Los National Film Awards son uno de los premios más prestigiosos y esperados de la India. Concedidos directamente por el Gobierno de la India, a través del Directorado de festivales, intentan reconocer a todos los cines que se realizan en el país, una de las cinematografías más grandes y variadas del mundo. Os dejo aquí la lista completa de premiados, destacando la excepcional Andhadhun entre la lista de premiados.

Mejor película Rajasthani: Turtle
Mejor película Pangchenpa: In The Land Of Poison Women
Mejor película Garo: Ma’ama
Mejor película Marathi: Bhonga
Mejor película Tamil: Baaram
Mejor película Hindi: Andhadhun
Mejor película Urdu: Hamid
Mejor película Bengali: Ek Je Chhilo Raja
Mejor película Malayalam: Sudani From Nigeria
Mejor película Telugulm: Mahanati
Mejor película Kannada: Nathicharami
Mejor película Konkani: Amori
Mejor película Assamese: Bulbul Can Sing
Mejor película Punjabi: Harjeeta
Mejor película Gujarati: Reva

Mejor Película: Hellaro (Gujarati)
Mejor Dirección: Aditya Dhar for Uri
Mejor Actor: Ayushmann Khurrana, Andhadhun, y Vicky Kaushal, Uri
Mejor Actriz: Keerthy Suresh por Mahanati
Mejor Actor de reparto: Swanand Kirkire por Chumbak
Mejor Actriz de reparto: Surekha Sikri por Badhaai Ho
Actores que han recibido mención especial por sus interpretaciones: Sruthi Hariharan, Chandrachud Rai, Josy Joseph, Savitri
Mejor Guión original: Chi La Sow
Mejor Guión adaptado: Andhadhun
Mejores Diálogos: Tarikh

Mejor Playback femenino: Bindu Mani for Mayavi Manave from Nathicharami
Mejor Playback masculino: Arijit Singh for Binte Dil from Padmaavat
Mejor Coreografía: Kruti Mahesh Midya and Jyothi D Tommaar for Ghoomar, Padmaavat
Mejores Letras: Nathicharami
Mejor Diseño sonoro: Uri
Mejor Director musical: Padmaavat
Mejor Dirección musical: Sanjay Leela Bhasali por Padmaavat
Mejor Mejor banda sonora: Uri: The Surgical Strike
Mejores Efectos especiales: Awe, KGF
Mejor Maquillaje: Ranjith for Awe
Mejor Vestuario: Rajshree Patnaik, Gaurang Shah and Archana Rao for Mahanati
Mejor Acción: KGF: Chapter 1
Mejor Diseño de producción: Kammara Sambhavam
Mejor Edición: Nathicharami
Mejor Fotografía: Olu (Malayalam) to MJ Radhakrishnan

Nuestra primera película de la tarde de esta penúltima jornada del Festival Nits de Cinema oriental de Vic fue Pegasus, tercera película del director chino Han Han, que ya nos encandiló con Duckweed, que ganó el premio de la crítica en el festival hace un par de años.

Han Han vuelve a su pasión por la conducción presentándonos la historia de un piloto de rallies que quiere volver a la competición tras una sanción de 5 años por una carrera ilegal. Siguiendo la línea de Duckweed, esta es una tragicomedia que tira más hacia la comedia que su anterior producciones, pero que a su vez nos ofrece unas escenas de conducción grabadas con mimo y pasión, de gran espectacularidad. Una agradable historia de autosuperación, con un humor un tanto curioso -por ejemplo el piloto siempre habla de forma suave y épica, da igual la situación en la que se encuentre-, que resulta en un gran entretenimiento.

Tras esta nos esperaba el primer plato fuerte del día, la película india The Man Who Feels no Pain, centrada en la historia de un chico con una enfermedad que le impide sentir dolor. El chaval vive en su mundo, sobreprotegido por su familia, pero aprende artes marciales por su afición a las películas de Bruce lee, Jackie Chan y un maestro con una sola pierna que es su héroe. Ya de adulto intentara conocerlo y se cruzará en su camino con una joven de armas tomar.

La película comienza con la siguiente frase: “Detrás de las historias más alucinantes se encuentran las decisiones más divertidamente equivocadas”. Esta es toda una declaración de intenciones para esta cinta que mezcla de forma única cine puramente indio, referencias ochenteras a la cultura pop occidental y cine de artes marciales, con unas coreografías y estilo visual sorprendentemente bueno y arrebatador. Una comedia de acción que parece sacada de hace 20 años para traernos diversión, constantes flashbacks infantiles y un tramo final lleno de acción, con un villano digno de verse por su excentricidad.

Y ya en el pase nocturno, hoy sí nos quedamos en la Bassa para disfrutar de la noche más divertida del festival, la nit india, que este año proyectaba la que prometía ser una película llena de diversión. Podríamos decir que Junglee es la versión india de Ong Bak 2, y nos presenta a un veterinario de cuerpo escultural, al que da vida le actor y artista marcial Vidyut Jammwal, que vuelve a la reserva de elefantes donde se crió solo para ser testigo del ataque de unos furtivos que matarán a algunos de ellos por su marfil, y de paso a su propio padre. Esto desatará la justa venganza, además de descubrir traiciones y corruptelas por el camino.

Película llena de conciencia ecológica, sustituye la tradicional relación amorosa que suele darse en las cintas indias por una de amor por los animales, poniendo el foco en los elefantes de la reserva. La acción se desata en su segunda mitad, con unas coreografías espectaculares y muy acrobáticas, donde Vidyut demuestra su saber hacer con las artes marciales. No obstante en la dirección de acción está, entre otros, Parvez Shaikh, que ya ganó el IIFA 2017 a mejor coreografía de acción por Sultan y lleva desde principios de siglo involucrado en la acción de muchas películas indias.

Esta es una cinta amena y espectacular, llena de mensaje ecologista y acción. Apuesta asegurada para pasar un buen rato.

Hoy toca finalizar nuestro repaso asiático al cine que pudimos disfrutar en el Festival Nits de Cinema Oriental de Vic, que en su última jornada nos tenía preparada una maratón de cierre con 3 películas, concluyendo, como ya es tradición, con el evento Tetsudon, que nos presentó, un año más, el propio Reiji Hoshino.

La primera película de la maratón era el Live Action Saint Young Men, basado en el manga homónimo de Hikaru Nakamura, conocido en España como Las Vacaciones de Jesús y Buda, que debido a su éxito ha tenido varias adaptaciones a animación. Me comentaban que el manga era básicamente lo mismo que la película que vimos, y si eso es así os diré que no es para mí.

En esencia viviremos las conversaciones de Jesús y Buda, que están de vacaciones en la Tierra y viven apaciblemente en un pequeño piso de Tokio. Estas conversaciones irán desde temas metafísicos o religioso, a disputas por intentar entender el mundo de los humanos, equívocos con algunas referencias culturales, etc. Todo esto se articula en una estructura capitular donde cada sección no tiene nada que ver con el resto.

Salvo algunos momentos en sus primeros capítulos, todo el humor que destila me parece aburrido y soso, una colección de sin-gracias que se me hicieron eternas. Ese humor de equívocos, eternas parrafadas que terminan con algún gag en forma de mueca o explicaciones serias a situaciones un poco raras, se me atasca desde hace tiempo, cada vez lo aguanto menos. A eso se suma que, aunque los actores me gustan, aquí todo es plano, el mismo piso, la misma ropa, las mismas voces y una ni pizca de gracia real, ni en el tono irónico. Personalmente no me gustó absolutamente nada.

Tan poco me gustó que decidí prescindir de la siguiente película para ir a comer tranquilamente y quitarme el muermo de encima. Por suerte para mi, he podido recuperarla.

Big Brother nos presenta a un profesor recién llegado al instituto, interpretado por el incombustible Donnie Yen, que se tiene que hacer cargo de la clase más conflictiva, con un grupo de chavales bastante macarras entre sus filas. Donnie deberá ganarse su confianza y ayudarles en sus estudios, y de paso en sus vidas y en la suya propia.

El tráiler de esta película es bastante engañoso, ya que nos incitaba a pensar en una comedia de acción con bastante presencia de las artes marciales, pero nada más lejos de la realidad. Esta especie de Mentes Peligrosas a la hongkonesa, afronta el tema de los jóvenes conflictivos desde un tono amable, orientado, quizás, a esos propios jóvenes, y dejando de lado el drama descarnado que podría producirse en este tipo de películas. Los elementos dramáticos están: el joven que vive con su abuela que recoge cartones porque la ayuda social no le da una casa, la muchacha de clase media-alta a la que su padre no respecta porque quería un hijo en vez de una hija, los hermanos maltratados por su padre alcohólico y a los que su madre abandonó. Conoceremos todas estas historias, y algunas más, incluyendo la del profesor y su oscuro pasado, pero lo haremos sin aspavientos dramáticos, todo está ahí, pero no nos lo restriegan en la cara en pos de un acercamiento más simpático. Al final la crítica más sobresaliente es al propio sistema educativo, que presiona a los jóvenes hasta límites insospechados y que deja de lado a los menos capaces, o más bien los que parecen menos, dejándolos a su suerte.

La cinta gira entre estas presentaciones un poco más serias y la redención de los alumnos en tono más cómico. La acción se reserva en la parte final, con algunos combates bastante chulos debido a la irrupción de la mafia en esta coctelera. Esta es una historia de redención y superación bastante entretenida, si uno no espera cosas que no son.

La última película de la maratón de cierre reunía de nuevo a los protagonistas de la mítica saga de acción de la década de 1990 Young and Dangerous en una especie de remember declarado que hará las delicias de los fans de aquellas producciones.

