Epítome (Shukuzu, 1953) 
Dirección: Kaneto Shindo
Guión: Kaneto Shindo, Shusei Tokuda (novela)

La figura del director japonés Kaneto Shindo siempre ha ido ligada a la del magnánimo Kenji Mizoguchi. Siendo su ayudante de dirección en numerosas ocasiones, su admiración por él, lo llevó a realizar un interesante documental en los años 70 sobre la vida de su maestro, a su vez que publicó también un libro sobre él. Por eso no es casualidad encontrar ciertas similitudes temáticas en sus películas. Era el año 1953 cuando Mizoguchi estrenó Los músicos de Gion, un filme que mostraba en el corazón de Japón lo bien visto que se consideraba el hecho de que una mujer se esmerara en complacer los deseos masculinos convirtiéndose en geisha. Y sin embargo, no estamos tan solo ante el mero retrato de las vivencias y los pensamientos que se sentían en la época, no observamos el simple devenir de los acontecimientos, sino que advertimos una voz crítica. Jugando con la confrontación generacional, encontramos la discusión y la reflexión acerca de los valores femeninos desde la dualidad. Una geisha experimentada se mueve por el régimen de lo establecido, mientras que la más joven, aunque fracasando en su intento, se erige como heroína que trata de forjar su propio destino. Por un momento, una mujer joven se eleva por encima del patriarcado reinante para decir alto y claro: No.

Y ese mismo año, Kaneto Shindo, quien ya deslumbró con su acercamiento crítico al lanzamiento de la bomba atómica en Los niños de Hiroshima (no es casualidad que el filme se estrenara en 1952, justo cuando las tropas estadounidenses abandonaron el país), volvió a demostrar su descontento con la situación de su nación en plena posguerra. Con Epítome, el director nipón sabe confeccionar la construcción de la familia necesitada que por culpa de la miseria permite la desdicha de una hija que acepta convertirse en geisha. Este imperioso deseo de subsistencia familiar nace de la voluntad de la propia Ginko, quien acaba por comprender el origen de las circunstancias que la han llevado a esa situación. Y resulta por lo tanto cruel ver como movida por estos lamentables terrenos de la decadencia moral acaba siendo engañada, violada y deshonrada por los hombres, y al mismo tiempo, por culpa de ello, se siente en la autoimpuesta obligación a renunciar a quien de veras puede tratarla bien por culpa de un oscuro pasado que se ha apoderado de su ser.

Shindo, a parte de demostrar una sensibilidad social admirable, sabiendo empatizar con el espectador y mucho más al reflejar la realidad de una época que seguro que conectó con el público de entonces, no olvida la pericia técnica, sabiendo hacer un uso inteligente del medio cinematográfico. Sabe mover la cámara (herencia de Mizoguchi), pero al contrario que su maestro, prefiere enfatizar las emociones, buscando travellings que se aproximan y se alejan, reencuadran y se fusionan con la expresividad de sus intérpretes y el poder sensitivo de la música.

La zanja (Dobu, 1954) 
Dirección: Kaneto Shindo
Guión: Kaneto Shindo

Una de tantas habilidades de Kaneto Shindo a la hora de construir magníficas historias cinematográficas es el poder de dotar de un carisma especial a sus personajes. El largometraje La zanja, es una muestra de ello, y al mismo tiempo, de cómo la fusión de éstos en un espacio y un tiempo determinado puede suponer el mero retrato de una sociedad apartada y marginal que subsiste en la posguerra. Y es que este filme de 1954 es puro neorrealismo italiano a la japonesa. Los suburbios de una ciudad donde malviven los individuos más peculiares y azotados por las inclemencias de la guerra y la lucha y alegría que residen en ellos nos rememora a Milagro en Milán (1951) de Vittorio De Sica. A su vez, el personaje al que da vida la musa del director, es decir, la polifacética Nobuko Otowa, a medio camino entre la tara mental, el retraso y el vitalismo más adorable, no tiene nada que envidiar al de Giulietta Masina interpretando a la fabulosa Gelsomina en La Strada (1954) de Federico Fellini. Personajes posmodernos como el recitador shakesperiano también potenciarán este hermanamiento entre ambas películas coetáneas. Más curioso resulta, siguiendo con el neorrealismo italiano y con el ganador de cinco premios Oscar Federico Fellini, la búsqueda incesante del dinero mediante la prostitución, conociendo los diferentes estratos de la sociedad del momento desde el prisma de la sexualización por parte de la mirada del hombre. Las noches de Cabiria, trabajo de 1957 del director romano ya citado, guarda un parecido muy directo con la obra que hoy nos atañe, pues sus dos protagonistas femeninas se mueven entre la inteligencia y la desdicha en el mundo de la noche.

Filmes ya rodados en los setenta parecen también estar relacionados, pues sin abandonar Italia, el humor negro y las bajas pasiones movidas por el interés y el aprovechamiento ajeno de Brutos, sucios y malos (1976) de Ettore Scola, también guarda muchas similitudes. Pero si nos centramos ya en Japón, no está de más citar Dodeskaden (1970), el colorido proyecto de Akira Kurosawa que mostraba una visión muy personal de la marginalidad nipona.

Kaneto Shindo domina el movimiento de la cámara. Sabe erigir un relato tenso y dramático, siguiendo a su protagonista huir de los peligros y acercarse a los que pueden ofrecerle algo. La dirección se transforma en Tsuru, siguiendo sus propias pasiones, creando un vínculo con el espectador y al mismo tiempo con los personajes que la rodean. Vivimos intensamente sus emociones en parte debido a lo recargado de las imágenes, creando una sensación de continuos estímulos que golpean inevitablemente la maltrecha mente de una mujer que se siente atraída y a la vez que se enfrenta a la acara más perversa y amarga de la existencia. El amor, el sexo, el dinero, la esperanza en las futuras generaciones, la ley, todo ello es un conglomerado que explota en su melodramático final, quizás excesiva, pero comprensible debido al estilo de cierre acorde con los filmes nipones de la época. La catársis colectiva, fruto de las miserias recogidas durante la guerra, ayuda a nuestros protagonistas a hacer una introspección que les ayuda a comprenderse a ellos mismos así como a los que les rodean, entendiendo la importancia que tiene cada uno como individuo y el papel que ha de jugar en la evolución social de su país.

Redacción: Luis Suñer (@luisuner1990)

Madre (Haha, 1963)
Dirección: Kaneto Shindo
Guión: Kaneto Shindo, Shusei Tokuda (novela)

Como buen hijo de Hiroshima, Kaneto Shindo tuvo una consciencia clara de cómo se vivió la vuelta a la vida normal tras el desastre atómico de su ciudad natal. Incisiva es esta película, un filme el cual 18 años después del lanzamiento de la bomba, observamos desde una mirada caleidoscópica las inquietudes de un arco generacional familiar que entiende el presente desde diferentes perspectivas. Nobuko Ottawa actúa como una madre coraje, viuda de un hombre que murió en la guerra y abandonada por un segundo marido que se decidió por otra mujer en lugar de ella. Su hijo pequeño, presenta síntomas de leucemia y ceguera y, aunque no se mente de manera explícita, sabemos que no deja de ser una consecuencia de la radiación atómica. La sutileza de Shindo reside en escenas poéticas donde las cenizas o partículas metaforizadas por una especie de nieve inundan los primeros planos del filme. Cabe recordar que en su pieza Dragón de la suerte número 5 (1959) ya se mostró estrictamente duro con el lanzamiento de la bomba atómica por parte de los estadounidenses incidiendo en la proliferación armamentística traducida en la bomba H.

El matrimonio por interés, las rencillas hacia quien abandonó a su familia en forma de una matriarca arisca por la vida que le ha tocado vivir interpretada por Haruko Sigamuro, habitual de Ozu y Naruse, la convicción en la esclavización del trabajo como único medio de supervivencia, son algunos de los males de una sociedad que el director retrata de manera naturalizada y esta vez huyendo de melodramas que busquen la tensión dramática. A su vez, vivimos una introspección dentro de la protagonista, una mujer que ha perdido el apetito sexual y cuyo éxito con los hombres hasta el momento ha sido nulo.

Y sin embargo, uno de los puntos más interesantes del relato, aunque no esté armoniosamente cohesionado, es el episodio del hermano de Tamiko, un universitario que se siente perdido en su posición de estudiante. Con aires a la trilogía de la incomunicación de Antonioni en su relación con las mujeres y a Rocco y sus hermanos de Visconti por la violencia, nos adentramos en las aventuras de un hombre joven que se mueve por el deseo sexual, por el agradecimiento que siente hacia los sacrificios de su hermana mayor y que acaba por entender que el valor del dinero se sobrepone a lo demás. De su mano observamos desde el aire la reconstrucción de una ciudad aun herida de guerra. A su vez, intuimos la consolidación de la yakuza, algo que se explorará en profundidad en la pentalogía de Fukasaku Batallas sin honor ni humanidad (1973-74).

Vivir hoy, morir mañana (Hadaka no Jukyu-sai, 1970) 
Dirección: Kaneto Shindo
Guión: Kaneto Shindo, Shozo Matsuda

Entroncando con la última película mentada, esa historia del joven perdido parece hacerse un hueco más potente en esta extraña película del realizador japonés. Y es que presentándose de manera antipática (pocos han conseguido generar cierto odio hacia su protagonista en una sola secuencia inicial), vivimos la historia de un asesino casi al más puro estilo Badlands de Terrence Malick, sumergiéndose en una vorágine de violencia en un contexto convulso. Las protestas contra el acercamiento a las políticas de relaciones diplomáticas entre Estados Unidos y Japón, las luchas estudiantiles y demás temáticas del momento reflejan su auténtica soledad y desconexión con el mundo. Resulta curioso pues como el relato se fragmenta, da paso a la aparición estelar de la musa Nobuko Otawa (eterna protagonista de los filmes de Kaneto como ya hemos anotado), volviendo a encarnar a la madre, a la perturbada, a la mujer maltratada por las circunstancias de la vida propia del melodrama del realizador al que le dedicamos estas palabras. Y sin embargo, lo que resulta más chocante y novedoso es su tercer acto, un descenso a los infiernos de la noche urbanita. La estética y temática de la nueva ola japonesa se hace presente en todos sus aspectos posibles, la violencia, las drogas y el sexo acaban por protagonizar el reflejo de un momento, evidenciando de nuevo que nuestro director es un hombre que vive el día a día de su ciudad, que entiende perfectamente cuál es la evolución social del entorno en el que vive.

Redacción: Luis Suñer (@luisuner1990)

El árbol sin hojas (Raku-yo-ju, 1986) 
Dirección: Kaneto Shindo
Guión: Kaneto Shindo

Una de las películas más curiosas de un director tan polivalente y capaz de acercarse a diferentes aspectos de las preocupaciones niponas del momento es El árbol sin hojas. Ya nos hemos dedicado a resaltar aquellos aspectos que evidencian que su cine es próximo a algunos de los más importantes títulos de la cinematografía italiana y de nuevo volvemos a toparnos con algunas tónicas autorales similares a Fellini. Y es que si la búsqueda melodramática del acercamiento a la verdad de un tiempo a través de obras neorrealistas es algo presente en sus primeros filmes, aquí vemos una evolución que se antoja más cercana a obras como Ocho y medio. Un escritor de éxito, viviendo aislado, en compañía de una joven atractiva a la que en ciertos aspectos ignora, vive del recuerdo de un tiempo pasado, fundiéndose en ensoñaciones, secuencias oníricas donde se personifica en sus propios recuerdos, reflexionando sobre cómo estos aspectos han desarrollado su personalidad futura. La figura de un padre autoritario y el sacrificio de una madre demasiado blanda con su hijo pequeño, así como ciertos elementos casi incestuosos que Shindo se encarga de remarcar, nos deja una sensación extraña. Parece querer envolver su relato de un halo neofreudiano, ligándolo todo a las posibilidades del alma y la creación artística. Un relato conmovedor sobre la familia, la nostalgia, y el arrepentimiento masculino sobre los sacrificios femeninos, como vimos en el hermano menor de Madre (1963). Una obra donde decide dejar de lado su acercamiento social o sus recreaciones de vidas de personajes ilustres, como puede ser el maestro ciego del instrumento nipón shamisen que vimos en La vida de Chikuzan (1987), para volcarse, sumergirse e investigar a lo más profundo de sus propios recuerdos personales.

El actor secundario (Sanmon yakusha, 2000) 
Dirección: Kaneto Shindo
Guión: Kaneto Shindo (basado en una novela del propio director)

No puede ser más acertado el cerrar el ciclo con El actor secundario. Si bien es una cinta que fecha del 2000 y para nada resulta su último trabajo, el cual fue Postcard (2011), estrenado cuando el director ya tenía 99 años y tan solo estaba a uno de su centenaria muerte, sirve como perfecto repaso a la trayectoria vivida por el cineasta. Y es que en esta curiosa película, Shindo demuestra que puede sentir el paso del tiempo pasado, pero a su vez adaptarlo al lenguaje cinematográfico moderno. Director en plena evolución, sabe crear una ficción sobre una realidad vivida de cerca por él y sentida como todo un homenaje. Intercalando escenas de algunas de sus películas, así como utilizando declaraciones de Nobuko Otawa quien aparece en el montaje interpelando desde una posición metanarrativa con el protagonista del filme, vivimos un biopic muy especial para el realizador. Se trata nada y nada menos que la narración de la vida del actor Taiji Tonoyama, continuo secundario de muchos de sus propios filmes. Hombre que aparenta serenidad y calma durante la filmación, no puede sino adoptar un rol más alejado que el de su propia personalidad. Su aparición se da desde el mismo momento en el que inicia su andadura bajo la dirección de un Kaneto Shindo siempre en segundo plano. A partir de aquí, le acompañamos en sus desencantos a la hora de no encontrar un papel protagonista, su alcoholismo enfermizo que casi lo arrastra a la muerte prematura en numerosas ocasiones y, sobre todo, su desvergonzada pasión por las mujeres que lo lleva a cometer infinidad de infidelidades. Un bala perdida que siempre se supo comportar como un profesional delante de las cámaras, ganándose el protagonizar un filme como ocurrió en La isla desnuda (1960) e incluso ganar un premio al mejor actor, pero que por otro lado siempre halló la perdición en la bebida, el juego y la prostitución en cuanto el objetivo dejaba de enfocarlo.

Desde un tinte cómico, amable y sincero, se homenajea un amor extraño que vivió mil altibajos por culpa del temperamento de un hombre excepcional cuya errática trayectoria personal no influyó a la hora de dejar plasmadas ante la gran pantalla actuaciones memorables en filmes de gigantes del séptimo arte como Akira Kurosawa, Kozaburo Yoshimura o Nagisa Oshima entre otros.

Redacción: Luis Suñer (@luisuner1990)

Durante este mes de febrero las diferentes sedes de la Filmoteca de Andalucía proyectan una pequeña selección de cine coreano actual muy interesante. Durante los primeros días de més la sede central de la Filmoteca, situada en Córdoba, ya realizó sus corespondientes pases, pero aún podéis asistir en las sedes de Granada, Almería y Sevilla. A continuación tenéis la lista completa de proyecciones y horarios.

Sede de la Filmoteca de Andalucía en Granada

12 Viernes. 20:30 h.
A HARD DAY
Kim Seong-Hoon. Corea del Sur. 2014. 111 min. v.o.s.e.

Volviendo del entierro de su madre, el agente Gun-Su atropella a alguien. Aturdido, decide esconder el cadáver en la tumba de su madre. Los problemas, sin embargo, no quedan enterrados: uno de sus compañeros investiga a la víctima y un testigo no tardará en aparecer.

17 Miércoles. 20:30 h.
OUR SUNHI
Hong Sang-soo. Corea del Sur. 2013. 88 min. v.o.s.e.

Sunhi, una recién graduada por su Universidad en la especialidad de cine visitará a su antiguo profesor, Choi, para pedirle una carta de recomendación y así poder estudiar en Estados Unidos.

24 Miércoles. 20:30 h.
THE FAKE
Yeon Sang-ho. Corea del Sur. 2013. 101 min. v.o.s.e.

En un pequeño pueblo de Corea del Sur que está a punto de ser inundado por la construcción de una presa, los habitantes han caído bajo el hechizo de un carismático pastor evangelista, quien les ha prometido un nuevo hogar y un lugar en el cielo a cambio de sus ahorros.

26 Viernes. 20:30 h.
PRINCESA
Lee Su-jin. Corea del Sur. 2013. 112 min. v.o.s.e.

Han Gong-ju es una joven estudiante obligada a abandonar su escuela tras un misterioso incidente del que todo el mundo la señala como culpable. Con sus padres ilocalizables, es llevada a un pequeño pueblo donde se queda a vivir con la madre de uno de sus profesores.

Sede de la Filmoteca de Andalucía en Almería

9 Martes. 19:00 h.
OUR SUNHI
Hong Sang-soo. Corea del Sur. 2013. 88 min. v.o.s.e.

Sunhi, una recién graduada por su Universidad en la especialidad de cine visitará a su antiguo profesor, Choi, para pedirle una carta de recomendación y así poder estudiar en Estados Unidos.

16 Martes. 19:00 h.
MY LOVE, DON’T CROSS THAT RIVER
Jin Mo-Young. Corea del Sur. 2014. 86 min. v.o.s.e.

Jo Byeong-man (98 años) y Kang Kye-yeol (89) llevan 76 años juntos; ahora que la salud de Jo es frágil, deben afrontar lo que significará vivir el uno sin el otro. Ganadora del premio al mejor documental en el Festival de Cine de Los Ángeles.

23 Martes. 19:00 h.
A HARD DAY
Kim Seong-Hoon. Corea del Sur. 2014. 111 min. v.o.s.e.

Volviendo del entierro de su madre, el agente Gun-Su atropella a alguien. Aturdido, decide esconder el cadáver en la tumba de su madre. Los problemas, sin embargo, no quedan enterrados: uno de sus compañeros investiga a la víctima y un testigo no tardará en aparecer.

