reema Kagti, Zoya Akhtar
Mission Mangal – R Balki, Jagan Shakti, Nidhi Singh, Dharma, Saket Kondiparthi
Saand Ki Aankh – Balwinder Singh Janjua
Section 375 – Manish Gupta, Ajay Bahl
Sonchiriya – Sudip Sharma

Mejores Diálogos

Article 15 – Anubhav Sinha, Gaurav Solanki
Bala – Niren Bhatt
Chhichhore – Nitesh Tiwari, Piyush Gupta and Nikhil Mehrotra
Gully Boy – Vijay Maurya
Sonchiriya – Sudip Sharma
Super 30 – Sanjeev Dutta

Casa Asia presenta un nuevo ciclo de cine procedente de la India con ocho películas recientes, que muestran la diversidad de una sociedad inabordable. Tratándose de un país con 24 idiomas oficiales y más de 1600 lenguas, a las que corresponden culturas e identidades diversas, es fácil imaginar que el cine a pesar de su proliferación en este país nunca podrá agotar sus narrativas.

El primer caso es la película Bhonsle (2018), dirigida por Devashish Makhija, que obtuvo el premio a mejor director y mejor guion en la Sección Oficial del Asian Film Festival Barcelona | AFFBCN 2019, en la que se cuestiona la identidad del extranjero o del migrante en un país donde parece que no existen fronteras físicas, pero que en realidad si existen, aunque ocultas y exigen su reconocimiento. Los interrogantes se suceden en relación a la definición de identidad y a la propiedad de la tierra a la que aquella pertenece. De hecho, la importancia de esta película se debe a su narrativa que es constitutiva de todos los temas que se conectan entre si en una sociedad plural tanto en el aspecto religioso como social y en donde la tolerancia es una regla de oro para la convivencia. Los títulos restantes Khejdi, Painting Life, Darklight, Oxigen, Pipsi: A Bottle Full of Hope y Namdev Bhau: In Search of Silence han sido producidos entre 2018 y 2019 con la única excepción de Agam que se realizó en 2017. Todas las películas programadas son dramas que exponen el malestar de una gran sociedad dividida socialmente y en cuyas grandes ciudades la demografía incrementa la densidad poblacional multiplicando los conflictos domésticos. Películas como Oxigen se apartan de estas características generales, ya que la acción se rueda en los bosques vírgenes de Poonch y en los alrededores de Cachemira. No obstante, la trama denuncia la corrupción de ciertos empleados públicos que pretenden enriquecerse a costa de la tala incontrolada de árboles. Esta película dirigida por Shoib Nikash Shah que cierra el ciclo, se presentó en el Festival de Cannes de 2019 y en la pasada edición del Asian Film Festival Barcelona.

Sábado 1 de febrero de 2020, 20h
Bhonsle
Dir: Devashish Makhija | 2018 | 128’ | Drama | VOSC

Con “Bhonsle” su director trata de formular una de las preguntas más apremiantes de nuestros tiempos: ¿Quién es un migrante? ¿Qué define a alguien como un forastero? ¿Dónde está la línea que marca las fronteras? ¿Quién decide quién está dentro y quién está fuera de esa línea? Si cada una de nuestras historias se remonta lo suficiente, ¿no somos todos migrantes en nuestras tierras de una forma u otra? ¿Puede el hombre incluso reclamar una tierra como suya? ¿Cuándo nos volvimos tan arrogantes como especie? Y finalmente, ¿cuál será el precio de esta arrogancia? La película se presentó en varios festivales internacionales. Ganó el premio a mejor director y mejor guión en la sección oficial del Asian Film Festival Barcelona 2019.

Devashish Makhija es cineasta, guionista, artista gráfico, escritor de ficción y poeta. Ha asistido e investigado para “Black Friday” (2004) y fue asistente de dirección en “Bunty aur Babli” (2005). Ha escrito numerosos guiones y libros, y organizó la exposición de arte “Occupying Silence”. Como guionista y director, ha participado en los cortometrajes “Taandav” (2016), “El’ayichi” (2015), “Rahim Murge pe mat ro” (2010) y “Absent” (2016), y los largometrajes “Aiji” (2017) y “Bhonsle”.

Sábado 8 de febrero de 2020, 20h
Agam
Dir: Sumit Mishra | 2017 | 88’ | Drama | VOSE

“Agam” es una película basada en tres historias, “Yatra”, “Manikarnika” y “Deh-Tantra”, ambientadas en la región de Banaras, concretamente en las ciudades de Shiy, Shay y Occult. La trama explora cómo se desarrolla la vida de tres personas. En “Yatra”, un viajero que ha conseguido romper sus ataduras con el monasterio hindú “God head and the Math” y emprende un viaje en búsqueda del conocimiento y la verdad. En “Manikarnika”, una mujer recién casada que trata de sobrellevar el hedor y las vistas a las piras funerarias de su nueva casa. Y finalmente, “Deh-Tantra” es una historia de amor y atracción entre un hombre y una mujer, que se adentra en la psicología femenina y masculina. La película se ha presentado en el Cairo International Film Festival 2017, el Dhaka International Film Festival 2018 y el Zanzibar International Film Festival 2017.

Sumit Mishra es pintor, director de arte y cineasta. Tras sus comienzos en la pintura, la literatura y sobre todo en la dirección artística en la pequeña y gran pantalla, ahora ha fijado su atención en desempeñarse como guionista y director. Ha colaborado en producciones como “Amrita and I”, la cual ha ganado numerosos premios y reconocimientos. Su último trabajo, “Agam”, es un proyecto ambicioso que representa tres caras diferentes de la cultura de Banaras.

Sábado 15 de febrero de 2020, 20h
Khejdi
Dir: Rohit Dwivedi | 2018 | 92’ | Drama | VOSE

Khejdi nace como una persona intersexual, y su padre, temiendo el ostracismo y la condena de la sociedad que podría padecer, la mantiene encerada en casa. Para evitar que los aldeanos la vean y la maten, le dicen que si sale, contraerá una enfermedad peligrosa. Ella crece protegida e inocente ante la forma en la que funciona el mundo. Sin embargo, intuye que falta algo en su vida, además de la falta de socialización y contacto humano. Ahora que es una mujer joven, Khejdi comienza a cuestionar a su padre y todo lo que le ha contado, como primer paso para acabar encontrando su lugar en el mundo, encontrándose con la cruda realidad social de su entorno. La película se presentó en el Delhi Habitat Film Festival 2019, el Dhaka International Film Festival 2019 y el Kashish Mumbai International Queer Film Festival 2018.

Rohit Dwivedi es uno de los directores de series televisivas más aclamados por la crítica en la industria de televisión india. Ha debutado como director con “Kaisa Yeh Pyaar Hai”(1996). Nativo de Kanpur, Rohit Dwivedi se ha licenciado en arte por la Universidad de Delhi, y se dedica a preservar el teatro hindi junto con otras formas de artes escénicas reconocidas mundialmente.

