El comité de la ASEAN en Madrid, con la colaboración de la AFIAS y el Spain Moving Images Festival, organiza del 2 al 6 de octubre de 2019 el ASEAN Film Festival Madrid. Este evento estará compuesto de diez títulos realizados en los últimos años, y prácticamente inéditos en nuestro país, que presentan una muestra indispensable de la producción cinematográfica del Sudeste asiático. Todas las proyecciones se llevarán a cabo en el Cine Estudio del Círculo Bellas Artes (Calle del Marqués de Casa Riera, 4, 28014 Madrid). A continuación os dejamos la programación detallada.

Miércoles 2 de octubre de 2019

17:00 hrs. The Seen and the Unseen
Indonesia, 2017.
Dirección: Kamila Andini.
Reparto: Ni Kadek Thaly Titi Kasih, Ida Bagus Putu Radithya Mahijasena, Ayu Laksmi, I Ketut Rina, Happy Salma, Gusti Ayu Raka.

Una niña de 10 años se retira a un espacio de fantasía y de sueños evocadores como respuesta a la inminente pérdida de su hermano gemelo. (

Jueves 3 de octubre de 2019

17:00 hrs. Adiwiraku
Malasia, 2017.
Dirección: Eric Ong.
Reparto: Sangeeta Krishnasamy, Xavier Fong, Ahmad Adnin Zidane, Nur Idina Tasnim, Rizal Fahmi, Balqis Sani.

Basada en hechos reales, la película nos trae la historia de la profesora Cheryl Ann Fernando, y su lucha por enseñar en una escuela rural de la región de Kedah.

19:00 hrs. Brother of the year
Tailandia, 2018.
Dirección: Witthaya Thongyooyong
Reparto: Urassaya Sperbund, Sunny Suwanmethanon, Nichkhun.

Chut y Jane son dos hermanos que tienen dos personalidades completamente opuestas. Chut es un joven perezoso y molesto, que nunca logra nada, mientras que Jane es una joven responsable y aplicada que siempre sobresale en todo lo que hace. Cuando Chut se entera que tendrá que aprender a cuidarse sólo ya que su hermana está a punto de casarse y mudarse a Japón, intentará hacer todo lo que esté en sus manos para romper la relación.

Viernes 4 de octubre de 2019

17:00 hrs. Don’t burn
Vietnam, 2009.
Dirección: Nhat Minh Dang.
Reparto: Minh Huong, Tina Duong, Michael Jarmus, Mathew M. Korsch, Patrick T. McGowan, Ben Rindner.

En la primavera de 2005, una anciana que vive en Hanoi recibe un diario. El libro lleva las anotaciones de una joven doctora que trabajó en un hospital durante dos años, desde 1968 hasta que murió. El diario fue descubierto por un militar norteamericano que lo guardó durante 35 años.

22:00 hrs. Mamang
Filipinas, 2018.
Dirección: Denise O’Hara
Reparto: Celeste Legaspi, Ketchup Eusebio, Peewee O’Hara, Alex Medina, Gio Gahol, Elora Espano, Paolo O’Hara.

En el ocaso de su vida, Mamang lucha contra la senectud y la vejez para estar con su hijo Ferdie, de quien sospecha que está listo para partir a otra provincia a vivir su vida. Pero a medida que su lucha aumenta, su condición empeora hasta que los fantasmas de su pasado la persiguen.

Sábado 5 de octubre de 2019

17:00 hrs. The Tailor
Vietnam, 2017.
Dirección: Tran Buu Loc, Kay Nguyen.
Reparto: Van Hong, Diem My, Veronica Ngo, Ninh Duong Lan Ngoc

Nhu Y es una adolescente de los años 60 apasionada por la moda. Thanh Mai, su madre, tiene una de las tiendas de “ao dais” más famosas de Saigón. El “ao dai” es el vestido tradicional vietnamita, pero a Nhu Y le interesa más la moda internacional y se niega a aprender la técnica y continuar con el negocio familiar. La relación entre ambas se vuelve más y más tensa hasta que un giro inesperado traslada a Nhu Y al Saigón actual, donde entrará en contacto con un mundo de la moda totalmente desconocido para ella, que le hará tener una nueva perspectiva sobre la tradición y cultura vietnamitas.

21:30 hrs. Bad Genius
Tailandia, 2017.
Dirección: Nattawut Poonpiriya
Reparto: hutimon Chuengcharoensukying, Eisaya Hosuwan, Teeradon Supapunpinyo

Lynn, una estudiante superdotada, crea un sistema infalible para hacer trampas en los exámenes.

Domingo 6 de octubre de 2019

17:00 hrs. Turah
Indonesia, 2016.
Dirección: Wicaksono Wisnu Legowo.
Reparto: Ubaidillah, Yono Daryono, Rudi Iteng, Narti Diono, Bontot Sukandar.

El guión sigue a diez familias que realizan sus vidas cotidianas en su remota aldea de Java Central.

19:00 hrs. Distance
Filipinas, 2018.
Dirección: Perci M. Intalan.
Reparto: Iza Calzado, Therese Malvar, Nonie Buencamino.

Liza regresa con la familia que abandonó hace cinco años para encontrarse una eterna lucha. Lucha por no reabrir viejas heridas. Lucha por permanecer juntos a pesar de que un secreto del pasado siempre los mantendrá alejados.

21:30 hrs. Iban Warrior
Malasia, 2017.
Dirección: Badaruddin Azmi
Reparto: Langgi Datuk Kanang, Johan Asari, Greg Bkk

Una película basada en la historia real del sargento Kanang Anak Langkau, un guerrero iban y el héroe de guerra más condecorado de la nación, que luchó durante la insurgencia comunista.

Cada dos años CineAsia se reencuentra con el papel en forma de un “Anuario” que recoge lo más significativo de la cinematografía asiática. En esta publicación, que este año llega a su tercera entrega, podréis encontrar artículos y reseñas del cine que se ha podido ver las diferentes cinematografías del continente, además de una sección dedicada a España y mucho más -bandas sonoras, libros especializados, etc-. Desde sus comienzos tenemos la suerte y el privilegio de aportar nuestro granito de arena a esta obra, principalmente con alguna reseña y, sobre todo, con las entrevistas que siempre hacemos durante el Sitges Film Festival junto a CineAsia, que son un gustazo y que os vamos acercando periódicamente.

Hace dos años pudimos conocer al director coreano Jung Byung-gil, que presentaba en el festival su excepcional The Villainess, una cinta de acción que, en cierto modo, rompía los moldes de este tipo de productos en Corea del Sur a la hora de grabar acción, con una maravillosa escena de inicio en primera persona y unos movimientos de cámara y efecto visuales realmente impresionantes. Os acerco hoy aquella entrevista, que encontraréis en el Anuario CineAsia junto a un magnífico artículo dedicado al cine de acción coreano, y os insto a que si os gusta el cine asiático os hagáis con una copia si aún no la tenéis.

¿Como se siente alguien que recibe una ovación de 4 minutos es Cannes -por La Villana- y luego no recibe ningún premio?

Estaba fuera de competición por lo tanto tampoco podía tener premio (jajaja). Para mí ese aplauso fue muy sorprendente, incluso extraño.

Hace 14 años decide entrar en el mundo del cine y se inscribe en una escuela de stunts, aunque sabemos que de pequeño quería ser pintor. ¿Cómo pasa de adentrarse en el mundo de los especialistas de acción a querer ser director de cine?

Nunca he sido realmente un stunt, tengo el diploma de la Seoul Action School pero de un curso introductorio de tan solo 6 meses. A decir verdad, nunca ingresé en esta escuela con la intención de ser doble de acción, solo pensaba en que este tipo de formación me ayudaría a la hora de visualizar y dirigir ese tipo de escenas. En esos años era muy joven y barajaba muchas opciones para mi carrera, una de ellas era ser actor, eso también me llevó a la academia.

Sin embargo, su paso por la Seoul Action School le hace darse cuenta de lo dura que es la vida de estos especialistas y decide hacer un documental, Action Boys. ¿Cómo surge este proyecto?

Cuando rodé Action Boys tenía unos 28 años, con lo cual se estrenó cuando llegué a los 29. En Corea hay una especie de barrera antes y después de los 30 años. Parece que antes de los 30 hay que decidir qué se quiere ser en la vida y por eso mucha gente trabaja en profesiones que no les interesan. En esos momentos yo mismo estaba pensando qué rumbo quería fijar y en la academia conocí a muchos stunts que abandonaron su sueño. Action Boys no trata solo sobre especialistas de acción, sino también sobre seguir o no un sueño.

Sobre esas cinco personas a las que sigue en donde unas triunfan, otras sobreviven, otras fracasan…

Exactamente, lo has descrito muy bien.

Sabemos que le gusta mucho Stephen Chow y el cine de acción de Hong Kong, ¿Siempre ha querido hacer cine de acción? ¿Cuáles son sus referentes?

El cine de Stephen Chow es más bien comedia. Me gusta porque me divierte mucho y me levantaba el ánimo en una época bastante dura de mi vida. En lo referente a cine de acción una de mis películas favoritas es Terminator 2.

Tanto en La villana como en Confessions of Murder abre con una escena de acción impactante y espectacular. ¿Es ya una especie de marca de la casa?

Creo que los primeros 5 minutos de una película son importantes porque son, por así decirlo, la marca de la misma: presentan el tipo de cine que vas a mostrar al público. Dotar estos minutos de una gran espectacularidad atrapa la atención y luego el espectador sigue ese ritmo, por esto esos primeros instantes para mí son muy importantes. Hasta ahora esta técnica ha funcionado bien y por eso me suelen hacer mucho esta misma pregunta. Tanto en La Villana como en Confessions of Murder hay tres grandes escenas de acción, pero no es realmente algo que he buscado a propósito. Como ya todo el mundo espera esta estructura inicial quizás en la siguiente película pruebe otra cosa distinta, algo diferente.

Vemos que gusta del uso del flashback como un recurso narrativo…

A decir verdad, el flashback es una técnica que no me gusta mucho y de la que no hay que abusar. Lo que uso en La Villana no lo considero flashback, es más bien lenguaje narrativo usando el montaje y la edición, variando entre diferentes momentos del presente y del pasado, pero no es exactamente flashback.

Nos gustaría hablar un poco de cómo coreografía la acción y su trabajo con Heo Sun-mi y Park Jung-hun, tanto a nivel de edición como de fotografía. Hay varios momentos que nos han sorprendido mucho: cómo termina la escena de acción de apertura de la película pasando de la primera a la tercera persona, y cómo rueda la escena de la persecución en moto, rodada como un aparente plano secuencia excepcionalmente realizado.

Si recordáis Action Boys, su protagonista es el director de artes marciales de La villana. Ambos nos conocemos desde hace mucho y somos amigos, además conozco la vida del actor de acción por tanto el trabajo con él fue muy fácil. Con respecto a las escenas que comentas en la primera de ellas lo importante era el momento en que cambia el punto de vista de la cámara. Si la escena estuviera rodada en tomas separadas sería muy fácil, pasar de una a otra, pero al estar rodada en un plano secuencia la cosa se complica. El momento del espejo era ideal, dejar la cámara dentro y aprovechar para cambiar de punto de vista.

La persecución de motos es la escena que más me gusta de la película. La preparación fue muy complicada ya que en el resto de las escenas de acción todos sabíamos qué teníamos que hacer, teníamos claro cómo rodar y grabar, pero en esta persecución no teníamos claro qué hacer para conseguir el resultado que queríamos, incluso los cámaras a veces decían que esos planos parecían imposibles de rodar. Pero tenia una idea y quería llevarla a cabo, así que lo intentamos hasta el final y el resultado es bastante satisfactorio.

¿Cuánto de efectos especiales CGI hay en la película?

En la escena de la persecución en moto, por ejemplo, no hay nada, solo se usó CGI para borrar algunas cosas, cableado y sujeciones de seguridad, pero yo quería hacer que fuera lo más real posible. Si hiciéramos esta escena delante de una pantalla azul, de un croma, no hubiera tenido el mismo resultado. Sobre todo, busco el realismo, por eso intento no usar CGI.

¿Cómo eligió a las dos actrices protagonistas? Somos fans de Kim Ok-vin desde que la vimos en Thirst, y sabemos que la Seoul Action School estuvo involucrada en las coreografías de The City of Violence, donde aparecía Kim Seo-hyung.

A Kim Ok-vin la elegí porque ella tiene la cara de La villana, su imagen es muy adecuada para lo que estaba buscando, pero no teníamos relación anterior. Con respecto a Kim Seo-hyung, un par de años antes de hacer esta película fui un día a hacer senderismo y ella vino con unos amigos comunes, allí la conocí, pero tampoco teníamos mucho contacto. Cuando terminé el guion de la película se lo envié, ella se sorprendió, pero le gustó mucho.

Es un director que además escribe sus propios guiones, ¿qué proceso sigue o le gusta más a la hora de preparar una película?

La parte que más me gusta es la preparación antes del rodaje. Una vez tienes el guion terminado y el casting hecho, tienes una gran labor de preparación, ahí es donde se termina un 80 o 90 por ciento de la realización. Durante el rodaje puede haber cambios y cosas imprevistas, pero la clave es la preparación.

Es un director al que le gusta ir a contracorriente, no seguir las normas establecidas. ¿Quizás por eso ha dado el protagonismo principal a dos mujeres?

Has acertado en todo (jajaja). Desde pequeño, si me obligaban ha hacer algo no quería hacerlo, sin embargo, si me decían que no podía o era imposible entonces quería hacerlo. Siempre fui muy mal estudiante porque todo el mundo me decía que tenía que estudiar, y yo no quería. Con el cine de acción femenino pasa algo parecido, quizás por eso quise hacer La villana, porque todos me decían que no debía hacerla, esto me sonaba a desafío, a un “ahora o nunca”. Y la hice.

Por Gloria Fernández (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca).

Una año más finaliza el Sitges Film Festival. Estalla esa burbuja de cine y género en la que nos introducimos cada año y en la que, con gusto, estaríamos inmersos durante mucho más tiempo, a pesar de que seguramente el cuerpo no aguantase un ritmo tan intenso como el que se termina llevando en este evento, entre películas a deshoras y caminatas al Meliá. Sea como fuere esta ha sido una edición que en un principio nos estaba dejando emociones encontradas, donde no terminábamos de ver ninguna película sobresaliente, esos proyectos destinados a que habláramos de ellos y los recordáramos por mucho tiempo, pero al final hemos tenido muy buenas películas y algunas obras maestras entre nuestros visionados, que no es poca cosa.

Hoy nos toca acercaros el palmarés completo del festival, en el que encontramos algunos nombres asiáticos de interés. Ahí tenemos la coreana The Gangster, the Cop, the Devil, que se llevó el premio Focus Asia, que este año estaba votado por el público, en una reñida competición con la también coreana Unstoppable, ambas protagonizadas por Ma Dong-seok. El premio a mejor película de animación ha pasado este año a estar encuadrado dentro del jurado Carnet JOVE, que han premiado Ride Your Wave de Masaaki Yuasa, quizás la obra más convencional del director pero todo un imprescindible. Entre los premiados también nos encontramos a la directora laosiana Mattie Do, mejor directora en Noves Visions por The Long Walk, misma sección en la que Nina Wu de Midi Z se llevó una de las menciones especiales. Fuera del palmarés vimos la mejor película del festival, la china The Wild Goose Lake, que llegaba al festival tras pasar por San Sebastián, para confirmar que Diao Yinan es uno de los grandes nombres del noir chino actual, y alguien al que seguiremos de cerca y nos dará muchas alegrías en el futuro.

En las próximas semanas iremos realizando nuestras tradicionales crónicas festivaleras hablando un poco más de las películas que hemos podido ver.

Secció Oficial Fantàstic a competició

Mejor película
El hoyo, de Galder Gaztelu-Urrutia

Mejor dirección
Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles (Bacurau)

Mejor interpretación masculina
Miles Robbins (Daniel Isn’t Real)

Mejor interpretación femenina
Imogen Poots (Vivarium)

Mejor guion
Mirrah Foulkes (Judy & Punch))

Mejores efectos especiales
Iñaki Madariaga (El hoyo)

Mejor fotografía
Manu Dacosse (Adoration)

Mejor música
Dan Levy (J’ai perdu mon corps)

Premio especial del jurado
Adoration, de Fabrice du Welz

Gran Premio del público a la mejor película
El hoyo, de Galder Gaztelu-Urrutia

Mejor cortometraje de género Fantástico
Polter, de Álvaro Vicario

Mención a los niños de Adoration
Thomas Gioria & Fantine Harduin

Mención a la película Achoura
Achoura, de Talal Selhami

Noves Visions

Mejor película
Dogs Don’t Wear Pants, de J-P Valkeapäa

Mejor dirección
Mattie Do (The Long Walk)

Mejor corto Noves Visions Petit Format
Lucienne mange une auto, de Geordy Couturiau

Mención 1
Nina Wu, de Midi Z

Mención 2
Jesus Shows You the Way to the Highway, de Miguel Llansó

Mención 3
Hail Satan?, de Penny Lane

Panorama Fantàstic

Premio del público a la mejor película
Extra Ordinary, de Aike Ahern y Enda Loughman

Midnight X-treme

Premio del público a la mejor película
The Devil Fish, de David Chuang

Focus Àsia

Premio del público a la mejor película
The Gangster, the Cop, the Devil, de Lee Won-Tae

Sitges Documenta

Premio del público a la mejor película
La venganza de Jairo, de Simón Hernández

Méliès Awards

Méliès d’Argent a la mejor película
Adoration, de Fabrice du Welz

Méliès d’Argent al mejor corto
Children of Satan, de Thea Hvistendahl

Blood Window

Premio Blood Window
Breve historia del planeta verde, de Santiago Loza

Òrbita

Mejor película Òrbita
Huachicolero, de Edgar Nito

Jurat de la crítica

Premio de la Crítica José Luis Guarner
Bacurau, de Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles

Premio Citizen Kane al director revelación
Galder Gaztelu-Urrutia (El hoyo)

Carnet JOVE

Premio Jurado Carnet Jove al mejor largometraje de género fantástico
Bacurau, de Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles

Premio al mejor largometraje de animación
Ride Your Wave, de Masaaki Yuasa

Premio al mejor cortometraje de animación
The Lonely Orbit, de Frederic Siegel & Benjamin Morard

Brigadoon

Premio Brigadoon Paul Naschy
Marc Martínez Jordán (Tu último día en la Tierra)

Sitges Cocoon

Premio a la mejor película Sitges Cocoon
Gloomy Eyes, de Jorge Tereso & Fernando Maldonado

SGAE Nova Autoria

Mejor dirección
Pau Bösch & Berta Galvany (La mugre. UPF)

Mejor dirección
Marina Espinach (Cuando acabe el verano. Bande à Part)

Mejor música
Juan Luis Pérez (Gusanos de seda. ESCAC)

Mejor guión
Agustín Elizalde & Carlos Villafaina Gusanos de seda. ESCAC)

Mejor guión
Marina Espinach (Cuando acabe el verano. Bande à Part)

Charlando con Anurag Kashyap

Entrevista a Tatsuyuki Nagai, director de Her Blue Sky

Entrevista con Lee Won-tae y Jang Won-seok, director y productor de The Gangster, the cop, the devil

Entrevista a SABU y Ryo Ishibashi, director y actor de Dancing Mary

Mañana día 19 de octubre comienza la edición sexagésimo cuarta de la SEMINCI, la Semana Internacional de Cine de Valladolid, que se alargará hasta el próximo día 26. Entre su extensa programación podemos encontrar propuestas asiáticas como la india Moothon, crudo thriller dirigido por Geetu Mohandas y producido por Anurag Kashyap, la curiosa coproducción Master Cheng, la china The Farewell o la mongola Öndög. Pero si por algo destaca esta presente edición del festival es por su increíble retrospectiva titulada Rompiendo barreras: cine chino de la última década, prácticamente un festival paralelo que cuenta con una veintena de largometrajes realizados en los últimos años en el gigante asiático. Repasamos hoy toda esta retrospectiva y, como siempre, os instamos a visitar la página web del festival para obtener toda la información de espacios y horarios.