Sede de la Filmoteca de Andalucía en Sevilla

22 Lunes. 20:00 h.
OUR SUNHI
Hong Sang-soo. Corea del Sur. 2013. 88 min. v.o.s.e.

Sunhi, una recién graduada por su Universidad en la especialidad de cine visitará a su antiguo profesor, Choi, para pedirle una carta de recomendación y así poder estudiar en Estados Unidos.

Hace unos días se conocieron los nominados a los Hong Kong Film Awards, los premios más prestigiosos del panorama de cine Hongkonés que se desarrollan en el marco del Hong Kong Film Festival. La película que ha obtenido mayor número de nominaciones en esta ocasión es Port of Call que está presente en 13 categorías, no obstante ya ha ganado sendos premios en los Golden Horse y los HK Film Critics Society Awards y es una de las mayores favoritas. Con 11 nominaciones la sigue la última superproducción de Tsuy Hark, y una de las películas más taquilleras del año, The Taking of Tiger Mountaing. Ip Man 3 es la tercera película más nominada. A continuación tenéis la lista completa de nominados, los ganadores los conoceremos el próximo 3 de Abril.

Mejor Película

TEN YEARS
LITTLE BIG MASTER
THE TAKING OF TIGER MOUNTAIN
IP MAN 3
PORT OF CALL

Mejor Director

Adrian Kwan Shun Fai (LITLTE BIG MASTER)
Derek Yee Tung Sing (I AM SOMEBODY)
Tsui Hark (THE TAKING OF TIGER MOUNTAIN)
Wilson Yip Wai Shun (IP MAN 3)
Philip Yung Tsz Kwong (PORT OF CALL)

Mejor Guión

Adrian Kwan Shu Fai, Hannah Chang (LITTLE BIG MASTER)
Derek Ye Tung Sing (I AM SOMEBODY)
Saville Chan, Adam Wong (SHE REMEMBERS, HE FORGETS)
Lau Ho Leung (TWO THUMBS UP)
Philip Yung Tsz Kwong (PORT OF CALL)

Mejor Actor

Andy Lau Tak Wah (LOST AND LOVE)
Nick Cheung Ka Fai (KEEPER OF DARKNESS)
Tony Leung Ka Fai (THE TAKING OF TIGER MOUNTAIN)
Jacky Cheung (HEAVEN IN THE DARK)
Aaron Kwok (PORT OF CALL)

Mejor Actriz

Tang Wei (A TALE OF THREE CITIES)
Miriam Yeung (LITTLE BIG MASTER)
Sylvia Chang (OFFICE)
Karena Lam (HEAVEN IN THE DARK)
Jessie Li (PORT OF CALL)

Mejor Actor Secundario

Andrew Lam (FULL STRIKE)
Louis Cheung (KEEPER OF DARKNESS)
Max Zhang Jin (SPL 2: A TIME FOR CONSEQUENCES)
Max Zhang Jin (IP MAN 3)
Michael Ning (PORT OF CALL)

Mejor Actriz Secundaria

Qin Hailu (A TALE OF THREE CITIES)
Anna Ng (LITTLE BIG MASTER)
Janice Man (HELIOS)
Lee Sinjie (MURMUR OF THE HEARTS)
Elaine Jin (PORT OF CALL)

Novato del año

J. Arie (GET OUTTA HERE)
Sisley Choi (KEEPER OF DARKNESS)
Cecilia So (SHE REMEMBERS, HE FORGETS)
Michael Ning (PORT OF CALL)
Jessie Li (PORT OF CALL)

Mejor Fotografía

Wang Yu (A TALE OF THREE CIITES)
Pakie Chan (TO THE FORE)
Choi Sung Fai (THE TAKING OF TIGER MOUNTAIN)
Tse Chung To (IP MAN 3)
Christopher Doyle (PORT OF CALL)

Mejor Edición

Chan Ki Hop, Poon Hung Yiu, Pang Ching Hei (TO THE FORE)
David Richardson (SPL 2: A TIME FOR CONSEQUENCES)
Yu Bai Yang (THE TAKING OF TIGER MOUNTAIN)
Cheung Ka Fai (IP MAN 3)
Liao Ching Sung, Wong Hoi, Philip Yung Tsz Kwong, Chu Ka Yat (PORT OF CALL)

Mejor Dirección Artística

Tim Yip, James Cheung (A TALE OF THREE CITIES)
Horace Ma Kwong Wing (THE CROSSING II)
Yohei Taneda, Lee Kin Wai (MONSTER HUNT)
Yi Zhen Zhou (THE TAKING OF TIGER MOUNTAIN)
William Chang Suk Ping, Yau Wai Ming (OFFICE)

Mejor Vestuario y Maquillaje

Tim Yip, William Fung (A TALE OF THREE CITIES)
Chen Tongxun (THE CROSSING II)
Yee Chung Man (MONSTER HUNT)
Kwon Yoojin (THE TAKING OF TIGER MOUNTAIN)
William Chang Suk Ping, Lui Fung Shan (OFFICE)

Mejor Coreografía de Acción

Jackie Chan, JC Sunt Team (DRAGON BLADE)
Chin Ka Lok (HELIOS)
Li CHung Chi (SPL 2: A TIME FOR CONSEQUENCES)
Yuen Bun (THE TAKING OF TIGER MOUNTAIN)
Yuen Wo Ping (IP MAN 3)

Mejor Banda Sonora

Taro Iwashiro (THE CROSSING II)
Day Tai (SHE REMEMBERS, HE FORGETS)
Wu Wai Lap (THE TAKING OF TIGER MOUNTAIN)
Dayu Lo, Chan Fai Young (OFFICE)
Ding Ke (PORT OF CALL)

Mejor Canción Original

VORTEX (THE CROSSING II)
Composer: Dayu Lo
Lyric: Lin Xi
Performer: Dayu Lo

FOR WONG KA YAN (WONG KA YAN)
Composer: Benny Lau
Lyric: Chan Wing Him
Performer: Wong You Nam

MURMUR OF THE HEARTS (MURMUR OF THE HEARTS)
Composer: Chen Chien-Chen
Lyric: Huang Ting, Chen Chien-Chen
Performer: Rene Liu

WE ALMOST FLY (SHE REMEMBERS, HE FORGETS)
Composer: Day Tai
Lyric: Saville Chan
Performer: Feanna Wong

DARKNESS OF THE SEA (PORT OF CALL)
Composer: Ding Ke
Lyric: Ding Ke
Performer: Ding Ke

Mejor Sonido

Kinson Tsang, George Lee Yiu Keung (KEEPER OF DARKNESS)
Kinson Tsang, George Lee Yiu Keung, Yiu Chun Him (MONSTER HUNT)
Kinson Tsang, George Lee Yiu Keung, Yiu Chun Him (THE TAKING OF TIGER MOUNTAIN)
David Richardson, Tu Duu-Shih, Wu Shu Yao (OFFICE)
Kinson Tsang, Yiu Chun Him (IP MAN 3)

Mejor Efectos Especiales

Enoch Chan, Felix Lai Tsz Fai (KEEPER OF DARKNESS)
Jason Snell, Ellen Poon, Tang Bingbing (MONSTER HUNT)
Wook Kim (THE TAKING OF TIGER MOUNTAIN)
Ken Law Wai Ho, Tommy Hellowing (OFFICE)
Raymond Leung Wai Man, Yee Kwok Leung, Garrett K Lam (IP MAN 3)

Mejor Director Novel

Nick Cheung Ka Fai (KEEPER OF DARKNESS)
Raman Hui (MONSTER HUNT)
Lau Ho Leung (TWO THUMBS UP)

Mejor Película de China y Taiwan

MOUNTAINS MAY DEPART
OUR TIMES
THE ASSASSIN
WOLF TOTEM
BLIND MASSAGE

Este pasado fin de semana se realizó la primera rueda de prensa de presentación del Festival Nits de Cinema Oriental, que se celebrará a partir del día 12 de Julio en la localidad catalana de Vic. Este es uno de los pocos festivales dedicados ne exclusiva en España y, por programación, uno de los más interesantes y populares de Europa. Hoy nos hacemos eco de la nota de prensa oficial de esta presentación y de todo lo que deparará esta próxima edición de las Nits.

El contador para la próxima edición del Festival Nits de cinema oriental sigue acortando las distancias con el 12 de julio, cuando la cultura asiática volverá a Vic para ofrecernos seis intensas jornadas de cine, gastronomía y muchas y variadas actividades. Japón será el protagonista de esta 13a edición. Un país, una cultura y un estilo de vida que ha seducido a medio mundo y que ha originado uno de los fenómenos culturales contemporáneos más masivos: el manga. De esta manifestación artística beben el cine, ya sea en su versión anime o en filmes de imagen real; la música e incluso la gastronomía japonesas.

El festival dedicará buena parte de su programación a Japón, con una nutrida presencia de títulos inéditos en la sección oficial a concurso, una inauguración con cena japonesa y varias actividades, un ciclo de películas del género Kaiju Eiga – las gigantescas criaturas surgidas después de la bomba de Hiroshima-, la edición de dos libros, la representación de un cuento infantil, tres exposiciones, una conferencia y varios talleres.

Con Japón de país protagonista, casi era obligatorio escoger un yokai como imagen del certamen. Los monstruos y fantasmas del folclore japonés son una parte muy destacada de su vasta cultura y han inspirado libros, películas e infinidad de manga y anime, aparte de la lógica tradición popular. El yokai escogido para iluminar este Festival Nits 2016 es Hikari (luz en japonés) un travieso Chōchin-obake (farolillo fantasma) al que le gusta inventar historias y sorprender a los visitantes del espacio que ilumina. Inventar historias y sorprender, dos de las facetas que identifican el Festival Nits.

Hikari pertenece al grupo de los yokai “objetos de la casa”, que llevan mucho tiempo olvidados y acaban transformándose en un ser animado, juguetón y empeñado en pasarlo bien. El dibujo del personaje es un año más obra de Xevi Domínguez, ilustrador calldetenenc que trabaja en el festival desde sus inicios.

Mucho cine y nuevo Premio del Jurado

La industria del cine japonés es una de las más prolíficas de toda Asia y sus estudios de producción y directores abarcan todas las temáticas y géneros. La presencia nipona también destacará en las sesiones infantiles, las noches especiales como la Golfa o la Nit de Terror y en las clásicas matinales de anime.

Los filmes japoneses irán acompañados de una selección de las mejores y más recientes producciones de otros territorios como Hong Kong, China, India, Tailandia, Corea o Nepal.

Como novedad, este año se otorgará otro premio entre los filmes de la sección competitiva. Lo entregará un jurado internacional formado por figuras estrechamente vinculadas con el cine oriental. Así pues, aparte del clásico Gato de la Suerte de los Nitòmans, a partir de ahora también se dará el Gato de la Suerte del Jurado del Festival Nits.

¿Cómo vemos Asia desde occidente?

El Festival Nits recibe cada año varias propuestas cinematográficas de autores occidentales rodadas en Asia o que tratan aspectos concretos de países de este continente. Tener una visión occidental de Asia es un buen complemento a la filosofía de difundir la cultura asiática que nos mueve y hemos decidido iniciar una nueva sección donde se podrán ver estas obras, algunas presentadas por sus propios directores, y así completar este viaje de ida y vuelta.

La hemos bautizado Marco Polo y tendrá un especial cuidado por los documentales, pero estará abierta a todos los soportes y géneros.

Dobles Nits de lectura

Después de la buena experiencia de la primera publicación del Festival Nits, el libro sobre westerns asiáticos Wild Wild East, este año se quiere repetir y duplicar la experiencia. El certamen publicará una original galería de Kaiju Eiga, los clásicos monstruos japoneses capitaneados por el mítico Godzilla, en un libro que imitará los cuadernos de naturaleza, con las características fisiológicas de cada especie. Kaiju Field Notebook es un libro coordinado por Domingo López, escrito por Eduard Terrades con aportaciones de diferentes colaboradores e ilustrado por Carlos Ganyarul.

Como en la anterior edición, el festival abrirá un Verkami para poder hacer frente a los gastos de la publicación. Además, la retrospectiva del festival también estará dedicada a los kaiju, con una selección de los filmes más representativos del género.

La otra publicación será un libro infantil ilustrado que contará la historia del Gato de la Suerte, icono del festival, bajo el título de Las aventuras de Maneki Neko.

Más Nits: Centros Cívicos

El festival continúa repartiendo su programación por varios espacios de la ciudad.

Este año son los Centros Cívicos de Vic los que se incorporan a la oferta, con una parrilla de actividades dedicadas al mundo asiático que se programará durante las semanas previas al Festival Nits.

Habrá desde sesiones de cocina en talleres de ilustración y la oportunidad también de aprender los secretos de la henna o de la poesía china. Habrá conferencias, artes marciales, proyecciones y otras muchas propuestas que más adelante os iremos detallando.

Esta nueva propuesta se añade en el Espacio B del certamen, la Biblioteca Joan Triadú que, como en las recientes ediciones, continuará acogiendo algunas de las actividades paralelas – y algunas proyecciones de la sección Marco Polo- las tardes de martes a viernes del festival.

El Festival Nits de cine oriental de Vic cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Vic y la Generalitat de Catalunya, a través del Departamento de Cultura y del ICEC. En esta edición también colaboran el Consulado Japonés en Barcelona y Japan Foundation, institución dedicada a la promoción de la cultura y lenguas japonesas en el mundo.

El cine filipino está en auge actualmente gracias a su narratividad y su temática relacionada con la vida cotidiana, los nudos de conflicto y los dramas de los protagonistas. Es por ello que Casa Asia, con la colaboración del Film Development Council of the Philippines, propone este nuevo Ciclo de cine de Filipinas que contará con cuatro películas.

Teresa, una mujer que se ha dedicado al servicio doméstico durante más de 60 años (Ano Ang Kulay Ng Mga Nakalimutang Pangarap), el viejo Ponso, candidato a una alcaldía haciendo campaña antes de las elecciones (Badil), la bailarina Lauriana en pleno conflicto de las guerrillas Huk (Lauriana), y Regina Cadena, cantante de ópera en el declive de su carrera artística (Sonata) son las cuatro figuras que se articulan en cada una de estas películas, donde el realismo cinematográfico participa de una especie de historia mágica de un mundo local que gracias al cine consigue hacerse global.

PROGRAMACIÓN

Sábado, 13 de febrero de 2016, 20.00h

ANO ANG KULAY NG MGA NAKALIMUTANG PANGARAP
dir. Jose Javier Reyes | 2013 | 95’| VOSE

Se trata de un retrato de Teresa, una mujer que ha dedicado sesenta años de su vida al servicio domestico en una familia de clase media, a expensas de su propia felicidad y de su realización. Tras la muerte de la matriarca de la familia, los niños que estuvieron bajo su cuidado regresan del extranjero para enterrar a su madre y decidir el destino de su niñera. Una historia trágica donde el pragmatismo descarta el sentido de la obligación y el sentimentalismo. Esta cinta es una mirada triste hacia las elecciones que se toman en el transcurso de la vida y las consecuencias que tienen para aquellos que las asumen.

Sábado, 20 de febrero de 2016, 20.00h

BADIL
dir. Chito S. Roño | 2013 | 100’ | VOSE

Badil se centra en una pequeña zona en Samar la noche previa a las elecciones. El viejo Ponso (Dick Israel) es un activista veterano que hace campaña para la alcaldía. Se encarga de dar dinero a los electores que prometan votar a su candidato. Ponso lleva a su hijo Lando/Nonoy (Jhong Hilario) con él, enseñándole cómo se deben hacer las cosas. Ponso cae enfermo el último día antes de las elecciones, y encarga a Lando que le reemplace vigilando que nadie se acerque a sus votantes con una oferta mejor.

Sábado, 27 de febrero de 2016, 20.00h

LAURIANA
dir. Mel Chionglo | 2013 | 120’ | VOSE

En 1955, en pleno conflicto de las guerrillas Huk, el soldado Samuel Corazon y la bailarina Lauriana deciden mudarse juntos. La pareja adopta el papel de padres para Carding, un niño huérfano, que se convierte en testigo del lado oscuro del soldado; de la violencia doméstica y de su crimen atroz. Los residentes del pequeño e idílico pueblo en Quezon son sacudidos por el descubrimiento del oscuro y perturbante secreto del soldado y su concubina. El incomprensible suceso flota por la ciudad con la recriminación correspondiente.

Sábado, 12 de marzo de 2016, 20.00h

SONATA
dir. Peque Gallaga & Lore Reyes | 2013 | 110´ | VOSE

Regina Cadena es una conocida cantante de ópera que cae en una profunda depresión tras el colapso de su carrera artística debido a la pérdida de voz que ella experimenta inesperadamente. El comportamiento autodestructivo de la artista toma un giro cuando conoce a Jonjon, un joven que decide ayudar a la cantante a recuperar su felicidad. Sonata es la historia de una mujer que sólo vive para el arte. Es su vida, su pasión; y cuando pierde la voz, su mundo se desvanece.

Cinemes Girona
C/ Girona, 175 (Barcelona)

Precio entrada: 3,5 euros / Abonados y socios de los Cinemes Girona: 2 euros

Ver, o más bien disfrutar, el cine mudo es una tarea complicada y que requiere paciencia.

Por un lado debemos llevar a cabo una tarea mínima de investigación para poder contextualizar cultural y socialmente cada película. Además, por si fuera poco, debemos filtrar nuestra manera de pensar para conseguir mirar con la inocencia de la infancia y asombrarnos de la magia inherente, aunque olvidada, de las primeras muestras de un invento tan cotidiano hoy en día. El mismo que siempre me ha suscitado la misma pasión y entusiasmo.

A ojos de un espectador de los años veinte el cine era algo nuevo, excitante y sorprendente. Primero visto como un instrumento lleno de posibilidades y, años después, como un arte, el arte de captar y reproducir el movimiento humano, sus vivencias cotidianas y de expresar sentimientos y emociones. Un paso más allá de la fotografía.

Ojalá fuera posible retroceder durante un rato y desterrar todos los prejuicios de la costumbre y del paso de la ciencia. No “saber el truco” y dejarte engañar por sus engranajes.