Sábado 22 de febrero de 2020, 20h
Painting Life
Dir: Bijukumar Damodaran | 2018 | 140’ | Drama | VOSE

Un equipo dirigido por un exitoso cineasta de Bollywood llega a una remota aldea del Himalaya para filmar un video musical y una secuencia de baile. Pronto se encuentran aislados del mundo exterior tras unas lluvias torrenciales y deslizamientos de tierra, y obligados a pasar por varias intensas e inolvidables experiencias. Cómo esos días accidentados por el asedio afectan los pensamientos y las prioridades del cineasta, constituye el tema central de la película. La película se presentó en cuatro festivales de cine internacionales. Ganó el premio al Mejor Guión en el Aurangabad International Film Festival 2019 y el Premio de la Crítica en el Oporto International Film Festival 2019.

Bijukumar Damodaran, también conocido como Dr.Biju, es un guionista y cineasta ganador de tres premios nacionales en la India. Las ocho películas que ha realizado durante la última década han obtenido cinco premios nacionales de cine, cuatro selecciones de panorama indio, trece premios de cine estatales de Kerala y muchos otros reconocimientos nacionales e internacionales. Las películas de Dr. Biju se han proyectado en festivales de cine de renombre mundial. “Painting Life” es su primera película en inglés. Ha sido rodada íntegramente en el estado de Sikkim de l’Himalaya con un elenco y un equipo de origen indio proveniente de más de diez estados diferentes.

Sábado 29 de febrero de 2020, 20h
Darklight
Dir: Mayur Hardas | 2018 | 113’ | Drama | VOSE

Es el eterno resplandor de la mente lo que motiva a la gente a vivir una vida hermosa. Una chica a mediados de sus veinte años está atrapada en una vida aburrida, y la carga de la presión social y las expectativas familiares. Siendo la mayor, sus padres esperan que se establezca, con un buen trabajo y carrera. Su vida está estancada en un extraño círculo vicioso y no puede avanzar según las expectativas de su familia. En muy poco tiempo su vida dará un giro totalmente inesperado, y empezará una lucha por la libertad y la supervivencia. Película no recomendada para menores de 16 años.

Mayur Hardas es editor, director de fotografía, director cinematográfico y guionista. Es conocido por “Raakshas” (2018), “Cycle” (2018) y “Hostel Days” (2018). “Darklight” es su primer largometraje como director y guionista.

Sábado 14 de marzo de 2020, 20h
Pipsi: A Bottle Full of Hope
Dir: Rohan Deshpande | 2018 | 98’ | Drama | VOSE

Ambientada en la zona rural de Maharashtra, “Pipsi” proporciona una visión del mundo a través de los ojos de dos niños. La trama se centra en la historia de Chaani, de ocho años, y su mejor amiga Balu. Chaani se embarca en un esperanzador viaje para salvar a su madre enferma, con la firme convicción de que su destino está ligado a la vida de un pez al que llama Pipsi. Su mejor amiga, Balu, es su apoyo constante a través de esta apasionante empresa. La película se ha presentado en el Jio MAMI Mumbai Film Festival 2017.

Rohan Deshpande es editor de cine. Es conocido por “Picnic” (2019) y “Sobat” (2018). “Pipsi” (2018), su película debut como director, presenta una bonita historia sobre la fe inocente y la esperanza obstinada.

Sábado 21 de marzo de 2020, 20h
Namdev Bhau: In Search of Silence
Dir: Dar Gai | 2018 | 84’ | Drama | VOSC

Namdev Bhau es un chofer de 65 años que se ha cansado de los ruidos de la ciudad de Mumbai y ha hecho voto de silencio. Un día, decide dejarlo todo en busca del “Silent Valley”, un fenómeno natural conocido por producir un sonido próximo a los cero decibelios. Durante su viaje, se encuentra con un exasperante niño de 12 años, que está realizando su propia expedición en solitario al místico “Castillo Rojo”. La película se ha presentado en el Delhi Habitat Film Festival 2019, el Jio MAMI Mumbai Film Festival 2018, el BFI London Film Festival 2018 y el Busan International Film Festival 2018.

Como parte del conocido grupo de teatro ucraniano “Incunabla”, Dar Gai ha trabajado con varios directores de teatro de renombre, como Andriy Pryhodko, Tetyana Shuran y Vladislav Troitksiy. Tras obtener una licenciatura y un máster en filosofía con una especialización en cine y teatro en Kiev (Ucrania), Dar fue invitada a la India para dirigir una obra de teatro en Gwalior y también para enseñar escritura creativa y apreciación cinematográfica en Whistling Woods International en Mumbai. Desde entonces, Dar ha estado escribiendo y dirigiendo largometrajes, programas de televisión, anuncios, cortometrajes y videos musicales en la India. Sus primeras películas originales están profundamente arraigadas en la India pero tienen un amplio alcance internacional, ya que se les reconoce una sensibilidad europea.

Sábado 28 de marzo de 2020, 20h
Oxygen
Dir: Shoib Nikash Shah | 2019 | 82’ | Drama | VOSC

Rodado en los imponentes bosques vírgenes de Poonch, Surankot y las áreas circundantes de Cachemira, “Oxygen” es un retrato sobre la ambigüedad moral presente en la corrupción de los empleados públicos con salarios bajos. Así, la trama central de la película gira en torno al dilema que los bajos salarios y los acuerdos tentadores plantean a los mal pagados y subempleados funcionarios, y la consiguiente lucha de los funcionarios honestos contra el sistema establecido. La película se presentó en el Cannes Film Festival 2019.

Shoib Nikash Shah es director, productor y actor originario de Pamrot, un pequeño pueblo ubicado cerca de la frontera de Indo Pak. Su interés y pasión por el cine empezó de bien joven. Su primera película como actor fue en el rol protagonista de “Identity Card” (2014), que se presentó en una convención en Bruselas y ganó reconocimiento internacional. Otras de las películas por las que es conocido son “Mantostaan” (2017) y “Side A & Side B” (2018), las cuales ganaron premios al Mejor Actor.

Hoy toca hablar de uno de los personajes de la Industria del cine más cotilleado de los últimos meses. Se trata del director de cine Coreano Bong Joon-ho. ¿Quién es este hombre? Sabemos que su última película es Parásitos, ¿Pero es que acaso ha hecho algo más antes? ¿O ha sido llegar y besar el santo? Vamos a verlo.

Contaros primero que, desde su época en la escuela, ya tenía interés en el mundo del séptimo arte. Quizás por que pertenecía a una familia de orígenes artísticos, por parte de padre y sus influencias cinéfilas también eran de origen asiático, tales como; Edward Yang, Hou Hsiao-Hsien y Shoei Imamura. Tras licenciarse se puso manos a la obra para conseguir sus sueños de convertirse en realizador y acabó un curso de la Academia de las Artes fílmicas y grabando varios cortos.