Black Coal
China / Hong ong, 2014.
Dirección: Diao Yinan.
Intérpretes: Fan Liao, Lun Mei Gwei, Xuebing Wang, Wang Jingchun, Ailei Yu, Jingyang Ni.

En 1999, un empleado de una cantera es asesinado y su cuerpo, repartido por diferentes rincones de Manchuria. El inspector Zhang se encarga de la investigación, pero tras resultar gravemente herido durante el interrogatorio a los principales sospechosos, se ve obligado a retirarse del cuerpo. Cinco años más tarde, se cometen dos nuevos asesinatos en la región, ambos relacionados con la esposa de la primera víctima. Zhang, que ahora trabaja como guardia de seguridad, decide redimirse e intentar resolver el caso en solitario. Su investigación le llevará a acercarse peligrosamente a la misteriosa joven.

Behemoth
China / Francia, 2015.
Dirección: Zhao Liang.

Desde las escenas iniciales que muestran una explosión minera en Mongolia hasta las imágenes de una ciudad fantasma al oeste de Pekín, ‘Behemoth’ detalla, en una sucesión de impactantes secuencias, la devastación social y medioambiental que sustenta un milagro económico que podría esfumarse en el aire.

Silent Mist
China / Francia, 2017.
Dirección: Zhang Miaoyan
Intérpretes: Chunlan Hu, Zhao Zuojun, Yang Xiaojiang, Wang Gufu, Tao Zhiyin, Zhang Boyang, Xu Chongwen, Zhao Weimin.

En un pueblo del sur de China que atraviesa un río violan a varias mujeres. Sin embargo, lejos de desatarse un clamor de indignación, el silencio, solo roto por los cuchicheos clandestinos, se adueña de la población. Un estafador llega incluso a intentar aprovecharse de los padres de las víctimas, a quienes promete resolver el caso. Antes de que acontezcan los hechos, el pueblo se ve envuelto en la neblina, a modo de un inquietante preludio.

An Elephant Sitting Still
China, 2018.
Dirección: Hu Bo.
Intérpretes: Peng Yuchang, Wang Yuwen, Zhang Yu, Li Congxi, Xiang Rong Dong, Jing Guo, Zhao-Yan Guo-Zhang, Miaomiao He.

Al norte de China, una enorme ciudad posindustrial está sumida en una niebla perpetua que atrapa a sus habitantes. Una mañana, un simple altercado entre dos adolescentes de un instituto va a forjar el destino de cuatro individuos: Bu, para proteger a un amigo, empuja por las escaleras al matón del instituto, Shuai; Ling, compañera de clase de Bu, quiere escapar de su madre y de su rutina tras ser seducida por su maestro; el hermano mayor de Shuai, Cheng, se siente responsable por el suicidio de su mejor amigo y quiere vengarse de Bu por el accidente de su hermano menor; y, finalmente, el Sr. Wang, un jubilado entusiasta, no quiere que su hijo lo encierre en una residencia. Los cuatro comparten la misma obsesión recurrente: huir hacia la ciudad de Manzhouli donde, según dicen, un elefante de circo permanece sentado durante horas, inmóvil, impasible, ajeno a los problemas del mundo.

Winter after Winter
China, 2019.
Dirección: Xing Jian.
Intérpretes: Bingyan Yan, Qiang Gao, Di Liu, Fan Yang, Zhiyong Zhang, Akira Hibino.

En el invierno de 1944, durante la ocupación japonesa de Manchuria, el ejército japonés se dedicó a reclutar por la fuerza mano de obra no cualificada en una aldea del noreste de China. Ignorando el peligro de la consanguinidad, el patriarca Lao Si ordena a sus hijos que fecunden a su cuñada Kun, cuyo marido es impotente. El segundo hijo se niega y huye de su familia. El más pequeño e inmaduro acepta la orden sin rechistar, pero los soldados japoneses se lo llevan antes de que pueda llevarla a cabo, dejando a Kun y al anciano padre solos en la casa.

Til Madness Do Us Part
Hong Kong / Francia / Japón, 2013.
Dirección: Wang Bing.

Un manicomio aislado del mundo: cincuenta hombres conviven durante doce meses cada año encerrados en la misma planta y con escaso contacto con el mundo exterior e incluso con el equipo médico. Cada uno está allí por un motivo diferente: algunos tienen problemas mentales y otros han cometido asesinatos, o simplemente han molestado a algunos funcionarios locales. Pero una vez dentro, todos comparten la misma vida vacía, caminan por el mismo patio vallado por una cerca de alambre y buscan el consuelo y el calor humano.

The Crossing
China, 2019.
Dirección: Bai Xue.
Intérpretes: Yao Huang, Sunny Sun, Carmen Soup, Hongjie Ni, Kong May Yee Elena, Kai Chi Liu, Gang Jiao.

Peipei, de dieciséis años, cruza la frontera casi a diario para desplazarse desde el lugar en que vive, en la China continental, hasta su instituto en Hong Kong. Los funcionarios de aduanas echan una rápida ojeada a su uniforme escolar y su cara inocente y la dejan pasar con un saludo sin pensarlo dos veces. Crecida en un clima tropical, Peipei y su mejor amiga sueñan con viajar a Japón para ver la nieve de verdad, pero no tienen dinero para realizar el viaje. Para ganarlo, Peipei se une a una banda de contrabandistas y comienza a transportar clandestinamente iPhones desde Hong Kong hasta el continente. La muchacha no sabe que ese trabajo tan bien remunerado va a convertir su rutina en una actividad de alto riesgo.

Have a Nice Day
China, 2017.
Dirección: Liu Jian.

Está a punto de caer una tormenta en una pequeña ciudad al sur de China. En un desesperado intento de encontrar dinero para solucionar la fallida cirugía plástica de su prometida, Xiao Zhang, un simple conductor, roba una bolsa a su jefe con un millón de yuanes. La noticia sobre el robo se extiende rápidamente por la ciudad y, en el transcurso de esa noche, todo el mundo anda a la caza de Xiao Zhang y el dinero.

Li Wen at East Lake
China, 2015.
Dirección: Luo Li.
Intérpretes: Li Wen, Zuo Yan, Xiao Tie, Wu Wei, Mai Dian, Li Juchuan, Yan Zi.

(Lago Este) se encuentra junto a la ciudad china de Wuhan. En los últimos años ha sido el foco de una amarga disputa por un proyecto de recalificación de sus márgenes que está transformando la zona en un parque de atracciones rodeado de bloques de apartamentos de lujo. Son muchos los que se oponen a esta operación especulativa e intentan detener las obras. En medio de esta controversia que no cesa, un agente de policía rastrea el paradero de un hombre con problemas mentales que desapareció cerca del lago.

Kaili Blues
China, 2015.
Dirección: Bi Gan.
Intérpretes: Yongzhong Chen, Lixun Xie, Shixue Yu, Yue Guo, Linyan Liu, Feiyang Luo, Zhuohua Yang, Daqing Zhao.

En una pequeña clínica de Kaili, una ciudad húmeda y neblinosa de la provincia subtropical de Guizhou, un médico y su ayudante, dos seres reconcentrados viven una existencia fantasmagórica. El primero, Chen Sheng, decide cumplir el deseo de su madre, ya fallecida, y se embarca en un viaje en tren a la búsqueda del hijo abandonado de su hermano. Por su parte, su compañera en la clínica, una mujer ya mayor y solitaria, le encomienda la misión de entregarle a su antiguo amante, quien se encuentra muy enfermo, una vieja fotografía, una camisa y una casete. De camino a la región de Zhenyuan, Chen atraviesa la pequeña y misteriosa localidad de Dangmai, donde el tiempo no es lineal y las existencias de sus habitantes se complementan entre sí. Chen experimenta el pasado, el presente y el futuro, y empieza a reflexionar sobre su vida.

The Pluto Moment
China, 2018.
Dirección: Zhang Ming.
Intérpretes: Wang Xuebing, Liu Dan, Zeng Meihuizi, Miya, Xinran Li, Daqian Yi, Ping Yi, Jiamei Feng.

Wang Zhun, un director de cine que vive en Shanghái, viaja a las inhóspitas montañas del suroeste chino para conocer un cántico funerario tradicional (‘El cantar de las tinieblas’) que le servirá de inspiración en su último proyecto cinematográfico. Lo acompañan Ding Hongmin, su pragmático productor; Bai, un joven y apuesto actor en los inicios de su carrera; y Du Chun, el camarógrafo del equipo y admirador de Wang Zhun. Aunque con ellos viaja Luo, un experto guía local, el grupo se desorienta en aquel paraje remoto en el que, además, el alojamiento y el transporte son problemáticos. Las penalidades de la expedición le traen a Wang Zhun el recuerdo persistente de una imagen: la de su mujer y famosa actriz Gao Li, de la que se encuentra distanciado.

Dragonfly Eyes
China, 2017.
Dirección: Xu Bing.

Cada día, las cámaras de vigilancia captan nuestra imagen una media de 300 veces. Estos ‘ojos’ ubicuos también observan a la joven Qing Ting mientras abandona el templo budista en el que se había formado para ser monja. Ahora, sin embargo, regresa al mundo seglar y consigue un empleo en una ultramecanizada explotación lechera. Allí se enamora de ella un técnico, Ke Fan, que transgrede la ley en su afán por complacerla y acaba en la cárcel. Cuando queda en libertad, Ke Fan busca infructuosamente a Qing Ting hasta que descubre que la joven se ha transformado en una ‘celebrity’ de Internet: Xiao Xiao. Ke Fan decide entonces renovar su imagen.

Knife in the Clear Water
China, 2016.
Dirección: Wang Xuebo.
Intérpretes: Yang Shengcang (padre), Yang Shengcang (hijo), Zhou Jinhua, Yang Fan, Yang Xue, Jie Wang, Dong Yang, Chenghua Li.

En una aldea de montaña de la provincia china de Ningxia, donde habita la etnia Hui, acaba de fallecer la esposa de un hombre mayor llamado Majishan. La familia decide celebrar una ceremonia de purificación (‘Nazer’) que, conforme a las tradiciones de aquel pueblo, tendrá lugar a los 40 días del funeral e implicará el sacrificio de un toro. Pero Majishan no quiere matar a un animal que casi es un miembro más de la familia. Ni sus plegarias ni las palabras del imán consiguen despejar sus dudas. Hasta que una mañana el viejo toro deja de comer y de beber. ¿Acaso ha visto el cuchillo en el agua clara?

Más allá de las montañas
China / Japón / Francia, 2015.
Dirección: Jia Zhangke.
Intérpretes: Zhao Tao, Zhang Yi, Liang Jing Dong, Dong Zijian, Sylvia Chang, Sanming Han.

China a finales del año 1999. Dos amigos de infancia, Zang y Liangzi, cortejan a Tao, una joven de Fenyang. Zang es dueño de una gasolinera y tiene un futuro prometedor. Liangzi trabaja en una mina de carbón. Tao tiene el corazón dividido entre ambos, pero deberá tomar una decisión que marcará su vida y la de Dólar, su futuro hijo. Desde una China en pleno cambio a la promesa de una vida mejor en Australia, la película sigue las esperanzas, amores y desilusiones de los personajes ante su destino durante un cuarto de siglo.

Trap Street
China / 2013.
Dirección: Vivian Qu.
Intérpretes: Yulai Lu, Wenchao He, Yong Hou, Xiaofei Zhao, Tiejian Liu, Xiang Qun, Xinghong Li.

Li Qiuming es un joven que trabaja como aprendiz en una empresa de cartografía digital. Su trabajo consiste en realizar mapas de una ciudad que no deja de transformase, y mantener actualizado el sistema cartográfico. Para llegar a fin de mes, también instala cámaras de video en lugares públicos, pero oculta este trabajo extra a su estricto padre, que es jefe de edición de una revista del Gobierno. Un día, mientras realiza su trabajo de campo, tiene un breve encuentro con una hermosa joven que desaparece en un apartado callejón. Descubre entonces que los datos que ha recogido de esa calle no quedan registrados en el sistema cartográfico. La calle ha desaparecido como si nunca hubiera existido. Desesperado por reencontrarse con la enigmática mujer, continúa su investigación acerca de aquel misterio y acaba descubriendo algo que cambiará su vida para siempre.

Una vida sencilla
China / Hong Kong, 2011.
Dirección: Ann Hui.
Intérpretes: Deanie Ip, Andy Lau, Wang Fuli, Qin Hailu, Paul Chiang, Lueng Tin, Wendy Yu, Ewan Lam.

Una historia muy humana, tierna y conmovedora sobre la relación de toda una vida entre Roger, un productor de cine de mediana edad, y Ah Tao, la sirvienta que se ha ocupado de velar por él desde que era un niño y que ha servido a su familia durante más de sesenta años. Cuando a Ah Tao le llega la hora de jubilarse y sin ningún familiar que pueda hacerse cargo de ella, Roger decide que es el momento de devolver tantos años de servicio y se vuelca en ella como si se tratara de su propia madre.

Present.Perfect.
Estados Unidos / Hong Kong / China, 2019.
Dirección: Zhu Shengze.

Más de 422 millones de chinos compartieron asiduamente vídeos en ‘streaming’ en 2017. Shengze Zhu ha seguido a una docena de estos creadores de contenidos durante diez meses. A partir de 800 horas grabadas de estas retransmisiones en directo, la realizadora ha destilado el retrato colectivo de una generación cuyas vidas virtuales y reales están estrechamente entrelazadas. En lugar de fijarse en ‘influencers’ famosos con miles de seguidores, Zhu ha escogido a los tipos más marginales: un ‘artista’ del baile urbano con un pésimo sentido del ritmo, una joven afectada de parálisis, un travesti de mediana edad o un operario de grúa que se aburre en su trabajo. Son personajes que suelen llevar existencias solitarias y para quienes el ‘video streaming’ es una forma de comunicación que les permite, por ejemplo, contactar con personas que les ignorarían si les vieran en la calle. La retransmisión en directo de imágenes por Internet es una actividad absolutamente apolítica, pero las existencias que retrata dicen mucho de la sociedad china contemporánea y de sus carencias.

The Widowed Witch
China, 2017.
Dirección: Chengjie Cai.
Intérpretes: Tian Tian, Xinyu Wen, Qilin Wang, Fuyou Wang, Shuyou Yang, Pengcheng Gao, Wenfu Li, Shulin Zhao.

La vida es dura para Erhao: tras enviudar por tercera vez a causa de una explosión en la fábrica de fuegos artificiales que regentaba con su esposo, apenas ha sobrevivido al accidente. Semicomatosa y acogida por su familia política, es violada por su cuñado. Ello la lleva a emprender una búsqueda en la que recorre la China rural, aunque quizás solo sea una forma de evadirse a través de la imaginación. De un modo u otro, acompañada del hermano sordo de su marido fallecido, Erhao abandona la casa de sus parientes en busca de un lugar que pueda ofrecerle refugio y calor humano, algo que escasea en un clima social tan frío y duro como el helado paisaje invernal que retrata la película.

The Night
China, 2014.
Dirección: Zhou Hao.
Intérpretes: Zhou Hao, Liu Xiao Xiao, Li Jin Kang, Zhou Feng Qi.

Un joven se contempla en el espejo. La noche le pertenece. Todos los días, al caer la tarde, se pone una camisa limpia y examina su aspecto físico. Seguidamente abandona el apartamento en el que vive y aguarda a sus clientes en un oscuro callejón. Una noche se encuentra con una prostituta de su misma edad recién llegada al barrio. Los dos coquetean mientras caminan por las calles y fantasean con la idea de alquilar sus cuerpos uno al otro y ponerse nombres de flores: él se llamará Nardo y ella Narciso. Para ellos, los extraños con los que se acuestan no tienen rostro. Hasta que otra noche un joven que se hace llamar Rosa se enamora de Nardo.

Ash
China, 2017.
Dirección: Li Xiaofeng.
Intérpretes: Jin Luo, Yuan Nie, Peng Xin, Peiyao Jiang, Jue Huang, Yiwei Yang, Hao Sun, Li Fang.

Hace una década, un estudiante de medicina y un obrero siderúrgico entablaron una amistad epistolar. Cuando la combinación de la pasión y el odio condujo a la ejecución de dos asesinatos, los dos amigos tomaron caminos distintos. Un joven agente de policía fue quien empezó a investigar los hechos, pero sus pesquisas resultaron infructuosas. Una década después, el obrero regresa a la ciudad. Mientras tanto, el policía es incapaz de sacudirse de la cabeza el misterio irresuelto de los dos crímenes. Los últimos diez años han hecho que cada uno de los personajes se enrede en una telaraña de vicio y deseo. Ahora deben elegir entre la senda de la salvación y el camino al infierno.

El próximo día 26 de octubre comienza la trigésima edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, todo un veterano entre los festivales de género en nuestro país, y con un ambiente entre el público que sorprende a todos lo que lo visitan por primera vez. Entre su programación siempre solemos encontrar algunas grandes películas asiáticas que merece la pena ver, y este año la cosa se torna muy especial con la presencia del mismísimo Hideo Nakata, que presentará su última producción Sadako. Hoy os acercamos el listado de lo más asiático que podréis disfrutar si os acercáis a San Sebastián estos días. Si queréis estar al tanto de horarios y localizaciones, os recomiendo visitar la web de evento.

SADAKO (2019)
Japón.
Dirección: Hideo Nakata.
Intérpretes: Elaiza Ikeda, Takashi Tsukamoto, Hiroya Shimizu, Renn Kiriyama, Rie Tomosaka, Hitomi Sato.

Ella, mito entre los mitos del terror asiático, ha vuelto. Y había que hacerle un hueco en la Semana. Ella, la presencia de la túnica blanca, el pelo negro y lacio, el rostro pálido cual los personajes del teatro kabuki. Ya no existen las cintas VHS y los móviles son hoy pequeñas computadoras. Pero ella permanece. Inmutable. En la era de YouTube y los likes. Ella ha regresado y es Hideo Nakata quien va a contarnos su retorno. El Nakata de Dark Water (2002), el Nakata inmenso de la fundacional The Ring (¡21 años ya!). Regresó. Y hay un chaval loco por conseguir followers mientras su hermana Mayu cuida a una muchacha con amnesia postraumática. Ha vuelto Sadako, penúltima vuelta de tuerca al gran horror. Y sí, sale del pozo. Y de la tele.