Un poco de historia…

A finales de la dinastía Qing (1912) en China cobró un especial impulso la idea de asimilar la tecnología más avanzada de Occidente, pero conservando el sistema político y la cultura tradicional chinos. Ésta postura, cuyo máximo representante y divulgador fue Zhang Zhidong (eminente político chino durante la dinastía Qing que abogaba por ésta reforma controlada y rigurosa) se demostró a posterior impracticable más utópica que práctica. Otra teoría, más radical, proponía la occidentalización total, considerando que la cultura tradicional china era atrasada y que debía ser transformada por la democracia y las ciencias occidentales.

Alrededor de 1919, la revista “La Jeunesee” (“Nueva juventud” en su traducción al castellano) reunió a un grupo de personas con ideales comunes que proponían nuevas formas culturales y de pensamiento. Los valores que caracterizaban a ésta nueva ola de jóvenes eran el progreso y decisión e iniciativa individuales (en una cultura tradicionalmente enemiga de toda clase de individualismos, una cultura que veía en la unidad de su pueblo la fuerza y en el individualismo la traición e ideas propias de occidente).

Pero el estallido de la Primera Guerra Mundial llevó consigo la lucha encarnizada entre los supuestos “países civilizados”, provocando un rechazo tanto de los intelectuales europeos como de los chinos, que se sintieron muy decepcionados con la ideología capitalista occidental y no les quedó más remedio que volver a cobijarse bajo su vieja ideología oriental.

El debate permanente entre la cultura occidental y la oriental suscitó una viva polémica y separó a dos bandos claramente diferenciados según sus preferencias.

“Qing hai chong wen” (Kisses Once, 1929)
Director:  Xie Yunqing
Duración: 60 min
Intérpretes:  Yiting Chen, Zhu Dandan, Tianxiu Tang, Naidong Wang, Xieyan Wang

La película que rescato en ésta reseña es un espécimen muy singular por varias razones que están más allá de lo antes mencionado.

Parece ser la única película que ha llegado hasta nosotros producida y dirigida por el Da Zhonghua-Bai He Film Studio, un estudio minoritario y efímero que duró sólo dos años (de 1927 a 1929). Su fundador, Xie Yunqing, estudió cine en Alemania y estuvo muy influenciado por las vanguardias e innovaciones del expresionismo, aunque actualmente es mucho conocido como un gran actor de la época, “Qing hai chong wen” fue su única película como director (además de interpretar uno de los personajes principales de la misma). A diferencia de otros grandes estudios como puedan ser “Mingxing” o “Lianhua”, Da Zhonghua-Bai He Studio, bebe de la influencia de su fundador y le sacará todo el partido posible a sus obsesiones cinematográficas. Apreciamos así cómo se entremezclan acertadamente la cultura china y el expresionismo alemán, una extraña simbiosis que vaticina, como mínimo, una curiosidad y un testimonio histórico único.

Podemos ver varios elementos de cada uno: la expresividad facial y corporal de los personajes, el maquillaje, la palidez o los contrastes claroscuros expresionistas en contraposición con una fuerte denuncia social y el vestuario tradicional de china. El autor hará hincapié en las desigualdades de género, de estatus y la familia como construcción sociocultural de la china de los años 20. Nunca llegó a proyectarse en ningún festival o retrospectivas de cine mudo aunque no sorprende. No es difícil de imaginar cómo habría acogido la censura de la época un retrato tan negativo y realista, muy dickensiano.

La primera escena ya choca y nos hace pararnos un momento a pensar: vemos un coche perteneciente a una pareja adinerada que arrolla a un individuo pobre para después ignorarle y continuar como si nada. Como reza el cartel: “los ricos son siempre así”.

La nueva secuencia se abrirá con un plano general aéreo desde el que podemos apreciar ligeramente la ciudad, sus coches y edificios y sus trajeados empleados que se apresuran a buen ritmo hacia sus puestos de trabajo. Sin dejarnos un momento de tregua, el director se vuelve a quejar con amargura cuando uno de esos trabajadores es despedido instantáneamente ante la exagerada indignación de su jefe por llegar media hora tarde.

El drama se centrará en retratar las dificultades de la pareja protagonista para divorciarse. Un acto moralmente censurado y castigado por la opinión pública que se veía como un fracaso contundente de la mujer ya que era ella la encargada de sostener la unidad familiar y deberá soportar esa vergüenza en silencio y agachando la cabeza. El punto más positivo y remarcable de la cinta está en sus interpretaciones y en mostrarnos sin tapujos esa realidad.

No es una obra de arte ni pretendo decir que lo sea, pero me parece como mínimo valiente y de incuestionable valor por sí misma. Una curiosidad que nos brinda unos brochazos de una época difícilmente investigable para el espectador medio o, incluso, para el especializado.

Redacción: Violeta Vega Muñoz

El afamado director hongkonés Ho Meng Hua entró por primera vez en la industria cinematográfica en 1955 como escritor (y presumiblemente fotógrafo) para pasar a la dirección en 1957. Su primer intento conocido de acercarse a la fama fue un cuarteto de películas en torno a la legendaria figura china del Rey Mono; Estas cuatro películas de la Shaw Brothers son MONKEY GOES WEST (1966), PRINCESS IRON FAN (1966), CAVE OF THE SILKEN WEB (1967) y LAND OF MANY PERFUMES (1968). Estos serían acercamientos a la fantasía épica con unos logrados efectos especiales (para la época).

Mientras que Ho concluía estas fantasías, el exguionista Chang Cheh lanza el taquillazo ONE ARMED SWORDSMAN (1967), una película que revolucionó el género Wuxia. Ahora los espadachines que dominan el mundo marcial tiñen la tierra con trazos de sangre y violencia. Ho Meng Hua siguió ofreciendo algunos elegantes ejemplos de este género pero casi siempre sin adentrarse (aunque si en algunas ocasiones) en el ámbito de la violencia, optando en su lugar por explorar su vertiente dramática. Uno de los mejores ejemplos de la capacidad de Ho para tejer una historia convincente, sin recurrir a la violencia sangrienta para mantener el interés, está en el elegante y ambicioso swordplay VENGEANCE IS A GOLDEN BLADE (1969).

Esta es posiblemente su mejor película, el guión entrelaza con gusto durante sus 90 minutos secuencias de combate marcial con unas conmovedoras actuaciones de sus protagonistas en una casi perfecta combinación cinematográfica. Las coreografías de acción están bien pero no llegan a la intensidad de otros Wuxia Pian que se lanzaron en la misma época. Tang Ching domina la película como el héroe trágico Li Zhi Shan, quien, a diferencia de los héroes de Chang Cheh, encuentra redención cuando termina la película. En la cinta de Ho su héroe es sometido a toda clase de indignidades, sobre todo por su esposa interpretada por Kao Pao Shu. Huyendo de los males de la ciudad después de su humillación, Li escapa a las montañas para intentar criar a su hija con la esperanza que sea una mujer honesta, lo contrario de su madre adúltera. Ho utiliza en esta película un estilo visual que iba en contradicción con la norma de la Shaw Brothers, la mayoría de las localizaciones son naturales fuera de estudio. Las escenas de acción también son inventivas, y lo que le falta a las mismas se compensa con creces con las localizaciones y la fotografía.

Tang Ching aparecía como apuesto galán durante la época dorada del cine de Hong Kong. Él, junto con la famosa actriz Cheng Pei-pei, serían favoritos del director en algunas de sus películas de esgrima. Juntos aparecerían en THE JADE RAKSHA (1968) y Tang Ching protagonizaría THE BLACK ENFORCER (1972), una gran película de Ho y otra pieza desaparecida del puzzle de la Shaw Brothers. Esta cinta no ha sido relanzada por Celestial ni se tiene noticias de su posible aparición.

THE BLACK ENFORCER (1972) es una película que probablemente se lanzó simultáneamente a THE SHADOW WHIP (1971) de Lo Lieh, para aprovechar las localizaciones nevadas. En ella Tang Ching es el ‘Black Enforcer’ del título. Tang transporta a un peligroso criminal y se detiene en su casa para pasar la noche, cerca de ahí la banda mafiosa planea liberar a su jefe. El notable tipo malo Tien Feng interpreta a Kuan, el sádico villano que quema la casa hasta los cimientos no sin antes violar a la hija de Kung (Tang Ching) delante de él y darlo por muerto. Kuan huye con la mujer de Kung a la que obliga a casarse con uno de sus hijos. La venganza es inevitable. Es una pena que esta película no haya sido editada en DVD ya que está a la par de calidad con lo mejor de la esgrima de Ho. KILLER DARTS (1968) es un colorido Wuxia protagonizado por el gran Hua Yueh y Chin Ping (no la estrella de la explotación Chen Ping). Uno de los muchos atributos interesantes de los Wuxia de la Shaw Brothers eran sus intrincados arcos argumentales, y esta película los tiene. Solo falla el final, pareciendo como si la producción se quedara sin presupuesto y hubiera que terminarla rápidamente.

THE JADE RAKSHA (1968) une a Tang Ching con la ya nombrada Cheng Pei-pei, en la historia de venganza de una mujer por la muerte de toda su familia. Sin saber exactamente quién de los 20 miembros o más del clan Yen cometió el asesinato, decide enfrentarse a todo el clan y matar a sus miembros. El heroico espadachín Lin (Tang Ching) se compromete a detener al “Jade Raksha” al que hace referencia el título. Tang Ching es otro trágico héroe que, hacia el final de la película, encuentra la redención, pero realmente el protagonismo es de Pei-pei y ella gobierna el espectáculo. La venganza es un punto focal muy importante durante toda la película, el héroe (también en busca de venganza), tras matar a un inocente por error, abandona su venganza y jura no volver a desenvainar su espada. La protagonista, sin embargo, asesina con frialdad a los miembros del clan Yen sin saber si tenían algo que ver con el asesinato de su familia. De este modo se asegura acabar con el asesino.

Ho fue uno de los directores más versátiles de la Shaw Brothers y llego a tocar numerosos estilos cinematográficos, demostrando que era igualmente hábil dirigiendo películas de terror o de esgrima. Una de las facetas más curiosas de Ho es que podía dirigir películas muy clásicas o películas con un alto grado de exploitation gratuita en casi cualquier género. Wuxias de corte clásico como LADY OF STEEL (1970) y LADY HERMIT (1971) coexisten con violentos swordplays cargados de acción, sangre y toques gore como AMBUSH (1973), DRAGON MISSILE (1976) y la gran THE VENGEFUL BEAUTY (1978). Prácticamente todas sus películas de terror-venganza están encuadradas dentro de la categoría de exploitation. KISS OF DEATH (1973) es una de las más interesantes, no sólo por ser el debut de Chen Ping, sino que vemos a Lo Lieh como un hombre tullido que ayuda a una chica a lograr su venganza sobre un grupo de hooligans que se turnaron para violarla transmitiéndole una enfermedad venérea en el proceso. Llamada Vietnam Rose, la chica finalmente muere de esta enfermedad de forma dolorosa, pero no antes de haber cobrado venganza contra sus agresores. La película fue una de los más populares de la carrera de Ho, pero no es tan espeluznante como la trama pudiera sugerir. En 1988 vio la luz una nueva versión bajo el título de HER VENGEANCE del director Lan Nai Tsai que, como tantos, comenzó su carrera en la Shaw Brothers.

THE LADY HERMIT (1971) sería uno de los Wuxias más ambiciosos de Ho y de las grandes películas Shaw de Cheng Pei-pei. La película también está protagonizada por la joven y bella Shi Szu, en lo que debía ser el paso de testigo de una estrella consagrada a la siguiente. En ella, Pei-pei interpreta al personaje del título, que se ha retirado desde que sufrió una lesión en la espalda en una pelea contra el “Demonio Negro”. Shi Szu es Ping Cui, una espadachina ansiosa por aprender de la maestra de esgrima pero que no sabe dónde encontrarla exactamente. Lo Lieh también figura en el reparto reuniéndose con Pei-pei tras FLYING DAGGER (1968) de Chang Cheh, solo que aquí Lo Lieh no puede combatir, a diferencia de su papel de arrogante fanfarrón lanzador de cuchillos de aquella película. En este Wuxia, pronto surgen complicaciones entre los tres protagonistas que dejarán a la joven e impulsiva Ping Cui dolida y hastiada. Se dirige entonces sola a combatir al Demonio Negro y su banda, culminando en un final sangriento que incluye una impresionante batalla sobre un puente colgante. Fácilmente una de las mejores películas de Ho Meng Hua, con la mayor sorpresa proviniendo de Lo Lieh. Al verlo se espera que sea un espadachín pero es chocante saber que no puede luchar, a diferencia de sus películas anteriores. Ho disfruto mucho trabajando con Cheng Pei-Pei, de la que dijo que su personalidad igualaba el espíritu de lucha del personaje que interpretaba. En muchos momentos insistió en hacer las acrobacias y escenas de riesgo, un lujo que no demostró en muchas ocasiones cuando trabajó con Chang Cheh.

THE LADY HERMIT (1971) no solo fue la última película de Cheng Pei-Pei para la Shaw Brothers, sino que también pareció el final de los Wuxias clásicos o “respetables” del propio Ho. Sus restantes Wuxia se inclinaban más hacia los elementos de explotación añadiendo desnudos y violencia más exagerada y aunque muy divertidas, estas películas no alcanzaron el estatus de clásicos aunque muchas de ellas son altamente recomendables.

También en 1971 Ho dirigió otro interesante swordplay, THE LONG CHASE. Yueh Hua es el rey de las dagas voladoras, Ying Kou. Al comienzo de la película asesina al cruel primer ministro Yan. Fan Yi (Lo Lieh) debe encontrarlo dentro de los siguientes cinco días. Kou es perseguido por el condado de Xuan Hua donde asume la identidad de un oficial que fue asesinado en una emboscada. Kou consigue hacerse pasar por Song Hua Long pero Fan sospecha y lo vigila de cerca. Al llegar a la ciudad ven como es aterrorizada por los bandidos de Er Long y ambos forman una alianza temporal para combatirlos. En este ambiente aparecerá Shu Niang (Li Ching), una chica que es secuestrada y que ambos intentarán rescatar.

Lo interesante de esta película es la continua confusión que genera la mascarada de Kou haciéndose pasar por Song. Los villanos creen haberlo asesinado, ocasionando su caída para atacar la ciudad y luego descubren que al parecer aún sigue con vida. Lo mismo sucede con Fan, que utiliza muchos trucos para demostrar que es el rey de las dagas voladoras. De hecho una de las cosas que hacen creer a Fan que no es el asesino es cuando un bandido le ataca haciéndose pasar por Kou y este lo confunde con el Kou real. Kou incluso le da pistas que hacen creer que él es el verdadero pero Fan aparentemente las ignora. Solo cuando deba utilizar las dagas voladoras para salvar a la chica se descubre el verdadero engaño. Las peleas son muy emocionantes y están maravillosamente coreografiadas por el padre de Bruce Liang, Liang Hsiao Sung. Las secuencias de acción son sin duda un punto culminante entre el puñado de vueltas argumentales que ofrece la trama.

De aquí en adelante, la majestuosidad de las películas Wuxia de Ho Meng Hua es reemplazada por un estilo más simplista, confiando más en la acción sangrienta y elementos de exploitation para impulsar la historia. No es que sea algo malo eso sí, pero hay una diferencia clara y evidente en las películas de Ho de finales de los 60 y principios de los 70, y su producción a partir de 1973. Ho también probaría suerte con las películas para adultos como YOUNG PASSION y THE SINFUL ADULTERESS ambas en 1974, esta última protagonizada por Chen Ping.

AMBUSH (1973) es una cinta de acción más plana y lejos de ser tan enrevesado como tienden a ser la mayoría los Wuxia. Una historia bastante simple en donde el padre de un policía honorable, el jefe de un servicio de acompañamiento de buena reputación, desaparece tras el robo de un cargamento de joyas que custodiaba y en donde aparecen muertos el resto de escoltas. El hijo es acusado de ser cómplice y debe buscar la manera de limpiar su nombre y el de su padre. Una interesante y trepidante película de acción de Ho donde tira de algún desnudo gratuito e incluso de una escena teñida de Terror con Li Ching encerrada dentro de un mausoleo. Chao Hsiung, previamente actor de reparto (casi siempre como villano de algún tipo) toma el papel protagonista y se maneja bien. Chao Hsiung debía demostrar que es capaz de mantener el papel protagonista en una película, tras papeles secundarios como el de villano japonés en KING BOXER (1972). Ho le dio algunas oportunidades, tanto en esta película como en THE GOLDEN LION (1975), donde interpretaba un personaje de tipo Hércules. Esta no llamó la atención del público, recaudando unos escasos $ 200,000 dólares de Hong Kong, lo cual relegó a Chao de nuevo a papeles secundarios. Además debería haber sido lanzada en 1973 junto con AMBUSH (1973), ya que contrastaba de forma muy abrupta con el cine de Kung Fu que copaba las carteleras de 1975. Lo que hace a AMBUSH (1973) especial es su buen ritmo, sus emocionantes peleas y sus personajes fuera del héroe y las joyas. La policía, individuos deshonestos, mujeres manipuladoras y un espadachín misterioso van todos detrás de las riquezas robadas. El aspecto más llamativo de la película es la conclusión, una batalla en los alrededores de un molino de viento que puede ser una de las peleas finales más brutales del director en la Shaw Brothers.

En consonancia con la nueva tendencia de Wuxias sangrientos y violentos, Ho pasó a convertirse en uno de los más conocidos directores del estudio, copando parte del circuito “Grind House” internacional con sus películas. Una de las cintas claves fue THE FLYING GUILLOTINE (1975). Supuestamente basada en una verdadera arma utilizada durante la dinastía Qing para sofocar levantamientos rebeldes, así como para asesinatos secretos, al parecer nadie vivió el tiempo suficiente para documentar como era esta arma exactamente. Chen Kuan Tai interpreta a Ma Ten, un joven que se une al ejército y termina en una organización secreta de asesinos entrenados especialmente para matar a rebeldes del Imperio y personas incómodas para el emperador. Cuando Ma expresa su descontento ante los asesinatos y esta forma de vida se convertirá en fugitivo y principal objetivo de la organización. Pasados los años Ma ha forjado una familia, pero los guillotinas voladoras, al mando de Ah Kun (que siempre estuvo celoso de Ma), aún le persiguen. THE FLYING GUILLOTINE (1975) contiene varias escenas de decapitaciones, y el énfasis de la misma está más en el arma y el daño que causa que en las propias peleas. Las luchas son muy breves pero están en un buen nivel. A veces la película adquiere unos tintes de terror sobre el arma en sí y su avance imparable. Ma debe encontrar la forma de detener a la guillotina y en esa búsqueda se basa parte de la cinta.