El guión nos presenta a un grupo de mercenarios que se reúnen tras haberse separado unos años antes al fallar en la protección de un magnate. Uno de ellos se entera de que se está reteniendo un cargamento de medicamentos que podrían ayudar a un campo de refugiados y decide reunir al grupo para robarlos. Pero la cosa nunca es tan fácil y al final todo se tuerce.

El Golden Job el recuerdo de aquellas producciones noventeras te explota en la cara, no solo por sus protagonistas, sino por el desarrollo, el uso recurrente de la música y toda la parafernalia que hay a su alrededor. Una entretenida historia de robos y hermandad, donde la amistad y la fraternidad es, quizás, lo más importante. La cinta es trepidante en muchos momentos, con una escena de persecución automovilística bastante exagerada, y un tramo final muy interesante. Apuesta segura para los aficionados al género.

Para terminar nuestras peripecias festivaleras nos esperaba el evento Tetsudon, que venía precedido por el Vicsudon, donde cualquiera podía presentar sus cortos para que el público los votase.

Para los que aún no sepan que es Tetsudon, es un proyecto de cortometrajes en tono de humor que deben realizarse a coste cero y que completan una película destinada a eventos en vivo. Tetsudon requiere la interacción del público, que debe aplaudir o abuchear los cortos al terminar. Una idea muy interesante pero solo apta para eventos específicos. En los años que he asistido a las Nits he podido disfrutar de algunos de estos eventos, y he de decir que el dedicado al Kaiju Eiga me gustó un montón y me reí muchísimo, será porque me gusta mucho el género y ver como retorcían sus clichés era desternillante. En esta ocasión la cosa no fue tan bien y, en general, los cortos eran bastante normalitos. Quizás el concepto se agota poco a poco, quizás fue que este era más neutro, algo más “para toda la familia”, quizás fue casualidad… Pero eso, al final se nos hizo largo y no especialmente divertido.

Y con esto terminamos, recordando con mucho más cariño los reencuentros con viejos amigos que las propias películas, porque esas tardes de sobremesa o esos Vermuts de noche no se pueden recuperar en casa. En la próxima más y mejor.

El personaje de Jumborg Ace vio la luz el 17 de enero de 1973 de la mano de la Tsuburaya Productions, compañía fundada por el maestro de los efectos especiales Eiji Tsuburaya y creadora de las Ultraseries, que popularizaron el Tokusatsu -series televisivas de super héroes puramente japonesas- no solo en el país, sino a nivel internacional. Por aquella época dirigía la empresa familiar Noboru Tsuburaya, tras la muerte de su padre en 1970, y se buscaban nuevos lanzamientos para no saturar el mercado de Ultraman y crear así nuevos hitos para la productora.

Su guión se centra en el joven repartidor Naoki Tachibana -interpretado curiosamente por Naoki Tachibana-, hermano del líder de la PAT, una fuerza de autodefensa japonesa, que muere durante el ataque de un monstruo gigante. Naoki decide realizar un acto suicida de venganza con su avioneta, pero cuando esta a punto de morir es transportado a otra dimensión y se le confieren poderes para fusionarse con su avioneta y convertirse en el robot gigante Jumborg Ace. Finalmente gana el combate, pero toda una raza de monstruos espaciales le esperan para intentar conquistar la Tierra. Tristemente la serie no pareció encontrar su lugar en el fandom local y el 29 de diciembre de 1973 se emitió su último capítulo, el número 50.

Pero este no sería el final, sino solo un extraño punto y seguido en nuestra historia.

Simultáneamente a la emisión de Jumborg Ace, en Tailandia, el joven director Sompote Saengduenchai fundaba la Chaiyo Productions y realizaba su película debut, Tah Tien (1973). Esta fantasía en tono de humor con animales antropomorfos, chicas magias espaciales que salen de huevos, una incursión humorística estilo western, chicas desnudas bañándose en el río y un final Kaiju Style con dos estatuas gigantes asediando Bangkok, ofrecía un nivel de locura que haría presagiar todo lo que vendría después de la mano del incombustible director y experto en efectos especiales.

El joven Sompote siempre había querido dedicarse al cine y la fotografía. Ya en la adolescencia trabajaba como fotógrafo freelance, llegando a tomar instantáneas oficiales del rey Bhumibol, trabajar para conocidos fotógrafos y entrar en la plantilla de Siam Rath, un periódico local, con tan solo 15 años. Estudió en el Krungthep Technical College y con 20 años realizó una película propagandística anticomunista por encargo del gobierno y recibió una beca para trabajar dos años en la todopoderosa Toho japonesa. Allí se codeó con los grandes directores del estudio, llegando a colaborar con Akira Kurosawa, y conoció a Eiji Tuburaya, con quien trabajo codo con codo en la realización de diversos efectos especiales y en los primeros compases de la creación de Ultraman, héroe que provenía del propio pueblo y que tenía poderes adquiridos para la protección del mismo, no un superhombre al estilo occidental.

Sin entrar en detalles del como, Sompote llega a un acuerdo con la Tsuburaya de Noboru para unir a algunos personajes de la casa con elementos de la tradición tailandesa, combinación que podría funcionar bastante bien en el país. Se comenta que tras la muerte de Eiji y la herencia de la compañía por parte de su hijo algunas deduas asediaban el futuro de la productora y esta jugada aseguraba ciertos ingresos. Sea como fuere, el acuerdo estaba cerrado y la primera de las dos colaboraciones firmadas sería en torno al personaje que en ese momento tenía el foco de emisión, Jumborg Ace.

Jumborg Ace & Giant comienza mostrándonos a los miembros de un grupo de investigación especial, tal y como lo era la PAT de la serie original, que buscan un cristal de gran poder para que no caiga en malas manos. Los demonios extraterrestres del Gorozu Seizin también buscan este cristal para construir un arma con la que conquistar la Tierra, y el enfrentamiento es inevitable. Tras estos minutos iniciales comienza la acción, compuesta exclusivamente de escenas recortadas de la serie original, incluyendo la creación de Jumborg Ace y de su compañero Jumborg 9, apiñadas sin criterio alguno, combate tras combate a ritmo de la constante e insidiosa melodía de la serie japonesa con la letra en tailandés, que solo se detiene en unas breves escenas de la líder de los demonios comentando la jugada o escenas de la PAT local, que básicamente muestran dos personajes haciendo estupideces de manera cargante, típico del humor tailandés de aquellos años.

Tras esta vorágine la cosa comienza a complicarse, los malos roban el cristal y los desastres naturales azotan el país, mientras, en Tokio, los monstruos atacan sin cesar. El equipo de defensa encuentra unas estatuas de los guardianes Yuk Wud Jaeng y Yuk Wud Pho, y terminan influyéndoles vida para combatir al enemigo. La primera aparición es la de Yuk Wud Pho, que se enfrenta al lugarteniente de los malvados demonios y el responsable del robo del cristal. Estas escenas son de producción propia y eso se nota, si bien se realiza un gran trabajo en la recreación de una porción de Bangkok, la escena se desarrolla en tono humorístico, con un enfrentamiento bastante ridículo en gestos, desarrollo y efectos de explosiones. Es difícil determinar que partes hicieron los equipos de Tsubaraya y Chaiyo, si bien la diferencia de calidad podría darnos una pista importante. Tras este enfrentamiento, y la derrota de Yuk Wud Pho, los alienígenas terminan construyendo su arma mortal en la luna y Jumborg Ace vuela allí para enfrentarse a ellos. Desde Tailandia se enviará a Yuk Wud Jaeng para ayudar, pero las artimañas de los malvado demonios harán que se enfrenten entre ellos hasta que se dan cuenta que están en el mismo bando. Aquí comienza un tramo final compuesto exclusivamente por sucesivos combates donde Yuk Wud Jaeng salvará los papeles convirtiéndose en el héroe de de la película y protector del cristal de poder.

Este tramo final, en parte de producción propia, sorprende por algunas escenas de bastante violencia hacia el propio Jumborg Ace. Sompote es muy conocido por tener un fondo pervertido y muy oscuro. En sus películas es normal ver decapitaciones y violencia extrema, desnudos gratuitos, niños asesinados… los locos años de la exploitation global no fueron ajenos para un realizador en ocasiones bastante extremo. En sus colaboraciones con la Tsuburaya, el intenso uso de recortes originales y, supondremos, la supervisión japonesa, contuvieron mucho esta parte oscura que podremos ver en producciones posteriores

La película se estreno en 1974 en Tailandia con bastante éxito, siendo la primera película de superhéroes de su cinematografía. Por desgracia la cinta no llegó a estrenarse en Japón, fuera por el resultado final de la misma, fuera porque el personaje de Jumborg Ace ya estaba cerrado y desde la Tsubaraya no quisieron volver sobre él.

Pero esta historia no termina aquí.

Poco tiempo después de su estreno la película se exporta a Taiwan para su distribución, pero la productora debió pensar que el mercado local buscaba otra cosa y decidió remontarla. No hay mucha información sobre como sucedió esto, quién vendió los derechos -con total probabilidad la Chaiyo- o permitió su reestructuración, la cosa es que en esta nueva versión solo se acreditarían el guionista y el director taiwanés, este último Chen Hung-ming, muy conocido en el mundo del cine de Taiwán y Hong Kong como editor y guionista de cintas de artes marciales como Dragon Gate Inn de King Hu o producciones de Jimmy Wang Yu y Polly Shang Kwan. Además no hay rastro en los créditos de las productoras originales.

En Mars Men se elimina totalmente la presencia de actores tailandeses y se re-graban escenas con actores de Taiwan, cambiando parte de la historia de la cinta pero no su base, que sigue siendo la misma: un grupo de extraterrestres quieren conquistar la tierra y para ello necesitan un cristal de poder escondido en Taiwan. La película comienza con unos críos jugando al baseball y como uno de ellos, Ling, debe ir a buscar una pelota perdida, terminado en una cueva delante de un cristal que hará que se desmaye. Algún tiempo después, tras recuperar el sentido, encuentra una estatua y decide llevársela. Afortunadamente, hay alguien cerca para informarle que la figura se llama Yuk Wud Jaeng, pero el niño insiste en llamarlo “Hanamajin” y, según dice la ley no escrita de los Kaiju Eiga donde el nombre que use el crío de turno es el que se usará a partir de ese momento, hasta la propia estatua se llamará así misma con este nombre.