Su primera película no se estrenó hasta el año 2000, cuando el apogeo de la industria coreana estaba en alza y estallaría a niveles internacionales muy poco después. Este primer título fue; Barking Dogs Never Bite o Perro ladrador, poco mordedor, una comedia satírica que no le funcionó especialmente en taquilla, pero le sirvió para demostrar sus grandes cualidades como director. Es quizás la película menor valorada y menos conocida de su filmografía, pero para los amantes del cine Coreano la recomiendo como imprescindible, aunque sólo sea por completar la filmografía de este director. Además, fue también la primera incursión en el cine de la extraordinaria actriz Doona Bae.

Ojito con su segundo proyecto, en 2003 estrena el thriller sobre asesinatos en serie que le daría esta vez, tirada incluso a nivel internacional; Memories of murder, una película basada en hechos reales que asombró al mundo y que a día de hoy, incluyendo a Parásitos, está considerada como la mejor película de su carrera. Se llevó ese año en San Sebastián la concha de plata a mejor director; ya empezaba a cosechar títulos. Consiguió actores del calibre de Song Kang-ho (protagonista de Parásitos) y Kim Sang-Kyung que, aunque en 2003 no eran los más famosos del país, ya había tenido también sus pinitos en papeles realmente importantes.

Pero la fama no se le subió a la cabeza al bueno de Bong y regresó mezclando los géneros de sus últimas películas; Comedia y Thriller. Pero sin asesinos en serie, bueno, al menos no humanos. The Host se estrenó en 2006 con más de 10 millones de entradas vendidas sólo en Corea, más o menos el mismo éxito que Parásitos, para que os hagáis una idea. No, veo que ya os estáis dando cuenta que este hombre no ha salido de la nada, sin embargo, aunque la cinta fue un rotundo éxito tanto en taquilla como para la crítica, las valoraciones del público de masas fueron más bien pobres, debido a que mucha gente no está acostumbrada a esta clase de mezcla de géneros. A mí personalmente, me chifla.

Poco después, decidió participar en un proyecto conjunto relacionado con la capital Nipona titulado Tokyo!. 3 directores, 3 historias. Los otros directores eran ni más ni menos que Leos Carax y Michel Gondry, pero en realidad no tuvo demasiado éxito y la taquilla no la tuvo en tal alta estima como sus anteriores trabajos. En cuanto a la película, un servidor la recomienda y sobretodo le echéis un ojo a la filmografía de Gondry y Carax, tienen películas increíbles.

Pero no nos desviemos del tema, no quedando satisfecho con películas sobre asesinatos, nos regala en 2009 un Thriller que se encuentra en el top top de su filmografía. Se trata de Mother, dónde un chaval es acusado falsamente de asesinato y su madre hará todo lo posible por demostrar su inocencia. Aquí, Bong Joon-ho vuelve a demostrar su talento, lo minucioso de cada plano, su sensibilidad con los actores y su retorcida manera de resultar imprevisible y sorprendernos. Un imprescindible ya no sólo dentro del cine Coreano o asiático, si no en general, como mínimo dentro del género. Así que si te gusta el Thriller, no te la pierdas.

Tras esto su fama internacional no paraba de crecer y varios actores y actrices célebres Norteamericanos de gran reputación como Chris Evans, Jake Gyllenhaal, o la camaleónica Tilda Swinton, se acoplaron a sus dos siguientes trabajos Snowpiercer y Okja, esta última para Netflix. Donde incluye lo fantástico a su repertorio de géneros ahondando en temas como la amistad y crítica del sistema capitalista en cuanto a trato animal se refiere en Okja. También el futuro postapocalíptico de Snowpiercer toda una alegoría sobre la existencia humana, que en ambos casos nos hace reflexionar. Al final, son también obras que sostienen el pilar de su filmografía.

Pero Bong Joon-ho sabía que el público añora sus Thrillers, aquellos en ambientes más intensos de su visión podrida de la humanidad, y de ahí nace Parásitos. Obra inmensa en los detalles que reúne todos los principios y conocimientos de su director y los pone en práctica en una carrera frenética por destapar la cruda realidad, la roña en las verjas de la sociedad, bajamos literalmente al infierno del drama humano y nos sumerge hasta dejarnos extasiados. Tal como hacía no hace mucho David Lynch, quizás menos surrealista pero igual de perturbador en películas como Terciopelo Azul o Mulholland Drive.

Parásitos es ahora una de las películas que más ha dado que hablar los últimos meses. No sólo porque su trama te atrapa, o lo variopinto de sus personajes, sin pasar por alto su estilo fotográfico, la puesta en escena o lo minucioso en el montaje. El hombre detrás de todo esto es Bong Joon-ho, que a estas alturas se ha llevado ya con Parásitos más de 150 premios en distintos festivales, incluyendo el globo de oro a mejor película de habla no inglesa, el Bafta a mejor guion y la nominación al Oscar a mejor película y director ha desatado a los fieras fans del cine coreano y despertado a las masas por la curiosidad de encontrarse con algo nuevo, pero que en realidad, si habéis (llegado hasta esta parte del vídeo) leído hasta aquí, ya os habéis dado cuenta que no es así.

Hasta la fecha, doce películas financiadas exclusivamente fuera de los Estados Unidos han ganado el premio a la mejor película, habiendo sido once de ellas financiadas, en parte o en su totalidad, por el Reino Unido. Por lo que tampoco es ninguna locura ni sentara precedente que Parásitos se alzara con este premio.

El hombre que dijo que “Una vez que superen la barrera de los subtítulos, descubrirán un mundo de maravilloso cine” tiene la oportunidad de hacer historia. Pero, aunque no gane la estatuilla dorada de Hollywood ¿Qué nos importa? más bien, que terminé ya su gira de reconocimiento y nos brinde más y más grandes historias como esta.

Es un año bastante especial para los Daejong Film Awards, uno de los grandes premios del cine coreano auspiciados por el Ministerio de Cultura, ya que han cambiado de fecha de celebración, pasando a realizarse a finales del mes de febrero -antes eran los premios tradicionales del otoño coreano junto a los Blue Dragon-. Los Grand Bell Awards tienen una clara favorita, como todos los premios de este año en Corea del Sur, y no es otra que Parasite, que está presente en 11 categorías, entre las que destacan mejor película, director, guión e interpretaciones masculinas. La siguen con 8 nominaciones Extreme Job, House of Hummingbird y Svaha: The Sixth Finger. A continuación tenéis la lista completa de nominados.