DREADOUT (2019)
Indonesia-Corea del Sur.
Dirección: Kimo Stamboel.
Intérpretes: Caitlin Halderman, Jeffri Nichol, Marsha Aruan, Irsyadillah, Susan Sameh, Ciccio Manassero.

La película del videojuego independiente género survival horror desarrollado por Digital Happiness. Dirigida por Kimo Stamboel, curtido en Macabre (2009) y Killers (2014). Coproducen Indonesia y Corea del Sur. El arranque mola: un grupo de adolescentes decide entrar en un edificio abandonado para aumentar así su popularidad en las redes. Lo van a pagar caro, sospechamos. Porque como de costumbre alguien abrirá una puerta de comunicación con el Más Allá. Menos mal que la protagonista blande un smartphone de próxima generación que, amén de no verse perjudicado por la continua inmersión en aguas tenebrosas, sirve a las mil maravillas para mantener a raya a los no-muertos. ¿Será una app especial? ¿Se oferta con el abono a la Semana?

IT COMES / KURU (2018)
Japón.
Dirección: Tetsuya Nakashima.
Intérpretes: Junichi Okada, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Haru Kuroki, Takako Matsu.

Tetsuya, uno de los nuestros. Desde Kamikaze Girls (2004) hasta más allá de El mundo de Kanako (2014). Estilo visual intransferible y un dominio de las claves del espanto que hacen que este su último film sea una inmersión en mil maneras del horror. Una pareja enamorada y feliz. El marido recibe en el trabajo la visita de una persona muy extraña. Cuyo nombre resulta ser el mismo que han pensado para su bebé aunque nadie sabe que la esposa está embarazada… La pesadilla empieza y va a durar dos años. Tetsuya cambia la perspectiva de la narración continuamente y su paleta de colores va cobrando tonos más y más siniestros. Recordad, “cuando it te llama, no puedes escapar”. Ah, buena banda sonora con ese K interpretado por Cigarettes After Sex.

THE POOL (2018)
Tailandia.
Dirección: Ping Lumphapleng.
Intérpretes: Theeradej Wongpuapan, Ratnamon Ratchiratham, Kongkiat Khomsiri, Avajareen, Sutheerat Channukul.

Al principio creímos que el cine tailandés pivotaba sobre dos nombres por los que sentíamos profunda admiración, Apichatpong Weerasethakul, ganador del oro en Cannes en 2010 con su Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas, y Tony Jaa, grandioso artista marcial. Luego penetramos en el celuloide de horror del país del muay thai y hoy estamos aquí, varados en una piscina sin agua, con nuestra novia con trauma cerebral al lado y un cocodrilo cerca. Amén de un perro atado arriba, en el trampolín. Cine de supervivencia. Porque encima eres diabético, el chucho se ha comido la pizza y empieza a llover. El director, Lumphapleng, ya ha ganado en Austin y Bruselas y al prota le hacen la ola en su país. Ah, el cocodrilo y el chucho son carne de CGI.

RISE OF THE MACHINE GIRLS (2019)
Japón.
Dirección: Yuki Kobayashi.
Intérpretes: Himena Tsukimiya, Kanon Hanakage, Tak∴, Rie Kitahara, Toshie Negishi.

Gloriosa, macarrosa, ensangrentada, descuartizada, desmembrada, emasculada, decapitada, desventrada, descerebrada, amputada (amputadísima) revisitación del gran clásico gonzo (gonzísimo) firmado en 2008 por el único e irrepetible (aunque haya creado escuela) Noboru Iguchi. Con el añadido de unos cuantos asesinos a sueldo, una banda sonora muy a lo Morricone y un poblado donde se refugian aquellos a los que la Dharma Company ha arrancado ora un riñón, ora un cacho de hígado, ora una mano, ora un lóbulo del cerebro. La compañía, por cierto, está dirigida por una superdiva menopáusica. Las chicas de la máquina son dos. Hermanas. Los de Dharma las han troceado un algo. ¿Pero para qué tener brazo donde puedes implantarte una ametralladora-bazooka?

El pasado lunes se daban a conocer los ganadores de la trigésimo novena edición de los Korean Association of Film Critics Awards, o lo que es lo mismo los premios de la crítica de Corea del Sur. Era de esperar que el fenómeno de Parasite estuviera presente en los premios locales y así ha sido, la última película de Bong Joon ho se lleva, entre otros los premios a mejor película y mejor director. Por otra parte debemos destacar el drama House of Hummingbird, que se ha llevado galardones muy en femenino para su directora Kim Bo ra, como mejor dirección novel, además del de mejor actriz novel y mejor actriz de reparto. A continuación tenéis la lista completa de premiados.

Mejor Película

Parasite

Mejor Director

Bong Joon Ho (Parasite)

Mejor Actor

Shin Ha Kyun (Inseparable Bros)

Mejor Actriz

Kim Hyang Gi (Innocent Witness)

Mejor Actor de reparto

Jin Sun Kyu (Extreme Job)

Mejor Actriz de reparto

Kim Sae Byuk (House of Hummingbird)

Mejor Dirección novel

Kim Bo Ra (House of Hummingbird)

Mejor Actor novel

Park Hyung Sik (Juror 8)

Mejor Actriz novel

Park Ji Hoo (House of Hummingbird)

Mejor Guión

Yook Sang Hyo (Inseparable Bros)

Mejor Fotografía

Hong Kyung Pyo (Parasite)

Mejor Banda Sonora

Kim Jun Suk (Swing Kids)

Premio al cine independiente

Kang Sang Woo / Kim Bo Ra

FIPRESCI Award (International Federation of Film Critics)

Kim Bo Ra (House of Hummingbird)

Premio a la carrera cinematográfica

Um Aing Ran (actriz)

Top 10 Películas destacadas

Hotel by the River
Ode to the Goose
Extreme Job
Parasite
KIM-GUN
Another Child
House of Hummingbird
Birthday
EXIT
Intimate Strangers

El próximo 26 de octubre comienza en Kioto, Japón, una nueva edición del Kyoto Historia International Film Festival, evento que pone en valor el cine de época, creando diferentes programas no solo de cine histórico actual, sino de intensa recuperación de clásicos del cine japonés -quizás su apartado más interesante-. Desde que descubrí su existencia este festival se ha convertido en esa meca a la que debería acudir al menos una vez en la vida, dada mi pasión por el cine clásico japonés y las maravillas que llegan a recuperar de los archivos de la Toei -y no solo de la Toei-. Pero mientras tanto solo podemos hacernos eco de su programación, que este año pone el foco en el cine de animación recuperando autenticas maravillas, además de diferentes producciones en sus espacios temáticos. A continuación repasamos algunas de las más destacadas.

Especial Kyoto Animation

Un programa estructurado en tres partes para poner en valor la animación realizada en Kyoto: los pasos del grupo de Kenzo Masaoka en los primeros días del anime, los directores de Toei Studios Kyoto que causaron sensación durante el crecimiento de la posguerra y las producciones de Kyoto Animation aclamadas por el público.

Parte 1 – Kyoto Animation works

The Disappearance of Haruhi Suzumiya
Japón, 2009
General director: Tatuya Ishihara
Director: Yasuhiro Takemoto
Cast: Aya Hirano,Tomokazu Sugita、Minori Chihara

The film follows the television anime series that started in 2006. Superb proficiency, even in line with the television series, in portraying time travel and parallel worlds, both without relying on special effects but through thorough planning and direction. The cinematic approach is outstanding, contrasting the dynamic and macro references of time, and the internal gentle and micro references of the confusion and desires that sprout in Yuki Nagato, who in the television series was positioned as a function-motivated inorganic character as an interface of the Data Integration Thought Entity.

K-ON! MOVIE
Japón, 2011
Director: Naoko Yamada
Cast: Aki Toyosaki, Yoko Hikasa, Satomi Sato

Rock music club with a total of five members, what will the four graduating members leave behind for the last remaining girl? An excellent coming-of-age film incorporating restless episodes from their graduation trip to London. The loose ordinary days of the rock music club girls – nothing drastic but always emotional, full of worries, conflicting and exchanging thoughts with each other – never ending improvement. Accurately depicts the teenager’s heart by carefully portraying emotions that arise in the girls’ everyday life.

Tamako Love Story
Japón, 2014
Director: Naoko Yamada
Cast: Aya Suzaki, Atsushi Tamaru, Yuki Kaneko

Tamako, the daughter of a mochi store is a third-year in high school. Education, employment and love – her mind slowly begins to waver. A complete original of Kyoto Animation by the creators of “Keion!”. The film carefully depicts the gradually changing life of a girl, weighing down under the influence of gravity, and her moving emotions and sensitivities. Awkward episodes revolving around a first love are added as the finishing touches of ups and downs for a coming-of-age masterpiece.

Sound! Euphonium the Movie -Welcome to Kitauji High School Concert Band-
Japón, 2016
Director: Tatsuya Ishihara
Cast: Tomoyo Kurosawa, Ayaka Asai, Moe Toyota

The protagonist enters wind ensemble club after being asked by her friend. She steps into the world of wind music without much thought, longing to be like her sister who plays the euphonium. Exposed to the powerful emotions of friends and members, her image towards the euphonium gradually shows a change. Friendship and rivalry, selfish hopes and despair, respect and doubt towards seniors, battle between talent and effort, accepting loss – the girls find an irreplaceable something through their serious struggles. Many challenges to animation such as hand-drawn instruments vibrating, and synchronisation between finger movement and sound appear on the film.

Parte 2 – Los primeros días del anime

Entotsuya Perô
Japón, 1930
Director: Yoshitsugu Tanaka

Pero leads his country to victory with an egg that produces soldiers. He triumphantly returns home, only to see debris, corpses and new gravestones from the window on his way. An independent silhouette animation of roughly 20 thousand frames by Doeisha, an amateur group of ten students mainly from Doshisha University. They managed an independent screening organisation named “Kodomo Cinema” to screen the film in other areas. Doeisha was later acquired by JO Studio in Uzumasa to produce commercial animation films.

Kumo to chûrippu
Japón, 1943
Director: Kenzo Masaoka

Kenzo Masaoka, known as the father of Japanese animation, founded the Masaoka Film Research Lab to create anime in Kitano Shiyakawa after training in film at Makino Film Productions and Nikkatsu Uzumasa. This musical-style animation was the first ever full cel-animation in Japan, spanning over 16 minutes and 20 thousand frames. The smooth and dynamic movement of the charming characters are a monument to Japanese anime. He later founded Nihon Douga with Sanae Yamamoto, which was then renamed Toei Douga (now Toei Animation).

Momotarô: Umi no shinpei
Japón, 1945
Director: Mitsuyo Seo

The paratrooper dog, monkey and pheasant head towards Onigashima under the command of General Momotaro. Japan’s first ever feature-length animation film by Mitsuyo Seo, who also directed and animated the “Norakuro” series (1935-) and learnt under Kenzo Masaoka. Not only is the direction and animation immaculate, but remembering that this was created during war, the special effects and techniques, the use of multiplane shooting and transmitted light, are also remarkable.

Parte 3 – Como la cultura del cine de época cambio el anime japonés

The White Snake Enchantress
Japón, 1958
Director: Taiji Yabushita
Cast: Hisaya Morishige, Mariko Miyagi

The first feature-length colour animation film in Japan. Based on the Chinese folktale depicting an unrequited love between a boy and spirit of a white snake; it aims for the imagination and detailed expression of animation. The digitally revived colours are vivid. The primary members of Toei Douga become the core of Japanese animation. The audience, and creators too, were enchanted by the movement of animals and street performers, not just the story. A memorial film with youthfulness brimming in the pencil lines.

The Adventure of The Little Samurai
Japón, 1959
Director: Taiji Yabushita
Cast: Teruo Miyazaki, Hiroko Sakuramachi, Katuo Nakamura

Awarded the Golden Lion of San Marco (Grand Prize) at the Venice International Film Festival Children’s Film category. There is a strong will to tell a story through animation here. The lines depicting the course of Sasuke, living with animals in the forest, and his growth from training ninjutsu, to defeating Princess Yasha are full of life. The sparks of the young animators’ imagination are evident in the great salamander, slime, Princess Yasha portrayed as a skull, and comical characters. Another must-see point is that Jidaigeki staff were appointed to choreograph the sword action and dance, adopting movements from Jidaigeki.

Doggie March
Japón, 1963
Director: Daisaku Shirakawa
Cast: Ayako Hori, Hideo Kinoshita, Kou Nishimura

The film presents a simple story using the movement and characterisation specific to anime. The puppy Rock seeks revenge, with fellow dogs of the town, on Killer the tiger who murdered Rock’s mother who protected the forest. Original scenario by Osamu Tezuka. The personified mole and shrinking tail of the fox are expressions unique to anime. Dogs and birds exchanging information, and the sewage being networked under the manhole excite the imagination of children.

The Little Mermaid
Japón, 1975
Director: Tomoharu Katsumata
Cast: Fumie Kashiyama, Taro Shigaki, Mariko Miyagi

Princess Marina, the youngest daughter of mermaids is an active girl with a beautiful voice. One night, she sees the prince on a glamorous boat, and falls in love. She exchanges her beautiful voice for a potion from the witch to turn human, and heads for the shore. A creation by Tomoharu Katsumata, assistant director to Masahiro Makino at Toei Studios Kyoto, who then moved to Toei Douga to direct the television anime “Devilman” and “Mazinger Z”. The film was animated by Reiko Okuyama. A full out effort by Toei Douga, with European locations for the 100th year commemoration for Andersen and as a sponsor film for the Ocean Expo Park in Okinawa.

Historica Focus – Toei Douga Festival

Programa de anime clásico de época que comparte producciones con el especial principal del festival, a The White Snake Enchantress, The Adventure of The Little Samurai y Doggie March se añaden las siguientes producciones.

Little Norse Prince Valiant
Japón, 1968
Director: Isao Takahata
Cast: Hisako Okata, Mikijiro Hira, Etsuko Ichihara

The story is outstandingly extensive. The number of characters, the detail put into them and how they are connected, all exceed “the anime film”. Horus a young boy who tries to save his village from being dominated by the devil, and Hilda a young girl takes advantage of the contradicting villagers. Horus ends up being banished from the village, but… During production, first-time director Isao Takahata encourages his animators to take initiative, Hayao Miyazaki who was then an in-between artist took part in story-making. The heroine Hilda defines anime history with her complex personality.

Puss’n Boots
Japón, 1969
Director: Kimiro Yabuki
Cast: Susumu Ishikawa, Toshiko Fujita

Save Princess Rosa from the villain Lucifer! Pero, running away from assassins, heads towards the castle with Pierre who was kicked out by his malicious brothers. A masterpiece with an excellent story, action and characters. Songs, optimistic hero, clumsy villain; the assassin trio, the mouse family of thieves and Lucifer are also classic characters. The final chase-up at Lucifer’s castle with the tower, draw-bridge, stairs and cogwheel link to the castle of Cagliostro.

Historica Focus – Lone Wolf and Cub Festival

4 de las 6 adaptaciones cinematográficas de la obra de Kazuo Koike, protagonizadas por Tomisaburo Wakayama y dirigidas por Kenji Misumi.

Lone Wolf and Cub: Sword of Vengeance
Japón, 1972
Director: Kenji Misumi
Cast: Tomisaburo Wakayama, Yunosuke Ito

Ogami Itto is hired by the Awa-han to stop Yagyu’s plans of hindering the indigo dye business. Under Yagyu Retsudo’s orders, the Akashi Yagyu (Kayo Matsuo) and female assassins fight off killers from Edo. Itto and Daigoro escape from Akashi Yagyu’s bizzare attacks on their journey. Echigo Lion, daikon-girl, human clamming at the shore with the boat burned down – a startling film made of only action scene ideas, but each and every one is fascinating.

Lone Wolf and Cub: Baby Cart at the River Styx
Japón, 1972
Director: Kenji Misumi
Cast: Tomisaburo Wakayama, Kayo Matsuo

Ogami Itto is hired by the Awa-han to stop Yagyu’s plans of hindering the indigo dye business. Under Yagyu Retsudo’s orders, the Akashi Yagyu (Kayo Matsuo) and female assassins fight off killers from Edo. Itto and Daigoro escape from Akashi Yagyu’s bizzare attacks on their journey. Echigo Lion, daikon-girl, human clamming at the shore with the boat burned down – a startling film made of only action scene ideas, but each and every one is fascinating.

Lone Wolf and Cub: Baby Cart to hades
Japón, 1972
Director: Kenji Misumi
Cast: Tomisaburo Wakayama, Yuko Hama, Go Kato

Itto undergoes the “buri-buri” (lit. angry) torture by Torizo (Yuko Hama) for saving a girl who was sold to prostitution. Itto, hired to kill the Lord who deceived Torizo’s father that used to be an official, heads towards the riverside with Daigoro as bait, where hundreds of arms await him. Itto’ greatest weakpoint is Daigoro, as planned by original artist Kazuo Oike; at the moment of desperation, Daigoro becomes the greatest weapon – a breath-taking catharsis.

Lone Wolf and Cub: Baby Cart in the Land of Demons
Japón, 1973
Director: Kenji Misumi
Cast: Tomisaburo Wakayama, Michiyo Yasuda

The high priest (Hideji Ootaki) who exposed Kuroda-han’s secret, was part of the Kurokuwa-clan living under the order of Yagyu. Itto goes after the priest’s troop that is carrying a secret letter to Edo. He tears through the bottom of the boat crossing the river, and shows off his sword skills underwater. Fifth of the series with effort put into balancing the story and action. Daigoro’s courage after being captivated mistaken for a pickpocket, brings a whole new perspective.

Historica World

La sección internacional del Historica contiene algunas producciones interesantes procedentes de Asia.

Mystery of the Night
Filipinas, 2019
Director: Adolfo Alix Jr.
Cast: Solenn Heussaff, Benjamin Alves, Gina Alajar

1900, colonial Philippines under the oppression of Spanish tyranny. A pregnant woman accused of insanity is left in the woods by men under a priest’s order. The new born girl is raised by the spirits of the woods, and one day falls in love with a man from the town. However, the man had a family. Betrayed, the girl leaves the woods, seeking revenge in deep despair. The bizarreness of the woman in the woods contrasted with the high-class man living in town. One of the most prolific directors of modern Filipino film, appraised by many international film festivals including Cannes and Toronto depicts powerfully the history of the country through a cruel allegory of a man and woman.

TUMBBAD
India, 2018
Director: Rahi Anil Barve・Adesh Prasad
Cast: Sohum Shah, Harish Khanna, Ronjini Chakraborty

Colonial India in the 19th century. Greedy Vinayak who lives in the poor village Tumbbad succeeds in finding out the whereabouts of a cursed treasure from his great-grandmother who has been chained up for centuries. Vinayak grows up to hold his own family, but becomes possessed by wealth, and gradually escalates. What is the greatest secret that he finally finds out? A highly entertaining film unrestricted by genre with strange shapes and settings incorporating Indian mythology and folktales.

La quincuagésimo segunda edición del Sitges Film Festival tocó a su fin el pasado domingo y desde Asiateca, como ya es tradición, queremos acercaros todo el cine asiático que pudimos ver durante los diez días de duración del evento. Con este motivo estamos preparando 9 crónicas con todas estas películas, un total de 27 producciones que comentaremos someramente en el orden cronológico en el que pudimos verlas, sin más complicaciones. Acompáñenme en este viaje, que tendremos de todo, tanto bueno como malo.