Esta película se hizo muy popular y aparecieron numerosos films que utilizaban recursos parecidos. Jimmy Wang Yu, que había salido de la Shaw Brothers de no muy buenas maneras, lanza MASTER OF THE FLYING GUILLOTINE (1976), y una versión modificada del arma vería la luz en THE DEADLY SILVER SPEAR (1977), protagonizada por el propio Wang Yu. En FATAL FLYING GUILLOTINES (1977) podemos ver a Chen Sing blandiendo dos guillotinas simultáneamente, con un arma que era la que más se parecía a la versión Shaw original. Shaw atacaría entonces con FLYING GUILLOTINE 2 (1978), posiblemente debido al gran número de secuelas que habían aparecido hasta entonces. Mientras que la primera película se centró más en los personajes y sobre todo en la propia arma, la secuela pone más énfasis en la acción. Ti Lung toma el relevo de Chen Kuan Tai y algunos otros personajes son manipulados de tal manera que da la impresión de que es una película separada de la primera FLYING GUILLOTINE (1975).

Ho Meng Hua dirigiría su propia copia de la afamada película de acción marcial en THE DRAGON MISSILE (1976). Aquí, Lo Lieh es la mano derecha de un príncipe de la corte manchú. El príncipe enferma y sólo una raíz de un ginseng especial lo curará, solo que debe administrarse antes de un determinado periodo de tiempo. Lo Lieh es el maestro del “Dragon Chopper”, una especie de boomerang inspirado en la Guillotina Voladora y con los mismos terribles resultados. El personaje de Lo es realmente el tipo malo, y los protagonistas intentarán detener su empresa. La película tiene una buena acción para una producción tardía de 1976, y se ven detalles de violencia aquí y allá. Se trata de toda una curiosidad, a pesar de lo flojo de su tramo final.

Ho Meng Hua dirigió otra película, THE VENGEFUL BEAUTY (1978), que también tendría un largo cameo de la Guillotina. Además hay algunas escenas de la película original insertadas en ella, ya sea como imágenes de archivo o, posiblemente, porque la película tiene lugar a la vez que la película original. Durante los primeros 30 minutos aparece la banda de las guillotinas, para luego desaparecer totalmente. Chen Ping, la Reina de la explotación HK, interpreta a Rong Chu Yan, quien jura vengarse de los Guillotinas por haber matada a su esposo y consuma su venganza estando embarazada (!). Aparecen también otros personajes en la mezcla intentando dar algo de calidad a la mediocre presencia del Swordplay en la misma. THE VENGEFUL BEAUTY (1978) nunca destacará más que por mostrar un buen puñado de elementos de exploitation (desnudez y sangre entre ellos). Una de las mejores piezas B de la Shaw Brothers, apta para quien busque entretenimiento de bajo presupuesto. Entre estas dos películas de acción marcial Ho se adentraría en un género del que era muy aficionado y en el que realizará sus creaciones más famosas.

Siendo fan del horror y del cine de zombies, Ho Meng Hua se lanzaría a realizar una serie de películas de terror que se convertirían es sus trabajos más conocidos, la mayoría de ellas basadas en cuentos populares de supersticiones y magia negra bien conocidos en Malasia y Singapur.

BLACK MAGIC (1975) sería la primera película de terror de Ho. Basada en leyendas de brujería de Malasia y Singapur, la película sería el origen de una serie de producciones de estilo similar donde un variopinto elenco de macabros brujos utilizan hechizos cada vez más enrevesados y extraños para reclamar su violenta y brutal venganza. BLACK MAGIC (1975) fue esencialmente un triángulo amoroso muy oscuro protagonizado por Ti Lung como un trabajador de la construcción que es seducido por una muchacha de buena posición que a su vez es codiciada por otro personaje interpretado por Lo Lieh. Un hechicero malvado (Ku Feng) es contratado para realizar diversos conjuros de amor y de muerte. En última instancia otro hechicero será contratado para detener al lascivo mago oscuro que está causado muerte y problemas allá por donde pasa. Ganando popularidad, especialmente en áreas adultas como las leyendas de ritos de magia negra, la película fue muy bien recibida en Hong Kong y se rodaría una secuela al año siguiente. BLACK MAGIC 2 (1976) es básicamente un remake de su antecesora, pero los elementos oscuros y de exploitation crecen de forma considerable. Ti Lung vuelve a estar presente y Lo Lieh toma esta vez el papel de mago malvado. La película tiene sus momentos, como el ataque del cocodrilo de la apertura o el ejército de zombis femeninos con picos clavados en sus cabezas y gusanos corriendo bajo su piel.

Durante la próxima década, y más allá, se produce una constante producción de películas similares que ofrecen brujos malvados cada vez más brutales, con terribles y repugnantes conjuros. Algunas películas que beben de lo presentado en BLACK MAGIC (1975) son THE PRINCESS & THE TOXICANT (1977; aka SUCCUBARE), BEWITCHED (1981), THE DEVIL (1981), CENTIPEDE HORROR (1982), BLACK MAGIC WITH BUDDHA (1983; dirigida por Lo Lieh), THE BOXER’S OMEN (1983), BRUTAL SORCERY (1983) y RED SPELL SPELLS RED (1983) por nombrar algunas. Por desgracias 2 de las películas de terror de Ho son casi desconocidas y se sabe muy poco de ellas, NIGHT OF THE DEVIL’S BRIDE (1975) y THE PSYCHOPATH (1978).

En 1976 Ho rodaría una de sus películas de explotación más notorias, THE OILY MANIAC. Tomando de nuevo supersticiones y leyendas malayas, así como inventiva propia de una película de 1958 sobre un monstruo de grasa, Ho construye una serie B hilarante y divertida dentro del mundo de las “bad movies”. Danny Lee Hsiu Hsien interpreta a Sheng Yung, un lisiado cuyo tío es acusado de asesinato mientras los verdaderos culpables quedan libres debido a un abogado deshonesto. Antes de su muerte su tío le dará instrucciones para realizar un conjuro que le permitirá tomar venganza contra los malvados, sin embargo si se atenta contra un inocente se sufrirán terribles consecuencias. El conjuro invoca un Oily Maniac, una criatura aceitosa de brillantes ojos con una serie de poderes. Esta película presenta tal grado de explotación que es hasta confuso. Se trata a la vez de un festival de horripilantes superhéroes, desnudez y sangre. Ho mantiene un ritmo creciente, con personajes cada más sórdidos y absurdos. OILY MANIAC (1976) tiene unos efectos realmente malos, pero un trabajo creativo que engrandece la película. Esta película es recomendable para los amantes de las “bad movies” que buscan emociones extravagantes de mala calidad y frikismo extremos, y Ho Meng Hua las ofrece y en cantidades.

Danny Lee, que realmente nunca destaco como estrella hasta su aparición en THE KILLER (1989), parecía ser el sujeto de pruebas de la Shaw Brothers en lo referente a material raro e inusual. Después de haber jugado a ULTRAMAN en la divertidísima y kitchs SUPER INFRAMAN (1975), dirigida por otro especialista en explotación Hua Shan. Ho volvió a requerirlo para una producción ambiciosa y compleja que con el tiempo se convirtió en un gran éxito de crítica y de culto en todo el mundo.

MIGHTY PEKING MAN (1977) sería una de las películas más famosas o infames de Ho según el punto de vista de quién la vea. Lanzada cuando el KING KONG (1976) de Dino de Laurentiis estaba en producción, la idea era terminarla y lanzarla antes que aquella. Basada en una leyenda en torno a los fósiles descubiertos en China en el 1900, conocidos como el Gigante del Himalaya, la película está más basada en el KONG estadounidense que en otra cosa. Era la primera vez que una cinta de este tipo y magnitud se intentaba en la zona (aunque se realizó una película de monstruos taiwanesa llamada THE YOUNG FLYING HERO en 1970 y SUPER INFRAMAN en 1975). El rodaje tardó más de un año en completarse y las dificultades con los equipos japoneses resultaron frustrantes para ambas partes. Los equipos chinos trabajan rápido y los técnicos japoneses no estaban acostumbrados a tales métodos. Los créditos revelan dos nombres reconocibles para los fans de Kaiju Eiga, Sadamasa Arikawa y Koichi Kawakita. Ambos trabajaron en la saga de GODZILLA en los 60 y en los 90 respectivamente.

Contratado para hacer 4 películas al año, un proyecto de tal magnitud no era fácil de realizar si se tenían que hacer otras 3 películas entre medias. Rodada en localizaciones de India y Hong Kong la aventura de la producción es casi mayor que la mostrada luego en pantalla.

Además de hacer frente a los problemas con 3 equipos de efectos especiales japoneses diferentes (conforme los contratos de 3 meses de cada equipo finalizaban se requerían nuevos especialistas a Japón ya que la película no estaba aún terminada), se vivieron numerosas dificultades con diferentes escenas y localizaciones. Aunque inicialmente se quería lanzar lo más rápidamente posible, el ritmo de trabajo japonés hizo evidente que esto no sería posible. El presupuesto final superó los 7 millones de dólares HK y con tantas manos metidas en los efectos especiales las diferencias entre partes del metraje son evidentes. El plan era que THE MIGHTY PEKING MAN (1977) llegase a los cines antes que KING KONG (1976) y esto nunca sucedió, lo cual hizo que la película tuviera poco éxito ya que el público no quería ver otra vez lo mismo.

Los asiáticos tienen una extraña habilidad para infundir mucha emoción y carácter a sus películas de monstruos y esta no es una excepción. El hermano de Yuen Woo Ping, artista marcial y coreógrafo Yuen Chueng Yan interpreta a Utam, la criatura gigante, y logra crear un patetismo y piedad por la criatura que casi supera a su “hermano” americano.

A pesar de su tiempo de producción esta película tiene un gran componente caótico en su estructura. Quizás fuera por la cantidad de manos que trabajaron en los efectos visuales, o porque Ho tuviera que hacer malabares con otras 3 películas durante su realización. Teniendo en cuenta la gran escala de esta producción, Ho realiza un trabajo admirable con el material del que disponía. Independientemente de la locura, absurdos o malos efectos que se encuentran en la película, su valor de entretenimiento es extremadamente alto. Los personajes humanos (a excepción de la joven de la selva Evelyn Kraft) son caricaturas de usar y tirar del KONG de 1976, pero a diferencia de aquella Ho sabe infundir preocupación por qué le pasará al gigante y su novia de la selva.

Evelyn Kraft eclipsa incluso al gigante que da título a la película. Su forma de ser europea, mucho más abierta que la china, fue toda una sorpresa para los hongkoneses. La comodidad y facilidad casual con la que podía desenvolverse con tan solo unas escasas piezas de tela chocó con el estilo más conservador del staff chino. Nadie se quejó por ello, pero seguro que fue una agradable sorpresa para el equipo de producción chino. Kraft también participo en el clon de los Ángeles de Charlie de la Shaw THE DEADLY ANGELS (1977), que fue lanzado a principios de año y fue un éxito masivo.

Una de las películas en las que Ho trabajo mientras rodaba esta producción monstruosa fue THE CRIMINALS (1976), una antología de cuentos sobre crimen que resultaron tan populares como para producir varias secuelas. Ho dirigió el tercer segmento de la película llamado “The Stuntmen” y protagonizado por Lo Lieh, quien interpreta a un doble de acción de la Shaw Brothers que se ve relacionado con las Triadas. Es curioso ver el mundo del cine un poco desde dentro, como el rodaje de una película (probablemente falsa) con Yueh Hua encarnándose a sí mismo.

Ho no tardaría en empezar a trabajar en otra Kung Fu exploitation titulada SHAOLIN HAND LOCK (1978). Protagonizada por David Chiang y Lo Lieh como platos fuertes y Chen Hui Min y Chen Ping para completar el elenco. El título de las películas es un poco curioso teniendo en cuenta la verdadera inutilidad de la maniobra marcial. No es muy impresionante ni muy práctico, pero esto es una película de kung fu exploitation, en realidad esto no importa demasiado. Ho se las arregla para insertar persecuciones en moto y lancha dentro de una historia más adecuada para un Wuxia épico. Las localizaciones tailandesas dan un toque diferente a la producción pero queda claro que o Ho Meng Hua necesita unas vacaciones o está realmente desencantado con sus últimos trabajos, tal y como reconocería en una entrevista. Sus dos últimas películas de Kung Fu para la Shaw Brothers son producciones olvidadas sin nada que destacar. Para colmo de males el público de Hong Kong no había demostrado mucho entusiasmo con sus últimas producciones y no había recaudado demasiado. ABBOTT OF SHAOLIN (1980) parece que hubiera sido hecha varios años antes, con David Chiang como el sacerdote Chi Sang y Lo Lieh como Pai Mei, fue una película mediocre y rutinaria y uno de los mayores batacazos en taquilla de Ho Meng Hua en toda su carrera, tan solo recaudó 116.880 $HK. THE SWIFT SWORD (1980) fue un intento de adaptación de una obra de Jin Yong de la que el siguiente año Chang Cheh adaptaría THE SWORD STAINED WITH ROYAL BLOOD (1981), muy fiel al material original. La adaptación de Ho ofrece poco interés, pero está mejor en general que ABBOTT OF SHAOLIN (1980).

Mirando hacia atrás en la carrera de Ho Meng Hua hay algunos paralelismos con la carrera de Chang Cheh. La filmografía inicial de la carrera de Ho en la Shaw Brothers está salpicada de películas clásicas y con clase que a mediados de los 70 se habían deteriorado con el entretenimiento más sensacionalista. Esto refleja la carrera más prolífica de Chang Cheh. Uno incluso podría decir de Ho como director que fue más un seguidor que un líder, pero dejó con la boca abierta con su cuarteto de películas adaptando JOURNEY TO THE WEST e inauguró el género del terror con una película como BLACK MAGIC (1975) que aún hoy impregna el género en Hong Kong. Ho Meng Hua fue un gran talento durante su época dorada y dejó obras de exploitation de la serie B más bizarra que aún hoy son cintas de culto entre los aficionados a este tipo de cine.

Shin Jingi no Hakaba (2002)
Director: Takashi Miike
Guión: Shigenori Takechi (basado en la novela de Gōro Fujita)
Actores: Gorō Kishitani, Narimi Arimori, Shingo Yamashiro, Ryosuke Miki, Takashi Miike
Productora: Daiei Motion Picture Company, Excellent Film, Toei Video Company Música: Kōji Endō
Director de fotografía: Hideo Yamamoto
Editor: Yasushi Shimamura

Para abordar el remake de Graveyard of Honor de Kinji Fukusaku, Takashi Miike, que nunca ha creído en la necesidad de versionar un filme, decidió adaptar directamente la novela original de Gorō Fujita. Sin embargo, es inevitable establecer un paralelismo entre estas dos versiones que exponen la vida real del yakuza Rikio Ishikawa.

En el momento que Kinji Fukusaku estrena Graveyard of Honor en 1976, ya se había preocupado por desterrar al ninkyo-eiga y su concepción ideal del giri-ninjo al reino de la fantasía con su Battle Without Honor and Humanity (1973 -1976). Aunque no he podido consultar la novela original de Fujita, no hace falta para sentir la influencia de Stray Dog de Akira Kurosawa. En este filme, el Emperador Kurosawa se preocupa por cómo los jóvenes que habían luchado en la Segunda Guerra Mundial serían capaces de sobreponerse ética y moralmente y nos presenta al detective Murakami como paradigma de superación. Yusa, su alter-ego, representaba a aquellos que no fueron capaces de derrotar el estigma del guerra: los perros rabiosos. Mientras Kurosawa se centró en el héroe, Fujita, por el contrario, nos ofrecerá la cara opuesta de la moneda, al anti-héroe: un perro con una rabia incontrolable que le llevará a su propia destrucción. Fukusaku y Ishikawa eran ambos de Mito, con lo que el director ya conocía su historia e incluso había introducido elementos de su personaje en Street Mobster (1972). Sin embargo, cuando encaró Graveyard of Honor se decidió por un estilo aún más realista que derivó en un híbrido a caballo entre el film noir y el documental, con fotos reales del yakuza y de Tetsuya Watari interpretando su personaje, notas de la investigación que llevó a cabo e incluso entrevistas en voice-over.

«— ¿Qué le hizo volverse un perro rabioso? Eran tiempos difíciles, la guerra justo acababa de acabar. Supongo que es normal…
—No, no fue la guerra. Simplemente estaba loco. Cuando estaba en la cárcel con él, una vez dijo que era como un globo, que seguiría elevándose cada vez más alto hasta que finalmente explotara.»

Fukusaku aprovechará al máximo la metáfora del globo y nos mostrará un yakuza cuya ira va en aumento hasta que estalla visualmente. Pero Ishikawa es tan solo un individuo a través del cual se exhiben los bajos fondos de la postguerra, cuando la institución yakuza se reinventa e intenta subirse al tren de la prosperidad colaborando incluso con las fuerzas de ocupación americana para regular el mercado negro. El hecho de que se presente la historia como un documental, da mucha más fuerza a la crítica social del Japón de postguerra como si de un documento histórico se tratara, pero la parte ficticia tampoco escatima en poder visual. El decadente Shinjuku que Fukusaku describe lleno de prostitutas de mala muerte, inmigrantes de otras partes de Asia que malviven en la ciudad y yakuzas de baja alcurnia impregnará para siempre el yakuza eiga posterior.

Rikio Ishikawa era el prototipo del yakuza de post-guerra, concluye el narrador diciendo en voice-over, y nos muestra su tumba con las palabras «honor» y «humanidad» escritas en ella. Son las palabras que el yakuza ordenó grabar y el narrador afirma que aún hoy en día se desconoce su significado. Pero Fukusaku acaba la cinta con una gran reflexión y del primerísimo plano de la tumba, el movimiento de cámara en barrido y a través del tiempo, nos lleva al Tokio actual. Sobre la el honor y la humanidad de personas como Ishikawa se construyó esta ciudad, parece querer decirnos.