Mejor Película

Extreme Job
Parasite
House of Hummingbird
Innocent Witness
Forbidden Dream

Mejor Director

Kim Bora – House of Hummingbird
Bong Joon-ho – Parasite
Lee Byeong-heon – Extreme Job
Jang Jae-hyun – Svaha: The Sixth Finger
Chung Ji-young – Black Money

Mejor Actor

Sol Kyung-gu – Birthday
Song Kang-ho – Parasite
Lee Byung-hun – Ashfall
Jung Woo-sung – Innocent Witness
Han Suk-kyu – Forbidden Dream

Mejor Actriz

Kim Hyang-gi – Innocent Witness
Kim Hee-ae – Moonlit Winter
Jeon Do-yeon – Birthday
Jung Yu-mi – Kim Ji Young, Born 1982
Han Ji-min – Miss Baek

Mejor Actor de reparto

Kim Sung-kyu – The Gangster, The Cop, The Devil
Kang Ki-young – Crazy Romance
Park Myung-hoon – Parasite
Shin Goo – Forbidden Dream
Jin Seon-kyu – Extreme Job

Mejor Actriz de reparto

Kim Sae-byuk – House of Hummingbird
Kim So-jin – Another Child
Yeom Hye-ran – Innocent Witness
Lee Jung-eun – Parasite
Lee Hanee – Extreme Job

Mejor Director novel

Kim Do-young – Kim Ji Young, Born 1982
Kim Bora – House of Hummingbird
Kim Yoon-seok – Another Child
Kim Ui-seok – After My Death
Lee Sang-geun – Exit

Mejor Actor novel

Gong Myung – Extreme Job
Park Hae-soo – By Quantum Physics: A Nightlife Venture
Ahn Ji-ho – A Boy and Sungreen
Jang Dong-yoon – Beautiful Days
Jung Hae-in – Tune in for Love

Mejor Actriz Novel

Park Ji-hoo – House of Hummingbird
Park Se-jin – Another Child
Lee Jae-in – Svaha: The Sixth Finger
Jeon Yeo-been – After My Death
Jung Da-eun – Second Life

Mejor Guión

Kim Bora – House of Hummingbird
Moon Ji-won – Innocent Witness
Bae Se-young – Extreme Job
Bong Joon-ho, Han Jin-won – Parasite
Jang Jae-hyun – Svaha: The Sixth Finger

Mejor Fotografía

Hong Kyung-pyo – Parasite
Kang Gook-hyun – House of Hummingbird
Kim Yeong-ho – The Battle: Roar to Victory
Kim Dong-young – The Divine Move 2: The Wrathful
Lee Tae-yoon – Innocent Witness

Mejor Banda Sonora

Jung Jae-il – Parasite
Bang Jun-seok – Ashfall
Matija Strniša – House of Hummingbird
Kim Tae-seong – Svaha: The Sixth Finger
Kim Jun-seok – Swing Kids

Mejor Edición

Nam Na-yeong – Extreme Job
Yang Jin-mo – Parasite
Jeong Byeong-jin – Svaha: The Sixth Finger
Kim Sun-min – Dark Figure of Crime
Lee Gang-hui – Exit

Mejor Vestuario

Sim Hyeon-seob – The King’s Letter
Kwon Yujin – Swing Kids
Lee Jin-hee – The Great Battle
Cho Sang-kyung – Forbidden Dream
Cho Sang-kyung – A Resistance

Mejor Dirección artística

Lee Ha-joon – Parasite
Kim Sang-bum – The King’s Letters
Seo Seong-gyeong – Svaha: The Sixth Finger
Park Il-hyun – Swing Kids
Kim Hyung-joo – Forbidden Dream

Mejor Iluminación

Kim Chang-ho – Parasite
Cho Kyu-young – Ashfall
Hwang Sun-ok – The Battle: Roar to Victory
Kim Tae-su – Svaha: The Sixth Finger
Lee Seung-hwan – Forbidden Dream

Mejor Planificación

Extreme Job
Mal-Mo-E: The Secret Mission
Birthday
Exit
Kim Ji Young, Born 1982

Premio Técnico

Andras Ikladi (Visual Effects) – Ashfall
Jung Do-ahn – The Battle: Roar to Victory
Son Seung-hyeon, Kim Shin-cheol (Visual Effects) – Svaha: The Sixth Finger
Jin Yul-yun (Stunts) – Exit
Jung Do-ahn (Visual Effects) – Exit

Hace unos días que se dieron a conocer los ganadores de la septuagésimo cuarta edición edición de los Mainichi Film Awards, concedidos por uno de los grupos de noticias más importantes de Japón. En esta ocasión el galardón a mejor película fue para el drama adolescente Listen to the Universe, que también premio a su director Kei Ishikawa. Por otra parte el premio a la excelencia fue a parar para The Journalist, mientras que el de mejor película de animación se lo llevó la espectacular Children of the Sea. A continuación os dejo el listado completo de premiados.

Mejor Película

Listen to the Universe

Premio a la excelencia

The Journalist

Mejor Película de Animación

Children of the Sea

Premio Especial Noburou Oofuji 

A Japanese Boy Who Draws

Mejor Director

Kei Ishikawa – Listen to the Universe

Mejor Guión

Junji Sakamoto – Another World

Mejor Actor

Ryo Narita – Talking the Pictures

Mejor Actriz

Shim Eun-kyung – The Journalist

Mejor Actor de reparto

Ken Yoshizawa – Sea of Revival

Mejor Actriz de reparto

Chizuru Ikewaki – Another World

Mejor Actor revelación

Oji Suzuka – Listen to the Universe

Mejor Actriz revelación

Nagisa Sekimizu – Almost a Miracle

Premio Kinuyo Tanaka

Jun Fubuki

Mejor Fotografía

Christopher Doyle – Aru Sendo no Hanashi

Mejor Dirección artística

Norihiro Isoda – Talking the Pictures

Mejor Banda Sonora

Radwimps – Weathering with You

Mejor Grabación Sonora

Kenichi Fujimoto – Another World

Mejor Película extranjera

Joker

El próximo día 18 de Febrero se celebra la gala de entrega de premios de la sexagésimo segunda edición de los Blue Ribbon Awards, organizados por diversos medios especializados y críticos en la región de Tokio y que se celebran desde finales la década de 1950, aunque ya se conocen los ganadores en las diferentes categorías. La comedia local Fly Me to the Saitama sigue muy presente en la temporada, recordemos que es la película más nominada de los premios de la Academia japonesa de Cine, llevándose en esta ocasión el galardón a mejor película. El resto de premios han estado muy repartidos, Tetsuya Mariko se lleva mejor director por el drama romántico From Miyamoto to You y repite Nagisa Sekimizu como actriz revelación por su papel en Almost a Miracle, que ya ganó el mismo premio en los Mainichi Film Awards. A continuación tenéis la lista completa de premiados, además del top de películas recomendadas.