Tras llegar a Sitges el mismo día 3 de Octubre y hacer los tramites de rigor de apartamento y zona de prensa, esa ansia que nos puede cuando vamos a festivales, esa sensación de que dejar mucho tiempo libre sin ver una película no compensa el viaje que has hecho tan lejos de casa, me llevó a ver singapureña Demons de Daniel Hui.

La historia se centra, aparentemente, en Vicky, una joven actriz que busca su oportunidad en la obra de teatro de un cruel director. Su escena inicial, consistente en una entrevista entre el director y la joven, ya nos deja claro como va a evolucionar el asunto, “¿Por qué debería usarte como mi actriz?”, Le pregunta él, y ante la respuesta claramente sentida de la joven un público, no sabemos muy bien salido de donde, parece esperar que la chica se desnude ante las insinuaciones del director.

Daniel Hui, curiosamente su personaje de director comparte nombre con él, en un hombre muy cercano al videoarte, con películas que no suelen discurrir por terrenos fáciles a niveles narrativos, que requieren un esfuerzo del espectador o al menos entrar en la propuesta. Esto sucede en Demons, con un desarrollo casi onírico en el que Vicky parece ir descendiendo a la locura por la presión a la que esta sometida, llegando a encontrarse con una especie de doppelganger que parece ser su yo interior, nacido para hacerla abrir los ojos. En cierto momento el protagonismo pasa al Director y los experimentos formales y narrativos toman el control en un viaje bastante crudo, en donde semeja el cruel mundo de la creación artística con el canibalismo.

Estas formas complejas, fuerte aspecto visual y desarrollo irregular pretende ser una sátira de la creación artística, y quizás de algo más, pero no superé la exigencia que requiere entrar en este tipo de cine, me pareció absurdo, tedioso, aburrido. Se pierde en su propia forma, dejando el mensaje inconcluso, o al menos difuminado en un halo de estupor ante lo que estás viendo, que no tiene sentido alguno en muchos momentos. No entré y me pareció aburrida e innecesariamente rebuscada.

Lo bueno de comenzar un festival con una película así, es que a partir de ahí solo puedes ir hacia arriba, a mejor. Y eso que durante el festival vimos alguna cosa que me gustó incluso menos, pero ya llegaremos a ello.

Nuestra siguiente película prometía encauzar el festival para sacarnos de ese profundo pozo donde nos había dejado Demons. La coreana Unstoppable viene avalada por su actor protagonista, Ma Dong-seok, el héroe de acción por excelencia de la nueva hornada del cine coreano y del que ya os comentaba cuando hablamos de The Outlaws que era como una mezcla de The Rock con Bud Spencer. Aquí está en su salsa con su típico papel de acción con tintes de comedia.

Nuestro protagonista es Dong-Chul, un trabajador de la lonja local que tiene un pasado bastante violento que ha dejado atrás por amor a su esposa. En el fondo es un buenazo, intenta ser comedido y no sobrepasarse, lo que hace que algunos quieran aprovecharse de él. Tampoco es bueno con la economía, invirtiendo en negocios nada prósperos que no suelen terminar bien. El problema vendrá cuando una banda mafiosa dedicada al tráfico de personas secuestre a su mujer y Dong-chul ponga todo su empeño en rescatarla, dando rienda suelta a todo lo que lleva dentro.

Unstoppable comienza de forma pausada, tomándose su tiempo para que conozcamos a su protagonista (Ma Dong-seok) y a su colega y amigo. El guión, nada complejo pero muy bien llevado, quiere que empalicemos con ellos, que conozcamos la relación entre Dong-chul y su esposa y el profundo amor que los une, quiere que nos caigan bien, que les tengamos cariño. Así, cunado se produce el secuestro, vivimos junto a Dong-chul su rabia e ira, y como desata su furia contra todo lo que se interpone entre él y su mujer. Esta furia irá creciendo constantemente hasta una escena final apoteósica, dejándonos grandes momentos de acción rodada de forma contundente y dura, con golpes directos y dolorosos (no olvidemos el pasado de Ma Dong-seok en las artes marciales mixtas). Si a esto añadimos un personaje negativo casi caricaturesco en su maldad y formas, tenemos un producto realmente entretenido y ameno.

Bien es cierto que me parece una obra menor del actor, que ha tenido grandes momentos cinematográficos con respecto a la acción en los últimos años, como la nombrada The Outlaws, o The Gangster, the cop, the devil, de la que os hablaremos en próximas crónicas, pero aún así no deberíais perdérosla.

Ya al día siguiente, inaugurando nuestra segunda jornada en Sitges, nos disponíamos a ver otra película procedente de una cinematográfica minoritaria, The Long Walk, coproducción entre España, Laos y Singapur dirigida por la laosiana criada en Estados Unidos Mattie Do. Después de nuestra experiencia inicial en el festival íbamos con miedo a esta nueva proyección de Noves Visions, pero nos encontramos algo muy interesante.

En un pueblo rural cerca de la capital de Laos en un futuro cercano -sin determinar-, nos encontramos a un anciano ermitaño que desde niño tiene el poder de hablar con los muertos. Una joven requerirá de sus servicios cuando su anciana madre desaparezca, y terminara compartiendo casa con el anciano durante unos días. Simultáneamente vemos a un niño que encuentra a una joven moribunda tras un accidente de tráfico, acompañándola mientras muere. Poco después el niño verá a la joven y nosotros iremos descubriendo que el niño y el anciano son la misma persona en diferentes momentos de su vida.

Esta película viaja por las líneas temporales a través de una aparición, divagando en como el viejo ve su vida e intenta cambiarla, reparar lo que para él es un suceso traumático pero que para su versión infantil no lo es aún. ¿Podrá ser la vida igual si algo, o tu mismo, cambia tu pasado?. Esa es una buena pregunta, acciones y consecuencias. Con la curiosa premisa de que el medio para interconectar futuro y pasado sea un fantasma, la cinta combina su aire contemplativo, casi onírico, con un desarrollo nada lineal, saltando hacia delante y atrás con pocas referencias al espectador.

Si desarrollo es muy interesante, aunque quizás algo disperso, con un tramo final que nos hará pensar quién es el verdadero protagonista de la historia, algunos pasajes que no podremos descifrar, solo interpretar como mejor nos parezca. Quizás esto haga algo difuso en conjunto final, pero su apartado formal puede suplir bastante bien este punto si entras en su estilo visual, sus silencios… Por mi bien, a pesar de cierto efecto para aclarar que se produce un salto temporal del que se abusa en exceso y que me resulto incluso cargante.

Una visión curiosa para los que gustan del cine con buenos tintes de autor. No obstante Mattie Do se llevó el premio a mejor dirección de la sección Noves Visions.

El Asian Fim Festival Barcelona (AFFBCN) celebra este año su séptima edición con más de un centenar de producciones que llegan de 25 países del continente asiático: desde Asia Central, pasando por el Sudeste asiático hasta Oceanía. Cinemes Girona, CaixaForum y Filmoteca de Catalunya son las sedes principales de este certamen especializado en el mejor cine asiático, que tendrá lugar en Barcelona del 30 de octubre al 10 de noviembre.

Ayer lunes día 28 de octubre se puso a la venta en Amazon, tanto en físico como en digital, el libro “Japan Extreme, Las películas más bizarras, extrañas y delirantes del cine japonés“, escrito por Felipe Múgica. Felipe lleva ya años en este mundillo, colaborando con la revista Cineasia y sus posteriores anuarios, además de con diversos portales dedicados a las cinematografías asiáticas, entre ellos los amigos de BlogVisual y Cine Made in Asia. En Asiateca también tenéis uno de sus textos, dedicado a la curiosa trilogía vampírica de Michio Yamamoto, y sirve muy bien como antesala a la pasión que le ha llevado a crear este libro, esa pasión por Japón, pasión por el género, pasión por lo fuera de lo común. Desde aquí compartimos ese sentimiento y llevamos muchos años intentando salirnos de la norma no por vicio, sino por pasión. Puedo sentirme orgulloso de haber aportado un minúsculo grano de arena a este título, y estén seguros que me haré con él y, quizás, hablemos largo y tendido del mismo. A continuación os dejo la nota informativa del lanzamiento del propio autor, además de la ficha técnica de libro.

“Japan Extreme, Las películas más bizarras, extrañas y delirantes del cine japonés” nace de la percepción de una carencia en la bibliografía española sobre ciertos géneros de cine japonés y sobre ciertos directores. Carencia sobre cine fantástico japonés, del que apenas hay literatura más allá del kaiju eiga o del J-horror post-Ringu. Carencia sobre ciertos títulos, imprescindible su estudio, vistos hoy en día, como Hausu (1977), de Nobuhiko Ôbayashi. Carencia sobre la Japanexploitation de los años 1970. O carencia sobre ciertos directores de culto como Teruo Ishii, que bien se merecería la publicación de un estudio en profundidad en nuestro mercado.

Este libro surge como una modesta respuesta a estas ausencias escritas, buscando abarcar, al menos en parte, todas estas temáticas, tratadas desde un enfoque informal, pero sin dejar de buscar un mínimo de información y rigurosidad. Dicho enfoque ha buscado captar la atención de cierta fama en occidente del cine japonés como “bizarro” o “bruto” y “extremo”, realizando una selección de 50 películas que buscan ser lo más representativo de esta tendencia del cine nipón y, a la vez, convertirse en una muestra, un pequeño atisbo de las temáticas de las que hablaba al comienzo del texto.

Así, he tratado que la selección de títulos, que podía haberse circunscrito a la producción del año 2000 hasta la actualidad, abarcase realizaciones desde 1960 hasta nuestros días. Y que la elección abarcara la mayor gama posible de géneros (ciencia-ficción, exploitation, cyberpunk, gore o Takashi Miike, para algunos todo un género en sí mismo). Una selección introductoria en este tipo de cine no solo para los aficionados al cine asiático sino también para los ajenos, pensando en los cuales, he incluido breves informaciones sobre la situación del cine japonés de cada década y un glosario de los términos más habituales y exclusivos de esta cinematografía.

Una vez explicado esto, solo queda desear que el libro sea del interés del lector. Si estas líneas no han sido suficientes para captar su atención, espero que esta web (de tono más desenfadado), donde además se incluyen enlaces de compra a Amazon, lo consiga: http://japanextreme.es/

DATOS DEL LIBRO:

Venta en Amazon, versión para Kindle y Tapa Blanda.
Autor: Felipe Múgica, con prólogo de Domingo López.
Páginas: 361.
Idioma: Español.
ISBN: 978-1701484306.

SOBRE EL AUTOR:

FELIPE MÚGICA

Nacido en Barakaldo, Vizcaya, en 1976. Licenciado en periodismo por la Universidad del País Vasco. Desde siempre, aficionado y fanático consumidor de cine fantástico y de género y, en especial, de cine asiático y japonés. Coleccionista de música de cine, tanto de origen occidental como asiático. A lo largo de los años, ha dado rienda suelta a este conjunto de aficiones colaborando en publicaciones como la revista CineAsia y los anuarios bianuales de CineAsia y escribiendo en distintos portales webs como Asiateca, Blogvisual, Cine Made in Asia o Infojapan. Durante más de diez años, responsable y webmaster de la única web dedicada en español al director Tim Burton, www.timburton.es. En este libro el autor conjuga su afición tanto por el cine fantástico y de terror como por el japonés. “Japan Extreme, las películas más bizarras, extrañas y delirantes del cine japonés” es su primer libro.

Prólogo de DOMINGO LÓPEZ

Coprogramador del Festival Nits de Cinema Oriental de Vic. Autor o co-autor de libros como Wild Wild East: del Curry Western al Soja Western, Made in Hong Kong, Kung Fu Girls o Johnnie To, redefiniendo el cine de autor. Director de la revis-ta Cineasia y responsable del sello Trashorama. Co-director y guionista del programa Hollybrut de Paramount Channel.

El próximo día 31 de Octubre comienza una nueva edición del Manga de Barcelona, uno de los espacios especializados más importantes de nuestro país que este año cumple su 25 aniversario. Dentro de la ingente cantidad de actividades que se podrán disfrutar, el Auditorio se convierte en un espacio de enorme interés, no solo por el “Premio Auditorio Manga“, suerte de premio del público donde los asistentes podrán votar su favorita entre las películas de estreno proyectadas durante el evento, sino porque además de anime se abre a proyecciones de cine asiático coordinadas por nuestros compañeros de Cineasia, y que contarán además con la presencia del director Hideo Nakata, que se acercará desde la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián. A continuación os dejamos un listado de todas las películas que podréis disfrutar tato en animación como en live-action, y no olvidéis visitar su página web para tener más información de los -inmensos- horarios de actividades.

Cine asiático

THE LEGEND OF THE STARDUST BROTHERS
Japón, 1985.
Dirección: Makoto Tezuka.
Reparto: Shingo Kubota, Kan Takagi, Kyoko Togawa, Issay.

En 1985 Macoto Tezuka, el hijo del “Dios del manga”, Osamu Tezuka, era un estudiante de cine con algunos cortos experimentales. Un encargo del cantante Haruo Chikada cambiaría su ruta, al proponerle crear una película alrededor de una banda sonora imaginaria que había grabado. Este proceso inverso daría como fruto este delirante musical, que con el paso de las décadas se ha convertido en todo título de culto que bien podría ser el Rocky Horror Picture Show japonés.

SADAKO
Japón, 2019.
Dirección: Hideo Nakata.
Reparto: Elaiza Ikeda, Hiroya Shimizu, Hitomi Sato.

Incapaz de decir nada más que su nombre, una chica es hospitalizada en un centro psiquiátrico. Allí la atiende Mayu, que se encariña con ella. Cuando el hermano de Mayu desaparezca mientras intentaba subir un absurdo vídeo, esta seguirá sus pistas hasta la isla de Izu-Oshima, donde el rastro de su hermano y el de su paciente se encuentran con la maldición de aquel gran mito del terror llamado Sadako. Hideo Nakata vuelve a lo que se le da mejor: el terror, y lo hace de la mano del personaje que le abrió las puertas de la fama internacional en los albores del J-Horror, la Sadako de su famosa The Ring (1998).

EL COCINERO DE LOS ÚLTIMOS DESEOS
Japón, 2017.
Dirección: Yojiro Takita
Reparto: Kazunari Ninomiya, Gou Ayano, Yoshi Oida, Hidetoshi Nishijima, Aoi Miyazaki, Daigo Nishihata, Yutaka Takenouchi

Sasaki-san es un cocinero superlativo que puede hacer maravillosas comidas sin siquiera pensarlo. Pero es tan perfeccionista que pierde su reputado restaurante y se ve obligado a cocinar por encargo. En uno de esos encargos, recibe una solicitud especial para cocinar un mítico banquete espectacular del siglo pasado. El problema es que necesita descubrir la receta del famoso chef Yamagata que estuvo en Manchuria ocupada en China en la década de 1930. Kazunari Ninomiya (“Cartas desde Iwo Jima”) protagoniza la última película del director ganador del Oscar Yôjirô Takita (“Despedidas”). Una auténtica maravilla centrada en el apasionante mundo de la cocina.

ASSASSINATION CLASSROOM
Japón, 2015.
Dirección: Eiichiro Hasumi.
Reparto: Ryosuke Yamada, MAsaki Suda, Maika Yamamoto, Kazunari Ninomiya, Kang Ji-young, Masanobu Takashima, Kippei Shiina.

El Gobierno japonés encarga una importante misión a los alumnos de la clase 3-E: deben destruir a su nuevo tutor, una poderosa criatura tentaculada que planea destruir el planeta el día de la graduación. Para ayudarlos en su cometido, el mismo profesor Korosensei les enseñará todo lo necesario para acabar con él antes de que lo hagan los crueles mercenarios que van llegando al aula. ¡Únete a las clases “especiales” de “Korosensei”! Basadas en el popular manga creado por Yusei Matsui en 2012, las versiones en imagen real de “Assassination Classroom” ya pueden considerarse un paso natural en un fenómeno de auténtica escala mundial. No es de extrañar, pues, que la primera entrega recaudase solo en Japón unos 24 millones de dólares.

MI NOMBRE ES KOJI (corto)
España, 2019.
Dirección: David Muñoz
Reparto: Wiman González, Koichi Sugihara, Sonia Masuda, Andy Fukutome, Kaori Mutsuda

Jacinto es el fan número uno de Mazinger Z. Un día, tras 40 años cuidando la estatua a tamaño real que hay en su pueblo, ésta empieza a hablarle en japonés. Este corto de David Muñoz ha ganado el primer premio del Certamen de Cortometrajes Japón y España 150 años.

LOS ALBORES DEL KAIJU EIGA
España, 2019.
Dirección: Jonathan Bellés.

En Japón la amenaza nuclear determinó la creación del kaiju eiga (películas de monstruos gigantes). El primer kaiju eiga nació en 1954 con el personaje Godzilla. Durante más de seis décadas, varias generaciones de cineastas han mostrado al monstruo desde diferentes prismas teniendo en cuenta una ecuación indivisible: la relación entre Godzilla y la bomba atómica. Pero, ¿cuál es el origen de esta unión y cómo ha evolucionado a lo largo de sus más de sesenta y cinco años de historia? Este documental nos relata esta historia a través de sus principales protagonistas: Akira Takarada, Haruo Nakajima, Kenpachiro Satsuma, Teruyoshi Nakano y Shinji Higuchi, entre otros. Celebramos así los 65 años que cumple “nuestro monstruo favorito”, Godzilla.

Animación

BLACK FOX
Japón, 2019.
Dirección: Keisuke Shinohara.
Reparto de voces: Ayaka Nanase, Aki Toyosaki, Eizou Tsuda, Haruka Tomatsu, Hiroki Touchi, Hiroshi Tsuchida.

Rikka es la hija mayor de un clan de ninjas que vive en una residencia ninja situada en una ciudad futurista y que admira mucho a su padre, un investigador. Rikka lleva una vida tranquila hasta que de repente su hogar es atacado, y estando entre la espada y la pared, ¿cómo superará la crisis? ¡Acabando con la oscuridad!

HER BLUE SKY
Japón. 2019.
Dirección: Tatsuyuki Nagai.
Reparto de voces: Ayaka Nanase, Aki Toyosaki, Eizou Tsuda, Haruka Tomatsu, Hiroki Touchi, Hiroshi Tsuchida.

Cuando murieron sus padres, Akane se quedó en su pueblo natal para cuidar de su hermana pequeña Aoi. Años después, el exnovio de Akane, Shinnosuke, regresa a la localidad para actuar en un festival de música. En paralelo al reencuentro entre los antiguos amantes, Aoi conoce al yo adolescente de Shinnosuke, que ha viajado en el tiempo, y se cuela por él. El equipo de la conmovedora El himno del corazón regresa con una sorprendente historia llena de romance y anhelos juveniles.

ONE PIECE: STAMPEDE
Japón, 2019.
Dirección: Takashi Otsuka.
Reparto de voces: Mayumi Tanaka, Kazuya Nakai, Akemi Okamura.

Luffy está de vuelta! Él y el resto de su tripulación de Sombreros de Paja reciben la invitación del anfitrión de la mayor feria del mundo de piratas. El plato fuerte es la caza de un tesoro que da pie a una batalla campal en la que se mezclan enemigos y aliados, piratas enloquecidos y marines tratando de capturar a todos los piratas de una vez. La lucha por el tesoro desembocará en una caótica e impredecible estampida.