El chaval se va a casa, donde su abuelo, interpretado por el conocido actor de la Shaw Brothers Feng Mien, esta viendo en la televisión una película de artes marciales -en una auto referencia del director ya que es una de sus películas-, que se interrumpe para anunciar una invasión alienígena. Cuando la hermana del joven Ling, que trabaja en una agencia de defensa -La PAT taiwanesa de esta película- llega a casa se encuentra a ambos desmayados y tras llevárselos al hospital -y esperemos que salvarlos, ya que no volveremos a verlos en la película-, vuelve y recupera la estatua que emite una gran cantidad de radiación. Esta estatua ira creciendo y terminará cobrando vida. Mientras tanto los combates se suceden y curiosamente veremos la mayoría de ellos a través de una pantalla de televisión, para justificar que estos se estén llevando a cabo en Japón y no a nivel local.

Su tramo final es similar al de la película original, con un intenso combate extraterrestre donde Jumborg Ace es prestado por el “científico más brillante de Japón”, eliminándose la referencia a su nombre real -aunque si que suena su música de intro instrumental en muchos momentos-. Esto, unido a la eliminación de toda la primera parte de combates, donde se obvian las escenas de creación de Jumborg Ace y las luchas subyacentes, hace dudar de la implicación de la propia Tsubaraya en esta producción, donde también se toman escenas diferentes de la propia serie original en algunos momentos. En estos combates finales, de forma mucho más caótica, también aparecerá Jumborg 9 sin motivo aparente, y la estatua gigante tailandesa a repartir como está mandado.

Curiosamente, a pesar del extraño proceso que llevó a la creación de esta revisión de Jumborg Ace & Giant y lo oscuro del resultado final, Mars Men terminó vendiéndose a nivel internacional, editándose traducida al menos en Estados Unidos, Francia, Italia, Turquía y Alemania, que yo sepa. Estas traducciones generalmente se realizaban obviando el material original y modificando los diálogos a gusto del consumidor, con lo cual generaban películas aún más extrañas si cabe. En la versión estadounidense se introducía una voz en off apática y ridícula, además argot en las conversaciones entre Jumborg Ace y la estatua gigante, inexistentes en otras versiones, del plan “vamos a patear traseros”. La versión italiana, de título Gli uomini di Marte, es la más fácil de poder visualizar actualmente, y se supone una traducción directa de la versión francesa de título Les Hommes d’une autre Planete -casi todas las versiones occidentales parecen provenir de esta edición francesa-, aunque a saber que licencias se tomaron. Aquí, por ejemplo, el robot gigante Jumborg Ace es directamente producto del ejercito estadounidense, nada menos.

Hoy es día es complicado ver las versiones originales tanto de Jumborg Ace & Giant como de Mars Men. La primera se puede ver en tailandés sin subtítulos -algún subtítulo habrá escondido en algún sitio recóndito-, y la segunda aparece oculta entre sus versiones dobladas occidentales.

Pero este mundo de ediciones, reediciones y recortes tan solo acaba de empezar. El Tokusatsu Madness de Sompote Saengduenchai tiene mucho que decir aún.

Antes de afrontar esta segunda entrega de Tokusatsu Madness es más que recomendable haber leído nuestro primer artículo, centrado en la película Jumborg Ace & Giant (1974), ya que allí se contextualiza como se gestan estas colaboraciones entre Tailandia y Japón y el por qué de estas películas. Si al terminar ese artículo tienen ganas de más Tokusatsu de alto octanaje, de películas montadas y remontadas hasta la locura, sigan leyendo que tenemos mucho de lo que hablar hoy aquí.

Tras el primer intento de unir el mundo del Tokusatsu con la cultura tradicional tailandesa que fue Jumborg Ace & Giant, la colaboración entre la Tsubaraya y la Chaiyo se atrevía con algo mucho más grande, unir a la estrella de la casa, la saga Ultraman, con el dios mono Hanuman, deidad de origen hindú muy conocida en la literatura local. Así nació หนุมาน พบ 7 ยอดมนุษย์, cuyo título internacional es Hanuman vs. 7 Ultraman -que ya es curioso ya que Hanuman no se enfrenta a Ultraman sino al contrario, estos ayudan a la deidad en su lucha. Una traducción más literal y fiel al contenido sería Hanuman encuentra a los 7 Ultraman-. Esta película es más ambiciosa que su predecesora ya que usa muchas menos imágenes recicladas de las series originales e intenta llevar toda la acción a Tailandia, haciendo un uso intensivo de la mitología alrededor de Hanuman.

La cosa comienza con una voz en off que nos explica el origen del sistema solar y nos presenta el planeta de los Ultras, los guardianes del universo que velan por la paz. También nos comenta, muy someramente, el origen mitológico de Hanuman. Tras unos créditos que solo se encuentran en esta versión de la película, y que incluyen una canción que narra lo que va a pasar en la cinta y termina con un “que disfruten de la película”, nos situamos en una Tierra abrasada por la cercanía excesiva del sol. Lo primero que vemos son los dos personajes cómicos de la película, trabajadores de un grupo científico que son interpretados por los mismos actores que en Jumborg Ace & Giant, con sus voces agudas y cargantes haciendo estupideces, cosa que se repetirá en varios momentos de la película.

Por otro lado, unos críos hacen un ritual de la lluvia invocando a Hanuman, pero la cosa no termina bien ya que aparecen unos ladrones que roban la cabeza de una estatua de Buda y nuestro protagonista, el joven Koh, los persigue, siendo tiroteado y muriendo en el proceso. Entre tanto, unos científicos intentan lanzar unos cohetes para provocar la lluvia y salvar al planeta. Ultra Mother se apiada del noble corazón de Koh y durante su funeral captura su cuerpo y los Ultras lo infunden del poder de Hanuman, con el que vuelve a la Tierra para perseguir y matar con bastante dureza a los ladrones de estatuas. Mientras esto sucede uno de los mejores amigos de Koh corre tras Hanuman cuando aparece volando en el cielo, desfalleciendo por el calor y teniendo un sueño, una leyenda en la que el dios mono debe conseguir unas flores para curar a un guerrero que lucha contra un demonio y le pide al Sol que detenga su carro para conseguirlas. Una vez cumplida su venganza, y realizando el mismo proceso que en la leyenda soñada, Hanuman vuela a la deidad del Sol y la convence de que se retire de la Tierra para así salvar la vida en ella, y a su pequeño amigo. Y a todo esto no ha pasado ni la mitad de la película, aún queda lo mejor.

Los científicos lanzan uno de sus cohetes, y sea porque funcionan, sea por la intervención previa de Hanuman, provocan una lluvia que alegra a todos. Entonces el líder decide lanzar todos los cohetes a la vez como estaba previsto, pero un fallo técnico provoca un fuerte terremoto y de las profundidades de la Tierra aparecen cinco monstruos gigantes dispuestos a destruir todo a su paso. Aquí comienzan 40 minutos de Tokusatsu con cinco bichos sacados de los peores tiempos del género, de los que al derribar los aviones que los atacan se ríen, se dan palmadas en la espalda e incluso se jalean o aplauden, pidiéndose la vez para destruir el suyo. A todo esto aparece Hanuman y comienza el combate, que en cierto momento no estará bien para nuestra deidad, apareciendo los Ultra Brothers para ayudarlo y salvar el mundo.

Como ya adelantaba el uso de imágenes recicladas se concentra en las primeras escenas y algunos de los combates, pero el grueso de la acción se desarrolla de forma original, con maquetas bastante detalladas y muchos efectos especiales en ocasiones bastante vistosos. La cinta esconde algo de la conocida perversidad de Sompote Saengduenchai, véase el crío tiroteado, la extrema severidad con el Hanuman persigue a los ladrones de estatuas o como los monstruos explotan o son descuartizados en el tramo final de la película -a uno le van arrancando la carne hasta dejarlo convertido en un esqueleto, literalmente-, pero no será nada comparado con lo que vendrá en producciones posteriores. El desarrollo me parece algo alargado, con casi una hora de personajes cómicos, críos bailando y leyendas locales, dejando la acción más dura para su tramo final.

La cinta se estrenó a finales de noviembre de 1974 y tuvo bastante éxito en taquilla, favoreciendo la popularidad de las Ultra series no solo en Tailandia sino en países como Malasia. A pesar de como pueda haber envejecido, el Ministerio de Cultura tailandés la incluyo dentro del registro cinematográfico histórico nacional durante el National Thai Film Conservation Day de 2012, debido a su repercusión a nivel local.

La vida de esta película ha sido larga y extraña, tanto o más que la de Jumborg Ace & Giant.

Aún deberían pasar varios años para que la película se estrenara en la otra parte implicada en su producción, Japón, pero el éxito de sus pases en Tailandia llamó la atención de la Shaw Brothers del magnate Run Run Shaw, quien se interesó por exportarla a Hong Kong y Taiwán. Así, en febrero de 1975 se estrena en Hong Kong Hanuman and the Seven Ultramen (猴王大戰七超人) en una copia reducida doblada al mandarín, la cual parece provenir de una versión sin editar de la película original, no del rollo cinematográfico final estrenado en Tailandia, tal y como atestiguan ciertas marcas de edición y algunos códigos de tiempo aún hoy observables del proceso de montaje final.