Mejor Película

Fly Me to the Saitama

Mejor Director

Shinsuke Sato (Kingdom)
Kazuya Shiraishi (A Gambler’s Odyssey 2020, Sea of Revival, One Night)
Makoto Shinkai (Weathering with You)
Hideki Takeuchi (Fly Me to the Saitama)
Tetsuya Mariko (From Miyamoto to You)

Mejor Actor

Shingo Katori (Sea of Revival)
Masaki Suda (The Great War of Archimedes)
Kiichi Nakai (Hit Me Anyone One More Time)
Ryo Narita (Talking the Pictures)
Tori Matsuzaka (The Journalist, Iwane: Sword of Serenity)

Mejor Actriz

Yu Aoi (A Long Goodbye)
Masami Nagasawa (The Confidence Man JP)
Fumi Nikaido (Fly Me to the Saitama)
Mayu Matsuoka (Listen to the Universe)
Riho Yoshioka (Blind Witness)
Sayuri Yoshinaga (The Bucket List)

Mejor Actor de reparto

Go Ayano (Closed Ward)
Itsuji Itao (My Father, the Bride; The 47 Ronin in Debt)
Kiyohiko Shibukawa (Another World, Closed Ward)
Ryo Narita (Chiwawa, Fly Me to the Saitama, Farewell Song, No Longer Human)
Tori Matsuzaka (Listen to the Universe)
Ryo Yoshizawa (Kingdom)

Mejor Actriz de reparto

Yuki Amami (The Bucket List)
Chizuru Ikewaki (Another World)
Nana Komatsu (Samurai Marathon, Closed Ward)
Masami Nagasawa (Masquerade Hotel, Kingdom)
Mayu Matsuoka (One Night)
MEGUMI (Typhoon Family; Little Nights, Little Love; One Night)

Mejor actor/actriz revelación

Kaya Kiyohara (Aiuta: My Promise To Nakuhito, Day and Night, Strawberry Song)
Oji Suzuka (Listen to the Universe, The 47 Ronin in Debt)
Nagisa Sekimizu (Almost a Miracle)
Tina Tamashiro (Chiwawa, Diner, Flowers of Evil, Hell Girl)
Kanata Hosoda (Almost a Miracle)

Mejor Película extranjera

Joker

Top 13 de películas japonesas de 2019

The Great War of Archimedes
Welcome Back, Tora-san
Talking the Pictures
Hit Me Anyone One More Time
Kingdom
The Journalist
Weathering with You
Fly Me to the Saitama
Sea of Revival
One Night
Masquerade Hotel
Listen to the Universe
From Miyamoto to You

Top 11 de películas extranjeras de 2019

Frozen 2
Aladdin
Yesterday
Green Book
Godzilla: King of the Monsters
City Hunter (French live action movie)
Joker
Star Wars: The Rise of Skywalker
Spider-Man: Into the Spider-Verse
The Mule
Once Upon a Time in Hollywood

Hace ya unos días la decana de las revistas cinematográficas japonesas, Kinema Junpo, concedió sus tradicionales Kinema Junpo Awards, que llegan a su edición número 93 y que son votados por un comité de más de 100 críticos y periodistas. En esta ocasión It Feels So Good -aka Lovers at the Crater– se ha llevado el premio a mejor película del pasado año, también a mejor actriz para Kumi Takiuchi. En cuanto a mejor director el premio ha ido a Kazuya Shiraishi, que ha estrenado varias películas muy interesante –Sea of Revival, A Gambler’s Odyssey 2020 y One Night-, mientras que le mejor guión ha sido para Another World. A continuación tenéis la lista completa de premiados.

Mejor Película

It Feels So Good

Mejor Película según los lectores

Another World

Mejor Director

Kazuya Shiraishi – Sea of Revival, A Gambler’s Odyssey 2020, One Night

Mejor Guión

Junji Sakamoto – Another World

Mejor Actor

Sosuke Ikematsu – From Miyamoto to You

Mejor Actriz

Kumi Takiuchi – It Feels So Good

Mejor Actor de reparto

Ryo Narita – Just Only Love, Farewell Song

Mejor Actriz de reparto

Chizuru Ikewaki – Another World

Mejor Actor revelación

Oji Suzuka – Listen to the Universe

Mejor Actriz revelación

Nagisa Sekimizu – Almost a Miracle

Mejor Película extranjera

Joker

Top 10 películas japonesas

It Feels So Good
From Miyamoto to You
A Girl Missing
Listen to the Universe
Farewell Song
One Night
Just Only Love
Randen
To The Ends of the Earth

Este pasado fin de semana se ha celebrado la sexagésimo quinta edición de los Filmfare Awards, organizados por el conocido grupo mediático “Times Group” y, a efectos prácticos, los más prestigiosos y conocidos de la India -al menos a nivel internacional-. El drama contemporáneo Gully Boy, que ya estuvo en la carrera a los Oscars por la India, ha arrasado literalmente los premios populares, ganando todas las categorías que votaba el público, tanto mejor película, dirección como en interpretaciones, principales y de reparto. En total se ha llevado 13 premios de los 19 a los que optaba -estaba presente en prácticamente todas las categorías-. Por su parte los premios de la crítica han estamos más reñidos, siendo Article 15 y Sonchiriya las ganadoras ex aequo en la categoría de mejor película. A continuación tenéis la lista completa de nominados y premiados.

Mejor Película

Gully Boy
Mission Mangal
URI: The Surgical Strike
Chhichhore
War

Mejor Director

Aditya Dhar – URI: The Surgical Strike
Jagan Shakti – Mission Mangal
Nitesh Tiwari – Chhichhore
Siddharth Anand – War
Zoya Akhtar – Gully Boy

Mejor Actor

Akshay Kumar – Kesari
Ayushmann Khurrana – Bala
Hrithik Roshan – Super 30
Shahid Kapoor – Kabir Singh
Ranveer Singh – Gully Boy
Vicky Kaushal – URI: The Surgical Strike

Mejor Actriz

Alia Bhatt – Gully Boy
Kangana Ranaut – Manikarnika: The Queen of Jhansi
Kareena Kapoor Khan – Good Newwz
Priyanka Chopra – The Sky Is Pink
Rani Mukerji – Mardaani 2
Vidya Balan – Mission Mangal

Mejor Actor de reparto

Diljit Dosanjh – Good Newwz
Gulshan Devaiah – Mard Ko Dard Nahi Hota
Manoj Pahwa – Article 15
Ranveer Shorey – Sonchiriya
Siddhant Chaturvedi – Gully Boy
Vijay Verma – Gully Boy

Mejor Actriz de reparto

Amrita Singh – Badla
Amruta Subhash – Gully Boy
Kamini Kaushal – Kabir Singh
Madhuri Dixit – Kalank
Seema Pahwa – Bala
Zaira Wasim – The Sky Is Pink

Mejor Actor revelación

Abhimanyu Dassani – Mard Ko Dard Nahi Hota
Meezaan Jaffrey – Malaal
Siddhant Chaturvedi – Gully Boy
Vardhan Puri – Yeh Saali Aashiqui
Vishal Jethwa – Mardaani 2
Zaheer Iqbal – Notebook

Mejor Actriz revelación

Ananya Pandey -Student of the Year 2
Pranutan Bahl – Notebook
Tara Sutaria – Student of the Year 2
Saiee Manjrekar – Dabangg 3
Sharmin Sehgal – Malaal
Shivaleeka Oberoi – Yeh Saali Aashiqui