RIDE YOUR WAVE
Japón. 2019.
Dirección: Masaaki Yuasa.
Reparto de voces: Rina Kawaei, Ryota Katayosi, Honoka Matsumoto, Kentaro Ito.

Tras acceder a la universidad, Hinako se muda a un pueblo de la costa. Allí se dedica a coger olas, pues se siente invencible cuando surfea, pero sigue sin tener claro qué le depara el futuro. Cuando se desata un fuego en el pueblo, Hinako conoce al joven bombero Minato. A medida que ambos comparten su tiempo mientras se dedican a su deporte favorito, Hinako comienza a darse cuenta de que lo que más desea en el mundo es, como Minato, ayudar a otras personas. Masaaki Yuasa, el director de Lu Over the Wall, nos devuelve al océano con un nuevo vendaval de creatividad en forma de anime.

WEATHERING WITH YOU
Japón. 2019.
Dirección: Makoto Shinkai.
Reparto de voces: Kotaro Daigo, Nana Mori. Fotografía: Ryosuke Tsuda. Montaje: Makoto Shinkai.

En el verano de su primer año de instituto, Hodaka escapa de su hogar en una remota isla llegando a la capital Tokio, donde pronto se encuentra en problemas al agotarse sus recursos. El tiempo no ayuda, ya que cada día está nublado y lluvioso, imitando su propio presente. Aislado del mundo, finalmente encuentra trabajo escribiendo para una revista sobre los misterios sobrenaturales y leyendas urbanas. Un día, entre el bullicio de la gran ciudad, encuentra a Hina, una joven que posee una extraña y maravillosa habilidad: el poder de parar la lluvia y aclarar los cielos. Después de todos los records batidos por haber con Your Name en 2016, el ya maestro del anime Makoto Shinkai, nos vuelve a deleitar con otra maravillosa sesión de belleza, amor y amistad a partes iguales.

CHILDREN OF THE SEA (KAIJU NO KODOMO)
Japón, 2019.
Dirección: Ayumu Watanabe.
Reparto de voces: Hiiro Ishibashi, Mana Ashida, GOro Inagaki, Seishu Uragami, Sumiko Fuji, Yu Aoi.

Ruka, una estudiante de secundaria a la que le cuesta expresar sus sentimientos, visita el acuario donde trabaja su padre y ve a dos jóvenes, Umi y Sora, nadando entre las ballenas. El encuentro entre los tres activará una serie de fenómenos sobrenaturales, pero hay quienes saben que estos sucesos están relacionados con Umi y Sora, y tratarán de utilizarlos en su propio beneficio.

EL CASTILLO DE CAGLIOSTRO
Japón, 1979.
Dirección: Hayao Miyazaki.
Reparto de voces: Yasuo Yamada, Eiko Masuyama, Kiyoshi Kobayashi, Makio Inoue.

Qué mejor manera de homenajear al mangaka Monkey Punch que recuperando la mejor adaptación de su obra más conocida. El ladrón de guante blanco más famoso del mundo, Lupin III, y su taciturno compañero Jigen se dirigen hacia el ducado europeo de Cagliostro para descubrir la procedencia de un dinero falso robado en el Casino de Mónaco. Una vez allí, descubren que tras los infranqueables muros y sistemas de seguridad de última tecnología del Castillo de Cagliostro, el cruel regente del ducado y falsificador legendario mantiene prisionera a la Princesa Clarice con la intención de contraer matrimonio con ella y utilizarla para descubrir el secreto del ancestral tesoro oculto de los Cagliostro. Una tentación demasiado irresistible para Lupin III, que pretende aprovechar esta ocasión de oro para hacerse con el botín y, ya puestos, con el corazón de la bella princesa. Hayao Miyazaki dirigió esta aventura de Lupin III antes de crear Studio Ghibli.

GENOCIDAL ORGAN
Japón, 2017.
Dirección: Shukou Murase,
Reparto de voces: Yuichi Nakamura, Akio Ohtuka, Kaito Ishikawa, Sanae Kobayashi.

El misterioso americano John Paul parece estar detrás del colapso del sistema mundial. El agente de inteligencia Clavis Shepherd lo seguirá a través de las ruinas de las civilizaciones para encontrar el verdadero corazón de las tinieblas: el órgano genocida.

OKKO EL HOSTAL Y SUS FANTASMAS
Japón, 2018.
Dirección: Kitaro Kosaka.
Reparto de voces: Seiran Kobayashi, Satsumi Matsuda, Koichi Yamadera, Anju Suzuki, Chiaki Horan.

Después de perder a sus padres en un accidente automovilístico, Okko comienza a vivir con su abuela en el campo, que dirige un ryokan de aguas termales, una posada tradicional japonesa. Allí, la joven puede ver, de la forma más inesperada, fantasmas amistosos que la ayudan a acostumbrarse a su nueva vida, y se convierte en la aprendiz de su abuela, para convertirse en la futura propietaria. Una propuesta familiar que gustará a grandes y pequeños.

Shin chan y KulETe, el extraterrestre
Japón, 2017.
Dirección: Masakazu Hashimoto.
Reparto de voces: Akiko Yajima, Miyuki Sawashiro, Chie Satou, Maru Mashiba, Miki Narahashi. Montaje: Keiki Miyake.

La familia Nohara recibe la visita de un pequeño extraterrestre con cabeza de culo, que asustado los ataca con un rayo que rejuvenece a Hiroshi y Misae hasta convertirlos en niños. Para arreglar la situación la familia acompaña al extraterrestre, que promete que su padre podrá devolverles el aspecto original, pero siendo todos niños, la cosa se complica. ¡A Shinnosuke le espera una nueva aventura!

Filmoteca de Cataluña y Fundación Japón organizan este otoño una ambiciosa retrospectiva dedicada al maestro del cine japonés Yasujirô Ozu (1903-1963), una de las más amplias que se han proyectado hasta ahora en España. La retrospectiva estará compuesta por una selección de dieciocho películas que abarcan prácticamente toda su carrera, desde sus primeros trabajos en el cine mudo, como Gakusei romansu: Wakaki hi (1929), a sus últimos films, Kohayagawa-ke no aki (1961), que también sería su última colaboración con la actriz Setsuko Hara, y Sanma no aji (1962).

Yasujirô Ozu es conocido por ser el gran cineasta de lo cotidiano y, junto a Akira Kurosawa y Kenji Mizoguchi, uno de los tres maestros del cine japonés clásico más reconocidos internacionalmente. La influencia de su filmografía, compuesta por cincuenta y tres películas, en los cineastas tanto de su generación como de generaciones posteriores, japoneses o de otras nacionalidades, se debe a su particular estilo a la hora de retratar con una mirada poética la cotidianidad de las relaciones sociales. Esta retrospectiva busca reivindicar la figura de un director único a la vez que permitir al público disfrutar de sus obras, desde las más conocidas a aquellas de las que apenas han tenido oportunidad de ver, en una pantalla de cine.

Las proyecciones se realizaran en la Filmoteca de Cataluña entre noviembre y diciembre de 2019, teniendo, al menos, dos pases por película y presentación en alguna de ellas.

Días de juventud (Wakaki hi, 1929) 103’
Interpretación: Ichirô Yuki, Tatsuo Saito, Junko Matsui, Chishu Ryu, Shinichi Himori, Choko Iida, Eiko Takamatsu, Fusao Yamada, Shoichi Kofujita, Ichirô Okuni, Takeshi Sakamoto, Nobuko Wakaba, Hisao Yoshitani.

La primera película conservada de Ozu es una comedia en la que dos compañeros de universidad se enamoran de la misma chica durante un viaje. Un ejemplo de las comedias ligeras que Ozu rodó al principio de su carrera.

Fechas: miércoles 4 de diciembre y viernes 6 de diciembre.

Suspendí, pero… (Rakudai wa shitakeredo, 1930) 64’
Interpretación: Tatsuo Saito, Kaoru Futaba, Tomio Aoki, Kinuyo Tanaka, Hiroo Wakabayashi, Chishû Ryû.

Otra de las cintas mudas de Ozu conservadas, en este caso del subgénero gakusei-mono. Esta tragicomedia gira en torno a un estudiante que, pese a todos sus intentos, no puede superar los exámenes que aseguran su permanencia en la universidad.

Fechas: sábado 16 de noviembre a las 22.00h (Sala Chomón) y viernes 22 de noviembre a las 17.00h (Sala Chomón). Con presentación por confirmar el sábado 16 y acompañamiento musical a cargo de DJ Javier Verdes ambos días.

He nacido, pero… (Umarete wa mita keredo, 1932) 91’
Interpretación: Tatsuo Saito, Mitsuko Yoshikawa, Hideo Sugawara, Tokkan Kozo, Takeshi Sakamoto.

Ozu comienza a recoger en sus comedias temas más sociales, en este caso el traslado de la familia Yoshii a la periferia de la ciudad le permite seguir su día a día en el hogar de la familia, en el del jefe del padre, la escuela, la oficina y un descampado cercano. Una historia sencilla que volvería a visitar treinta años después en Ohayô.

Fechas: domingo 3 de noviembre a las 19.45h (Sala Laya) y miércoles 6 de noviembre a las 18.30h (Sala Laya). Con el acompañamiento musical de Anahit Simonian.

Historia de un vecindario (Nagaya Shinshiroku, 1947) 72’
Interpretación: Choko Iida, Hohi Aoki, Eitaro Ozawa, Mitsuko Yoshikawa, Sokichi Kawamura, Chishû Ryû, Hideko Mimura, Takeshi Sakamoto.

La llegada de un niño que no encuentra a su familia a un distrito humilde del Tokio de posguerra permite a Ozu retratar a los habitantes de este barrio y sus condiciones de vida. La primera película de Ozu tras el fin de la II Guerra Mundial es también la primera película sonora de Ozu que se recoge en la retrospectiva.

Fechas: jueves 28 de noviembre a las 17.00h (Sala Chomón), con presentación de Susana Pérez Soler, y domingo 1 de diciembre.

Una gallina en el viento (Kaze no naka no mendori, 1948) 84’
Interpretación: Chuji Sano, Kinuyo Tanaka, Chieko Murata, Chishû Ryû, Ichiro Shimizu, Takeshi Sakamoto.

Tokiko, interpretada por la actriz y directora Kinuyo Tanaka, intenta sobrevivir con un niño pequeño a su cargo en el Tokio de posguerra mientras espera la repatriación de su marido. Las dificultades económicas le llevan a tomar una decisión dramática, prostituirse para sobrevivir. Al volver su marido de la guerra Ozu nos muestra la pérdida de la inocencia de estos personajes.

Fechas: domingo 24 de noviembre a las 16.30h (Sala Laya), con presentación por confirmar, y sábado 30 de noviembre las 21.30h (Sala Laya).

Primavera tardía (Banshun, 1949) 108’
Interpretación: Chishû Ryû, Setsuko Hara, Yumeji Tsukioka, Haruko Sugimura, Hohi Aoki, Jun Usami.

Adaptación de una novela a cargo de uno de sus colaboradores habituales, el guionista Kôgo Noda, Ozu nos presenta la historia de Noriko, interpretada por la mítica Setsuko Hara en la primera de sus seis colaboraciones con Ozu, que, siendo la única hija del profesor Shukichi Somiya, interpretado por Chishû Ryû, permanece sin casarse en el hogar paterno para no dejar solo a su padre. Un drama de gente corriente que parece reivindicar los ritos y valores tradicionales entre un padre y una hija, y una de las grandes obras maestras del cine japonés en la que Ozu se muestra en pleno dominio de su estilo como director.

Fechas: viernes 8 de noviembre a las 22.00h (Sala Chomón) y domingo 10 de noviembre 19.30h (Sala Laya).

Las hermanas Munekata (Munekata kyôdai, 1950) 112’
Interpretación: Kinuyo Tanaka, Hideko Takamine, Ken Uehara, Sanae Takasugi, Chishû Ryû, So Yamamura, Tatsuo Saito.

Mariko vive en casa de su hermana mayor, Setsuko (Kinuyo Tanaka), que está infelizmente casada, pero a la que sus ideas tradicionales le impiden abandonar la relación. Mariko, en cambio, de ideas más avanzadas, interviene intentando reunir a su hermana con el que ha sido el amor de su vida, pero del que ella también está secretamente enamorada. Un drama escrito por Ozu y Noda en el que se ven confrontadas viejas y nuevas ideas.

Fechas: jueves 21 de noviembre a las 21.30h (Sala Laya), con presentación por confirmar, y martes 26 de noviembre a las 20.00h (Sala Chomón).

El comienzo del verano (Bakushû, 1951) 125’
Interpretación: Setsuko Hara, Chishû Ryû, Chikage Awajima, Kuniko Miyake, Ichiro Sugai, Chieko Higashiyama, Haruko Sugimura, Ryukan Nimoto.

Noriko (Setsuko Hara) vive en la casa familiar en Kamakura junto a sus padres y la familia de su hermano. Tres generaciones bajo el mismo techo y la insistencia en la búsqueda de un marido para Noriko sirven a Ozu para reflexionar sobre las diferencias entre la generación de los padres y la de Noriko, que reclama libertad para decidir su futuro.

Fechas: miércoles 6 de noviembre a las 20.00h (Sala Chomón) y jueves 7 de noviembre a las 21.30h (Sala Laya).

El sabor del té verde con arroz (Ochazuke no aji, 1952) 116’
Interpretación: Shin Saburi, Michiyo Kogure, Koji Tsuruta, Chikage Awashima, Keiko Tsushima, Eijirô Yanagi, Kuniko Miyake, Chishu Ryu, Hisao Toake, Yûko Mochizuki, Koji Shidara, Matsuko Shiga, Yôko Kosono.

Dos conflictos protagonizan este drama en el que Ozu se vuelve a fijar en la vida de la gente corriente, el que se les presenta a una pareja en crisis, sin hijos, y de procedencia muy diferente, y el de la sobrina de estos, una joven que se niega a aceptar un tradicional matrimonio concertado.

Fechas: miércoles 11 de diciembre y sábado 14 de diciembre.

Cuentos de Tokio (Tôkyô Monogatari, 1953) 135’
Interpretación: Chishu Ryu, Chieko Higashiyama, Setsuko Hara, Sô Yamamura, Haruko Sugimura, Kuniko Miyake, Kyôko Kagawa, Eijirô Tono, Nobuo Nakamura, Shirô Ôsaka, Hisao Toake, Teruko Nagaoka, Mutsuko Sakura, Toyo Takahashi, Toru Abe, Sachiko Mitani.

Unos abuelos viajan a Tokio para conocer a sus nietos. Decepcionados por el trato que reciben de sus hijos, que viven según unos valores que les son ajenos y que les hacen ser vistos como un estorbo, se dan cuenta de que no están hechos para adaptarse a la vida de la gran ciudad. Protagonizada por Setsuko Hara, de nuevo interpretando un personaje llamado Noriko, y Chishû Ryû, y con colaboración en el guion de Kôgo Noda, Tôkyô monogatari quizá sea la película más conocida de Ozu y, sin duda, una de sus obras maestras que podremos ver en esta retrospectiva en todo su esplendor gracias a una nueva copia.

Fechas: sábado 7 de diciembre y miércoles 11 de diciembre.

Primavera precoz (Sôshun, 1956) 144’
Interpretación: Chikage Awashima, Takako Fujino, Ryo Ikebe, Daisuke Kato, Keiko Kishi, Kuniko Miyake, Chishu Ryu, Haruko Sugimura, Teiji Takahashi, Masami Taura, Kumeko Urabe, Sô Yamamura, Eijirô Tono, Koji Mitsui.

Ozu se vuelve a fijar en la vida de la clase media trabajadora retratando el día a día de un oficinista y su esposa, en plena crisis de pareja tras la pérdida de su hijo. Ozu quería retratar en esta película el drama propio de este tipo de personajes pero a su vez lanzar un mensaje positivo, a veces existen las segundas oportunidades.

Fechas: viernes 13 de diciembre y sábado 15 de diciembre.

Crepúsculo en Tokio (Tôkyô boshoku, 1957) 141’
Interpretación: Setsuko Hara, Chishû Ryû, Ineko Arima, Isuzu Yamada, Teiji Takahashi, Masami Taura, Haruko Sugimura, So Yamamura, Kinzo Shin.

Quizá sea una de las películas de madurez menos conocidas de Ozu, y, en ocasiones, ha sido injustamente tratada tanto por la crítica y como por el público. El motivo quizá sea que en Crepúsculo en Tokio Ozu nos cuenta con gran elegancia una historia algo más oscura de lo habitual, la historia de una familia desestructurada, el drama en la vida de dos hermanas abandonadas por su madre.

Fechas: miércoles 27 de noviembre a las 20.00h (Sala Chomón), con presentación de Mar Rosàs, y viernes 29 de noviembre a las 21.30h (Sala Laya).

Flores de equinoccio (Higanbana, 1958) 120’
Interpretación: Shin Saburi, Kinuyo Tanaka, Ineko Arima, Chishu Ryu, Keiji Sata, Teiji Takahashi, Miyuki Kuwano, Chieko Naniwa, Fumio Watanabe, Nobuo Nakamura.

La primera película de Ozu rodada en color es también otra de sus obras más conocidas. Ozu adapta una novela de Ton Satomi en la que la familia protagonista, los Hirayama, viven el conflicto de unos valores cambiantes. De nuevo dos generaciones enfrentadas, la de un padre que quiere controlar la vida de sus hijas y la de éstas que rechazan el matrimonio concertado y reclaman la libre elección de sus parejas.

Fechas: martes 5 de noviembre a las 20.00h (Sala Chomón) y viernes 15 de noviembre a las 17.00h (Sala Chomón) con presentación de Marcel-lí Joan y Esteve Riambau.

Buenos días (Ohayô, , 1959) 94’
Interpretaciṕn: Keiji Sata, Yoshiko Kuga, Chishu Ryu, Kuniko Miyake, Haruko Sugimura, Koji Shigaraki, Masahiko Shimazu, Hajime Shirata, Haruo Tanaka, Eiko Miyoshi.

La huelga de silencio de unos niños para conseguir que sus padres les compren una TV sirve de excusa a Ozu para retratar la vida diaria de un barrio en las afueras de Tokio. Ozu rueda con delicadeza una historia similar a la que nos contaba en Umarete wa mita keredo casi treinta años antes.

Fechas: sábado 2 de noviembre a las 19.45h (Sala Chomón) y jueves 7 de noviembre a las 18.30h (Sala Laya).

La hierba errante (Ukigusa, 1959) 119’
Interpretación: Ganjiro Nakamura, Haruko Sugimura, Hiroshi Kawaguchi, Machiko Kyô, Ayako Wakao, Hitomi Nozoe, Chishu Ryu, Koji Mitsui, Haruo Tanaka.

Ozu regresa a estos personajes que ya rodó en 1934, un actor itinerante visita junto a su compañía el pueblo donde vive una antigua amante y el hijo que tuvieron juntos. El deseo de este viejo actor por recuperar el tiempo perdido genera todo tipo de respuestas entre los miembros de su troupe, especialmente en la primera actriz, su actual pareja, que buscará venganza usando a otras de las actrices, interpretada por una joven Ayako Wakao, para seducir al hijo del veterano actor.