The 6 Ultra Brothers vs. The Monster Army (ウルトラ6兄弟VS怪獣軍団) no vería la luz en Japón hasta 1979, en una versión de nuevo similar a la original, aunque mucho más parecida a la versión reducida estrenada en Hong Kong. Curiosamente, a la hora de recortar en ambos países se eliminaron algunas de las escenas más violentas, véase los primeros planos del tiroteo al crío en la versión china o Hanuman aplastando a uno de los ladrones con sus propias manos en la japonesa. Por lo demás se recorta un poco el rito de la lluvia o algunas escenas intermedias, pero se dejan todas las referencias y leyendas locales relacionadas con el dios mono -curiosamente también muchas escenas de los personajes humorísticos-. Ambos guiones son similares, con las tradicionales licencias de localización de nombres y demás, pero sin muchos más cambios -bueno en la versión china alguna licencia extra si se toman-.

Sompote Saengduenchai reestrenaría y remontaría la película en varias ocasiones a los largo de los años, tanto en cine como en televisión, pero en 1984 la cosa se le iría de las manos con Hanuman vs. 11 Ultraman (หนุมาน พบ 11 ยอดมนุษย์) -cuantos más Ultramanes mejor que mejor-.

La película empieza de forma familiar: esa voz en off, el sistema solar y la presentación del planeta Ultra, pero a partir de aquí la cosa se desmadra. Sompote toma casi 40 minutos de imágenes de Ultraman ZOFFY, que ya estaba realizada casi por completo por imágenes de archivo de la saga, y Ultraman Story sin ningún tipo de permiso por parte de Tsubaraya Productions y las incluye aquí a saber con que pretexto -solo he podido ver la película en tailandés y no sabría deciros mucho más de su guión-. Allí aparece el sol cubierto por una oscuridad provocada por un malvado monstruo, los Ultra Brothers llegan con la Ultra Bell y eliminan esta especie de maldición y luego las peleas se suceden sin ton ni son, sin medida ni mesura. Pasados estos 40 minutos volvemos a ver nuestros niños favoritos con su danza de la lluvia y la siguiente hora es básicamente Hanuman vs 7 Ultraman, eliminado algunas escenas de la parte científica y de los ritos de la lluvia, dejando básicamente las luchas, la violencia y las partes mitológicas.

No podemos olvidar que desde hacia algún tiempo Chaiyo y Tsubaraya se encontraban inmersos en una batalla legal por los derechos de distribución de la Saga Ultraman a nivel internacional, que Sompote afirmaba poseer en virtud a un ambiguo contrato de 1976 que tenía firmado con la productora. Este caso, lleno de oscurantismos legales, se ha alargado hasta nuestros días, con diversas sentencias en favor de unos y otros, y unos derechos de distribución que reflotan el caso con cada lanzamiento en un nuevo país. Podéis leer sobre el tema ya que hay crónicas muy detalladas en la red.

Pero atentos porque esto no acaba aquí, queda lo mejor.

El productor Dick Randall, socio de Sompote Sands -pseudónimo internacional de Sompote Saengduenchai– en la distribución de sus productos en los EEUU, propone al director rehacer Hanuman vs. 11 Ultraman en una nueva versión para el mercado televisivo norteamericano, incluyendo escenas grabadas a nivel local, dirigidas por Marc Smith, y adaptando la historia con un declarado tono cómico. No hay mucha información sobre como se gesta esta reestructuración, pero el resultado final es una de las mayores locuras jamas relacionadas con Ultraman, Space Warriors 2000.

Todo comienza con unos títulos de crédito que ya pueden hacer explotar la cabeza a más de uno. Durante los mismos veremos acreditados a Ultraman del I al XI, Mothra (!!!), Hanuman, Godzelda (!!!!!) y “un casting completo de stuntmen japoneses cuyos nombres no podríamos leer” (!!!!!!!!). Evidentemente no sale en la cinta nada que se parezca a Mothra, y de Godzelda creo que ni los propios productores sabían lo que estaban haciendo, si bien hay un monstruo, el más fuerte de la parte final de la cinta, que tiene voz femenina -igual por ahí viene la cosa-. En los créditos ambos directores, uno como oriental y otro como occidental.

La película comienza con un padre que vuelve a casa después de un viaje trayéndole un regalo a su hijo, un muñeco de Ultraman. Veremos también a la anciana que vendió el muñeco y su marido -acreditado como Edmund The little Old Toy-Maker-, que le cuenta las extrañas circunstancias de como se hizo con él. La cosa es que cuando el mal acechase alguien de corazón puro debía poseer el muñeco para salvar el mundo. Acto seguido el muñeco está de conversación con el crío, confirmando por supuesto que este era de corazón puro, y el chaval se queda dormido, comenzando así un remontaje de Hanuman vs. 11 Ultraman, cambiando de orden escenas y recortando un poco más la parte final para añadir más escenas de archivo de origen insospechado. Todo esto acompañado de una música de DeWolfe -conocida compañía de musica de stock- insertada sin criterio alguno, con música digna de películas del Gordo y el Flaco para los combates, que se corta en medio de las escenas sin que ocurra nada. Además tenemos el doblaje en inglés, digno de Jumborg Ace & Giant y su argot barriobajero, algo muy surrealista amigos.

Tsubaraya no reaccionó bien a esta nueva jugada por parte de Sompote y la compañía lo demando a él y Randall. Space Warriors 2000 se había emitido algunas veces en televisión desde su estreno en 1985, y nunca más volvió a programarse en la parrilla estadounidense.

Este año los International Indian Film Awards celebran su 20 aniversario realizándose por primera vez en la India. Los IIFA Awards, como casi todos los premios locales, están organizados por un grupo mediático y tienen la curiosidad de realizar su gala de entrega en diferentes países del mundo, salvo en esta edición, que se llevará a cabo en Mumbai. Entre las principales nominadas tenemos la excepcional Andhadhun, seguida de cerca en número de categorías por Raazi y Padmaavat. A continuación os dejo la lista de nominados en las principales categorías.

Mejor Película

Andhadhun
Badhaai Ho
Padmaavat
Raazi
Sanju

Mejor Historia

Arijit Biswas, Hemanth Rao, Pooja Ladha Surti, Sriram Raghavan, Yogesh Chandekar: Andhadhun
Abhijat Joshi, Rajkumar Hirani: Sanju
Akshat Ghildial, Shantanu Srivastava: Badhaai Ho
Harinder S Sikka: Raazi
R Balki, Twinkle Khanna: Padman

Mejor Director

Sriram Raghavan: Andhadhun
Amit Ravindernath Sharma: Badhaai Ho
Sanjay Leela Bhansali: Padmaavat
Meghna Gulzar: Raazi
Rajkumar Hirani: Sanju

Mejor Actor

Ayushmann Khurrana: Andhadhun
Rajkummar Rao: Stree
Ranbir Kapoor: Sanju
Ranveer Singh: Padmaavat
Vicky Kaushal: Raazi

Mejor Actriz

Alia Bhatt: Raazi
Deepika Padukone: Padmaavat
Neena Gupta: Badhaai Ho
Rani Mukerji: Hichki
Tabu: Andhadhun

Mejor Actor de reparto

Anil Kapoor: Race 3
Jim Sarbh: Padmaavat
Manoj Pahwa: Mulk
Pankaj Tripathi: Stree
Vicky Kaushal: Sanju

Mejor Actriz de reparto

Aditi Rao Hydari: Padmaavat
Neena Gupta: Mulk
Radhika Apte: Andhadhun
Surekha Sikri: Badhaai Ho
Swara Bhaskar: Veere Di Wedding

Mejor dirección musical

Amaal Mallik, Guru Randhawa, Rochak Kohli, Saurabh-Vaibhav, Yo Yo Honey Singh, Zack Knight: Sonu Ke Titu Ki Sweety
Amit Trivedi: Manmarziyaan
Amit Trivedi: Andhadhun
Sanjay Leela Bhansali: Padmaavat
Shankar Ehsaan Loy: Raazi

Mejores letras

Amitabh Bhattacharya: Dhadak (Dhadak)
Gulzar: Ae Watan (Male) Raazi
Irshad Kamil: Mere Naam Tu (Zero)
Jaideep Sahni: Naina Da Kya Kasoor (Andhadhun)
Shellee: Daryaa (Manmarziyaan)

Mejor Playback masculino

Abhay Jodhpurkar: Mere Naam Tu, Zero
Amit Trivedi: Naina Da Kya Kasoor, Andhadhun
Arijit Singh: Ae Watan(Male), Raazi
Arijit Singh: Tera Yaar Hoon Main, Sonu Ke Titu Ki Sweety
Sukhwinder Singh: Kar Har Maidaan Fateh, Sanju

Mejor Playback femenino

Harshdeep Kaur; Vibha Saraf: Dilbaro, Raazi
Shreya Ghoshal: Ghoomar, Padmaavat
Sunidhi Chauhan: Ae Watan (Female), Raazi
Sunidhi Chauhan: Main Badhiya Tu Bhi Badhiya, Sanju
Tulsi Kumar: Paniyon Sa, SatyamevJayate

Llegamos a la tercera, y última, entrada de nuestro Tokusatsu Madness, este pequeño viaje que estamos realizando por la obra de superhéroes y exploit Sompote Saengduenchai. Antes de afrontar esta última explosión de vergüenza ajena les recomiendo lean, y disfruten, nuestras anteriores entregas dedicadas a Jumborg Ace & Giant y Hanuman vs. 7 Ultraman. Si después de eso les parece que lo han visto ya todo, no se imaginan lo que tenemos por aquí.

Eiji Tsubaraya creo la primera de las serie de Ultraman en 1966 y tras su lanzamiento el Tokusatsu se convirtió en un género televisivo muy popular entre el público nipón. Al igual que ocurriera con el Kaiju Eiga de la Toho, muchas productoras quisieron adentrarse en el género para poder obtener su parte del pastel, y si en el caso del cine de saurios gigantes la única que lo conseguiría será la Daiei con la saga de Gamera, en el mundo de los superhéroes televisivos sería la Toei quien haría lo propio dando vida a la serie Kamen Rider, creada por el mangaka Shotaro Ishinomori.