Pues bien, es en el Tokio contemporáneo en el que Miike sitúa la historia del yakuza que interpreta muy brillantemente Gorō Kishitani, Rikuo Ishimatsu. El hecho de que Miike cambie el nombre del anti-héroe ya es toda una declaración de principios. No es la historia del malquisto Rikio Ishikawa sino la de un yakuza con su misma furia. Una manera de apropiarse de la historia de Fujita y, al mismo tiempo, mostrar su respeto por el filme de Fukusaku. Por supuesto que Miike utiliza muchos recursos típicos de Fukusaku —cámara de mano, ángulos extremos, uso del color dramático, movimientos de cámara, uso de texto como recurso narrativo—, a veces para recordar el original y otras como recursos propios. Por ejemplo, la cámara de Hideo Yamamoto será a menudo inestable en los momentos más tensos recordando a la de Fukusaku, pero no llegará a haber movimientos pendulares; el rojo tendrá un significado especial, pero mucho más estético y plástico en el caso de Miike; el montaje documental también tendrá cabida en la cinta de Miike gracias a los recortes de periódico y los vídeos caseros, pero no será tan primordial como en el filme de Fukusaku. A parte de todos estos recursos, Miike aportará su bagaje particular y veremos largos silencios que nos recordarán sin duda a Rainy Dog (1997) y un uso magistral de las notas de Kōji Endō. Violencia y tensión alternada con silencios y música para provocar la reflexión, la respiración del espectador.

Miike comienza con un fundido a negro y una voice en over que nos desvelará que en las dos horas en las que el jefe estaba en el dentista con un dolor de muelas, un yakuza fue enviado al infierno. Más adelante, Miike nos ayudará a identificar la voz del joven yakuza Masato como la del voice-over que narra la historia del que una vez fue su jefe. Después de la sentencia de Masato, veremos cómo Ishimatsu logra salir de su celda, se sube a la torre más alta y se lanza al vacío. No veremos su cuerpo en el suelo, eso quedará en el fuera de campo, sino un fundido a negro que será el preludio de un gran flash-back de toda su vida para luego retornar al momento de su muerte. Esta estructura circular, demuestra la intención del director por acercar al espectador a Ishimatsu. Es una invitación a la comprensión y a la inmersión en la psicología del personaje muy diferente a la crítica social de cine negro que pretendía Fukusaku.

Del fundido a negro, la historia se remonta a cuando Ishimatsu trabajaba de lavaplatos en un restaurante y salvó al jefe de la familia Sawada de un Takashi Miike en plan pistolero. Miike volverá a utilizar el rojo como advertencia del peligro, como ya lo hiciera anteriormente en su filmografía. En esta escena vemos a un Ishikawa yankī con el pelo teñido y una sudadera, poco que ver con el yakuza con cejas puntiagudas y trajes negros en el que se convertirá, a excepción de su carácter agresivo que será lo que salve la vida del jefe yakuza. A partir de ahí, veremos la ascensión al poder de Ishimatsu dentro de la familia Sawada, y como conoce a una inocente Chieko, a la que arranca la virginidad en un karaoke para luego reclamarla como su mujer.

Curiosamente, esta Chieko no tiene nada que ver con la Chieko que describe Fukusaku. La guerra y su condición de gueisha la han privado de toda inocencia, y aunque se enamora de verdad del yakuza, Chieko acepta trágica y sumisamente su papel en la vida. Ella representa a la mujer de postguerra, incluso la tuberculosis es un claro reminiscente de los años de postguerra. Por el contrario, la Chieko de Miike representa a la mujer japonesa de hoy. Su virginidad la hace completamente inocente, ignorante del cruel mundo que la rodea. Parece vivir en el mundo shōjo que describen los manga y las novelas visuales. Se deja violar en un karaoke, se enamora de él, se fuga con él, se prostituye para él, se corta el pelo cuando cree que la relación se ha acabado y muere de una sobredosis de heroína a la que se ha enganchado por él. Su personaje, además sirve de contrapunto trágico del de Ishimatsu. Ella es un daño colateral fatal de su estilo de vida y Ishimatsu vive con ella los momentos más sinceros y también los más brutales.

La ascensión al poder de Ishimatsu coincide con los años más prósperos de Japón. Después de ocho años de abundancia, el estallido de la burbuja hizo su mella en el país. Miike ya nos había mostrado en La felicidad de los Katakuri (2001) lo que supuso para las familias pero ahora nos mostrará lo que supuso para la yakuza. La voice en over de Masato acompañará a los planos suturados con un estilo documental, en un claro homenaje a Fukusaku. Portadas de periódicos que recuerdan los escándalos políticos y el ataque con gas sarín en el metro de Tokio de 1995 se alternan con planos de los jóvenes en las calles de la ciudad. En vez de perros rabiosos, el colapso de la economía dio vida a lobos solitarios que fueron expulsados de la manada, concluirá el narrador. Con esta reflexión, Miike reduce la ira de Ishimatsu a un reducto más del sistema económico, porque el mundo que le ha tocado vivir le obliga a no creer en los demás. Ishimatsu no cree a su “familia” cuando le dicen que el jefe está en el dentista y no confía en su jefe cuando este saca algo de la caja fuerte y le dispara.

Al caer en desgracia, el yakuza recurrirá a Imamura, un yakuza de otra familia con quien juró hermandad en la cárcel. Imamura es un reflejo del “hermano” de Ishikawa, Imai. Sin embargo, Imai es sólo un perro rabioso más que ha sabido canalizar mejor su cólera, mientras que Imamura encarna al giri-ninjo. Como el ying y el yang, Miike contrapone a Imamura e Ishikawa ferozmente. Sus estatus son diferentes, sus esposas son diferentes, su moral es diferente, tanto que Ishikawa no será capaz de creer en su fidelidad y acabará matándolo. Miike utilizará a menudo el blanco y el negro para mostrar su distanciamiento, sobre todo en la escena del ataque a Imamura. En esta escena, Ishikawa apuñalará a un Imamura y luego matará a su guardaespaldas tiñendo la blanca nieve de un rojo intenso. Es Ishikawa matando al giri-ninjo. Miike siempre juega con el rojo dramático, quizás de manera más especial en este filme. Hay escenas estéticamente muy bellas con el color rojo como protagonista, como la de la nieve pero para Miike el rojo siempre representa la violencia, el peligro. Incluso viste con un pañuelo rojo a Chieko cuando va camino de su destrucción, en un escena que recuerda un poco a Asami con su abrigo rojo en Audition (1999) yendo al encuentro de Aoyama.

Y cuando por fin Masato encuentre a Ishimatsu, este estará cubierto con la bandera de Japón, el objetivo y motivo de todo. «Al final, no murió aunque hacía tiempo que su espíritu se había ido. Su cuerpo simplemente se negaba a creerlo» Con esta reflexión de Masato, Miike retoma la escena del principio. Pero esta vez se siente más el homenaje a la misma escena de Fukusaku gracias a los ángulos y al baño de sangre. Ahora nos enseña lo que no nos mostró al principio. Ishimatsu subiendo con dificultad las escaleras de la torre. Ahora el espectador entiende qué siente y por qué sube esas escaleras y, cuando se tira al vacío Miike dilata el tiempo gracias al silencio y a la combinación de tres planos a cámara lenta desde diferentes ángulos. Hasta que el tiempo real regresa cuando el cuerpo de Ishimatsu se estrella en el suelo provocando un gran charco de sangre.

El acercamiento de Miike a la figura de Ishikawa es más humano y reflexivo que el de Fukusaku. Incluso después de muerto Ishimatsu, Miike continúa con la reflexión y pretende que el trágico anti-héroe sea toda una advertencia. Si Fukusaku concluía afirmando que el Japón próspero se construyó sobre el honor y la humanidad de personas como Ishikawa, Miike resolverá el ciclo afirmando que la prosperidad de Japón también ha generado personas que han tenido que renunciar a su honor y su humanidad. Lobos solitarios que no ven a su alrededor más que enemigos. Eso es lo que simboliza la única rosa del rosal lleno de espinas que hace que Masato recuerde a Ishimatsu en la cárcel. La prosperidad a expensas de la humanidad. No obstante, Miike nos recuerda que incluso antes de ser lobos solitarios, ellos también creyeron en la humanidad y así lo demuestra la escena final filmada como si fuera un vídeo casero de Ishimatsu, Hashida y Masato jugando bajo la lluvia.

Bibliografía:
Desjardins, Chris (2005). Outlaw Masters of Japanese Film. Nueva York: I.B. Tauris, p. 263.

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)

Hokkaido es la segunda isla más grande del archipiélago japonés y la situada más al norte. Tierra tradicional de la etnia Ainu, es muy conocida por su nieve, parques naturales y monos bañándose en aguas termales naturales. A nivel internacional quizás lo que más conoce la gente de la isla es una de las cervezas más famosas del país, la Sapporo, que comparte nombre con la capital de la prefectura.

Históricamente Hokkaido fue una importante zona minera, principalmente de carbón, y una de esas ciudades que se fundaron sobre esta base económica fue Yubari, en la zona central de la isla. Durante su máximo esplendor contaba con más de 120.000 habitantes y, como dato curioso, unos 17 cines que abrían las 24 horas del día. Pero en la década de 1980 las minas empezaron a cerrarse y en 1990 ya no había ningún tipo de industria local. Las autoridades decidieron entonces reconvertir la ciudad al turismo y una de esas primeras iniciativas fue el Yubari International Fantastic Adventure Film Festival, celebrado por primera vez en 1990. Durante los siguientes 15 años películas y estrellas de nivel internacional pasarían por este evento, incluso Quentin Tarantino rendiría su pequeño homenaje a la ciudad que tan bien lo acogió llamando a un personaje de Kil Bill “Gogo Yubari”.

Pero las inversiones públicas para atraer al turismo no salieron todo lo bien que el gobierno querría, atrayendo a muchos menos visitantes de lo esperado. Parques temáticos e infraestructuras públicas se cerraban y abandonaban por falta de uso y la ciudad entro en quiebra técnica, ante la pasiva mirada del gobierno central. En 2007 todo se desploma y el festival es cancelado, ante la imposibilidad de hacer frente a más gastos, y gran parte del gobierno municipal dimite. Yubari tiene entonces menos de 13.000 habitantes.

La iniciativa privada rescata el festival el año siguiente y desde entonces el Yubari International Fantastic Film Festival es una pequeña meca de cine de género en Japón, con el encanto de la gloria anterior y construido sobre una serie de espacios públicos reconvertidos y mucha pasión por el fantástico. Hoy el festival es mucho más pequeño, muy centrado en la escena local japonesa y las nuevas promesas del género amateur. Pero también es un punto de encuentro, un lugar donde público, directores y actores, comen en el mismo restaurante y conversan sobre las películas. Un festival con encanto.

Y aprovechando que nuestro buen amigo Fernando DeMontre vive en Japón hemos decidido embarcarle para allá. Aquí nos trae un diario que más que centrarse en las películas, lo hace en la experiencia, en la gastronomía, en la ciudad. Un diario narrado en primerísima persona que intenta hacernos sentir dentro de este evento con unas características únicas que hacen que se diferencie del resto de festivales y suponga una experiencia tan buena que invitados y asistentes quieran repetir un año tras otro.

Jueves 25 de febrero

Llego a Yubari un poco antes de las 19:00 después de una hora y media de autobús desde el aeropuerto de Shin-Chitose. No llego a tiempo para ver la gala de inauguración con la nueva película protagonizada por Abe Hiroshi “Everest“ y decido matar el tiempo viendo una sesión de cortometrajes que ponen en una sala del Hotel Shuparo. Dos cortometrajes coreanos y otros dos japoneses que no destacan especialmente ni merecen más mención.

Después me planteo ir a la fiesta de apertura, con barra libre de comida y bebida por 5000 yenes, pero estoy un poco cansado y prefiero quedarme en la única cantina abierta para el festival. Es un edificio prefabricado de una planta que alberga varios establecimientos en forma de cooperativa. Hay asientos comunes y varias cartas, según lo que pidas el camarero irá a uno u otro sitio para pedir la comida y bebida.

Entablo conversación con otros parroquianos del festival que también han decidido no ir a la fiesta de apertura. Uno de ellos me recomienda entre risas flojas que pruebe el hig-ball de la casa, whisky nacional con soda, que parece ser que de soda lleva bastante poco y casi todo de whisky. Esta noche iré solo de cervezas, cerveza Sapporo, para ser concretos, orgullo de la región de fama internacional. Para comer, Jinjisukan, carne de cordero a la parrilla con udón y verduras, pinchos de carne de cabra a la parrilla y algo de comida china que prepara el mismo señor que hace los cubatas cargados.

Ya templado por la comida y la cerveza viene el autobús que me llevará al hotel. Por hacer tarde la reserva, todas las plazas hoteleras del pueblo estaban ocupadas y solo pude reservar en un pueblo a una hora de distancia. La reserva incluía abono del festival, desayuno y transporte en autobús para ir y para volver del festival y se podía contratar desde la web oficial del evento.

Viernes 26 de febrero

El autobús sale del hotel a las 8:30. Antes he podido despertarme con el desayuno del hotel, sobre todo por el salmón a la parrilla y el mentaiko (huevas marinadas de abadejo) que había en el bufet.

Llegado a Yubari, elijo ir a la sesión de las 10 de la mañana del programa de Fantastic Off Theater Competition, películas o mediometrajes independientes, o directamente autofinanciados, que compiten por un premio de dos millones de yenes. Empiezo con “Crazy Dog“, un mediometraje sobre un detective privado que se ve envuelto en el robo de una pistola a un policía. Tiene potencial, pero es demasiado amateur y serio para esas horas de la mañana. Termina la sesión “Voices Fading in the Waves“, una road movie de casi una hora sobre una chica que escapa en un taxi después de haber matado y robado a un mafioso. También se me hace un poco tediosa. Entiendo el concepto de este Off Theater Competition y decido que es mejor evitarlo de ahora en adelante. No me interesan tanto los nuevos y entusiasmados realizadores que quieren hacer cine serio sin medios en un quiero y no puedo, sino el cine de género y explotación, que para eso he venido a un festival de cine fantástico.

Hasta la una no empieza la siguiente película que quiero ver. Hago tiempo dando un paseo por la calle del cine Kinema Gaidou, con sus edificios y comercios decorados con carteles pintados de películas clásicas. Tal vez, junto con la nieve, uno de los distintivos de Yubari. Esta calle aparece en la película Millenium Mambo, por ejemplo.

Para llegar a la siguiente película cojo un autobús del festival que conecta los diferentes espacios y voy a la sala Himawari, antiguo polideportivo ahora reconvertido en albergue para el festival y cuyo gimnasio se ha remodelado para poder acoger eventos y las proyecciones principales.

Entro para ver “Make-room 2“. La primera parte, una comedia sencilla sobre lo que pasa en la sala de maquillaje de un rodaje durante la grabación de una película porno, ganó el primer premio del Festival de Yubari el año pasado. Con el dinero del premio y el patrocinio del canal por cable Sky Perfect, el director ha podido presentar una secuela para un pase fuera de competición este año. Si la primera parte era sorprendentemente anodina e insustancial para haber sido la ganadora, esta es bastante más dinámica, divertida e inspirada. Será porque se habrá rodeado de mejores profesionales, pero aquí aprovecha mejor el decorado, coloca mejor la cámara y justifica sus planos y los personajes se mueven mejor por el espacio escénico y se dejan de la teatralidad tan agarrotada de la primera. Las actrices que repiten están más sueltas y el personaje de la ex-AKB que se pasa al porno con aires de estrellona está bastante acertado. La actriz porno Nanami Kawakami está maravillosa.
Una peli ligerita y entretenida que deja bastante buen sabor de boca.

Termina la película y contento voy hasta Yatai-mura para comer. Pido otro plato típico de la región: Curry Soba, fideos de alforfón (una clase de trigo) en una sopa gelatinosa de curry con cebolleta y carne de cerdo. Un delicioso extra de energía para aguantar este trote hasta la noche.

La siguiente sesión es a las cinco de la tarde en la sala Kyoseigata Farm, antiguo colegio de primaria, luego granja, pero que por la deuda que tiene el pueblo ahora solo sirve de centro cívico y con dos salas pequeñas habilitadas para los días de festival. Entro en la sala 2 para ver “Treasure Ship: Latitudes of Lust“, película erótica que celebra el 50 aniversario del género Pinku en Japón y que se proyecta dentro del ciclo Forbidden Zone. Me encuentro con una pequeña maravilla erotómana rodada en celuloide y hecha con todo el amor del mundo. Te alegra el día. La actriz Nana Aida tiene una escena donde se sienta en una tarta que quita la respiración a cualquiera.

Después de cargar las pilas con esta pequeña maravilla voy caminando, a pesar de la temperatura bajo cero, hasta el hotel Shuparo para ver tal vez lo más destacable de todo el festival: “Dorome, El volumen de las chicas“.

Dorome es un curioso díptico donde se usan dos películas para contar un mismo suceso desde dos puntos de vista diferentes. En este caso está dividido en “El volumen de los chicos” y “El volumen de las chicas“. Las dos películas tienen una trama central común, pero cuentan con tramas propias que además están interconectadas. Por eso, uno puede ver cada película por separado de forma independiente sin necesidad de ver la otra, pero si se ven las dos pelis uno entenderá cosas que se plantean en una pero se contestan en la otra, disfrutando de una curiosa visión de conjunto.

La película que yo vi era una gamberrada que mezcla romance adolescente, criaturas tipo Sadako, monstruos de goma, gore, zombies y hasta homenajes al tokusatsu. Dirige Eisuke Naito, que tiene también pendiente de estreno la adaptación del manga Litchi Hikari Club y que pinta muy interesante.

Después de Dorome regreso a Yatai-Mura, pero está a rebosar de parroquianos. No queda ni una silla libre y, a pesar de tener ganas de fiesta, no es plan de comer de pie. Voy a una cafetería que hay justo al lado regentada por dos ancianos y donde apenas hay tres clientes que también se han quedado sin sitio en Yatai-mura. Pido hamburguesa al estilo japonés, sin pan, servido con salsa demi glace, arroz y sopa. Uno de los clientes, al enterarse de dónde estoy hospedado me comenta que él también reservó tarde, pero insistiendo a los hoteles para que les avisara en caso de alguna cancelación le sirvió para asegurarse una habitación en el pueblo. Ya lo sé para el año que viene.