Fechas: viernes 13 de diciembre y sábado 14 de diciembre.

Otoño tardío (Akibiyori, 1960) 129’
Interpretación: Setsuko Hara, Yoko Tsukasa, Mariko Okada, Chishu Ryu, Keiji Sata, Sadako Sawamura, Shin Saburi, Miyuki Kuwano, Masahiko Shimazu, Ryuji Kita.

De nuevo Ozu hace uso de una novela de Ton Satomi para tratar el tema de las obligaciones familiares y el conflicto entre tradición y modernidad en la sociedad japonesa de la época. En esta ocasión es Ayako (Yôko Tsukasa), la única hija de una madre viuda interpretada por Setsuko Hara, la que rechaza los intentos de los amigos de su fallecido padre por buscarle marido para poder continuar cuidando de su madre. Otra de las obras maestras de Ozu.

Fechas: jueves 14 de noviembre a las 17.00h (Sala Chomón) y jueves 21 de noviembre a las 17.00h (Sala Chomón) con presentación de Lluís Anyó.

El otoño de la familia Kohayagawa (Kohayagawa-ke no aki, 1961) 103’
Interpretación: Ganjiro Nakamura, Setsuko Hara, Yoko Tsukasa, Michiyo Aratama, Keiji Kobayashi, Masahiko Shimazu, Hisaya Morishige, Chieko Naniwa.

La que sería la última colaboración entre Yasujirô Ozu y Setsuko Hara nos traslada a Kioto y a Osaka para hablarnos de nuevo de cómo los tiempos estaban cambiando para el Japón tradicional. Manbei Kohayagawa, dueño de una kura de sake, desea lo mejor para sus tres hijas, en situaciones muy diferentes: la mayor, Akiko, hija política, es la viuda de su único hijo varón, Noriko, la pequeña, está soltera y vive con Akiko, mientras que Fumiko, casada con un empleado de la bodega, vive con su padre.

Fechas: viernes 1 de noviembre a las 19.30h (Sala Chomón) y sábado 9 de noviembre a las 19.30h (Sala Chomón).

El sabor del sake (Sanma no aji, 1962) 113’
Interpretación: Chishû Ryû, Shima Iwashita, Keiji Sata, Mariko Okada, Shin’ichirô Mikami, Teruo Yoshida, Noriko Maki, Nobuo Nakamura, Kuniko Miyake.

El que sería el último film de Ozu, y uno de sus mejores trabajos, utiliza como hilo conductor los preparativos de la boda de la única hija de la familia Hirayama para hablarnos de las complejas relaciones de un padre viudo, de nuevo Chishû Ryû, con sus tres hijos y con sus viejos amigos. Elogio a los pequeños placeres de la vida, incluso en el otoño de ésta.

Fechas: martes 12 de noviembre a las 18.30h (Sala Laya), con presentación de Marta Peris, y viernes 15 de noviembre a las 22.00h (Sala Chomón).

El Centro Cultural Coreano, perteneciente a la Embajada de la República de Corea, con el apoyo de Korean Film Council (KOFIC), celebra la 12ª edición del Festival de Cine Coreano en España que tendrá lugar del 5 al 10 de noviembre a fin de ofrecer una mirada a la cultura coreana al público español a través de su cinematografía. Las sedes de las proyecciones son: el Palacio de la Prensa (Plaza del Callao, 4) y el Centro Cultural Coreano en España (Paseo de la Castellana, 15). La decimosegunda edición del Festival contiene una selección total de 9 títulos, los cuales se dividirán en tres secciones: Thrillers, Éxitos de taquilla y Las dos Coreas. Como novedad, este año habrá un ciclo especial dedicado a las ganadoras del premio a la Mejor Actriz en grandes festivales internacionales como Cannes, Berlín y Venecia.

Con motivo de aniversario de 100 años de cine coreano conmemoramos algunos hitos importantes en su historia, en el que se conforman tres títulos: “En la playa sola de noche” (2017), “Secret Sunchine” (2007) y “The Surrogate Woman” (1987) como reconocimiento del trabajo de grandes actrices surcoreanas; KIM Min-hee, JEON Do-yeon y KANG Soo-yeon, las cuales han sido galardonadas con premios a la mejor actriz en grandes festivales internacionales; Berlín, Cannes y Venecia respectivamente. Además, no se puede obviar la importancia de los directores de estas películas: HONG Sang-soo, LEE Chang-dong e IM Kwon-taek, y quienes destacan en el mundo cinematográfico por su gran calidad.

Hace 30 años, el 9 de septiembre de 1987, en la ceremonia de clausura del Festival de Cine de Venecia, la actriz KANG Soo-yeon recibió el Premio a la Mejor Actriz en el Palazzo del Cinema por su papel en la película, “The Surrogate Woman” (1987). Era la primera vez que una actriz asiática era premiada en este festival. Por su parte, el director IM Kwon-taek es conocido como el gran maestro del cine coreano. Este drama ganó múltiples reconocimientos en el Festival de Cine Asiático de 1987, incluyendo la mejor película, el mejor director y la mejor actriz. 

“Secret Sunshine” (2007) es una película de LEE Chang-dong, escritor y cineasta, cuyos films son sobre todo viajes al interior del alma individual hasta el punto de verse obligados a replantear su vida a un nivel profundamente humano y moral. JEON Do-yeon, protagonista de este film, fue galardonado con el premio a la mejor actriz en el Festival Internacional de Cannes en 2007 y la película optó a representar a Corea en la categoría a mejor película extranjera en los Óscar.

“En la Playa sola de noche” (2017), la decimonovena película de HONG Sang-soo ganó el Oso de Plata a la mejor interpretación femeninaen el Festival Internacional de Cine de Berlín en 2017 con la actriz KIM Min-hee. Fue la primera en la que un actor asiático se alzaba con el galardón en este Festival.  Asimismo, Kim Min-hee fue premiada como mejor actriz en la 55ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón.

En la playa sola de noche
Director: HONG Sang-soo
Año de producción: 2017
Intérpretes: KIM Min-hee, SEO Young-hwa, JUNG Jae-young, MOON Sung-keun

Tras mantener una aventura con un hombre casado, la famosa actriz Young-hee decide tomarse un tiempo. Para ello viaja a la ciudad de Hamburgo, donde se quedará en casa de un conocido. Esto no impedirá que siga pensando en lo que dejó atrás.

Secret Sunshine
Director: LEE Chang-dong
Año de producción: 2007
Intérpretes: SONG Kang-ho, JEON Do-Yeon, JO Yeong-jin, KIM Mi-kyung

Shin-ae decide trasladarse, junto a su hijo pequeño, de Seúl a Miryang; la pequeña ciudad natal de su marido fallecido. Allí podrá comenzar una nueva vida ejerciendo su pasión como profesora de piano. Pero, inesperadamente, el hijo de Shin-ae es secuestrado. Desesperada y sin saber a quién acudir, elige agarrarse a la que parece su única tabla de salvación, la religión.

The Surrogate Woman
Director: IM Kwon-taek
Año de producción: 1986
Intérpretes: KANG Soo-yeon, Lee Gu-sun, Yun Yang-ha, Han Eun-jin

Durante la dinastía Joseon, el aristócrata Shin Sang-gyu y su esposa Yun están preocupados por no tener descendientes que hereden su apellido. La familia de Sang-gyu le trae a la bella Ok-nyeo como madre sustituta. En su primera noche juntos, Sang-gyu y la joven se enamoran, provocando los celos de su esposa. Tras dar a luz al hijo que debe entregar a Yun.

El Festival se inaugurará el martes 5 de noviembre a las 20:00 h en el Palacio de la Prensa con la película “Along with the Gods: los dos mundos” (2017), dirigida por KIM Yong-hwa. Una película de acción, drama y fantasía que está basada en el famoso webtoon (comic digital creado en Corea del Sur) de JOO Ho-min. Éste aborda la mitología coreana adaptándola a la contemporaneidad, como se ha hecho con la mitologías griega y romana, así la adaptación cinematográfica se ha hecho visualización del mundo póstumo oriental arraigado en la historia y cultura coreana. En ella, su director mostró los mejores efectos especiales, abriendo así una nueva vía del cine coreano. La película tuvo una buenísima acogida por el público, por lo que se presentará en el festival bajo la temática de Éxitos de taquilla.

Otra de esta temática es “The Host” (2006), dirigida por BONG Joon-ho, que fue calificada por un crítico de la prestigiosa revista Variety como “la mejor película de monstruos de la historia”. Bong, reconocido tras el éxito notable de “Memories of murder” en el Festival de San Sebastián de 2003, dirige esta película donde se conjuga el género cómico con el terror y el drama añadiendo una crítica social. Además, como su propio director afirma, lo importante en este tipo de películas coreanas es que no sigue las reglas del género establecidas por Hollywood, ya que combina a la perfección ideas políticas, historia y sentimientos de la agonía humana.

Along with the Gods: los dos mundos
Director: KIM Yong-hwa
Año de producción: 2017
Intérpretes: CHA Tae-hyun, HA Jung-woo, LEE Joon-hyuk

Tras morir de forma inesperada, Ja-Hong Kim es llevado al limbo junto a Gang-Rim, el Jefe de las Parcas, donde se le asignará un defensor público. Una vez allí, Ja-Hong Kim deberá pasar siete pruebas en 49 días para demostrar que ha vivido una vida noble. Sólo así tendrá la oportunidad de reencarnarse.

The Host
Director: BONG Joon-ho
Año de producción: 2006
Intérpretes: SONG Kang-ho, BYEON Hie-bong, PARK Hae-Il, BAE Doo-na, KO Ah-sung

Los habitantes de Seúl observan sorprendidos un extraño objeto que cuelga de un puente sobre el río Han. El objeto es, en realidad, criatura mutante que al despertar devora a todo aquel que se cruza en su camino. En medio de tanto horror, la criatura mutante rapta a la hija del dueño de un quiosco. Mientras el ejército fracasa una y otra vez en sus intentos de destruir al monstruo, este hombrecillo anónimo y su familia intentan recuperar a su hija.

En cuanto al thriller es uno de los géneros con más éxito internacional y, pilar fundamental en la industria cinematográfica de Corea. Se proyectará “Door Lock” (2019), de LEE Kwon, basada en la película española “Mientras duermes” de Jaume Balagueró, profundizando en la vivencia y el sistema de empleo en Corea. Esta cinta fue ganadora a la mejor película de thriller en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Bruselas (BIFFF). “The witch: part 1. The subversion” (2018), dirigida por PARK Hoon-jung, es un impactante thriller rodeado de misterios y con brillantes interpretaciones. Está inspirado en el clásico “Frankenstein” de Mary Shelley. Su protagonista KIM Da-mi, fue ganadora, entre otros premios, a la mejor actriz Cheval Noir en la 22 edición del Festival Internacional de Cine de Fantasía en 2008.

Door Lock
Director: LEE Kwon
Año de producción: 2018
Intérpretes: GONG Hyo-jin, KIM Ye-won, KIM Seong-oh, JO Bok-Rae

Kyung-min es banquera y vive sola en un pequeño estudio en Seúl. Cierto día encuentra evidencias de que un intruso ha estado en su casa, el cual podría estar relacionado con un asesinato. Con el tiempo, la protagonista comienza a recibir amenazas potenciales de personas de su círculo laboral. A pesar de contar con cierto apoyo, los eventos que se desarrollan a su alrededor son cada vez más inexplicables para Kyung-min.

The Witch: part 1. The Subversion
Director: PARK Hoon-jung
Año de producción: 2018
Intérpretes: KIM Da-mi, CHO Min-soo, PARK Hee-soon, CHOI Woo-shik

Hace 10 años Ja-yoon escapa de una instalación del gobierno y en medio de un inexplicable accidente perdió toda su memoria. Se convierte en una estudiante brillante en su instituto. Participará en un concurso nacional televisado para ganar un gran premio y ayudar a su familia. Nada más aparecer en televisión, gente desconocida empieza a aparecer en su vida. Un hombre llamado “nobleman”, además se suma “Dr Baek” y Mr Choi” que han estado buscándola desde su desaparición. Su vida aparentemente normal cambiara rápidamente.

La sección dedicada a Las dos Coreas recoge “The Spy Gone North” (2018), de YOON Jong-bin, un thriller situado en los años 90 sobre un espía surcoreano que se infiltra en Corea del Norte para descubrir la verdad sobre el programa nuclear del país. Está basado en la historia real de PARK Chae-seo, un ex agente surcoreano. Es una película de espionaje con un estilo coreano nuevo. “Swing Kids”(2018) de KANG Hyeong-chul, está basada en el musical coreano “RHO Ki-soo”, inspirado a su vez por una foto realizada a los prisioneros norcoreanos que bailaban en el campo de Geoje durante la Guerra de Corea y que sacó un fotógrafo alemán, Werner Bishop. Hubo una gran expectación porque el personaje principal fue interpretado por DO Kyung-soo (más conocido como D.O), integrante de EXO, uno de los grupos más importantes de K-pop en el panorama musical actual.

The Spy Gone North
Director: YOON Jong-bin
Año de producción: 2018
Intérpretes: HWANG Jung-min, LEE Sung-min, CHO Jin-woong, JU Ji-hoon

Año 1993. Corea vive una situación de tensión por el desarrollo de armas nucleares en la península. El comandante y espía Park Seok-young se hace pasar por un empresario surcoreano para infiltrarse en las instalaciones de Corea del Norte y ganarse la confianza del alto funcionario norcoreano Myung-woon. Sin embargo, pronto descubrirá que ambos países mantienen acuerdos secretos a sus espaldas.

Swing Kids
Director: KANG Hyoung-chul
Año de producción: 2018
Intérpretes: DOH Kyung-soo, Jared Grimes, OH Jung-se

En medio de la Guerra de Corea, durante el año 1951, el soldado rebelde norcoreano Ro Ki-soo se encuentra interno en el campo de prisioneros de Geoje. Allí se enamora de una bailarina de claqué, razón por la que acaba uniéndose a su grupo de baile ‘Swing Kids’. Sin embargo, ocurrirán una serie de contratiempos en la prisión que truncarán sus sueños de bailar.

Continuamos con una nueva crónica asiática de todo lo que pudimos ver durante el pasado Sitges Film Festival. En esta segunda entrega predomina el metraje abundante y las excentricidades de todo tipo, con tres producciones, una japonesa y dos coreanas, que no dejaran indiferente a nadie que se acerque a ellas. ¡¡¡Adelante!!!

No hay duda que Sion Sono es un director personal e imprevisible, con un montón de filias particulares de las que usa y abusa, véase su visión de las idols, como trata a sus personajes femeninos, la forma de integrar y retorcera la cultura pop japonesa, su uso de la música y su irónica visión de la creación cinematográfica, de la que ya nos dejó una muestra en Why You Don’t Play in Hell?. Todo esto y más encontraréis en The Forest of Love.

La cosa comienza como la haría cualquier teen movie pasada por la visión del director, con una pareja de amigos, que quieren convertirse en directores de cine y rodar un corto, y sus relaciones personales con algunas chicas con la intención de que uno de ellos pierda la virginidad. Allí veremos relaciones truculentas y mucho trauma hasta que aparece Murata, un crápula charlatán que se liga a una de las jóvenes y la conduce a una espiral de sexo y desenfreno. Cuando los chicos se enteran de esto y de las relaciones previas de Murata deciden seguirlo para hacer una película en torno a su figura y al enterarse este se involucrará en el proyecto. Pero estamos hablando de Sion Sono y de más de dos horas y media de duración, con lo que la cosa se desmadrará de formas insólitas y insospechadas.

El director parece tomar todos sus fetiches e introducirlos en lo que podríamos definir como una antología de su obra cinematográfica, ya que aquí podemos ver detalles de casi todas sus películas, desde Suicide Club hasta Why You Don Play in Hell?, pasando por Cold Fish, Guilty of Romance o Love Exposure. Conforme pasaban cosas y el tono iba cambiando y cambiando, era inevitable no pensar en su obra anterior, no ver las constantes referencias, como el director juega contigo, con tu incredulidad, llevándola a límites insospechados. Desde romance y colegialas de instituto traumatizadas, hasta torturas, punk y asesinos… todo inesperado, o esperado si sabes siquiera a que te estas acercando.

Si os gusta Sono esta es una apuesta segura, si nunca os habéis acercado a él es complejo recomendar esta película para iniciarse por lo excesiva y recargada que puede llegar a ser. De todas formas es muy interesante y la tenéis disponible en Netflix así que es bastante accesible.

¿Que seria un Sitges sin una comedia de zombies asiática? No todo tiene que ser splatter japonés o sorpresas tan mayúsculas como One Cut of The Dead, a veces una película que aparentemente no prometía demasiado se convierte en un gran entretenimiento cuando sabe jugar sus bazas y añadir mucha originalidad a la mezcla.

El guión de The Odd Family nos presenta a la familia Park, dueña de una gasolinera de un pequeño pueblo rural coreano. El abuelo solo piensa en irse a vivir su jubilación a Hawaii, el padre no es muy bueno trasmitiendo sus sentimientos a su familia, su mujer es de armas tomar y los hijos sobrellevan la situación como pueden. La cosa se complicara cuando un joven extraño aparezca por el pueblo y acabe acogido por la familia, un joven que parece enfermo y se comporta de forma muy peculiar.

Como comentaba esta es una película que quizás no te esperas, que usa un tipo de comedia muy local, algo estúpida y simplona en sus inicios, lo cual te hace sospechar, pero que luego muestra sus cartas con un guión que se centra en unos personajes entrañables a los que enseguida tomas cariño. Sigues a la familia desde la simpatía y la complicidad, lo cual hace que el director, y también guionista, Lee Min-jae pueda jugar contigo un poco cambiando de tono la película en varias ocasiones y usando multitud de recursos más allá de la patada voladora -que me hizo muchísima gracia-, no perdiendo ritmo en ningún momento y sorprendiéndote en más de una ocasión. Es muy destacable como la película puede girar de la comedia al terror, del romance ligero al cine de zombies, además de incluir algunas referencias hilarantes a películas recientes de la cinematografía local.

Realmente es una película notable, entrañable y muy divertida, un gran debut para su director.

Cerramos nuestra segunda crónica de Sitges con otra película de metraje excesivo, que nos metimos algunas durante el festival, y que esta vez, a pesar de estar bastante bien, nos dejó sentimientos encontrados y usa sensación de oportunidad perdida.

La coreana Idol nos pone en un primer momento en la piel de Koo Myung-hui, un político de éxito que encuentra a su mujer en el garaje limpiando unas manchas de sangre del coche de su hijo. Resulta que el joven ha atropellado a una mujer, algo que podría ser fatal para su carrera política. A partir de este punto el ya veterano director y guionista Lee Su-jin, que viene de realizar la multipremiada Han Gong-ju (2014), construye lo que intenta ser un thriller político de encubrimientos con moraleja incluida, pero que llegará a ser mucho más, lo que constituye su principal problema.