Las diferentes temporadas de Kamen Rider, que vendría a traducirse como motorista enmascarado, suelen ser independientes y en ellas uno o varios motoristas terminan adquiriendo poderes, generalmente por medios tecnológicos -pero hay un poco de todo según la temporada-, transformándose en los Kamen Riders -motoristas con traje especial y máscara insectoide-, que deberán luchar contra todo un elenco de personajes malignos, y a veces entre ellos mismos. Una de las características más interesantes de la serie es que los poderes del Kamen Rider principal suelen provenir de intereses malignos, muchas veces al igual que los enemigos que combate, pero logra sobreponerse a este origen y usa sus habilidades para combatirlos. Esto, unido a ese aire más trasgresor que confiere el royo motero en la década de 1970, hacen que la serie sea, en concepto, más “gamberra” que otras del estilo, y se permite temporadas y películas muchos más oscuras y con más presencia del drama, sobre todo en épocas más recientes.

Kamen Rider se emitió por primera vez en 1971 creando un subgénero dentro del Tokusatsu denominado Henshin Heroes, que llegó a su máximo apogeo en 1974. El mismo año que Chaiyo y Tsubaraya estaban realizando las películas que ya hemos analizado en anteriores entregas, en Japón Toei creaba la única película relacionada con la serie Kamen Rider X, titulada Five Riders vs. King Dark, que se proyectó como parte del Toei Manga Festival junto con Mazinger Z vs Great General of Darkness. Mazinger Z, serie anime emitida por Toei desde 1972, era el nuevo fenómeno del momento y provocó el boom de las series de animación de robots gigantes, quizás por eso King Dark estaba representado así, como un robot gigante que comandaba las tropas del mal.

En algún momento de 1974 Chaiyo Productions tuvo un acercamiento a la Toei con la misma intención con el que lo tuvo con la Tsubaraya, tomar al personaje de la casa, en este caso Kamen Rider, y fusionarlo con elementos tradicionales tailandeses, más concretamente el dios mono Hanuman que ya hemos visto acompañado por diversos Ultramanes. Parece ser que la Toei no mostró ningún interés, incluso se dice por los mentideros de internet que su respuesta negativa fue más que tajante, pero eso no detendría a Sompote Saengduenchai que, con permiso o sin él, produciría la infame Hanuman and the Five Riders, quizás el culmen de todo lo que hemos estado viendo en este viaje por el Tokusatsu Madness tailandés.

Hanuman and the Five Riders toma imágenes de la película Five Riders vs. King Dark y, en menor medida, de la serie Kamen Rider X, y las introduce un una película muy inferior a las anteriores producciones que hemos visto, sobrepasando con creces la serie B para adentrarse en los indómitos terrenos de la serie Z más destroyer.

La película comienza con una escena en la que unos secuaces extraen la sangre a una joven, tras la cual King Dark ordena a sus monstruos mutantes traerle más sangre fresca. King Dark, que en la película original era presentado como un robot gigante que normalmente estaba recostado mientras comandaba sus tropas, aquí aparece además en forma humana con un traje especialmente barato y ridículo, más incluso que el set donde se desarrollan las escenas. Lo más que hace es exigir sangre como un crío pequeño exigiría caramelos mientras hace aspavientos exagerados con los brazos y suelta proclamas malvadas, en un descarado tono cómico donde sus secuaces, tipos con un jersey negro y pasamontañas, le siguen el juego. Todo esto se intercala con numerosas escenas de combates aleatorios procedentes de la serie original, doblados con nuevos, y ridículos, diálogos en tailandés. Entre secuestro de mujeres y no secuestro de mujeres, la cosa pega un vuelco increíble.

King Dark decide traer un alma del infierno para que sea su nuevo lugarteniente, y allá que nos vamos, al infierno, para ver unos dibujos muy gráficos mientras una voz en off narra lo siniestro del lugar y unos “demonios” -tipos pintados de rojo- torturan a una troupe de mujeres desnudas mientras se restriegan con palos llenos de pinchos. Allí, tres ladrones han llegado al rey del infierno para ser castigados y al ver sus malos actos en un caldero hirviente descubrimos que son los tres ladrones que en Hanuman vs 7 Ultraman roban la estatua de buda y tirotean al chaval que posteriormente se convertirá en Hanuman. Volvemos a ver estas imágenes recicladas de la anterior producción, con las escenas de Ultra Mother recortadas, y reestructura la persecución de Hanuman introduciendo algo más de violencia en las muertes de los ladrones. Uno de ellos escapa del infierno y termina al servicio de King Dark.

A partir de aquí las imágenes recicladas empiezan a ser sustituidas por la producción propia del director, con copias -no especialmente buenas- de los Raiders y una serie de monstruos de creación propia. Esto parec eun movimiento arriesgado, sino suicida, del director que se ha tirado casi una hora mostrándonos una acción relativamente decente proveniente de las imágenes japonesas y ahora nos mete sus propias escenas de un nivel muy inferior. El nuevo lugarteniente secuestra con artimañas a un científico para terminar el monstruo mutante vampiro de King Dark -si amigos, un frankenstein murciélago vampiro-. Combates y más combates, King Dark pasado de vueltas y finalmente la máquina de mutantes esta terminada, creando un ejercito de… de… hombres bestia…, tipos pintados de color extraño con cabeza de animal equivalente a mascaras de feria. Finalmente King Dark se convertirá en gigante y comenzará la destrucción -en un set de Bangkok que ya vimos en Jumborg Ace & Giant-, y por fin Hanuman hace acto de presencia para combatirlo y matarlo. En una especie de epílogo con moraleja -no hagáis actos malvados chicos- los ladrones vuelven al infierno y son decapitados, dejándonos unos desconcertantes primeros planos del proceso para finalizar la película.

Alguno, quizás, podría pensar que este argumento, este desarrollo, al menos será divertido en el sentido más pop del asunto, pero aquí es complicado poder encontrar algo bueno. Es que parece hecha por jóvenes borrachos, los diálogos son la cosa más anticlimática que he visto en años y los acabados de sets y trajes son vergonzantes, increíbles.

Pero esto que digo puede llegar incluso más allá si veis el doblaje en inglés de la película. Aún hoy me queda la duda de si lo que se puede encontrar hoy en día es un doblaje oficial o un fandub, pero el resultado es, en definitiva, equivalente. Imaginaos que vas por la calle y un tipo visiblemente borracho te asalta diciéndote “hey, tenemos cervezas y pizzas aquí al lado, vamos a doblar una peli, vente…”, y tú, no sabes muy bien por qué, te apuntas. Allí hay un grupo de jóvenes, transeúntes reclutados en la calle, bebiendo, riendo y leyendo unas hojas mientras pasan imágenes de una película rara tailandesa. Da igual que el diálogo tenga coherencia, que las palabras casen con las bocas, da igual poner entonación o emoción, solo hay que leer o, en su defecto, ir diciendo lo que pasa en pantalla o lo que hace tu personaje. Imaginaos esa situación… pues hubiera quedado mejor que lo que he podido ver, os lo aseguro. ¿No me creéis? Pues juzgarlo vosotros mismos…

El Lychee International Film Festival es un festival especializado en la divulgación del cine chino y sinoparlante, siendo uno de los pocos festivales de este tipo en el mundo. Su tercera edición, que se celebrará entre los días 11 y 15 de septiembre, tendrá su sede principal en Madrid, realizándose sus diferentes actividades en espacios como el Circulo de Bellas Artes o el Cine Doré, sede de la Filmoteca Española, programando además ciclos en otras ciudades de nuestro país. Sus diversas proyecciones se articulan en una sección oficial a competición, una sección documental y el focus de este año, centrado en la Opera tradicional china. Además se programa una interesantísima retrospectiva en torno al realizador Xie Fei. A continuación repasamos su sección oficial, además de las películas de inauguración y clausura. Si queréis estar al tanto de horarios y demás actividades paralelas no dudéis en pasaros por su página web.

Película Inaugural

JINPA (撞死了一只羊)
China, 2018.
Director: Pema Tseden.
Reparto: Jinpa, Genden Phuntsok, Sonam Wangmo.

El conductor Jinpa, que mató a una oveja que se cruzó repentinamente en su camino, decide rezarle un responso al animal. Mientras tanto, otro Jinpa trata de encontrar al hombre que mató a su padre para vengarse. Por casualidad, este último sube al vehículo del conductor Jinpa y, a partir de ese momento, el destino de los tocayos se vincula estrecha y misteriosamente. La película toma como telón de fondo el paisaje tibetano, delineando la particular forma de vida que encarna la cultura tibetana. De manera mística, se entretejen la realidad y la ficción, el sueño y la ilusión, el mundo terrenal y la imaginación fantástica.

Pema Tseden

Pema Tseden, nacido en la Prefectura Autónoma Tibetana de Hainan, Qinghai, en diciembre de 1969, es miembro de la Asociación de Cine de China, la Asociación de Directores de Cine de China, y la Asociación de Cine y Literatura de China. En 1991, comenzó a publicar obras literarias en tibetano y chino. Su primer largometraje The Silent Holy Stones (2015) fue galardonado con numerosos premios, entre los que se incluyen el Premio Especial de Nominación «Dragones & Tigre» del Festival Internacional de Cine de Vancouver, el Premio Especial «Nueva Tendencia» del Festival Internacional de Cine de Busan, el Premio Internacional de la Alianza de Críticos de Cine, el Reconocimiento Especial del Premio de Cultura Católica del Festival Internacional de Cine de Hong Kong, el mejor debut como director en los Premios Golden Rooster, y el premio al “mejor artista nuevo de Asia» en la 9ª del Festival Internacional de Cine de Shanghai. En 2011, dirigió la película Old Dog, ganando el premio a la mejor película en el Festival de Cine de Brooklyn. El Premio al Mejor Guión en la Sección de Horizonte de la 75ª edición del Festival de Cine de Venecia lo recibe con su última película, Jinpa.