Mejor Director revelación

Aditya Dhar – URI: The Surgical Strike
Jagan Shakti – Mission Mangal
Raaj Shaandilyaa – Dream Girl
Raj Mehta – Good Newwz
Gopi Puthran – Mardaani 2
Tushar Hiranandani – Saand Ki Aankh

Mejor Película (Crítica)

Article 15 – Anubhav Sinha
Mard Ko Dard Nahi Hota – Vasan Bala
Photograph – Ritesh Batra
Sonchiriya – Abhishek Chaubey
The Sky Is Pink – Shonali Bose

Mejor Actor (Crítica)

Akshaye Khanna – Section 375
Ayushmann Khurrana – Article 15
Nawazuddin Siddiqui – Photograph
Rajkummar Rao – Judgementall Hai Kya

Mejor Actriz (Crítica)

Bhumi Pednekar – Sonchiriya
Bhumi Pednekar – Saand Ki Aankh
Kangana Ranaut – Judgementall Hai Kya
Radhika Madan – Mard Ko Dard Nahi Hota
Sanya Malhotra – Photograph
Taapsee Pannu – Saand Ki Aankh

Mejor Historia original

Article 15 – Anubhav Sinha, Gaurav Solanki
Chhichhore – Nitesh Tiwari, Piyush Gupta and Nikhil Mehrotra
Gully Boy – Zoya Akhtar, Reema Kagti
Mard Ko Dard Nahi Hota – Vasan Bala
Mission Mangal – Jagan Shakti
Sonchiriya – Abhishek Chaubey and Sudip Sharma

Mejor Guión

Article 15 – Anubhav Sinha, Gaurav Solanki
Gully Boy – Reema Kagti, Zoya Akhtar
Mission Mangal – R Balki, Jagan Shakti, Nidhi Singh, Dharma, Saket Kondiparthi
Saand Ki Aankh – Balwinder Singh Janjua
Section 375 – Manish Gupta, Ajay Bahl
Sonchiriya – Sudip Sharma

Mejores Diálogos

Article 15 – Anubhav Sinha, Gaurav Solanki
Bala – Niren Bhatt
Chhichhore – Nitesh Tiwari, Piyush Gupta and Nikhil Mehrotra
Gully Boy – Vijay Maurya
Sonchiriya – Sudip Sharma
Super 30 – Sanjeev Dutta

Mejor Música

Bharat – Vishal Shekhar
Gully Boy – Ankur Tewari y Zoya Akhtar
Kabir Singh – Mithoon, Amaal Malik, Vishal Mishra, Sachet-Parampara, Akhil Sachdeva
Kalank – Pritam
Kesari – Tanishk Bagchi, Arko Pravo Mukherjee, Chirantan Bhatt, Jasbir Jassi, Gurmoh, Jasleen Royal

Mejor Letras

Amitabh Bhattacharya – Kalank Nahi (Kalank)
Divine and Ankur Tewari – Apna Time Aayega (Gully Boy)
Irshad Kamil – Bekhayali (Kabir Singh)
Manoj Muntashir – Teri Mitti (Kesari)
Mithoon – Tujhe Kitna Chahne Lage (Kabir Singh)
Tanishk Bagchi – Ve Mahi (Kesari)

Mejor Playback femenino

Neha Bhasin – Chashni (Bharat)
Parampara Thakur – Mere Sohneya (Kabir Singh)
Shilpa Rao – Ghungroo (War)
Shreya Ghoshal – Yeh Aaina (Kabir Singh)
Shreya Ghoshal and Vaishali Mhade – Ghar More Pardesiya (Kalank)
Sona Mohapatra and Jyotica Tangri – Baby Gold (Saand Ki Aankh)

Mejor Playback masculino

Arijit Singh – Kalank’s title (Kalank)
Arijit Singh – Ve Mahi (Kesari)
Nakash Aziz – Slow Motion (Bharat)
B Praak – Teri Mitti (Kesari)
Sachet Tandon – Bekhayali (Kabir Singh)

Excellence in Indian Cinema Award

Govinda

30 Years of Outstanding Contribution to Bollywood Fashion

Manish Malhotra

Filmfare Lifetime Achievement Award

Ramesh Sippy

Filmfare R. D. Burman Award

Sashwat Sachdev

Mejor Edición

Shivkumar V Panicker – Uri: The Surgical Strike
Yasha Ramchandani – Article 15
Monisha R Baldawa – Badla
Charu Shree Roy – Chhichhore
Nitin Baid – Gully Boy

Mejor Diseño de producción

Suzanne Caplan Merwanji – Gully Boy
Nikhil Kovale – Article 15
Ravi Shrivastav – Judgementall Hai Kya
Subrata Chakraborty, Amit Ray – Kesari
Rita Ghosh – Sonchiriya
Aditya Kanwar – Uri: The Surgical Strike

Mejor Coreografía

Remo D’Souza – “Ghar More Pardesiya” – Kalank
Ganesh Acharya – “Basanti No Dance” – Super 30
Bosco–Caesar – “Jai Jai Shiv Shankar” – War
Bosco–Caesar and Tushar Kalia – “Ghungroo” – War
Saroj Khan and Remo D’Souza – “Tabah Ho Gaye” – Kalank

Mejor Fotografía

Jay Oza – Gully Boy
Ewan Mulligan – Article 15
Pankaj Kumar – Judgementall Hai Kya
Jay I Patel – Mard Ko Dard Nahi Hota
Anuj Rakesh Dhawan – Sonchiriya
Mitesh Mirchandani – Uri: The Surgical Strike

Mejor Sonido

Bishwadeep Dipak Chatterjee y Nihar Ranjan Samal – Uri: The Surgical Strike
Kaamod L Kharade – Article 15
Anirban Sengupta – Badla
Ayush Ahuja – Gully Boy
Pritam Das – Saand Ki Aankh
Kunal Sharma – Sonchiriya

Mejor Banda Sonora

Karsh Kale y The Salvage Audio Collective – Gully Boy
Mangesh Dhakde – Article 15
Clinton Cerejo – Badla
Daniel B George – Judgementall Hai Kya
Karan Kulkarni – Mard Ko Dard Nahi Hota
Shashwat Sachdev – Uri: The Surgical Strike

Mejor Vestuario

Divya Gambhir, Nidhi Gambhir – Sonchiriya
Arjun Bhasin and Poornamrita Singh – Gully Boy
Sheetal Sharma – Judgementall Hai Kya
Maxima Basu – Laal Kaptaan
Neeta Lulla – Manikarnika: The Queen of Jhansi
Niharika Bhasin – Photograph

Mejor Acción

Paul Jennings, Oh Sea Young, Parvez Shaikh y Franz Spilhaus – War
Andy Long Stunt Team (UK), Allan Amin, Dr. K Ravi Varma (India) – Commando 3
Parvez Shaikh and Lawrence Woodward – Kesari
Eric Jacobus, Anand Shetty – Mard Ko Dard Nahi Hota
Abbas Ali Moghul – Panipat
Anton Moon & Sunil Rodrigues – Sonchiriya
Stefan Richter – Uri: The Surgical Strike

Mejores Efectos especiales

Sherry Bharda y Vishal Anand For YFX – War
AGPPL VFX – Panipat
Lavan Prakashan, Kushan Prakashan (Digital Turbo Media) – Mard Ko Dard Nahi Hota
YRF Studio – Uri: The Surgical Strike

El ciclo de cine coreano organizado por el Centro Cultural Coreano continúa este año 2020 girando por diferentes filmotecas de España, siendo la primera de ellas la de Extremadura, que lo programará en sus sedes de Cáceres y Badajoz del 1 al 31 de marzo de 2020. A continuación tenéis la programación general, podéis consultar la web de la Filmoteca de Extremadura para más detalles..