Esta película tiene el acabado técnico y la calidad interpretativa de la que ya estamos acostumbrados en el cine coreano, pero su guión se vuelve excesivo por muchos motivos. El director quiere contar mucho, demasiado, y la trama inicial del político encubridor o la familia afligida en busca de la verdad, algo que podría haber dado muchísimo juego, evoluciona de formas bastante rocambolescas introduciendo varias subtramas que hacen que gran parte de la película se diluya. Salimos del cine pensando que habíamos visto 3 películas diferentes, y bien podría haber sido cierto, ya que las subtramas tienen tanta o más importancia en la mente del director, e interés para el espectador, como la trama principal, que es principal porque en el final se nos deja claro, que sino pensaríamos que se había olvidado en parte y nos querían haber llevado a otro sitio. Creo que aquí se le ha ido de las manos a Lee Su-jin el intentar sorprendernos.

No me entandáis mal, la película está bastante bien y me parece muy interesante, pero a veces menos es más y este podría ser un buen ejemplo de ello.

El próximo día 13 de Noviembre comienza la edición vigésimo novena del FANCINE, el Festival de Cine Fantástico organizado por la Universidad de Málaga y uno de los pocos, sino el único, eventos de este tipo que nace del ámbito universitario. Este es uno de esos festivales con encanto y buen ambiente, una gran oportunidad de disfrutar del cine de género en el sur de España, que no prodiga muchos festivales temáticos de este tipo. Con los años me he dado cuenta de que FANCINE construye una sección oficial e informativa espectacular y es difícil encontrar una película mala. Esta claro que el gusto personal influye en gran medida, pero siempre que he asistido he descubierto buen cine, películas que quizás en otros festivales me hubieran dado miedo a priori, aquí las veo con confianza, algo tendrán para estar aquí.

En la presente edición la programación asiática está presente de forma muy trasversal en casi todas las secciones, destacando quizás el Fanzriller, sección dedicada al thriller en todo su esplendor que cuenta con la presencia de una de las grandes películas de este año, la china The Wild Goose Lake, además de una de las últimas producciones del filipino Brillante Mendoza, Alpha: The Right to Kill, director que estará presente durante el festival, menudo lujo. A todo esto debemos incluir la retrospectiva Asian Fantastic Food, coordinada por nuestros amigos de CineAsia, y que contará con algunas películas tremendamente divertidas.

A continuación os dejamos un extracto de lo más asiático que os depara esta presente edición del Fancine Málaga.

Sección Informativa

THE FABLE
123 min, Japón, 2019.
Dirección: Kan Eguchi.
Reparto: Jun’ichi Okada, Zuimaro Awashima, Shingo Fujimori, Janryu Fujiwara, Sôta Fukushi.

Fable es un asesino enigmático que es temido incluso en el inframundo. Puede matar a cualquiera en seis segundos. Recibe una orden de su jefe: “Vive la vida de un hombre normal por un año. Mata a alguien durante tus vacaciones y te mato”. En incógnito, Fable recibe el nombre de “Akira Sato” y su compañera es “Yoko”. Ambos empiezan una nueva vida como hermano y hermana con un periquito como mascota y un trabajo a tiempo parcial. El asesino comienza a disfrutar de su vida cuando los problemas llaman a su puerta. Unos asesinos están detrás de él, mientras que otros necesitan su ayuda. Fable tendrá que sobrevivir una situación de vida o muerte sin matar a nadie. ¿Será capaz de recuperar su nueva vida?

Anima Zone

HUMAN LOST
110 min, Japón, 2019.
Dirección: Fuminori Kizaki.
Reparto: Mamoru Miyano, Takahiro Sakurai, Kana Hanazawa.

Año 2036. Una revolución en el mundo de la medicina ha logrado superar a la muerte colocando pequeñas nanomáquinas en el denominado “Shell System”. Sin embargo, sólo los más pudientes pueden acceder a esta tecnología. Yozo Oba no está entre ellos. Perturbado por sus extraños sueños, decide entrar a formar parte del grupo de moteros de su mejor amigo, justo antes de que éstos se adentren en “The Inside”, el lugar en el que vive la élite. Una vez dentro, una serie de terribles descubrimientos cambiarán para siempre la vida de Yozo.

CHILDREN OF THE SEA
110 min, Japón, 2019.
Dirección: Ayumu Watanabe.
Reparto: Mana Ashida, Hiiro Ishibashi, Seishū Uragami.

Umi y Sora, que fueron criados por dugones, llegan al acuario donde trabaja el padre de Ruka. Ella se siente atraída por ellos y empieza a darse cuenta de que tiene el mismo tipo de conexión sobrenatural con el mar. Los poderes de Umi y Sora parecen estar conectados a extraños eventos que han ido ocurriendo cada vez más y más, como la aparición de criaturas marinas lejos de su territorio y la desaparición de los animales de los acuarios alrededor del mundo.

FANZRILLER

THE WILD GOOSE LAKE
113 min, China, 2019.
Dirección: Yi’nan Diao.
Reparto: Ge Hu, Lun-Mei Kwei, Fan Liao, Regina Wan, Liang Qi.

En una estación al sur de China, Zhou-Zenong, un gánster recién salido de la cárcel, tiene que escapar de los policías y de su banda. Allí conocerá a Liu Aiai, una prostituta, que ha sido enviada por la mafia. Mientras tanto, los policías y los mafiosos están tras su ex mujer e hijo, por lo que Zhou tendrá que sacrificar todo lo que tiene para salvarlos.

WATCH LIST
94 min, Filipinas, 2019.
Dirección: Rekhi Ben.
Reparto: Alessandra De Rosi, Jake Macapagal, Art Acuna, Jess Mendoza, Angeli Bayani, Timothy Mabalot, Micko Laurente.

Película ambientada en las guerras anti-drogas y en las matanzas extrajudiciales en Filipinas. María es la protagonista de esta historia y, tras la muerte de su marido en extrañas circunstancias, se encontrará envuelta en los entresijos del oscuro mundo de policías, criminales y drogas de Manila. Ella necesitará encontrar el coraje necesario para proteger a sus tres hijos de este horrible mundo.

FIRST LOVE
108 min, Japón, 2019.
Dirección: Takashi Miike.
Reparto: Becky, Sakurako Konishi, Masataka Kubota, Jun Murakami, Nao Ohmori Sansei Shiomi, Shôta Sometani, Seiyô Uchino.

Leo es un joven boxeador sin mucha suerte. Una noche en Tokyo, conoce a Mónica y rápidamente se enamoran. Sin embargo, desconoce el hecho de que Mónica es una prostituta que se encuentra envuelta en un plan de tráfico de drogas y que serán perseguidos por un policía corrupto, un yakuza, su némesis y una asesina enviada por las Tríadas Chinas.

ALPHA: THE RIGHT TO KILL
94 min, Filipinas, 2019.
Dirección: Brillante Mendoza.
Reparto: Allen Dizon, Elijah Filamor, Angela Cortez.

La película cuenta la operación para arrestar a Abel, uno de los mayores narcotraficantes de Manila, llevada a cabo por las fuerzas policiales de la SWAT. Elijah, oficial de policía, y Espino, un camello informador, son los responsables de crear el plan para la operación que pronto se tornará en una confrontación violenta y armada entre la SWAT y el cártel en los barrios marginales de Manila. Antes de que los investigadores lleguen a la escena del crimen, Espino y Elijah escapan con la mochila de Abel llena de dinero y metanfetamina. Este gesto de supervivencia para uno y de corrupción para el otro, pronto desencadenará una serie de sucesos, arriesgando ambos su reputación, sus familias y sus vidas en el proceso.

El fantástico en Familia

OKKO. EL HOSTAL Y SUS FANTASMAS
94 min, Japón, 2018.
Dirección: Kitarô Kôsaka.
Reparto: Seiran Kobayashi, Nana Mizuki, Satsumi Matsuda.

Okko es una niña que se muda al campo después del accidente de coche que mató a sus padres. Mientras se prepara para ser la siguiente dueña de la posada típica japonesa que regenta su abuela, Okko desarrolla de alguna forma la capacidad para ver fantasmas.

Lo que no mata engorda

DINER
118 min, Japón, 2019.
Dirección: Mika Ninagawa.
Reparto: Tatsuya Fujiwara, Tina Tamashiro, Masataka Kubota, Kanata Hongo, Shinji Takeda.

Kanako Oba, una chica solitaria, piensa que su vida no puede ir a peor hasta que se postula para un dudoso trabajo a tiempo parcial. Desde ese momento, su vida parece una ilusión. Termina siendo vendida a un restaurante similar a una fortaleza. Atrapada allí no tiene otra opción que trabajar como camarera para Bombero, el propietario, un chef que resulta ser un asesino retirado.

Asian Fantastic Food

DEAD SUSHI
92 min, Japón, 2012.
Dirección: Noboru Iguchi.
Reparto: Rina Takeda, Kentarô Shimazu, Takashi Nishina, Asami.

A la joven Keiko le gusta preparar sushi pero está harta de las broncas de su padre, dueño de un famoso restaurante donde se prepara el mejor sushi del país. Con su experiencia, Keiko parte en busca de un lugar donde demostrar su valía. Encontrará una posada donde trabajará como camarera, hasta que un virus inoculado al pescado revivirá al exquisito sushi y provocará una bacanal de sangre.

THE ODD FAMILY: ZOMBIE ON SALE
112 min, Corea del Sur, 2019.
Dirección: Lee Min-jae.
Reparto: Jung Jae-Young, Kim Nam-gil, Uhm Ji-won.

No hay motor más peligroso que el dinero. Una importante farmacéutica lleva a cabo experimentos ilegales con humanos. Una de las pruebas falla y como resultado se crea un zombi, aunque un tanto especial. La extraña familia Park se encontrará con el no muerto, pero lejos de asustarse, el clan planea aprovecharse y sacar algún rédito económico con la criatura. El mordisco del zombi parece provocar un efecto revitalizante en la víctima.

DUMPLINGS
91 min, Hong Kong, 2004.
Dirección: Fruit Chan.
Reparto: Pauline Lau, Tony Leung Ka-Fai, Bai Ling, Miriam Yeung.

La señora Lee hace tiempo que dejó de ser una estrella de la televisión. A sus 40 años necesita con urgencia un lifting facial para que sus arrugas desaparezcan. Pronto encontrará la solución: unos deliciosos dumplings que prepara una antigua ginecóloga especializada en abortos. Pero la señora Lee deberá pagar un precio muy elevado para alcanzar la eterna juventud. Algo que conocerá en el momento en el que descubra el ingrediente secreto del manjar que necesita para rejuvenecer.

GO GOA GONE
108 min, India, 2013.
Dirección: Krishna D.K., Raj Nidimoru.
Reparto: Saif Ali Khan, Kunal Khemu, Vir Das, Anand Tiwari, Puja Gupta.

Tres amigos están dispuestos a vivir un fin de semana ‘diferente’ en las playas de Goa. Aprovechando el viaje de negocios de uno de ellos, los jóvenes se embarcan en una aventura que les conducirá a una fiesta privada en una remota isla. Cuando se despierten tras una noche de desenfreno, se darán cuenta de que se han convertido en la comida predilecta de una horda de zombis que les asedian sin tregua. Sólo la llegada de un ‘Rambo’, en versión “ruso-india”, podrá salvarles del atolladero.

KRASUE: INHUMAN KISS
122 min, Tailandia, 2019.
Dirección: Sitisiri Mongkolsiri.
Reparto: Phantira Pipityakorn, Oabnithi Wiwattanawarang, Sapol Assawamunkong, Surasak Wongthai.

En un pueblo remoto vive Sai, una joven a la que todo el mundo quiere, además de sus amigos de la infancia Jerd y Noi. Pero algo pasa en el pueblo, pues el ganado y los animales de las granjas están siendo atacados y devorados por “alguien o algo”… Todos temen que el “krasue” (el espíritu en forma de cabeza y órganos colgantes de una mujer) sea el responsable. La cacería del monstruo no se hará esperar y Sai tiene mucho que ver en ella.

Los Golden Rooster se crearon en 1981 avalados por la China Film Association, mientras que los Hundred Flowers se crearon en 1962 de la mano del Popular Cinema Magazine. Ambas galas separadas se unificaron en el China Golden Rooster & Hundred Flowers Film Festival que este año llega a su edición vigésimo octava como el festival más importante de toda la China continental, que en esta ocasión se celebrará en Xiamen del 19 al 23 de noviembre. La concesión de estos premios es un poco extraña ya que un año se conceden los Golden Rooster y al siguiente los Hundred Flowers. En esta ocasión le tocaba a los primeros y desde hace unos días conocemos la lista de nominados a sus categorías principales. Lo primero que sorprende es volver a ver a Dante Lam entre los nominados, cuando ya estuvo ahí el año pasado, supongo que será porque al ser dos premios alternativos se pueden dar estos casos de que una misma película este nominada en dos ediciones. Sea como fuere caben destacar películas como The Wandering Earth, Dying to Survive y la excepcional Hasta siempre, hijo mío. A continuación tenéis la lista de nominados.

Mejor Película

后来的我们
The Bugle from Gutian
Operation Red Sea
Hasta siempre, hijo mío
The Wandering Earth
Dying to Survive

Mejor Director

Meng Huo – Crossing The Border-ZhaoGuan
Dante Lam – Operation Red Sea
Dong Yue – The Looming Storm
Wang Xiaoshuai – Hasta siempre, hijo mío
Frant Gwo – The Wandering Earth
Lü Yue – Lost, Found

Mejor Guión

Teng Congcong – Send Me To The Clouds
René Liu, Shing-Ming Ho, An Wei – 后来的我们
Wang Xiaoshuai, Mei Ah – Hasta siempre, hijo mío
Zou Jingzhi – Enter the Forbidden City
Bao Jingjing – Our Shining Days
Wen Muye, Han Jianv, Zhong Wei – Dying to Survive

Mejor Actor

Wang Jingchun – Hasta siempre, hijo mío
Taiyi Yang – Crossing The Border-ZhaoGuan
Duan Yihong – The Looming Storm
Tu Men – Old Beast
Xu Zheng – Dying to Survive
Dalong Fu – Enter the Forbidden City

Mejor Actriz

Zhou Dongyu – 后来的我们
Ma Yili – Lost, Found
Bai Baihe – A City Called Macau
Yong Mei – Hasta siempre, hijo mío
Zhao Xiaoli – To Live to Sing
Yao Chen – Send Me To The Clouds

Mejor Actor de reparto

Xin Baiqing – Legend of the Demon Cat
Yunhu Li – Crossing The Border-ZhaoGuan
Wang Zhifei – The Bugle from Gutian
Eric Wang – Dying to Survive
Zhang Yu – Dying to Survive
Tian Zhuangzhuang – 后来的我们

Mejor Actriz de reparto

Kalbinur Rahmati – A First Farewell
Jiang Luxia – Operation Red Sea
Yufang Wu – Send Me To The Clouds
Xing Xu – If You Are Happy

Mejor Director novel

Wen Muye – Dying to Survive
Li Peng – Find My Way Home
René Liu – 后来的我们
Teng Congcong – Send Me To The Clouds
Lina Wong – A First Farewell

El próximo día 21 de noviembre conoceremos los ganadores de la cuadragésima edición de los Blue Dragon Awards. Creados originalmente en 1963 por un grupo editorial y desaparecidos durante la década de 1970, fueron recuperados por la publicación The Sports Chosun en la década de 1990. La última producción hasta la fecha del conocido Bong Joon Ho, Parasite, no solo es aclamada en el ámbito internacional sino que es la máxima nominada, estando presente en 12 categorías. La siguen la película de acción policial Extreme Job, el drama musical Swing Kids y la cinta de catástrofes E.X.I.T con ocho nominaciones. La película de misterio Svaha: The Sixth Finger cierra nuestra particular lista, estando presente en 7 categorías. A continuación os dejamos la lista completa de nominados.

Mejor Película

Extreme Job
Parasite
House of Hummingbird
Swing Kids
E.X.I.T

Mejor Director

Kang Hyung Chul (Swing Kids)
Bong Joon Ho (Parasite)
Won Shin Yeon (The Battle: Roar to Victory)
Lee Byung Heon (Extreme Job)
Jang Jae Hyun (Svaha: The Sixth Finger)

Mejor Actor

Ryu Seung Ryong (Extreme Job)
Sol Kyung Gu (Birthday)
Song Kang Ho (Parasite)
Jung Woo Sung (Innocent Witness)
Jo Jung Suk (E.X.I.T)

Mejor Actriz

Go Ah Sung (A Resistance)
Kim Hye Soo (Default)
Im YoonA (E.X.I.T)
Jeon Do Yeon (Birthday)
Jo Yeo Jeong (Parasite)

Mejor Actor de reparto

Kang Ki Young (The Most Ordinary Romance)
Park Myung Hoon (Parasite)
Lee Kwang Soo (Inseparable Bros)
Jo Woo Jin (Default)
Jin Seon Kyu (Extreme Job)

Mejor Actriz de reparto

Kim Sae Byuk (House of Hummingbird)
Park So Dam (Parasite)
Lee Jung Eun (Parasite)
Honey Lee (Extreme Job)
Jang Young Nam (Metamorphosis)

Mejor Director novel

Kim Bo Ra (House of Hummingbird)
Kim Yoon Suk (Another Child)
Lee Sang Geun (E.X.I.T)
Lee Ok Seob (Maggie)
Lee Jong Un (Birthday)

Mejor Actor novel

Gong Myung (Extreme Job)
Kim Sung Cheol (Battle of Jangsari)
Park Hae Soo (By Quantum Physics: A Nightlife Venture)
Park Hyung Sik (Juror 8)
Jung Hae In (Tune In For Love)

Mejor Actriz novel

Kim Hye Joon (Another Child)
Park Ji Hoo (House of Hummingbird)
Park Hye Soo (Swing Kids)
Lee Jae In (Svaha: The Sixth Finger)
Choi Sooyoung (Girl Cops)

Mejor Guión

Default
Extreme Job
Parasite
House of Hummingbird
Svaha: The Sixth Finger

Mejor Fotografía e iluminación

Parasite
The Battle: Roar to Victory
Svaha: The Sixth Finger
Swing Kids
E.X.I.T

Mejor Diseño artístico

Parasite
The Battle: Roar to Victory
Svaha: The Sixth Finger
Swing Kids
Tune In For Love

Mejor Edición

Extreme Job
Parasite
The Battle: Roar to Victory
Swing Kids
E.X.I.T

Mejor Banda Sonora

Parasite
Svaha: The Sixth Finger
Swing Kids
E.X.I.T
Tune In For Love

Premio Técnico

Metamorphosis (maquillaje)
The Battle: Roar to Victory (coreografías de acción)
Svaha: The Sixth Finger (efectos especiales)
Swing Kids (vestuario)
E.X.I.T (stunts)

Hace algunas semanas que se conocen los nominados de la edición quinquagésimo sexta de los Taipei Golden Horse Awards, los principales premios concedidos en Taiwan, y uno de los más prestigiosos en idioma chino, que premian películas locales y de todo el continente de 2018 y 2019 desde 1962. Detention, un thriller situado en el Taiwán de la ley marcial (periodo conocido como White Terror) que adapta un videojuego homónimo muy conocido, ha obtenido 12 nominaciones, entre ellas la de mejor película. El drama criminal A Sun la sigue estando presente en 11 categorías, mientras que coproducción internacional The Garden of Evening Mists ha obtenido nueve. Cierran los candidatos a mejor película las cintas Suk Suk y Wet Season. Conoceremos los ganadores el próximo 23 de Noviembre, mientras tanto os dejo aquí la lista completa de nominados en las diferentes categorías.