Sección oficial a competición

La vida de Zhang Chu (桃源)
China, 2018.
Director: Lv Yulai.
Reparto: Geng Le, Qi Xi, Lv Xingchen.

La película cuenta la historia de un par de chicos que continuamente deben tomar decisiones en su vida amorosa y cotidiana, que se ve afectada por diversos condicionantes sociales. Cada nueva elección les lleva de forma irreversible hacia un destino. Zhang Chu (Geng Le) es feliz y se siente satisfecho con la vida tranquila que lleva en el pueblo Taoyuan y su exesposa Cao Shujuan (Qi Xi) lo dejó para satisfacer sus aspiraciones en la ciudad. Su novia actual, Li Hong (Lv Xingchen) regresó a Taoyuan desde Beijing por amor, pero nunca ha conseguido el corazón de Zhang Chu. El pequeño pueblo de la película es frío y sombrío, pero posee una playa que refleja de manera metafórica la esperanza que abrigan los personajes a pesar de lo perdidos que están en la vida real.

LV YULAI

Lv Yulai se graduó en la Academia Central de Drama y en el Máster en Dirección Cinematográfica de la Academia de Cine de Beijing, alcanzando reconocimiento por su trabajo tanto delante como detrás de las cámaras. En 2005, protagonizó el debut cinematográfico Peacock(2005). En 2009, ganó el “Nuevo Actor” de la cuarta edición del Foro de Cine Juvenil de China, y el premio al mejor actor del Festival de Cine de Madrid por su actuación en Soundless Wind Chime. Con Trap Street (2013), en el papel protagonista, fue uno de los finalistas en la sección “Semana Internacional de la Crítica” del Festival de Cine de Venecia. En el mismo año, la película, debut cinematográfico y Trabajo Fin de Máster de Lv Yulai, fue nominada por el Festival Internacional de Cine de Busan. En 2017, dirigió Life of Zhang Chu que ganó el premio a la película china “más popular para la nueva generación» en la 2ª edición del Pingyao International Film Festival en 2018.

The Crossing (过春天)
China, Hong Kong, 2018.
Director: Bai Xue.
Reparto: Jiao Gang, Elena Kong, Liu Kai-Chi, Ni Hongjie, Carmen Tong, Sun Yang, Huang Yao.

Peipei (Huang Yao) es una estudiante en Hong Kong por el día, y por la noche vive en Shenzhen con su madre (Ni Hongjie), todos los días se los pasa yendo y viniendo por la frontera que separa las dos ciudades. Para cumplir el compromiso de viajar a Japón con su mejor amiga Jo (Carmen Tong), busca reunir dinero por medio de la ayuda del novio de Jo, Hao, y se convierte en una traficante de contrabando entre Hong Kong y Shenzhen. Desde entonces, el grupo de traficantes, la aduana y la entrega clandestina forman parte de su vida diaria. Así, la joven empieza una aventura que se escapa de su control.

BAI XUE

Bai Xue, graduada en la carrera de dirección cinematográfica de la Academia de Cine de Beijing. En 2007, su trabajo final de grado Carmen ganó el premio a la película sobresaliente en la 4ª edición del Asia International Youth Film Festival. En 2017, participó en el concurso de cineastas jóvenes organizado por la China Film Directors’ Guild, y entró en top 5. Al año siguiente, su película The Crossing fue estrenada en el Festival Internacional de Cine de Toronto como película inaugural de la sección Discovery, luego en el Festival Internacional de Cine de Pingyao, fue ganadora con el premio a la mejor película.

The Pluto Moment (冥王星时刻)
China, 2018.
Director: Zhang Ming.
Reparto: Wang Xuebing, Liu Dan, Zeng Meihuizi, Yi Ping.

El director Wang Zhun (Wang Xuebing), acompañado por su productor, un actor y una fotógrafa, va a las montañas en la zona de Hubei en busca de localizaciones e inspiración para el rodaje de una película inspirada en una canción local para funerales que se titula Historia Oscura. A pesar de la ayuda del guía local, se pierden en lo profundo de las montañas. Las duras condiciones provocan que la relación entre ellos vaya cambiando. Los padecimientos en las montañas, que contrastan con la realidad urbana que han vivido, acaban revelando lo oscuro y la pérdida al director Wang Zhun. Durante una tormenta, el equipo de rodaje encuentra por casualidad a una acogedora familia que vive en la montaña. Al final, lograrán oír cantar la Historia Oscura y al día siguiente, frente a los primeros rayos del sol, Wang Zhun creerá haber encontrado la luz que estaba buscando.

ZHANG MING

Zhang Ming es un director, guionista y productor de cine. Se graduó en la licenciatura de pintura al óleo en la Universidad del Suroeste de China y en el máster de Dirección Cinematográfica en la Academia de Cine de Beijing. Ahora es docente en la misma Academia. En 1996, dirigió su ópera prima titulada In Expectation (1996) y fue premiada en varios Festivales Internacionales de Cine como el de Busan, Vancouver y Fribourg. Con Folk Songs Singing (2010) ganó cinco premios en el Festival Internacional de Cine de Shanghai, incluyendo Mejor guion, Mejor Actriz y Mejor Música. The Moment of Pluto (2017) dirigida y escrita por él fue nominada en la selección Directors’ Fortnight en Cannes. Se hizo cargo del jurado en numerosos festivales internacionales como el Festival de Cine de Busan, el Festival de Cine de Buenos Aires, el Festival de Cine de Okinawa, el Festival de Cine de la Ruta de la Seda de China, etc. Como docente también ha redactado un libro titulado Encontrar un método cinematográfico.

Crossing The Border-ZhaoGuan (过昭关)
China, 2018.
Director: Huo Meng.
Reparto: Yang Taiyi, Li Yunhu, Wan Zhong, Nie Dongcai.

Durante las vacaciones de verano, Ningning, de 7 años, es llevado al pueblo para que su abuelo lo cuide. De casualidad, el anciano conoce la noticia de que un viejo amigo suyo se encuentra en mal estado a causa de un derrame cerebral. Decidido en visitarlo, se monta en su triciclomotor y se pone en marcha con su nieto en un viaje de numerosos kilómetros.

HUO MENG

Huo Meng es guionista, director, productor independiente y graduado de la Universidad de Comunicación de China. Empezó sus producciones independientes en los últimos años. Su cortometraje Las vacaciones de Honguang (2008) ganó el premio al mejor cortometraje en el Festival de Cine de Estudiantes Universitarios de Beijing. En 2015, su película My Best Friends fue nominada en la 7ª edición del Festival Internacional de Cine de Macao.

If You Are Happy (学区房72小时)
China, 2019.
Director: Chen Xiaoming.
Reparto: Guan Xuan, Xu Xing, Fu Miao.

La película se desarrolla alrededor de un tema controvertido en la sociedad china: la necesidad de residir en un barrio de altas rentas para garantizar el acceso a una educación primaria de calidad. El hilo principal parte del protagonista Fu Zhong (Guan Xuan) y su compra de una casa en el distrito escolar que le interesa para la educación de su hija. Con este planteamiento, la película reflexiona sobre la educación infantil, la relación entre padres e hijos, el matrimonio, las relaciones sociales, el dinero y el poder. La cinta pone de relieve las diferencias de clase social con la ansiedad que padecen los padres en las grandes ciudades de China. Estudiada mediante la distancia que ofrecen el teleobjetivo y diálogos desarrollados parcialmente en el dialecto de Shanghai pretende mostrar un fiel reflejo de la parcela social que examina.

CHEN XIAOMING

Chen Xiaoming se graduó de la Academia de Teatro de Shanghái en 1997. En el mismo año, se unió al Centro Artístico del Canal de Televisión de Shanghái trabajando como productor, guionista y periodista. En 2017, editó y dirigió su primera película If You Are Happy.

Cao Cao & Yang Xiu (曹操与杨修)
China, 2018.
Director: Teng Junjie,
Reparto: Shang Changrong / Yan Xingpeng,

Al final de la dinastía Han del Este, la guerra estalló por todas partes. Cao Cao, el primer ministro de Han lanzó una expedición contra las fuerzas aliadas de Sun Quan y Liu Bei, y acabó derrotado en Chibi, formándose así tres poderes igualados. Cao Cao, a pesar de su fracaso ordenó un reclutamiento para vengarse. El célebre Yang Xiu fue bien recibido por Cao Cao cuando se ofreció a unirse. Mediante el enredo y el conflicto de los personajes de Cao Cao y Yang Xiu, la película nos presenta dramáticos lances entre estas grandes figuras envueltas en las vicisitudes de la guerra. La exquisita técnica fotográfica se integra con la tecnología contemporánea, exhibiendo el arte tradicional chino de la ópera de Pekín con una nueva imagen. La tradición artística se entreteje con la nueva interpretación contemporánea, conservando el encanto clásico en su nueva forma.

TENG JUNJIE

Teng Junjie es un reconocido director en China, actualmente desempeña labores de supervisión en Shanghai Media Group y es vicepresidente de Federation of Literary and Art Circles of Shanghái, miembro de China Writers Association, investigador del Centro de Televisión de la Universidad de Pekín, profesor visitante de la Universidad de Comunicación de China, Universidad de Shanghai Jiaotong, Academia de Teatro de Shanghai, Instituto de Educación Física de Shanghai, Universidad de Fudan, y el 6º presidente de la Asociación de Artistas de Televisión de Shanghai. En febrero de 1998, ganó el «Premio Asiático» al productor anual en Tokio, Japón. En mayo de 2011, ganó el «Asia Rainbow TV Awards» en Hong Kong, que se conoce como el «Emmy Award» de Asia. En el siguiente año, ganó el Premio al Mejor Director en China TV Golden Eagle Award. En varias ocasiones ha sido responsable como director general de importantes acontecimientos culturales como las ceremonias de apertura y clausura de la Expo Mundial de Shanghai 2010. En los últimos años, ha dirigido varias películas dramáticas con tecnología 3D y sonido envolvente.