Termino de comer y miro por si ya hay sitio para tomar una copa. Sigue lleno hasta la bandera y sin intención de vaciarse. Veo a un grupo de chavales que también se quedan en mi hotel. Me comentan que esta noche es su última noche en el festival por este año y que no cogerán el autobús que sale a las 23:30, cogerán un taxi entre todos para volver cuando se cansen. Eso es tener ganas de fiesta.

Salgo nuevamente de Yatai-mura y camino un poco más para entrar en un pub casi vacío. Parece caro pero quiero tomarme una copa antes de volver. Encuentro a un chico que estaba cenando antes en la cafetería. Me siento a su lado y le saludo. Me cuenta que ha venido por el estreno de “Make-up Room 2“, que es el mánager de Nanami Kawakami. Qué casualidad. Hablamos acerca de su estrategia para que su representada gane popularidad con el porno antes de dar el salto definitivo al cine comercial. Me parece muy bien que haga pelis normales, pero no querría que dejara el porno. Eso no se lo digo, claro. Me dice que irá al festival Udine y le deseo suerte y que disfrute de la comida italiana.

Aquí seguimos en esta segunda, y última, parte del cuaderno de viaje que nuestro compañero Fernando DeMontre ha redactado durante su viaje al Yubari International Fantastic Film Festival 2016. No diré más y continuemos con sus experiencias festivaleras.

Sábado 27 de febrero

De buena mañana hay un programa bastante atractivo con una sesión doble de “Sailor Suit and a Machine Gun” de 1981 y la nueva versión “Graduation” que se estrenará oficialmente el 5 de marzo en Japón. Me echa para atrás que, a diferencia de casi todo el programa del festival, estas no lleven subtítulos al inglés. De todos modos tengo muy fresca la versión del 81 y la nueva no me termina de llamar. Opto por por ir a una sesión de Forecast a las 10, donde ponen “Thank you, Mother“. Un acierto de mediometraje producida por los estudiantes de la Film School of Tokyo y dirigido y coordinado por Daisuke Hosada, guionista de “Sadako 3D 2“, entre otras cosas. Cuenta la historia de un viudo que vive con su hijo oficinista al que le toca un robot doméstico que se parece enormemente a su fallecida esposa. Es una comedia costumbrista con momentos delirantes y con una emotividad tan bien tratada que no empacha en absoluto.

La cosa se fastidia en la siguiente sesión de Forecast con “Hiko and Vega“. Un endulzado mediometraje sobre un cuidador que visita semanalmente a un anciano y a su esposa con demencia que cree tener 16 años. Aguanto hasta la mitad, pero el azúcar y la falsa emotividad me supera y me voy de la sala. Salgo a airearme y comer para volver a las 2 de la tarde.

Esta vez para comer elijo el ramen de la casa Black Ramen, un shoyu-ramen con fideos negros que, a pesar de la originalidad de la presentación, no dejaba de ser un ramen bastante ligerito y normalito para las temperaturas que se pasan ahí.

El día anterior había tenido una alegría con la de “Treasure Ship: Latitudes of Lust” y por eso me animé a seguir viendo más sesiones del ciclo Forbidden Zone. Ahora tocaba “Hana-Dama“, película erótica independiente hecha con pocos medios pero bastante cariño. Desgraciadamente resulta aburridísima y bastante fallida. Me pasé toda la película dando cabezadas, pero como los asientos eran de respaldo bajo no pude dormir en condiciones. Mejor olvidar.

La próxima sesión de Forbidden Zone es a las 5. Aprovecho para ir al Hotel Shuparo y ver la presentación y primeros minutos de “Dorome, El volumen de los chicos“. Aquí ya entiendo el concepto del díptico que forma con el volumen de las chicas. Ciertamente comparten trama central, pero la perspectiva y las tramas secundarias son completamente diferentes y eso lo hace una película distinta. Dudo en quedarme o no, pero decido volver al Kyouseigata Farm para ver “Summer of Director OH“, película coreana sobre una directora que quiere hacer una película erótica con un equipo formado casi en su totalidad por mujeres. Pero su protagonista principal abandona el rodaje a la mitad y entre todos tendrán que terminar el rodaje.

Con este argumento me tenían ganado: Comedia erótica con coreanas, qué más se le puede pedir a la vida. Lo malo es que, como hace la protagonista en la película, el guión parece escrito en una noche. Todos los personajes son estereotipos muy planos y las situaciones en plan “qué desastre de rodaje” están demasiado vistas. Las actrices, esos sí, eran todas divinas y guapísimas, pero vistas algunas tetas no tenía más motivos para quedarme y me fui a la mitad para volver al Hotel Shuparo y ver “Dokumushi“, otra película con trama de death game en plan Saw tan de moda en Japón. Varios personajes se despiertan en un espacio cerrado y se enfrentan a un juego donde el único que quede con vida antes de una semana podrá salir de ahí.

Una película muy barata, iluminada principalmente con luz ambiente en interiores cerrados, con la ganancia de la cámara a tope dando un grano feísimo y rodada en una semana, pero muy bien contada y editada y que termina siendo bastante entretenida si se ve en cine. Era maravilloso ver la reacción de unas adolescentes sentadas delante mío cuando el actor protagonista tenía escenas de sexo en pantalla o en las escenas de sangre.

Termina la película y justo al lado, en la calle, había comenzado la “Stove Party”. A cambio de la voluntad, uno podía disfrutar de barra libre de barbacoa de cordero y salchichas, fideos fritos, sopa con carne de cerdo y beber amazake y sake caliente. Todo al calor de unas estufas tradicionales que intentaban calmar un poco el frío que hacía. Dolían las manos con solo quitarse los guantes para coger los palillos. De todos modos, cojo un sitio bueno al lado de una estufa y comienzo a charlar con otros parroquianos sobre el festival y el cine en general. Se me pasa el tiempo volando y son casi las 10 de la noche.

Me voy corriendo de nuevo a Kyouseigata Farm para ver uno de los eventos más esperados en cada edición del festival, “Tetsudon: Fool Wars-Battlefront Japan“, una sesión de 90 minutos compuesta por microcortos de alrededor de 3 minutos, todos de tema fantástico y humor absurdo. Al final de cada microcorto se le exige al público que aplauda, abuchee o directamente diga “‘¡que me devuelvan el dinero!” a viva voz. Tal vez esta fue la experiencia más cercana a Sitges u otros festivales de cine de serie B y Z de España, donde la gente no teme gritar o reír a carcajadas, cosa que no se suele estilar en las proyecciones japonesas. Delirante y gratamente refrescante. Una forma ideal de acabar el día.

Domingo 28 de febrero

Mi vuelo sale a media tarde y apenas podré quedarme a ver la sesión matinal. Hoy el plato fuerte es el Yubari Idol Festa, durante todo el día en la sala Reisui del Hotel Shuparo habrá actuaciones y películas de grupos nuevos de idols femeninos. A mi me da tiempo a ver la actuación de Yurumerumo! y luego “The Idols and the Undead“, película para el lucimiento de este grupo con misas satánicas, muertas resucitadas que quieren volver a morir, yakuzas y adolescentes con pistolas y ametralladoras. Una producción muy pequeñita, con poco presupuesto pero a la que le sobra diversión y buen rollo, una auténtica gozada. Dirige la misma directora de “Dokumushi” pero esta vez con mucho más acierto. Ya soy fan de estas chavalas.

Termina la película y me muero de ganas por quedarme. A las 3 y media cerrará el día de las idols la nueva película de Noboru Iguchi, “Devotion to Cinema (Kinema Junjo)”, protagonizada por el grupo No-Makes. Trata sobre el rodaje una película sobre colegialas lesbianas, temazo viniendo del Iguchi. Desgraciadamente me tengo que ir. Cojo el bus del festival que me llevará a la estación.

Sube conmigo Asami, la musa de Iguchi y Nishimura, está guapísima. Se bajará antes en Himawari, seguramente para alguna presentación esta tarde. Precisamente, Yoshihiro Nishimura subirá conmigo en el autobús que nos llevará al aeropuerto de Shin-Chitose en Sapporo. Menuda presencia tiene el hombre. Me entra timidez, sumada a la tristeza por dejar el festival, y no le digo nada. Ya si eso el año que viene.

En definitiva, ha sido una experiencia bastante enriquecedora. No se puede comparar con festivales como el de Sitges, pero acostumbrado a vivir en Japón y en un entorno donde se mantienen tanto las apariencias y la rectitud, venir a un ambiente donde la gente se abandona a sus placeres culpables durante tres días y compartir con ellos la experiencia ha sido para mi extra de energía para aguantar otros 12 meses.

Para el que venga desde fuera de Japón tal vez le pueda interesar:

Puntos fuertes

• El abono para ver casi todas las películas (menos las de apertura y clausura) es insultantemente barato, solo 2000 yenes.
• Casi todo la programación está subtitulada al inglés. Todo claramente indicado en el folleto del festival.
• Hay autobuses que comunican constantemente las diferentes salas. Aunque realmente no hay mucha distancia entre ellas, las temperaturas son tan bajas en el exterior que es algo de agradecer.
• La comida que sirven en Yatai-Mura es realmente deliciosa y a precios asequibles.
• Aunque ninguna de las películas se proyecta en cines de verdad, siempre en salas de eventos, aulas o polideportivos, la calidad de imagen y sonido es sobresaliente en todas las salas.
• El staff y los voluntarios del festival son muy eficientes y amables. Contestarán cualquier duda sobre el programa e intentarán solucionar cualquier necesidad que pueda surgir por parte de los asistentes.
• Todas las salas están perfectamente aisladas del frío.
• El ambiente general es muy agradable. Invitados y espectadores comparten espacio de asueto y se relacionan, beben y charlan con total naturalidad y complicidad.
• Además de ver películas y comer, el pueblo también tiene pistas de esquí y baños termales.

Puntos débiles

• Por la falta de presupuesto, el programa no ofrece apenas películas de género importantes, solo películas americanas que se preestrenan con esponsorización, como “La habitación” o “El Renacido” para esta edición. Casi todo el programa suele estar compuesto por películas pequeñas de bajo presupuesto o directamente autofinanciadas.
• Ninguna de las proyecciones se hace en cines de verdad, por eso las sillas que se usan son de plástico (ligeramente acolchadas a lo sumo). Después de muchas sesiones, el dolor de culo es inevitable. Además, el respaldo llega a la mitad de la espalda. Por eso, cuando entra el sueño de la media tarde, algo normal en estos festivales, es imposible echarse una siesta porque no se puede apoyar la cabeza en el respaldo, provocando un cabeceo bastante incómodo y poco reparador.
• La dificultad para reservar habitación en el pueblo en fechas cercanas al festival. Sobre todo si se hace desde internet fuera del país. Las reservas se suelen hacer un año antes y el aforo se llena enseguida. Se recomienda comunicación directa con los hoteles para solicitar habitación en caso de cancele alguna reserva (cosa bastante normal).
• El festival dura muy pocos días y se hace muy corto.

El pasado viernes día 4 se realizó la gala de entrega de premios de la 39 edición de los Japanese Academy Awards que concede la academia de cine de Japón. La gran ganadora de la noche fue la última película de Hirokazu Koreeda “Umimachi Diary“, que no solo se llevó el premio a mejor película, sino también al mejor director. En cuanto a mejor película de animación el premio fue a parar a “The Boy and the Beast” de Mamoru Hosoda. A continuación tenéis las lista completa de nominados y premiados.

Mejor Película

Umimachi diary
Kainan 1890
Nihon no Ichiban Nagai Hi
Haha to Kuraseba
Hyakuen no Koi

Mejor Animación

The Anthem of the Heart
Miss Hokusai
Dragon Ball Z: Resurrection ‘F’
The Boy and the Beast
Love Live! The School Idol Movie

Mejor Director

Hitoshi Onhe (Bakuman)
Hirokazu Koreeda (Umimachi diary)
Masaharu Take (Hyakuen no Koi)
Mitsutoshi Tanaka (Kainan 1890)
Masato Harada (Nihon no Ichiban Nagai Hi)

Mejor Actor

Seiyo Uchino (Kainan 1890)
Yo Oizumi (Kakekomi Onna to Kakedashi Otoko)
Koichi Sato (Terminal)
Kazunari Ninomiya ( Haha to Kuraseba)
Koji Yakusho (Nihon no Ichiban Nagai Hi)

Mejor Actriz

Haruka Ayase (Umimachi diary)
Kasumi Arimura (Biri Gal)
Sakura Ando (Hyakuen no Koi)
Kiki Kirin (An)
Sayuri Yoshinaga ( Haha to Kuraseba)

Mejor actor de reparto

Tadanobu Asano ( Haha to Kuraseba)
Hirofumi Arai (Hyakuen no Koi)
Atsushi Ito (Biri Gal)
Dhota Sometani (Bakuman)
Masahiro Motoki (Tenkuu no Hachi / Nihon no Ichiban Nagai Hi)

Mejor actriz de reparto

Kaho (Umimachi diary)
Haru Kuroki ( Haha to Kuraseba)
Masami Nagasawa (Umimachi diary)
Hikari Mitsushima (Kakekomi Onna to Kakedashi Otoko)
Yo Yoshida (Biri Gal)

Novato del año

Kasumi Arimura (Biri Gal)
Tao Tsuchiya (orange)
Suzu Hirose (Umimachi diary)
Ryoko Fujino (Solomon no Gisho / Kohen Saiban)
Atsushi Shinohara (Koibito Tachi)
Yojiro Noda (Toire no Pieta)
Kento Yamazaki (orange, Heroine Shikkaku)
Ryosuke Yamada (Ansatsu Kyoushitsu)

Con motivo del Día Internacional de la Mujer, que se celebra el próximo martes 8 de marzo, Fundación Japón colabora con Filmoteca Española, en el marco del Festival “Ellas Crean”, en la organización de un breve ciclo de cine dedicado a unas de las más valoradas directoras y actrices de cine japones, Kinuyo Tanaka. Entre este mismo martes 8 y el martes 22 de marzo se proyectarán tres de sus trabajos. Todos los títulos se proyectarán en dos ocasiones en las instalaciones del Cine Doré (Calle Santa Isabel, 3. 28012 Madrid) utilizando copias en 35mm en versión original en japonés con subtítulos en inglés y castellano.

Además, y como parte de las actividades especiales del Día Internacional de la Mujer, Filmoteca Española proyectará Futatsume no mado/Still Water (Aguas tranquilas) penúltimo y aclamado trabajo de la más famosa directora japonesa de nuestros días, Naomi Kawase.

Futatsume no mado/Still Water (Naomi Kawase, 2014)
Int.:Makiko Watanabe, Nijiro Murakami, Jun Yoshinaga. Japón.

Aguas tranquilas, a través de sus imágenes fluidas y de su exquisita armonía entre ficción libre de envaramientos y observación documental sutilmente integrada en el relato, le da piel contemporánea a una tradición ancestral de espiritualidad japonesa que sólo la miopía podría emparentar con una coyuntural sensibilidad New Age. Una gran lección de sabiduría vital, un poema útil. (Jordi Costa)

Proyecciones el miércoles 9 a las 17.30h y el viernes 11 de marzo a las 19.20h.

CICLO KINUYO TANAKA

Chibusa yo eien nare (1955)
Int.:Yumeji Tsukioka, Ryôji Hayama, Junkichi Orimoto. Japón.

Tercera, quizá la más asombrosa y una de las más emocionantes de las dirigidas por Tanaka, sospecho que tal vez fuera la primera película que trata acerca de una mujer con cáncer de mama, con una dirección de actrices y actores verdaderamente prodigiosa y un estilo que nada debe al de ninguno de los grandes cineastas que la dirigieron como intérprete. (Miguel Marías)

Proyecciones el martes 8 a las 21.30h y el viernes 18 de marzo a las 17.30h.

Ruten no ôhi (1960)
Int.: Machiko Kyô, Eiji Funakoshi, Atsuko Kindaichi. Japón

Ruten no ōhi cuenta la historia de la cuñada del último emperador de Manchuria, una japonesa a la que, por maniobras diplomáticas, casaron con el hermano del emperador, y que fue feliz con su marido… mientras les dejaron. (Miguel Marías)

Proyecciones el miércoles 9 a las 21.30h y el domingo 20 de marzo a las 17.30h.

Onna bakari no yoru (1961)
Int.:Hisako Hara, Akemi Kita, Chieko Seki. Japón

Onna bakari no yoru parece una postdata, cinco años después, a la obra final de Mizoguchi, Akasen Chitai, y analiza las consecuencias, no siempre favorables, de la ley bienintencionada (¿o bienpensante?) que en 1958 abolió los burdeles y dejó a las prostitutas en la calle o en planes de reinserción de dudosa efectividad. (Miguel Marías)

Proyecciones el viernes 11 a las 21.30h y el martes 22 de marzo a las 19.50h.

Hace bien poco se conocieron los nominados a los premios más importantes de la industria cinematográfica Tailandesa, los Subhanahongsa Awards, concedidos por la Thailand National Film Association, que se fallarán el próximo 13 de Marzo. Entre las nominadas destaca la comedia negra Freelance (aka Hearth Attack), nominada a 13 categorías, entre ellas mejor película, guión y actores principales, tanto masculino como femenina. Le siguen la comedia juvenil P’Chai My Hero y el melodrama romántico Snap. A continuación tenéis la lista completa de nominados.