Cáceres: 3 de marzo.

Intimate Strangers (2018)
Director: Lee Jae-gyu / Comedia / 115 min / VOSE

El matrimonio conformado por Seok-ho y Ye-jin invita a sus amigos cercanos a la cena de inauguración de su nueva casa. Allí terminan jugando a un juego que requiere dejar sus móviles sobre la mesa y compartir con el grupo todos los mensajes y las llamadas entrantes. Lo que en un principio parecía un juego inocente y divertido, se vuelve cada vez más incómodo a medida que los secretos surgen a la luz, haciendo que el grupo de amigos se empiece a percibir como extraños.

Cáceres: 24 de marzo.
Badajoz: 1 de marzo.

Juror 8 (2019)
Director: Hong Seung-wan / Drama / 113 min / VOSE

Basado en un hecho real, “Los 8 jurados” emiten el veredicto en Corea. Durante el primer día del juicio de participación ciudadana, toda la atención de los medios se centró en este primer juicio con jurado en la historia jurídica de Corea. 8 ciudadanos seleccionados al azar son llamados para juzgar un caso de matricidio que estaba casi cerrado, con evidencias concluyentes. Mientras el juez esperaba que el voto de los 8 miembros fuera unánime y el dictamen fuera “culpable” para determinar la condena, los integrantes del jurado demasiado apasionados comenzaron a revocar el caso planteando preguntas que nunca se habían formulado en el tribunal.

Cáceres: 31 de marzo.
Badajoz: 29 de marzo.

The House of Us (2019)
Director: Yoon Ga-eun / Drama / 91 min / VOSE

La película narra la historia de Hana, una niña que desea que desea que su familia vuelva a estar feliz y unida. Hana conocerá a las hermanas Yoo-mi y Yoo-jin, cuya familia lucha por llegar a fin de mes para evitar ser desahuciados. Con ellas compartirá la ardua tarea de salvar sus hogares familiares. Las tres niñas crearán un vínculo especial entre ellas y se brindarán apoyo emocional incondicional. Sin embargo, todo empeora cuando Hana se entera de la intención de sus padres de divorciarse y del desahucio inminente de la familia de Yoo-mi y Joo-jin.

Korean & Latin American Film Screening presenta una nueva edición de cine coreano y latinoamericano. Tras las exitosas ediciones celebradas en 2019 con Argentina y Colombia como protagonistas, este año arranca con esta nueva cita con La República Dominicana como país invitado, en colaboración con la Embajada de La República Dominicana en España. El ciclo se celebrará del 4 al 25 de marzo de 2020 y se proyectarán un total de cuatro películas de ambos países.

España y los países que conforman Latinoamérica comparten un vínculo especial muy arraigado con, entre otras, grandes relaciones y elementos histórico-culturales. Asimismo, el pueblo Latinoamericano tiene una gran presencia en España, y este Ciclo nace con el fin de compartir y acercar culturas a través del poder del séptimo arte.

La República Dominicana fue un país colaborador con la UNKRA (La Agencia de Reconstrucción Coreana de las Naciones Unidas) y envió una ayuda económica de 10 mil dólares a Corea, país devastado por Guerra de Corea. Más adelante se establecieron las relaciones diplomáticas entre ambos países en 1962, apoyándose entre ellos como países aliados durante 58 años. En 2018, el Primer ministro de Corea del Sur, Lee Nak-yeon, hizo un viaje oficial a la República Dominicana, buscando fortalecer con esta visita de nueve días, sus relaciones bilaterales, así como profundizar en la cooperación en áreas como la energía, las infraestructuras y las tecnologías de la comunicación.

Todos estos lazos unen a Corea y la República Dominicana y hacen que sea tan significativa su amistad manifestada también en el terreno cinematográfico. El pasado año se celebró el Festival de Cine Global Dominicano, un festival que lleva el mejor cine internacional narrativo y documental y que se reconoce como el evento más importante del Caribe, y en la duodécima edición de 2019 Corea del Sur fue el país invitado de honor, en él presentó un total de 7 películas destacadas del año como “A Taxi Dirver”, “Claire´s Camara”, entre otras.

Los pases serán gratuitos, pero debido al aforo limitado se puede reservar con antelación a través de la web del Centro Cultural coreano.

Miércoles, 4 de marzo de 2020 a las 19:30h

Colours (2019)
Dirección: Luis Cepeda
Género: Drama
Duración: 87 minutos
Año: 2019
Reparto: Christian Álvarez, Francis Cruz, Stephany Liriano

Una joven artista plástica de una ciudad remota, que tiene éxito en su trabajo llamado “Los rostros sin nombre” que nunca firma porque, según ella, siente en su corazón que ninguna de sus pinturas está terminada todavía.

Luis Cepeda es un cineasta dominicano que se ha desempeñado en distintos roles de la industria. En 2015 trabajó en los efectos visuales del cortometraje “American Terror”; en 2018, participó como editor del documental “Cacú: un cambio por la vida”. “Colours” es su primer largometraje de ficción.

Miércoles, 11 de marzo de 2020 a las 19:30h

The Portrait of Beauty (2008)
Dirección: JEON Yun-su
Género: Drama
Duración: 108 minutos
Reparto: KIM Gyu-ri, KIM Young-ho, KIM Nam-gil
*Versión coreana con subtítulo en español
**No recomendada menores de 18 años

Nacida en una familia de pintores de la corte, Yun-jeong, de siete años, es una niña dotada para pintar. Sin embargo, la presión está sobre su hermano Yun-bok para continuar con la orgullosa tradición familiar, ya que a las mujeres no se les permite convertirse en pintores profesionales. La vida de la niña se da la vuelta cuando su hermano muere. Para preservar el honor familiar, se ve obligada a tomar el nombre de su hermano y vive como un hombre.

Miércoles, 18 de marzo de 2020 a las 19:30h

El Closet (2018)
Dirección: Miguel Vásquez
Género: Drama
Duración: 90 minutos
Reparto: Anthony Álvarez, Voz de Sonia Alfonso, Voz de Francis Cruz y Voz de Luís José Germán

Escondido en un armario con su vida en la línea, un sacerdote reflexiona sobre su secreto más oscuro mientras pide ayuda.