Película de Clausura

Black Snow (本命年)
China, 1990.
Director: Xie Fei.
Reparto: Jiang Wen, Cheng Lin, Cai Hongxiang, Liu Xiaoning.

Li Huiquan (Jiang Wen) entró en la cárcel por haber matado a un hombre durante una pelea con su amigo Chazi (Liu Xiaoning). Después de cumplir condena, regresó al barrio donde creció. Con la ayuda de una vecina y la policía, empezó a ganarse la vida vendiendo artículos de segunda mano en la calle. A través de un misterioso traficante (Cai Hongxiang), conoce a Zhao Chengqiu (Cheng Lin), que sueña con ser una cantante famosa. Todas las noches la acompaña a casa y acaba enamorándose de ella. Cuando Li Huiquan decide comenzar una nueva vida, un imprevisto le sorprenderá…

Xie Fei

Xie Fei es uno de los directores más destacados y conocidos en el ámbito internacional de la cuarta generación de cineastas de la China. En 1965, después de graduarse en el departamento de dirección cinematográfica de la Academia de Cine de Beijing, se dedicó a la docencia universitaria en la misma institución y fue director del departamento. En 1985, se convirtió en vicepresidente de la Academia de Cine de Beijing. En el mismo año, fue elegido el quinto director de la Asociación de Cine de China. En 1988, con Married to a Child, que codirigió, ganó el Premio Don Quijote en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. En el siguiente año, ganó con Black Snow el Oso de Plata a la Contribución Sobresaliente en el Festival Internacional de Cine de Berlín y el Premio al Mejor Largometraje de Hundred Flowers Awards en 1990. Woman Sesame Oil Maker (1993) ganó el Oso de Oro al Mejor Largometraje junto con The Wedding Banquet de Ang Lee. En 1995, en el Festival Internacional de Cine de Montreal, ganó el Premio a la Mejor Dirección con A Mongolian Tale.

Finalizamos hoy nuestro repaso a la programación general del Lychee International Film Festival, que se celebrará entre los días 11 y 15 de septiembre en Madrid, repasando sus secciones retorespectivas, una dedicada al realizado Xie Fei y otra a la Ópera tradicional china.

Retrospectiva Xie Fei

Xie Fei es uno de los directores más destacados y conocidos en el ámbito internacional de la cuarta generación de cineastas de la China. En 1965, después de graduarse en el departamento de dirección cinematográfica de la Academia de Cine de Beijing, se dedicó a la docencia universitaria en la misma institución y fue director del departamento. En 1985, se convirtió en vicepresidente de la Academia de Cine de Beijing. En el mismo año, fue elegido el quinto director de la Asociación de Cine de China. En 1988, con Married to a Child, que codirigió, ganó el Premio Don Quijote en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. En el siguiente año, ganó con Black Snow el Oso de Plata a la Contribución Sobresaliente en el Festival Internacional de Cine de Berlín y el Premio al Mejor Largometraje de Hundred Flowers Awards en 1990. Woman Sesame Oil Maker (1993) ganó el Oso de Oro al Mejor Largometraje junto con The Wedding Banquet de Ang Lee. En 1995, en el Festival Internacional de Cine de Montreal, ganó el Premio a la Mejor Dirección con A Mongolian Tale.

Black Snow (本命年)
China, 1990.
Director: Xie Fei.
Reparto: Jiang Wen, Cheng Lin, Cai Hongxiang, Liu Xiaoning.

Li Huiquan (Jiang Wen) entró en la cárcel por haber matado a un hombre durante una pelea con su amigo Chazi (Liu Xiaoning). Después de cumplir condena, regresó al barrio donde creció. Con la ayuda de una vecina y la policía, empezó a ganarse la vida vendiendo artículos de segunda mano en la calle. A través de un misterioso traficante (Cai Hongxiang), conoce a Zhao Chengqiu (Cheng Lin), que sueña con ser una cantante famosa. Todas las noches la acompaña a casa y acaba enamorándose de ella. Cuando Li Huiquan decide comenzar una nueva vida, un imprevisto le sorprenderá…

A Girl From Hunan (湘女萧萧)
China, 1988.
Director: Xie Fei, Wulan Tana.
Reparto: Na Renhua, Deng Xiaoguang, Zhang Yu.

En una villa rural de China a comienzos del siglo XX, una muchacha llamada Xiaoxiao (Na Renhua) llega desde lejos para casarse. Con 12 años de edad, el matrimonio concertado con un niño de dos años, Chunguan, le parece un juego divertido. Tras incorporarse a su nueva familia, asume los roles domésticos, incluido el cuidado del pequeño Chunguan. Seis años después, Xiaoxiao se ha convertido en una joven carismática. La madre le impone prohibiciones para tratar de ocultar su atractivo femenino, pero no logra refrenar su curiosidad por el mundo. La relación amorosa que inicia con el obrero Huagou se convertirá en un peligro dentro de los muros de la aislada villa.

Women Sesame Oil Maker (香魂女)
China, 1993.
Director: Xie Fei.
Reparto: Wu Yujuan, Lei Kesheng, Siqin Gaowa, Chen Baoguo.

Xiang Er Sao (Siqin Gaowa) es una inteligente gerente en una fábrica de aceite de sésamo. Con la inversión de una comerciante japonesa, la fábrica alcanza un importante desarrollo. Sin embargo, en el aspecto familiar le cuesta salir adelante. Su pareja (Lei Kesheng), discapacitado de una pierna, es alcohólico y su hijo nace con una discapacidad mental. Los únicos momentos de respiro los encuentra con su amante (Chen Baoguo), pero su acto cobarde le desespera…
Queriendo encontrar una mujer para su hijo, separa a una pareja enamorada al obligar a la chica Huanhuan (Wu Yujuan) a casarse con su hijo. Sin embargo, todo se escapará de su control.

Song of Tibet (益西卓玛)
China, 2000.
Director: Xie Fei.
Reparto: Danzengzhuoga, Laqiong, Dawangdui, Renqing Dunzhu.

Durante las vacaciones de verano, Dawa (Laqiong) regresa a Lhasa para visitar a sus abuelos. Desafortunadamente, la enfermedad del abuelo se agrava y fallece. La abuela Yeshe Dolma (Danzengzhuoga) cuenta a Dawa la historia de su vida y sus romances con tres hombres… Este relato le otorga al la cinta un valor único por la singularidad de los valores de la cultura religiosa de los tibetanos y las creencias humanistas sobre el destino y el Samsara, que en la película se enmarcan en la transformación desde el sistema servil hasta la modernidad.

A Mongolian Tale (黑骏马)
Hong Kong, China, 1997
Director: Xie Fei.
Reparto: Tengger, Na Renhua.

Cuando la madre de Bayinbulag fallece, el padre le encarga su cuidado a una simpática anciana. Desde entonces, empieza una vida nómada junto con la nieta de la anciana. Cuando el joven crece, el padre le ordena que se vaya para asistir a la escuela. Antes de la despedida, la abuela decide que Bayinbulag y Somiya contraigan un compromiso de matrimonio. Después de tres años de estudio, Bayinbulag regresa a la pradera y descubre que Somiya está embarazada. Desesperado, el chico vuelve a abandonar la pradera.

Shanghai Film Week: Ópera China

El maestro de marionetas (戏梦人生)
Taiwán, 1993,
Director: Hou Hsiao-Hsien.
Reparto: Li Tien-Lu, Lim Giong, Cheng Kuei-Chung.

Esta película es uno de los clásicos del cine humanista de Taiwán. Como hilo principal se relata la primera mitad de la vida del maestro taiwanés de marionetas, Li Tianlu. La narración oral del Sr. Li se combina con una representación realista, delineando una vida tejida entre el drama y sueño, así como la experiencia de los artistas en el contexto del dominio colonial japonés. Los fragmentos de vida cotidiana, las escenas históricas y las representaciones de ópera se entrelazan en la película según la concepción del arte que tiene el director como indisociable con la vida y la historia.

HOU HSIAO-HSIEN

Hou Hsiao-hsien, nacido en 1947, es un conocido director de cine con una larga trayectoria en importantes festivales de cine nacionales e internacionales. Es una de las figuras más representativas del cine taiwanés y ha sido tres veces ganador del premio Golden Horse al Mejor Director. En 1989, su película La ciudad de la tristeza ganó el premio León de Oro. Su película The Assassin (2015) fue ganadora con el premio al Mejor Director del Festival de Cine de Cannes y el Golden Horse Award, donde también obtuvo el premio Golden Horse al Mejor Drama. Hou Hsiao-hsien a menudo usa teleobjetivos y espejos para conseguir interpretaciones naturales, en su duración. Actualmente, es presidente honorario de la Asociación de Cultura Cinematográfica de Taiwán.