Mejor Película

A Sun
Suk Suk
The Garden of Evening Mists
Wet Season
Detention

Mejor Documental

The Tree Remembers
Your Face
The Good Daughter
Bamboo Theatre
Last Year When the Train Passed by

Mejor Director

CHUNG Mong-hong – A Sun
Tom LIN Shu-yu – The Garden of Evening Mists
Anthony CHEN – Wet Season
CHANG Tso-chi – Synapses
Midi Z – Nina Wu

Mejor actor

WU Chien-ho – A Sun
CHEN Yi-wen – A Sun
Tai Bo – Suk Suk
Ben YUEN – Suk Suk
CHU Pak-hong – My Prince Edward

Mejor actriz

Samantha KO – A Sun
LEE Sinje – The Garden of Evening Mists
YEO Yann-yann – Wet Season
LU Hsueh-feng – Synapses
Gingle WANG – Detention

Mejor actor de reparto

LIU Kuan-ting – A Sun
TUAN Chun-hao – We Are Champions
KOH Jia-ler – Wet Season
YANG Shi-bin – Wet Season
LI Ying-chuan – Synapses

Mejor actriz de reparto

YAO Yi-ti – The Gangs, The Oscars, and The Walking Dead
WEN Chen-ling – A Sun
Patra AU Ga-man – Suk Suk
LU Yi-ching – 3 Days 2 Nights
Winnie CHANG – The Teacher

Mejor director novel

LAU Kek-huat, Vera CHEN – Boluomi
HUNG Tzu-hsuan – The Scoundrels
HSU Chia-kai – The Last Thieves
John HSU – Detention
WONG Yee-lam – My Prince Edward

Mejor nuevo talento

YUAN Teng – The Paradise
TSAI Jia-yin – Heavy Craving
Fandy FAN – We Are Champions
Oscar CHIU – The Teacher
TSENG Jing-hua – Detention

Mejor Guión original

CHUNG Mong-hong, CHANG Yao-sheng – A Sun
Ray YEUNG – Suk Suk
YEO Siew-hua – A Land Imagined
Anthony CHEN – Wet Season
WU Ke-xi, Midi Z – Nina Wu

Mejor Guión adaptado

LAI Meng-jie, Neverland Entertainment Limited, LIU Hsueh-jung – Stand by Me
Richard SMITH – The Garden of Evening Mists
John HSU, FU Kai-ling, CHIEN Shih-keng – Detention

Mejor fotografía

NAKASHIMA Nagao – A Sun
CHEN Ko-chin, CHEN Chih-hsuan – The Scoundrels
CHEN Ta-pu – We Are Champions
Kartik VIJAY – The Garden of Evening Mists
Florian J.E. ZINKE – Nina Wu

Mejores efectos visuales

Charles LEE, YEH Jen-hao – The Devil Fish
Wells TU, Film Tailor Studio – We Are Champions
Simple View Production Company – Synapses
Renovatio Pictures, Tomi KUO – Detention
Grass Jelly Studio, MoonShine Animation, The White Rabbit Entertainment, Inc. – MAYDAY LIFE

Mejor dirección artística

HSIAO Jen-chieh – Paradise Next
LAI Yung-kun – The Magnificent Bobita
Penny TSAI Pei-ling, LUM Heng-soon, CHEN Hsuan-shao – The Garden of Evening Mists
WANG Chih-cheng – Detention
KUO Chih-da – Nina Wu

Mejor maquillaje y vestuario

KAO Chia-lin – The Magnificent Bobita
Lore SHIH – The Gangs, The Oscars, and The Walking Dead
HSU Li-wen, LO Wan-yi – The Scoundrels
Nikki GOOLEY, Biby CHOW, Penny TSAI Pei-ling, Nina EDWARDS – The Garden of Evening Mists
Jelly CHUNG, CHAN Cheuk-ming – Nina Wu

Mejor coreografía de acción

HUNG Shih-hao – The Scoundrels
HUNG Shih-hao, CHIA Fan – We Are Champions
Jimmy HUNG – Detention
Gino YANG – MAYDAY LIFE

Mejor banda sonora

SAKAMOTO Ryuichi – Your Face
TEO Wei-yong – A Land Imagined
Onn SAN – The Garden of Evening Mists
LU Luming – Detention
LIM Giong – Nina Wu

Mejor canción original

A Kind of Sorrow – More Than Blue
Lyricist : Gavin LIN Composer : Alex CHANG-CHIEN Performer : Lisang Pacidal Koyouan
Distant Journey – A Sun
Lyricist : CHUNG Mong-hong Composer : LIN Sheng-xiang Performer : LIN Sheng-xiang
The Day After Rain – Detentio
Lyricist : Summer LEI Composer : LU Luming, Summer LEI Performer : Summer LEI
Nina Wu – Nina Wu
Lyricist : Sandee CHAN Composer : Sandee CHAN Performer : Sandee CHAN
My Prince Edward – My Prince Edward
Lyricist : WONG Yee-lam Composer : Eman LAM Performer : Stephy TANG

Mejor edición

LAI Hsiu-hsiung – A Sun
Wenders LI, KAO Ming-cheng, LI Bin, Barfuss HUI – The Scoundrels
Daniel HUI – A Land Imagined
SOO Mun-thye – The Garden of Evening Mists
SHIEH Meng-ju – Detention

Mejores efectos sonoros

Narubett PEAMYAI, Sidney HU, YANG Tzu-chieh – The Scoundrels
R.T KAO, Aki CHEN – We Are Champions
Damien GUILLAUME, Gilles BENARDEAU – A Land Imagined
Dennis TSAO, Book CHIEN, TANG Shiang-chu – Detention
LI Danfeng, CHOU Cheng, Morgan YEN – Nina Wu

Filmmaker Taiwanés del Año

TANG Shiang-chu

Premio a la carrera

WANG Toon
Jimmy WANG Yu

Llegamos a la tercera de nuestras crónicas asiáticas del pasado Sitges Film Festival con una entrega bastante interesantes, donde pudimos ver cine de acción hongkonés, un clásico entre los clásicos del Wuxia de la Shaw Brothers y la última producción hasta la fecha de un director tan particular y excesivo como Tetsuya Nakashima.

Ya echábamos de menos algo que nos gusta tanto, y que nos ha dado tantas alegrías, como el cine hongkonés de acción. La única que pudimos ver en esta ocasión fue Bodies at Rest, una película pequeña dirigida por el conocido Renny Harlin, que lleva algunos años asentado en China tras dejar su carrera en Hollywood.

La cinta se desarrolla casi en su totalidad en una única localización, un deposito de cadáveres donde trabaja un médico forense y su aprendiz/becaria. Cierta noche aparecerá una banda criminal en busca de una bala incriminatoria de un cadáver… y ya está, no hace falta mucho más, a pesar de que, por supuesto, la cosa tendrá algún que otro giro.

Harlin construye una película de acción simple y efectiva, con una pequeña colección de personajes clara y agradable, Nick Cheung como médico forense con bastante iniciativa y recursos y Yang Zi como su compañera que resulta ser de armas tomar. En la otra parte los criminales llegan a ser algo caricaturescos, pero Richie Jen viste muy bien como el líder de los mismos. Lo principal aquí es la acción, que nos retrotrae a otros tiempos de este tipo de producciones hongkonesas de la década de 1980 y 1990, películas que no necesitaban un gran guión o una excesiva coherencia narrativa si construían una acción interesante y amena durante 90 minutos. Aquí tenemos esa esencia clara y concisa, si bien los efectos visuales no son especialmente buenos en algunos momentos y a veces es algo chorra, pero su acción esta bien y su visionado es entretenido, sobre todo si sois aficionados al género y no tenéis grandes expectativas.

Este año el festival de Sitges organizaba una retrospectiva en torno a la figura del director King Hu, uno de los maestros del Wuxia clásico. Allá por 1966 la Shaw Brothers iniciaría su campaña de revitalización del cine de acción marcial hongkonés rodado en mandarín con la intención de crear un estilo propio y personal que se alejase de la interpretación cantonesa. Uno de sus grandes directores sería Chang Cheh, que con su película One Armed Swordman, protagonizada por Jimmy Wang Yu, incluiría violencia extrema, protagonismo masculino y elementos como la redención o la superación. Esta cinta crearía una nueva escuela, pero un año antes King Hu ya había estrenado Come Drink With Me y dejado su sello en esta nueva tendencia.

La historia comienza con el secuestro del hijo del gobernador por parte de una panda de ladrones, que quieren intercambiarlo por su jefe detenido. A su rescate acudirá Golden Swallow (Cheng Pei Pie), su hermana y experta guerrera, si bien impulsiva y temeraria, cosa que la pondrá en peligro, siendo ayudada por un mendigo (Yue Hua), que resulta ser un maestro luchador.

Si bien King Hu no trabaja el mismo tipo de Wuxia que Chang Cheh, esta película comienza con una escena bastante violenta, que luego dará pasa a elementos mucho más propios del director. Cheng Pei Pei, que se convertiría en la reina del Wuxia de la Shaw durante los siguientes años, tenía realmente formación en Ballet y artes escénicas y eso se nota en unas coreografías de acción, sobre todo la mítica escena de la taberna, muy influenciadas por la danza y estructuras de la Opera tradicional. Hay mucho de la ópera tradicional en la obra de Hu, mucho de un desarrollo más contemplativo, de héroes torturados que buscan su lugar, de un manejo magistral de las sombras, los colores, la fotografía, las grabación en exteriores… Todo eso se empieza a vislumbrar en esta película, si bien tendrían que pasar algunos años para que King Hu, tras dejar la Shaw y establecerse en Taiwán, nos ofreciera todo su estilo en obras maestras como A Touch of Zen, de la que hablaremos otro día.

Solo hacer mención a la decepcionante copia que pudimos ver en el festival. De las 4 películas que componían esta retrospectiva, y de la que solo pudimos ver dos de ellas, esta era la única que no tenía copia restaurada. El 35mm estaba ajado, recortado, con pequeñas partes perdidas y signos de maltrato y uso. Se podía ver y la disfruté un montón, pero fue bastante bajón ver esa calidad.

Tetsuya Nakashima es otro de esos directores japoneses que destacan por un estilo muy personal y característico, como bien sabrán todos los que se hayan acercado a películas como Confessions o El Mundo de Kanako. En esta ocasión se adentra en el cine de terror adaptando la novela Bogiwan ga kuru de Ichi Sawamura y pasándola por su propio filtro.

Hideki acaba de casarse con la mujer que ama, que actualmente está embarazada. Cierto día un compañero le comenta que alguien anda buscándolo para hablar de “Chisa”, sorprendentemente el nombre que están barajando para su hija que aún no ha nacido, pero al acudir este a ver de quien se trata no encuentra a nadie. Dos años después el compañero de Hideki se suicida y extraños sucesos ocurren a su alrededor, decidiendo entonces recurrir a un exorcista para solucionarlo.

Si bien con un ritmo mucho más pausado que en anteriores producciones, la película no para de evolucionar constantemente, con varios momentos clave que la hacen cambiar de tono y, aparentemente, reiniciarse para volver a narrarse. El montaje salta en el tiempo o se introduce en ensoñaciones y todo se vuelve más oscuro con el paso del tiempo. Nakashima juega sus cartas de forma brutal, en un in crescendo que alcanza cotas increíbles en el tramo final de la misma. He de reconocer que en un principio me resulto un poco difícil entrar en esa historia de pareja feliz, de vida perfecta narrada a través de las redes sociales… y ahí esta la gracia, en la dura crítica hacia como exhibimos nuestra vida, o más bien la parte buena de nuestra vida, como podemos dar una imagen parcial o directamente falsa de nosotros mismos -y esto no es lo único, os lo aseguro-. Llegados a ese primer gran cambio, ese primer shock que hace rotar la película, la montaña rusa en la que nos introducimos me atrapó hasta el final.

Una obra terriblemente interesante, cruda y violenta por momentos y que exige atención, mucha atención, por parte del espectador. Pero no decepciona, os lo aseguro.

Como cada año tuvimos la suerte de contar con un enviado especial a uno de esos festivales que nos parecen especiales por muchos motivos, el Kyoto Historica International Film Festival. Fernando nos trae hoy la primera parte de sus impresiones en torno a todo lo que pudo ver durante el evento, con un estilo menos “etnográfico” que en otras ocasiones, pero igualmente interesante. Vamos a por ello.

Hola de nuevo, amigos de Asiateca. Como bien habréis visto en los avances, del 26 de octubre al 4 de noviembre se celebró el Kyoto Historica International Film Festival en el Museo de Kioto, en pleno corazón de Shijo-Kawaramachi. Para mí, asistir a esta cita se ha convertido en una tradición necesaria. Por un lado, para el estado de ánimo coincide con la transición entre el verano y el otoño, cuando uno saca el abrigo y los días se empiezan a hacer realmente cortos y sirve para apaciguar esa tristeza de entretiempo mezclada con el bajón post Sitges. Por el otro lado, es una oportunidad única para descubrir y estudiar clásicos japoneses en pantalla grande, la mayoría de las veces con subtítulos en inglés.

Este año, han querido dar un lógico homenaje a los asesinados en el incendio de Kyoto Animation proyectando varias de sus películas en el anexo del Museo. Paralelamente, y en el cine principal, han ofrecido una selección de las obras más importantes de los estudios de animación de la Toei. Pero no todo fue animación, claro.

Para el film inaugural (al que no asistí) abrieron con Talking the pictures, de Masayuki Suo, director de “Shall we dance?”, cuyo protagonista es un “benshi”, es decir, un narrador de películas mudas. Este concepto no es nuevo para mí, el año pasado tuve el privilegio de ver en este festival The police officer de Tomu Uchida de esta manera (cuya crónica podéis leer en esta misma web).

Para la siguiente película del día sí pude llegar, y fíjate qué suerte, es una película muda con benshi (y previo baile de maikos) en directo. “Gion kouta ehigasa: Mai no sode” es la historia de una geisha de Gion y su obsesión con un apuesto cliente. A pesar de hacer todo lo posible por esquivar a un parroquiano pesado para estar con su amor, es tal su pasión que, al no poder verlo de continuo, morirá literalmente de pena.

Siendo una versión restaurada en 4k, no perdía un ápice de su encanto y uno hasta agradece la gran labor de conservación del patrimonio histórico cultural realizado con fondos públicos en la prefectura de Kioto. En mi opinión, es muy romántico eso de ver pelis en celuloide, pero para joyas arqueológicas como esta, mejor dejar los rollos bien conservados, usarlos lo mínimo posible y tirar de esas versiones restauradas en DCP con la máxima calidad posible.

Para la sesión de las 18:30 habría sesión triple con el tema de Kioto como vivero de grandes talentos de la animación:

Entotsuya Perô (1930): Corto de animación imitando el estilo de las sombras chinescas para contar una historia de moraleja antibelicista.

Kumo to chûrippu (1943): Corto de animación musical cuqui al estilo americano en el que una araña haciendo blackface intenta disuadir a una mariquita muy mona para que descanse en una hamaca tejida por él mismo. Una tormenta les sorprenderá y la araña jazzística verá cómo todos ayudan a la mariquita quedando él solo ante la furia del clima.

Momotarô: Umi no shinpei (1945): Maravillosa cinta propagandística en versión restaurada que cuenta, en clave de comedia costumbrista, el día a día de los soldados, animalitos muy monos ellos, que darán gloria al imperio, tanto en sus días antes de partir como saliendo triunfantes ante el cobarde enemigo occidental. Lo más desquiciante de todo es que justifican la intervención bélica mediante un interludio en el que dan a entender, con toda la poca vergüenza, que van a liberar a los inocentes habitantes de un país del yugo de unos viles colonizadores llegados de ultramar.

El 27 de octubre sí fue un día dedicado en exclusiva a la animación.

Comienzo con The Little Mermaid (1976). Está mal que lo diga, pero aún teniendo en cuenta la importancia histórica del resto de cintas que componen el festival, esta película fue la que más me entretuvo. Principalmente por ser la que más cercana a un espíritu juvenil pre adolescente, en contraste con el resto de producciones, más dedicadas a un público infantil. Una tragedia, la de la Sirenita de Andersen, donde la trama avanza la mar de emocionante sin que las mascotas corten la narración con irritantes interludios cómicos (cosa que sí pasa en el resto de películas elegidas). Aunque originalmente se hizo para la Ocean Expo Park en Okinawa, pasaría a ser parte de la Toei Manga Matsuri de 1975, compartiendo (muy sensatamente) cartel con Mazinger Z, Getter Robo y Kamen Rider Amazon, entre otros. Menudo verano entretenido pasaron los chavales japoneses ese año.

Esta la pusieron en una copia en 35mm bastante cascada. Y en contra de lo que podría pensar (yo, que estoy tan a favor del dcp y las ediciones restauradas), tantos rallones, transición de escenas a trompicones y frases a medias por esas colas cortadas mil veces en cada cambio de rollo, me hizo tener un momento de regresión a las sesiones matinales en el colegio o a las noches del cine de verano en el pueblo y me dejó con muy buen humor.

Después de la proyección, el director de animación Tomoharu Katsumata, comentaba en modo de anécdota, que una vez terminada y entregada la película, le dijeron que se había quedado 10 minutos corto. Para poder estrenarla a tiempo, cogió una cámara y se fue con el productor a rodar localizaciones reales en Copenhague, y ese es el origen su extraño prólogo y epílogo en imagen real. Katsumata es, en parte, responsable de las series de Mazinger Z, Devilman, la primera película de Battleship Yamato… Daba gusto tener a una leyenda viva de la animación en la misma sala.

Después de comer empezó la maratón de tesoros nacionales de la animación rescatados y restaurados.

Sobre The White Snake Enchantress (1958), The Adventure of the Little Samurai (1959) y Doggie March (1963) poco tengo que decir. Son obras ampliamente reconocidas y de vital importancia para la Toei y la animación mundial. Lo que pasa es que, como digo anteriormente, tal vez se necesita poner mucho de parte de uno para disfrutar plenamente de ellas tan seguidas. El público objetivo de la época era exclusivamente niños de muy temprana edad, no es como en el cine de animación infantil actual, que es disfrutable para personas de todas las edades. Por eso, si uno las ve descansado y con ojos de cinéfilo historiador, puede ser una experiencia sobradamente gratificante; pero estar viendo durante 5 horas escenas de animalitos haciendo monadas mientras la narración principal transcurre a trompicones, se hace todo muy tedioso. En la sala, la media de edad era de 60 años aproximadamente. ¿Los señores de setenta y pico años disfrutaban porque tenían el corazón desbordado por la nostalgia o realmente se lo pasaban bien con estas películas infantiles? ¿Dentro de 60 años alguien se emocionará viendo Pocoyó o solo estará documentando con sus propios ojos una etapa crucial de la animación española? Menudo ejemplo he puesto.

A pesar de los aciertos de Las aventuras del pequeño samurái, la que vino después, Rock el valiente (como se llamaron en España The Adventure of the Little Samurai y Doggie March respectivamente) se me hizo muy cuesta arriba y me dejó agotadísimo.

Menos mal que habría casi una semana de descanso de animación y desde el siguiente día iba a venir un ciclo de llorar de la emoción.