Miércoles, 25 de marzo de 2020 a las 19:30h

The Priests (2015)
Dirección: JANG Jae-hyun
Género: Drama, misterio
Duración: 108 minutos
Reparto: KIM Yun-seok, Gang Dong-won, PARK So-dam
*Versión coreana con subtítulo en español

Una niña, que forma parte de la parroquia del padre Kim, queda en coma tras un atropello en el que el conductor se da a la fuga. El padre Kim y un joven seminarista rebelde llamado Choi creen que está poseída por un espíritu maligno. Cuando intentan liberarla del alcance poderoso del demonio, se dan cuenta de que este mal sin nombre es mucho más peligroso de lo que pensaban.

Ya se conocen los nominados de la trigésimo novena edición de los Hong Kong Film Awards, los premios más prestigiosos del panorama de cine Hongkonés que se desarrollan en el marco del Hong Kong Film Festival. La película que ha obtenido mayor número de nominaciones en esta ocasión es el drama juvenil Better Days, que está presente en un total de 12 categorías, incluyendo mejor director para Derek Tsang, mejor guión y mejores interpretaciones -masculina y femenina- para Jackson Yee y Zhou Dongyu. El drama familiar Fagara cuenta con 11 nominaciones, mientras que I’m Living’ It cierra este “top” con 10. A continuación tenéis la lista completa de nominados.

Mejor Película

Better Days
Suk Suk
Fagara
I’m Living’ It
The New King of Comedy

Mejor Director

Derek Tsang — Better Days
Kiwi Chow — Beyond The Dream
Ray Yeung — Suk Suk
Heiward Mak — Fagara
Wilson Yip — Ip Man 4: The Finale

Mejor Guión

Lam Wing Sum, Li Yuan, Xu Yimeng — Better Days
Felix Tsang, Kiwi Chow — Beyond The Dream
Ray Yeung — Suk Suk
Heiward Mak — Fagara
Norris Wong— My Prince Edward

Mejor Actor

Louis Koo — A Witness Out Of The Blue
Tai Bo — Suk Suk
Chu Pak Hong — My Prince Edward
Aaron Kwok — I’m Livin’ It
Jackson Yee — Better Days

Mejor Actriz

Sammi Cheng — Fagara
Sammi Cheng — Fatal Visit
Zhou Dongyu — Better Days
Cecilia Choi — Beyond The Dream
Stephy Tang — My Prince Edward

Mejor Actor de reparto

Philip Keung — A Witness Out Of The Blue
Lo Chun Yip — Suk Suk
Cheung Tat Ming — I’m Livin’ It
Alex Man — I’m Livin’ It
Zhang Qi — The New King of Comedy

Mejor Actriz de reparto

Charlene Choi — Fatal Visit
Megan Lai — Fagara
Nina Paw — My Prince Edward
Cya Liu — I’m Livin’ It
Patra Au — Suk Suk

Novato del año

E Jingwen — The New King of Comedy
Vanda Margraf — Ip Man 4: The Finale
Patra Au — Suk Suk
Lau Chun Him — Beyond The Dream
Jackson Yee — Better Days

Mejor Fotografía

Yu Jing Pin — Better Days
Szeto Yat Lui — Beyond The Dream
Tse Chung To Kenny — A Witness Out Of The Blue
S.K. Yip — Fagara
Cheng Siu Keung — Ip Man 4: The Finale

Mejor Edición

Zhang Yibo — Better Days
Law Wing Cheong, Kelvin Chau— A Witness Out Of The Blue
William Chang Suk Ping, Nose Chan Chui Hing — Suk Suk
William Chang Suk Ping, Peter Chung — My Prince Edward
Cheung Ka Fai — Ip Man 4: The Finale

Mejor Dirección Artística

Liang Honghu — Better Days
Chet Chan — A Witness Out Of The Blue
Cheung Siu Hong — Fagara
Man Lim Chung, Li Kwok Lam Billy — I’m Livin’ It
Kenneth Mak — Ip Man 4: The Finale

Mejor Vestuario y Maquillaje

Dora Ng — Better Days
Albert Poon — Suk Suk
Cheung Siu Hong — Fagara
Man Lim Chung, Chan Po Yan Polly — I’m Livin’ It
Lee Pik Kwan — Ip Man 4: The Finale

Mejor Coreografía de Acción

Jack Wong — A Witness Out of the Blue
Chin Ka Lok, Ka Lok Stunt Team, Wong Wai Fai, Tang Sui Wa, Thomson Ng — Line Walker 2: Invisible Spy
Stephen Tung — Double World
Hon Ping, Gobi Ng — The White Storm 2 – Drug Lords
Yuen Wo Ping — Ip Man 4: The Finale

Mejor Banda Sonora

Varqa Buehrer — Better Days
Yusuke Hatano — Say It Properly
Eman Lam — My Prince Edward
Peter Kam — i’m livin’ it
Kenji Kawai — Ip Man 4: The Finale

Mejor Canción Original

“Fly” — Better Days
Composer： Ellen Joyce Loo
Lyrics： Ellen Joyce Loo, Ellen Joyce Loo
Performer： Yoyo Sham

“Say It Properly” — Fagara
Composer： Tonyi Ng
Lyrics： Tonyi Ng
Performer： Sammi Cheng

“My Prince Edward” — My Prince Edward
Composer： Eman Lam
Lyrics： Norris Wong
Performer: Stephy Tang

“Brotherhood” — The White Storm 2 – Drug Lords
Composer： Jacky Cai
Lyrics： Andy Lau
Performer： Andy Lau, Louis Koo

“i’m livin’ it” — i’m livin’ it
Composer： Peter Kam
Lyrics： Siu May
Performer： Aaron Kwok

Mejor Sonido

Victor Ray Ennis — The Captain
Tu Duu-Chih, Wu Shu-Yao — Beyond the Dream
Tu Duu-Chih, Chiang Yi Chen — Fagara
Nip Kei Wing, Ip Siu Kei — The White Storm 2 – Drug Lords
Lee Yiu Keung George, Yiu Chun Hin — Ip Man 4: The Finale

Mejor Efectos Especiales

Ellen Poon — The Captain
Tam Kai Kwan, Ng Ka Lung, Chung Kar Hau, Yeung Hey Chiu — Line Walker 2: Invisible Spy
Eric Xu, Allen Wei, Li Shuai — Double World
Victor Wong — The Bravest
Yee Kwok Leung, Ma Siu Fu, Leung Wai Man, Ho Man Lok — The White Storm 2 – Drug Lords

Mejor Director Novel

Jazz Boon — Line Walker 2: Invisible Spy
Norris Wong — My Prince Edward
Wong Hing Fan — I’m livin’ it
Nick Leung Kwok-Pun — Lion Rock
Cheuk Cheung — Bamboo Theatre

Mejor Película de China y Taiwan

An Elephant Sitting Still
Detention
Shadow