Mejor Película

Snap
P’Chai My Hero
Freelance Ham Puay Ham Phak Ham Rak More
Arpatti
Onthakan

Mejor Director

Josh Kim, P’Chai My Hero
Nawapol Thamrongrattanarit, Freelance
Anucha Boonyawatana, The Blue Hour
Chayanop Boonpakob, May Nhai

Mejor Guión

Kongdej Jaturanrasamee, Snap
Josh Kim, P’Chai My Hero
Nawapol Thamrongrattanarit, Freelance
Anucha Boonyawatana and Wasuthep Ketpetch, Onthakan
Chayanop Boonpakob, Vasuthorn Piyarom, Nottapon Boonprakob, Thodsapon Thiptinnakor, May Nhai

Mejor Actor

Sunny Suwanmethanon, Freelance
Toni Rakkaen, Snap
Thiti Mahayotharak, May Nhai?
Atthaphan Poonsawas, Onthakan
Thira Chutikul, P’Chai My Hero

Mejor Actriz

Davika Hoorne, Freelance
Ploy Sornnarin, Arpatti
Pimchanok Luevisadpaibul, 2538 Alter Ma Jive
Waruntorn Paonil, Snap
Sutatta Udomsilp, May Nhai

Mejor actor secundario

Krisana Panpeng, Snap
Torpong Chantabubpha, Freelance
Ingkarat Damrongsakkul, P’Chai My Hero
Thanapop Leeratanakajorn, May Nhai
Obnithi Wiwatanawarang Onthakan
Sorapong Chatree, Arpatti

Mejor actriz secundaria

Duangjai Hiransri, Onthakan
Nareekul ketprapakorn, May Nhai
Pympan Chalayanacupt, Arpatti
Violette Wautier, Freelance
Arpa Phawilai, Mae Bia

Mejor fotografía

Charnkit Chamnivikaipong, F Hiliare
Uruphong Raksasad, Phleng Khong Khao (The Songs of Rice)
Niramol Ross, Freelance
Chaiyaphruk Chalermpornpanich and Kamonphan Ngewthong, Onthakan
MR Ampornpol Yukol, Snap

Mejor edición

Kamontorn Ekwatanakij, P’Chai My Hero
Chonlasit Upanigkit, Freelance
Panayu Kunvanlee, May Nhai
Chonlasit Upanigkit and Anuphap Autta, The Blue Hour
Kamontorn Ekwatanakij and Manussa Worrasingh, Snap

Mejor sonido

Kantana Sound Studio, Freelance
Kantana Sound Studio, May Nhai
Noppawat Likhitwong/ Onecool Sound Studio, Onthakan
Sarawut Phantha Akrichalerm Kalayanamitr, Snap
Ram Intra Sound Studio Arpatti

Mejor canción original

Ther Dern Khao Ma from Runpee
Mai Me Ther, from Latitude 6
Nhai Nhai from May Nhai
Sai Tai from 2538 Alter Ma Jive
Sud Sai Ta from The Down

Mejor banda sonora

Chaibandit Peuchponsub, Snap
Bodvar Isbjornsorn, P’Chai My Hero
Hualampong Riddim, Freelance
Hualampong Riddim, May Nhai
Chupvit Temnithikul Onthakan

Mejor dirección artística

Rasiguet Sookkarn, Snap
Phairot Siriwath, Freelance
Phairot Siriwath, Onthakan
Akradej Kaewkote, May Nhai
Salinee Khemjaras, Tee Wang Rawang Samut (The Isthmus)

Mejor vestuario

Suthee Muanwaja, May Nhai
Phim Umari, Rujirumpai Mongkol, P’Chai My Hero
Wasitchaya Mojanakul, Mon Love Sib Muen
Wasana Benjachat, Freelance
Sukanya Maruangpradit, F Hiliare

Mejor maquillaje

Benjawan Sroy-in, Freelance
Methaphan Pitithunyapat, Phee Ha Ayothaya
Pongrat Kijbamrung, F Hiliare
Pattera Puttisuraseat, Runpee
Sivakorn Suklangkan, Arpatti

Mejores efectos especiales

Surreal Sutdio, Arpatti
Thanan Chimprasert, Mon Son Phee (Ghost Ship)
Thosaporn Poonnart, Phee Ha Ayothaya
Alternat Studio, Runpee
Yggdrazil Group Co and Riff Animation Studio, May Nhai

Mejor Documental

Y/our Music
The Down
The Songs of Rice

Historias de una Calle (1962)
Realizadores: Eiichi Yamamoto y Yusako Sakamoto.
Guion: Osamu Tezuka

Conocido como el padre o el Dios del Manga, pocos son los que nunca han oído hablar de Osamu Tezuka, una de las figuras más influyentes del cómic y la animación japonesa. Creando las primeras historietas dibujadas que se prolongaban entre las páginas y gozaban de guiones mucho más elaborados de lo común, destacó también por ser el creador de la pionera en las series de televisión animadas de su país, dotando de movimiento a la estimable Astro Boy (1963). Y es que este mangaka nacido en Osaka en 1928 supone hoy en día uno de los referentes en uno de los elementos que más destacan en la propagación de la cultura japonesa hacia otros países a día de hoy, es decir, todo lo que envuelve tanto al manga como a los animes y las películas de animación.

Es precisamente por esto último que decidimos focalizar nuestra atención el día de hoy en el maestro nipón. Y es justamente por su voluntad de transportar al medio cinematográfico sus inquietudes, vivencias e ideas personales utilizando la animación como herramienta con la que plasmar la realidad existente de su país. Habiendo padecido las inclemencias de la guerra y siendo conocedor de los horrores de las bombas, antes de crear su propio estudio, colaboró en el año 1962 con los animadores Eiichi Yamamoto y Yusako Sakamoto con tal de llevar una de sus historias originales a la gran pantalla. Se trata del mediometraje de casi 40 minutos de duración titulado Historias de una calle (Aru machikado no monogatari). Una historia cargada de simplicidad formal, diseños sencillos a la vez que empáticos y ciertas secuencias que juguetean desde la lejanía con lo experimental y la abstracción. Un trabajo que despierta nuestra simpatía dotando de vida a unos carteles publicitarios que colorean la ciudad. Algo que contrasta con la irrupción del poder militar, unas amenazantes botas que se superponen violentamente a lo establecido mediante la intimidación. El resultado de todo esto es un canto de Tezuka a sus propias convicciones, una metáfora clara y concisa en la que, como la mayoría de sus compatriotas, se alinea junto a aquellos que creen en la apertura capitalista de Japón, la cual conlleva un crecimiento económico traducido en calidad de vida, en contraposición a la opresión fascista, quien arrastra consigo una vena belicosera cuyo único final es la destrucción masiva del propio territorio. Vivimos un fuerte sentimiento en el que se enfatiza en la envidiable capacidad japonesa de renacer de las cenizas, aprender de los errores y emprender un nuevo destino mucho más esperanzador.

Redacción: Luis Suñer (@luisuner1990)

Pinche aquí para ver el vídeo

Gokudō kyōfu dai-gekijō: Gozu (2003)
Director: Takashi Miike
Guión: Sakichi Satō
Actores: Yūta Sone, Shō Aikawa, Kimika Yoshino, Shōhei Hino, Keiko Tomita, Harumi Sone, Renji Ishibashi
Productora: The Klockworx, Rakueisha
Música: Kōji Endō
Director de fotografía: Kazunari Tanaka
Editor: Yasushi Shimamura

Un día, el veterano actor de yakuza-eiga Harumi Sone va a visitar a Takashi Miike y le propone hacer un film yakuza en el que actúe su hijo, Yūta Sone. Yūta había debutado como actor con Miike en 1996 con Jingi naki yabō y desde entonces se había convertido en uno de los fieles del director, pero ahora sería el protagonista del film junto con Shō Aikawa y su padre sería el productor. Para el guión, Miike volvería a confiar en el guionista de Ichi the Killer (2001) y para la fotografía en el director de cinematografía de Dead or alive 2 y Dead or alive 3, Kazunari Tanaka. El montaje, del siempre fiel Yasushi Shimamura. Así nace Gozu, literalmente “Teatro del horror de la yakuza: cabeza de vaca”.

Tal y como el título indica, la idea de Miike radicaba en fusionar el género de terror con el género yakuza, pero no con un terror cualquiera. Sería un terror psicológico y surrealista que haría las delicias de los admiradores de Lynch y Cronenberg pero a la vez también a gusto de los espectadores japoneses, acostumbrados a que el terror moderno beba del terror tradicional. En esta ocasión, el componente de terror tradicional lo pondría Gozu, una deidad de origen budista y sintoísta con cabeza de buey que reina en el infierno y que además controla las enfermedades epidémicas y las plagas. Pero Miike estaba dispuesto a impregnarlo todo con su particular humor y la “balada de Gozu” que escribió para los créditos finales no sería más que una pequeña ironia.

Concebida como un film de serie B, Gozu fue seleccionada para la Quincena de Directores del Festival de Cannes de 2003 antes incluso de que llegara a las tiendas japonesas. En Cannes, Miike afirmó, medio en broma, que su propósito con Gozu era «parar todas las formas de violencia del planeta». Palabras que pueden sorprender a su legión de fans, pero que en el fondo resumen muy brevemente la finalidad de toda su filmografía. Pero Gozu es mucho más que una simplemente película de su obra, es su película fetiche.

A priori, el argumento se podría encasillar perfectamente en el cine de gángsters. Ante el comportamiento cada vez más errático de Ozaki (Shō Aikawa), su familia yakuza se ve obligada a deshacerse de él. El escogido será el joven Minami (Yūta Sone) que dudará sobre si es correcto asesinar y abandonar en el vertedero yakuza de Nagoya —el lugar habitual designado para este propósito— a su adorado aniki. Sin embargo, Ozaki muere por accidente y su cuerpo desaparecerá, y Minami tendrá que buscarlo por todo Nagoya. Contado así, pareciera un film yakuza, pero Miike se encarga de romper con todo convencionalismo en la primera escena. Primero con el vídeo casero con muchas interferencias pero en el que se muestra nítidamente un papel que pone «Boys, be ambitious» en referencia a la saga Young Thugs (1997-1998); y segundo, cuando Ozaki se empeña en que el diminuto chihuahua es un asesino de yakuzas y lo mata sin piedad. Esta escena sirve para romper con el género pero también para romper el vínculo del espectador con Ozaki, la cámara nos posiciona al otro lado del cristal, la barrera insalvable de la locura del personaje de Aikawa nos hará imposible identificarnos con él.

Con quien sí identificaremos enseguida a Ozaki es con Minami, gracias a una de las metáforas que nos recordará a The Bird People in China (1998). Minami orinando mientras conversa tranquilamente con Ozaki. El cuadro, merece toda nuestra atención. La espiral aurea la dota de belleza, mientras que las líneas horizontales de las montañas y el mar y verticales de los árboles la dota de equilibrio. Igual que ya lo hicieran los protagonistas de The Bird People in China, Minami y Ozaki van a hacer un viaje introspectivo al mismísimo infierno y van a tener que probar la fortaleza de su relación. Todo está pensando para evocarnos un infierno surrealista y onírico: los planos inserto de Nagoya al atardecer que marcan la entrada al infierno —exactamente de seis segundos cada uno y precedidos en ambos casos por las líneas de la carretera y la iluminación nocturna—, el tono amarillo al entrar al bar que será aún más amarillo cuando desaparezca el cuerpo de Ozaki, las conversaciones aparentemente sin sentido que insisten en que hace mucho calor y en que Minami no es de Nagoya, todos los personajes extraños que Minami conoce en la ciudad, la comida que el cuerpo de Minami rechaza porque es comida del infierno, el dueño travestido del bar que posteriormente averiguamos que está muerto, etc.

En esta amalgama de personajes extravagantes, la palma quizás se la lleven los dos hermanos que regentan la pensión. El hermano retraído —que tuvo que interpretar el productor Harumi Sone porque no encontraba a nadie para el papel— y la hermana mandona reconvertida en una diosa de la fertilidad venida a menos. Esta última le ofrecerá su leche a Minami, en una escena mucho menos sensual que la que protagonizó Keiko en Visitor Q (2001) pero con una función muy parecida. Si Keiko consiguió restablecer el vínculo familiar gracias a la leche de sus pechos, Minami recordará su vínculo con Ozaki gracias a la leche que cae hipnóticamente del techo. Su leche —la misma que alimenta a toda la ciudad—le conducirá a un recuerdo suprimido de Ozaki pidiéndole ver su circuncisión y luego regalándole ropa interior para su primer encuentro sexual. El recuerdo es tan ambiguo como la relación de Minami y Ozaki. Un amor fraternal muy recurrente dentro del yakuza eiga que roza la homosexualidad. Este tipo de relaciones desplaza los sentimientos afectivos y sexuales a la figura del aniki y afecta consecuentemente a las relaciones del personaje con las mujeres. Por ello, el género yakuza es misoginia pura, un reflejo de la sociedad japonesa machista cuyo género cinematográfico preferido es el yakuza. El director, sin embargo, no sólo propone indirectamente una reflexión sobre el género y la condición de la mujer en la sociedad japonesa, sino que otorga a las mujeres las escenas más impactantes del film.

Una vez reconectado con su aniki y con las braguitas en sus manos, Minami buscará por todo Nagoya a Ozaki solo para descubrir que está muerto y que lo último que hizo fue comprar arroz rojo para que Minami celebrara su muerte. Recluido en el desván de la pensión, sus plegarias serán escuchados por el Akkorokamui, el gran pulpo rojo con poderes curativos. Este le concederá audiencia con el mismísimo Gozu, quien le dará su bendición a golpe de lametazos: un auténtico ritual purificador. Desde la desaparición de Ozaki hasta aquí, habíamos contado siempre con un filtro amarillo pero ahora, el verde —el color del infierno budista— entrará en la paleta de filtros.

Minami, sin embargo, ha sido demasiado lento y el infierno ya ha dispuesto del cuerpo de Ozaki. De vuelta al vertedero, el verde y el amarillo se unirán a un tercer color cuando Minami llegue: el rojo. Este color rojo nos introducirá la llegada de un tercer personaje, Ozaki convertido en mujer, al no disponer de su propia piel. La comunión de estos tres colores que simbolizan a los tres personajes nos acompañarán hasta que salgamos del love-hotel, de vuelta a Tokio y dejando atrás el inframundo.

La renacida Ozaki estará deseosa de experimentar con su nueva sexualidad y Minami lo tendrá cada vez más difícil para reprimir sus sentimientos. El espejo del hotel expresa muy bien esta dualidad, la pareja que se reflecta en él simboliza los sentimientos de ambos. El cuerpo de ella lo tentará a rendirse a sus impulsos pero Minami seguirá fiel a su hombría hasta que sienta que sino es él será otro y reconozca finalmente lo que siente por su aneki y decida salvarla de las garras de su jefe. Así, izando las braguitas de Givenchi como bandera de su amor, ambos exploraran la naturaleza de su relación que dará como fruto —siempre con el filtro onírico amarillo— al renacimiento del Ozaki masculino: el símbolo de la aceptación de su homosexualidad.

Bibliografía:
Erickson, Steve (2004). «Anything But Banal; Takashi Miike on “Gozu” and His Ups and Downs». En: Indiewire, 29 de Julio. <http://www.indiewire.com/article/anything_but_banal_takashi_miike_on_gozu_and_his_ups_and_downs> [Consulta: 9 de marzo de 2016].
Mes, Tom (2003). «Gozu». En: Midnight Eye, 21 de mayo. <http://www.midnighteye.com/reviews/gozu/> [Consulta: 6 de marzo de 2016].
Otto, Jeff (2004). «Interview: Takashi Miike». En: IGN (22 de julio). <http://www.ign.com/articles/2004/07/23/interview-takashi-miike?page=1> [Consulta: 9 de marzo de 2016].
Richards, K. Malcolm (2008). Derrida reframed: Interpreting Key Thinkers for the Arts. New York: I.B. Tauris.
Sévéon, Julien (2003). «Entretien Takashi Miike, réalisateur de ‘Gozu’». En: Cinemotions. <http://www.cinemotions.com/interview/12495> [Consulta: 9 de marzo de 2016].

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)

El pasado viernes se conocieron los premiados a los premios más importantes de la industria cinematográfica Tailandesa, los Subhanahongsa Awards, concedidos por la Thailand National Film Association. La gran favorita en las nominaciones, la comedia negra Freelance ha arrasado, literalmente, con la mayoría de los premios, incluyendo mejor película, director, guión y actores principales entre otros. Los demás premios han estado repartidos entre diferentes producciones. A continuación tenéis la lista completa de ganadores.

Mejor Película

Snap
P’Chai My Hero
Freelance Ham Puay Ham Phak Ham Rak More
Arpatti
Onthakan

Mejor Director

Josh Kim, P’Chai My Hero
Nawapol Thamrongrattanarit, Freelance
Anucha Boonyawatana, The Blue Hour
Chayanop Boonpakob, May Nhai

Mejor Guión

Kongdej Jaturanrasamee, Snap
Josh Kim, P’Chai My Hero
Nawapol Thamrongrattanarit, Freelance
Anucha Boonyawatana and Wasuthep Ketpetch, Onthakan
Chayanop Boonpakob, Vasuthorn Piyarom, Nottapon Boonprakob, Thodsapon Thiptinnakor, May Nhai

Mejor Actor

Sunny Suwanmethanon, Freelance
Toni Rakkaen, Snap
Thiti Mahayotharak, May Nhai?
Atthaphan Poonsawas, Onthakan
Thira Chutikul, P’Chai My Hero

Mejor Actriz

Davika Hoorne, Freelance
Ploy Sornnarin, Arpatti
Pimchanok Luevisadpaibul, 2538 Alter Ma Jive
Waruntorn Paonil, Snap
Sutatta Udomsilp, May Nhai

Mejor actor secundario

Krisana Panpeng, Snap
Torpong Chantabubpha, Freelance
Ingkarat Damrongsakkul, P’Chai My Hero
Thanapop Leeratanakajorn, May Nhai
Obnithi Wiwatanawarang Onthakan
Sorapong Chatree, Arpatti

Mejor actriz secundaria

Duangjai Hiransri, Onthakan
Nareekul ketprapakorn, May Nhai
Pympan Chalayanacupt, Arpatti
Violette Wautier, Freelance
Arpa Phawilai, Mae Bia

Mejor fotografía

Charnkit Chamnivikaipong, F Hiliare
Uruphong Raksasad, Phleng Khong Khao (The Songs of Rice)
Niramol Ross, Freelance
Chaiyaphruk Chalermpornpanich and Kamonphan Ngewthong, Onthakan
MR Ampornpol Yukol, Snap

Mejor edición

Kamontorn Ekwatanakij, P’Chai My Hero
Chonlasit Upanigkit, Freelance
Panayu Kunvanlee, May Nhai
Chonlasit Upanigkit and Anuphap Autta, The Blue Hour
Kamontorn Ekwatanakij and Manussa Worrasingh, Snap

Mejor sonido

Kantana Sound Studio, Freelance
Kantana Sound Studio, May Nhai
Noppawat Likhitwong/ Onecool Sound Studio, Onthakan
Sarawut Phantha Akrichalerm Kalayanamitr, Snap
Ram Intra Sound Studio Arpatti

Mejor canción original

Ther Dern Khao Ma from Runpee
Mai Me Ther, from Latitude 6
Nhai Nhai from May Nhai
Sai Tai from 2538 Alter Ma Jive
Sud Sai Ta from The Down

Mejor banda sonora

Chaibandit Peuchponsub, Snap
Bodvar Isbjornsorn, P’Chai My Hero
Hualampong Riddim, Freelance
Hualampong Riddim, May Nhai
Chupvit Temnithikul Onthakan

Mejor dirección artística

Rasiguet Sookkarn, Snap
Phairot Siriwath, Freelance
Phairot Siriwath, Onthakan
Akradej Kaewkote, May Nhai
Salinee Khemjaras, Tee Wang Rawang Samut (The Isthmus)

Mejor vestuario

Suthee Muanwaja, May Nhai
Phim Umari, Rujirumpai Mongkol, P’Chai My Hero
Wasitchaya Mojanakul, Mon Love Sib Muen
Wasana Benjachat, Freelance
Sukanya Maruangpradit, F Hiliare

Mejor maquillaje

Benjawan Sroy-in, Freelance
Methaphan Pitithunyapat, Phee Ha Ayothaya
Pongrat Kijbamrung, F Hiliare
Pattera Puttisuraseat, Runpee
Sivakorn Suklangkan, Arpatti

Mejores efectos especiales

Surreal Sutdio, Arpatti
Thanan Chimprasert, Mon Son Phee (Ghost Ship)
Thosaporn Poonnart, Phee Ha Ayothaya
Alternat Studio, Runpee
Yggdrazil Group Co and Riff Animation Studio, May Nhai

Mejor Documental

Y/our Music
The Down
The Songs of Rice

Premio a la carrera cinematográfica

Jarna Petcharoen

Siguiendo con los premios tailandeses también se conocen desde hace unos días nominados a los premios de la crítica local, los Bangkok Critics Assembly Awards, que se concederán el próximo 23 de Marzo. Al igual que en los premios de la Asociación Nacional la comedia negra Freelance (aka Hearth Attack) está entre las más destacadas con sus 10 nominaciones, solo superada por la indie Onthakan (aka The Blue Hour) que ha conseguido 11. A continuación tenéis la lista completa de nominados.

Mejor Película

Snap
P’Chai My Hero (How to Win at Checkers (Every Time))
Freelance Ham Puay Ham Phak Ham Rak More (Heart Attack)
May Nhai Fai Raeng Fer (May Who?)
Onthakan (The Blue Hour)

Mejor Director

Josh Kim, P’Chai My Hero
Nawapol Thamrongrattanarit, Freelance
Anucha Boonyawatana, Onthakan
Uruphong Raksasad, Phleng Khong Khao (The Songs of Rice)
Chayanop Boonpakob, May Nhai

Mejor Guión

Kongdej Jaturanrasamee, Snap
Josh Kim, P’Chai My Hero
Nawapol Thamrongrattanarit, Freelance
Anucha Boonyawatana and Wasuthep Ketpetch, Onthakan
Chayanop Boonpakob, Vasuthorn Piyarom, Nottapon Boonprakob, Thodsapon Thiptinnakorn, May Nhai

Mejor Actor

Davika Hoorne ,Freelance
Taya Rogers, Love Sucks
Pimchanok Luevisadpaibul, Cat A Wabb # Baeb Wa Rak Ah
Waruntorn Paonil, Snap
Sutatta Udomsilp, May Nhai

Mejor Actriz

Davika Hoorne, Freelance
Ploy Sornnarin, Arpatti
Pimchanok Luevisadpaibul, 2538 Alter Ma Jive
Waruntorn Paonil, Snap
Sutatta Udomsilp, May Nhai

Mejor actor secundario

Danai Jarujinda, Arpatti
Thira Chutikul, P’Chai My Hero
Thanapop Leeratanakajorb, May Nhai
Obnithi Wiwatanawarang, Onthakan
Soraphong Chatree, Arpatti

Mejor actriz secundaria

Duangjai Hiransri, Onthakan
Nareekul ketprapakorn, May Nhai
Ploy Sornarin, Arpatti
Violette Wautier, Freelance
Arpa Phawilai, Phee Ha Ayothaya

Mejor fotografía

Phuttipong Aroonpheng, Vanishing Point
Uruphong Raksasad, The Songs of Rice
Niramol Ross, Freelance
Chaiyaphruk Chalermpornpanich and Kamonphan Ngewthong, Onthakan
Kittipat Jinathong, Arpatti

Mejor edición

Uruphong Raksasad, The Songs of Rice
Kamontorn Ekwatanakij, P’Chai My Hero
Chonlasit Upanigkit, Freelance
Panayu Kunvanlee, May Nhai
Chonlasit Upanigkit and Anuphap Autta, Onthakan

Mejor canción original

Jai..Jai from Kyushu…Laew Phrung Nee Rao Khong Ja Roo Kan
Phra Arthit Thiang Khuen
from Water BoyyYorm from Khuen Nan
Rao Me Rao from Khun Thongdaeng: The Inspirations
Sud Sai Ta from The Down

Mejor banda sonora

Wuttipong Leetrakul, The Songs of Rice
Bodvar Isbjornson, P’Chai My Hero
Hualampong Riddim, Freelance
Hualampong Riddim and Vichaya Vatanasapt, May Nhai
Chupvit Temnithikul, Onthakan

Mejor dirección artística

Vikrom Janpanus, Vanishing Point
Rasiguet Sookkarn, P’Chai My Hero
Ek Iemchuen, F Hilaire
Phairot Siriwath and Chaiwat Boonsoongnern, Freelance
Phairot Siriwath and Vitune Tulakorn, Onthakan

Mejor Documental

Y/our Music
The Guitar King
Kyushu
Mard Phayak
The Down
The Songs of Rice

Director Joven del Año

Josh Kim, P’Chai My Hero
Kanittha Kwunyoo, Arpatti
Jakrawal Nilthamrong, Vanishing Point
Surussavadi Chuarchart, F Hilaire
Anucha Boonyawatana, Onthakan

España y Hong Kong están muy lejos uno del otro, casi tan lejos como España de Argentina, pero nuestro protagonista ha salvado todas estas distancias para trabajar en la actualidad como especialista, coreógrafo y actor en la industria del cine Chino. La magia de la tecnología nos ha permitido poder conversar con él y conocer un poco más su filosofía de vida y su trabajo.

Asiateca: Andrew Dasz nació en Buenos Aires allá por 1978 y desde muy joven, con tan solo 10 años, comenzó a estudiar diversas artes marciales Tae Kwon Do.

Andrew: Comencé desde pequeño, siempre me gustó pelear, en nuestra familia eramos tres hermanos y era normal jugar a pelearse y a veces tener riñas de verdad, cosas de niños. Tal vez porque crecí viendo series de acción, entre ellas Starky & Hutch, Kung-Fu, Team A, The Master, etc. Lo interesante es que cuando comencé con la practica del Tae Kwon Do, me volví más pacifico, me atrajo mucho la cultura, el respeto, los códigos. Mi primer profesor era muy severo y llego a golpearme por no prestar atención en la clase. Algunos alumnos dejaban de acudir a los entrenamientos, pero en mi caso hizo que me lo tomara más en serio.

Asiateca: Al Tae Kwon Do le siguieron otras artes marciales como el Wing Chun, Hung Gar, Boxeo… ¿Que estilos domina? ¿Con cual se siente más a gusto?

Andrew: Dominar, creo que nunca dominas nada a la perfección, no me gusta cuando se refieren a un artista marcial como experto o cosas así. Por ejemplo, cuando hablas de un cantante no dices el experto en canto, solo te refieres a el como cantante…

Lo que si puedo decir es que conozco un tipo de arte marcial mas que otro. Por ejemplo el Ving Tsun o Wing Chun, Hung Gar, también he entrenado Boxeo y diferentes deportes de combate como el Shoot Boxing de Japón y un poco de MMA. Cuando mi tiempo me lo permite, imparto clases particulares de Wing Chun en Hong Kong.

Asiateca: Y un día da el salto de estar inmerso en el mundo de las artes marciales a hacer coreografías de acción o stunts para vídeos amateur primero y para cine después.

Andrew: Estuve viviendo en una escuela de Kung Fu por 7 años, localizada en Brasil, y llego un momento donde quería vivir nuevos desafíos, así que después de ver un cortometraje protagonizado por mi hermano gemelo Steven (filmado en Madrid y titulado “The Contact“) decidí que lo mejor era dejar de lado un poco lo marcial y comenzar con las artes interpretativas. Fue entonces cuando volví a Buenos Aires y comencé con cursillos de actuación y al mismo tiempo empecé con el Boxeo. Entrenar es algo primordial en mi vida y no podía dejar de ejercitarme.

Por otro lado con las coreografías, después de escuchar sugerencias de mi hermano comencé a filmar peleas en Brasil con algunos amigos, todo muy esporádico, para más tarde, en 2005, empezar a entrenar diariamente escenas de peleas con Steven, primero en Buenos Aires y luego en Benalmadena (Costa del Sol, España).

Asiateca: Su debut cinematográfico fue la película “Stunt Games”, que rodó junto a su hermano Steven y estuvo dirigida por el canario David Xarach ¿Como nace el proyecto y acaba rodándose en España?

Andrew: “Stunt Games“, o su nombre en español “Juegos de Lucha“, comenzó en 2005 cuando Steven conoció a David Xarach rodando un corto, de ahí pasaron los años y la idea fue materializándose poco a poco, despacio pero continuo. En 2007 fuimos a Las Palmas para rodar el teaser y meses mas tarde comenzamos el film, que fue un proyecto de 0 presupuesto pero que esta hecho con mucho trabajo y cariño. Fueron 3 meses de rodaje en Islas Canarias y dos semanas para las últimas escenas en Madrid.

Asiateca: China y España están muy lejos una de la otra. ¿Como da el salto hacia Asia? ¿Fue buscado o surgió una de esas oportunidades que uno no puede rechazar?

Andrew: Una combinación de las dos cosas. Primero estuve en 2008 en Hong Kong y me gusto mucho, luego volví en 2009 y a mediados de 2010, estando en Hong Kong me ofrecieron trabajar como coreógrafo de acción en un show llamado “The House of Dancing Water” en Macao, una isla a una hora de Hong Kong. Fue así que de ir por dos meses, me quede a vivir.

Asiateca: Desde luego el cine de artes marciales tiene una de sus mecas doradas en Hong Kong. El cine wuxia tradicional y, sobre todo, el cine de acción de los 80 y 90 llegaron con mucho éxito a occidente, sobre todo en televisión y vídeo doméstico. Pero también es cierto que en este nuevo siglo países como Tailandia o incluso India producen mucho cine de acción. ¿Por qué Hong Kong? ¿Ha trabajado, o se plantea trabajar, en otros países asiáticos o se centra en abrirse camino en la industria local?

Andrew: Me gustaría mucho estar en un set de filmación en India o Tailandia. Quien estuvo por toda Asia es mi hermano Steven, trabajando en Indonesia, Malaysia, India, Singapore y Tailandia en diferentes proyectos. Yo por el momento solo estuve en China y Hong Kong.
Vine exclusivamente a Hong Kong porque me atraía su cultura, su idioma (hablan cantonés) y quería también entrenar Kung fu en escuelas locales.

Asiateca: Suponemos que el cambio cultural también fue algo difícil de superar. ¿Que es lo que más le cuesta a la hora de afrontar el trabajo en Hong Kong y China? ¿Que diferencias ve entre la forma de trabajar local y la occidental?

Andrew: A decir verdad prefiero la manera China de trabajar en el set en muchos aspectos. Las coreografías se hacen en el momento y el guión también puede tener alteraciones minutos antes de rodar. Como actor, me parece fabuloso el no saber lo que va a pasar, tienes que tener una idea básica de la escena, pero también tienes que estar atento a lo que diga el director y adaptarte a sus peticiones, improvisación. Por otro lado, como coreógrafo me gusta ensayar y conocer a los actores y sus habilidades. En España siempre que estuve a cargo una escena de acción todo era previamente ensayado y diagramado, pero la verdad es que cuando filmas tienes que ajustarte a lo que se necesite para que la escena quede lo mejor posible. Tiene que existir un equilibrio entre el guión y lo que se presenta en el momento de rodar.
Filmar es un trabajo en equipo y tanto el director de fotografía como los actores y el director tienen que trabajar al unisono, seguir el guión es importante, pero no lo es todo.

Asiateca: Ha ejercido muchos roles dentro del mundillo del cine, aunque el principal sea el de actor y especialista. ¿Que le atrae más, el mundo de la actuación o el de la coreografía de acción?

Andrew: Actualmente estoy muy interesado en el acting, como mejorar en los pequeños detalles, ser mas sutil y natural. A nivel coreografía me gustaría poder coordinar mis escenas de peleas en futuros proyectos, en este momento no estoy interesado en cuidar de otros actores, solo trabajar en mis peleas. Me gustan los dos aspectos, creo que son las dos caras de una misma moneda, todo tiene que ver con el cuerpo y la expresión.

Asiateca: Podríamos hablar largo y tendido de su carrera, ya que ha participado en diversas películas como actor y coreógrafo, spots publicitarios, televisión… ¿Que producciones o artistas con los que ha trabajado destacaría?

Andrew: Estaba esperando esta pregunta, te hablare primero de los artistas:

Jackie Chan es la persona con la que mas he disfrutado en el set. Me dirigió en una escena -en “Chinese Zodiac“- y fue un placer estar con el rodando, muy tranquilo, se preocupa por todo. En un momento, cuando estaba esperando para filmar mi escena me quede mirando lo que hacia Jackie (algo que hago mucho en el set, intento aprender del director de fotografía, iluminación, etc) y de repente me miro fijamente y tuve que disimular pues creo que se dio cuenta, fue embarazoso y gracioso al mismo tiempo; De Donnie Yen me impacto por su manera de trabajar con las coreografías de peleas, llegando a rodar hasta las 5 de la madrugada. Para mi, uno de los mejores en cuanto a acción en estos momentos; Carter Wong es un duro de la vieja escuela a pesar de sus 70 años, solido y fuerte como pocos en los set de filmación; Chow Yun Fat es una persona tan amigable y accesible que te olvidas que tienes delante a uno de los mejores actores de Asia y lo ves como a un amigo personal; Con Dick Wei tuve el privilegio de pelear y la verdad es que lleva en la sangre la marca de los actores de la Shaw Brothers; Por su parte Anthony Liu, que fue uno de los pocos actores que trabajo en todas las películas de Bruce Lee y es recordado fácilmente por su personaje en “The Big Boss” (interpretando al hijo del jefe), fue alumno de Bruce y tuve la suerte de compartir algunos desayunos donde me comento acerca de varios detalles tanto marciales como fílmicos del pequeño dragón. Por otro lado es una persona que pone los conceptos del Jeet Kune Do en su vida diaria, me agrado mucho como persona.

Se me olvidaba Chin Ka Lok, uno de los mejores a nivel stunts, coordinación de automóviles y explosiones. Me dirigió en “The Viral Factor“, un lujo trabajar con el. También está Sammy Hung, hijo menor de Samo Hung, para mi uno de los mejores jóvenes actores. Si bien el mismo reconoce no ser artista marcial, queda muy bien en pantalla cuando actúa.

Sobre proyectos, creo que cada nuevo trabajo donde encuentras diferentes desafíos son siempre los mejores. “Stunt Games” fue un antes y un después. La idea es continuar, estar en constante aprendizaje y saber escuchar a los más veteranos.

Asiateca: Una de sus últimas películas hasta la fecha es “Chicken fly, Dog Jump”, donde trabajó con clásicos del cine de acción local como Dick Wei y Antonhy Liu, de los que ya nos ha comentado algo. ¿Que puede contarnos de esta producción?

Andrew: Si, ahora esta en post-produccion. Filmamos en Zhanjiajie, ciudad China donde fueron filmados los exteriores de “Avatar“, la película de James Cameron. Mi personaje se llama James y es el malvado de la historia. Peleo contra Dick Wei y tengo algunas escenas de acción, además de comedia. El director es Lou Qi, quien dirigió a Jackie, Samo y Yuen Biao en “Project A“.

Esta fue una experiencia muy interesante, rodado al estilo Hong Kong de los 80, todo muy rápido, y si la escena salia bien se rodaba solo una única toma. El guión tenia cambios a diario, cosa que para algunos actores estaba fatal, pero para mi fue un nuevo desafío. Me lo pase muy bien.

Asiateca: Y para el futuro: “Iceman 2”, lo vemos acreditado en el casting de “Cold War 2” y está también anunciada su nueva película con David Xarach y su hermano Steven, “The Snake Key”. ¿Que puede contarnos de todos estos proyectos?

Andrew: “Iceman 2” fue filmada hace tiempo. En “Cold War 2” estuve un día en el set para filmar muy poco, luego deje el proyecto porque estaba con esta ultima película, “Chicken fly, Dog Jump“, en China. Actualmente “The Snake Key” es un proyecto que esta tomando grandes dimensiones ya que David Xarach se mudo a Los Angeles (USA) y puede que comencemos a rodar este año, crucemos los dedos. Es como una continuación, o mejor dicho una evolución, de “Stunt Games“, pero ya con presupuesto y business plan.

Todo un placer haber compartido esta conversación virtual con Andrew Dasz, al que esperamos ver mucho más a menudo en la gran pantalla China y que le vaya todo lo mejor posible. Nos alegra poder conocer el punto de vista de alguien que vive la industria del cine chino/hongkonés desde dentro, porque nos encanta.