Cao Cao & Yang Xiu (曹操与杨修)
China, 2018.
Director: Teng Junjie,
Reparto: Shang Changrong / Yan Xingpeng,

Al final de la dinastía Han del Este, la guerra estalló por todas partes. Cao Cao, el primer ministro de Han lanzó una expedición contra las fuerzas aliadas de Sun Quan y Liu Bei, y acabó derrotado en Chibi, formándose así tres poderes igualados. Cao Cao, a pesar de su fracaso ordenó un reclutamiento para vengarse. El célebre Yang Xiu fue bien recibido por Cao Cao cuando se ofreció a unirse. Mediante el enredo y el conflicto de los personajes de Cao Cao y Yang Xiu, la película nos presenta dramáticos lances entre estas grandes figuras envueltas en las vicisitudes de la guerra. La exquisita técnica fotográfica se integra con la tecnología contemporánea, exhibiendo el arte tradicional chino de la ópera de Pekín con una nueva imagen. La tradición artística se entreteje con la nueva interpretación contemporánea, conservando el encanto clásico en su nueva forma.

TENG JUNJIE

Teng Junjie es un reconocido director en China, actualmente desempeña labores de supervisión en Shanghai Media Group y es vicepresidente de Federation of Literary and Art Circles of Shanghái, miembro de China Writers Association, investigador del Centro de Televisión de la Universidad de Pekín, profesor visitante de la Universidad de Comunicación de China, Universidad de Shanghai Jiaotong, Academia de Teatro de Shanghai, Instituto de Educación Física de Shanghai, Universidad de Fudan, y el 6º presidente de la Asociación de Artistas de Televisión de Shanghai. En febrero de 1998, ganó el «Premio Asiático» al productor anual en Tokio, Japón. En mayo de 2011, ganó el «Asia Rainbow TV Awards» en Hong Kong, que se conoce como el «Emmy Award» de Asia. En el siguiente año, ganó el Premio al Mejor Director en China TV Golden Eagle Award. En varias ocasiones ha sido responsable como director general de importantes acontecimientos culturales como las ceremonias de apertura y clausura de la Expo Mundial de Shanghai 2010. En los últimos años, ha dirigido varias películas dramáticas con tecnología 3D y sonido envolvente.

In Pursuit of the General (萧何月下追韩信)
China, 2018.
Director: Teng Junjie
Reparto: Chen Shaoyun, Fu Xiru, He Shu, Yan Qinggu, Jin Xiquan.

La película trata de una historia que tuvo lugar en La Contención Chu – Han (206–202 a. C.), un interregno entre la dinastía Qin y la dinastía Han en la historia china. Tras el colapso de la dinastía Qin en 206 a. C., surgieron dos grandes potencias contendientes, Chu y Han occidentales, que lucharon por la supremacía sobre China. Chu occidental estaba dirigido por Xiang Yu, mientras que el líder de Han era Liu Bang. Para ganar la guerra, Liu Bang estaba ansioso por buscar a un buen general militar. Su estratega Zhang Liang le recomendó a Han Xin, que trabajó para Xiang Yu pero no se le reconocía. Liu Bang no aceptó la idea ya que le tenía desprecio a Han Xin: Han Xia había vivido una vida muy pobre y había tenido que pedir comida en la calle. Han Xin partió enojado cuando supo lo que pensaba Liu Bang. Xiao He, el primer ministro de Liu Bang, consideró que Han Xin tenía mucho talento y podía servir a Liu Bang. Persiguió a Han Xin docenas de millas por la medianoche, para persuadirle de que cambie de idea. Al final, afortunadamente, Liu Bang se dio cuenta de su error y designó a Han Xin como general.

TENG JUNJIE

Teng Junjie es un reconocido director en China, actualmente desempeña labores de supervisión en Shanghai Media Group y es vicepresidente de Federation of Literary and Art Circles of Shanghái, miembro de China Writers Association, investigador del Centro de Televisión de la Universidad de Pekín, profesor visitante de la Universidad de Comunicación de China, Universidad de Shanghai Jiaotong, Academia de Teatro de Shanghai, Instituto de Educación Física de Shanghai, Universidad de Fudan, y el 6º presidente de la Asociación de Artistas de Televisión de Shanghai. En febrero de 1998, ganó el «Premio Asiático» al productor anual en Tokio, Japón. En mayo de 2011, ganó el «Asia Rainbow TV Awards» en Hong Kong, que se conoce como el «Emmy Award» de Asia. En el siguiente año, ganó el Premio al Mejor Director en China TV Golden Eagle Award. En varias ocasiones ha sido responsable como director general de importantes acontecimientos culturales como las ceremonias de apertura y clausura de la Expo Mundial de Shanghai 2010. En los últimos años, ha dirigido varias películas dramáticas con tecnología 3D y sonido envolvente.

Legend of The White Snake (白蛇传)
China, 2018.
Director: Tao Hai.
Reparto: Jin Jing, Ruan Jianrong, Ye Jing, Yue Caizhen.

En la montaña Emei de provincia Sichuan, una serpiente blanca y una verde se dedican al cultivo de la virtud. Un día, se aburren de las prácticas diarias que han llevado a cabo durante un milenio y se convierten en dos chicas jóvenes para viajar al mundo humano. Las dos, Bai Suzhen (Jin Jing) y Xiaoqing (Ye Jing), llegan al Lago de Oeste de Hangzhou para disfrutar de la vida terrenal y les surgen ganas de quedarse. Cuando se encuentran con un joven escolar, Xu Xian (Ruan Jianrong), se quedan prendadas de su belleza. La serpiente blanca Bai Suzhen se enamora de él, y, entonces, llama al viento y a la lluvia para aprovechar la ocasión para acercarse al joven. Le pide el paraguas, y los dos quedan al día siguiente para verse y devolverlo. Con la ayuda de Xiaoqing, al final Bai Suzhen y Xu Xian se casan y empiezan a vivir juntos. Abren una pequeña clínica en Suzhou, y ayudan con bondad a la gente pobre. El monje Fahai, que no puede permitir que el demonio y el ser humano se casen, intenta separar a Xu Xian y Bai Xuzhen, pero no lo logra. Hasta que el día de la Fiesta de Doble Cinco, Bai Xuzhen bebe el vino con rejalgar por error, y por influencia del vino, revela su fisonomía original de serpiente…

La pasada edición del Sitges Film Festival pudimos disfrutar de la película coreana Believer, remake de la cinta hongkonesa de acción Drug War, dirigida por Johnnie To. Entre los invitados al evento se encontraba su director, Lee Hae-young, y tuvimos la suerte de poder charlar con él, junto a nuestros amigos de Cineasia, y que nos contará un poco como se gestó el proyecto y como fue adentrarse en una obra de la categoría de la de Johnnie To.

Participa en el guión de muchas películas, una de las primeras fue Arahan, que tuvo bastante repercusión en nuestro país, también es director. ¿Que faceta le apasiona más del mundo cinematográfico?

Realicé Arahan cuando trabajaba como guionista, solo participé en la edición del guión y fue durante poco tiempo. Obviamente esta película es obra de Ryoo Seung-wan, representa claramente su forma de hacer cine, su identidad. En la actualidad me recuerda mi juventud, fue una experiencia muy interesante y divertida. A mi me gusta la película, pero como espectador.

La verdad es que escribir un guión requiere mucha energía, es un trabajo duro y complejo. Por su parte la dirección es un trabajo de responsabilidad, un gran trabajo, pero creo que me siento más realizado a la hora de dirigir una película, más que escribiendo un guión. Ser director es un trabajo que me frustra, conlleva una gran dificultad y debo sobreponerme a ella para sacar adelante el proyecto, pero es muy estimulante y me esfuerzo mucho para conseguirlo.

Comienza su carrera como director con Like a Virgin en 2006 ganando un montón de premios tanto de crítica como de público, sin embargo, es Believer la película que le ha dado mayor éxito en taquilla de toda su carrera con más de 5 millones de espectadores.

Después de Like a Virgin realicé dos películas más, Foxy Festival (2010) y The Silenced (2015) -que también estuvo aquí en Sitges-, pero estas producciones, aunque tuvieron cierta repercusión y premios, no fueron un gran éxito de taquilla. Tenía que demostrar que soy un director capaz de atraer al público al cine, que soy un profesional en el sentido comercial. Necesitaba hacer esto para seguir siendo director, si no demostraba esta capacidad no podría continuar en esta industria, esa era mi misión. Quizás con esta película no voy a ganar premios, pero su éxito me traerá en el futuro muchas más oportunidades de hacer cine, al igual que Like a Virgin me posibilitó debutar como cineasta. Aquella abrió una primera parte de mi vida cinematográfica y Believer me abre ahora una segunda parte.

Es cierto que hace dos años estuvo aquí con The Silenced (2015) en la sección Seven Chances, una película con un universo muy femenino. Ahora es todo lo contrario, Believer tiene un plante casi exclusivo de actores. ¿Como surge este proyecto? ¿Por qué Drug War de Johnnie To?.

Desde mi debut con Like a Virgin mis tres películas han sido muy femeninas, tratan alrededor de los sentimientos cotidianos. Para la cuarta quería hacer algo de otra categoría, además que siempre he tenido ganas de adentrarme en el género pero no tenía nada claro como hacerlo, como crear un universo masculino con suficiente fuerza. Era un deseo, estaba en mi cabeza pero solo ahí, así que cuando surgió el proyecto de hacer el remake de Drug War vi claramente que esta era mi oportunidad. Realmente quería expandir mi mundo cinematográfico a través de esta película y, obviamente, no fue un proceso fácil para mi.

Johnnie To es un gran director y ni me planteo poder llegar a su nivel, sus películas son muy duras e impactantes, lleva al extremo muchas situaciones. Yo no quiero enfrentarme a este estilo, quiero interpretar su película a mi manera y darle mi propio estilo, dibujarla con mis propios colores y hacer mi propia película aunque fuera un remake.

¿Que fue lo más difícil de trasladar a Corea del Sur una historia con un planteamiento tan Hongkonés?. Vemos en la película elementos que nos recuerdan mucho al cine de Hong Kong, como por ejemplo la música, huir un poco de la música clásica tan típica del thriller coreano para introducir electrónica. También parece ser más dura, más directa.

Quizás la electrónica es mi propio gusto… (risas)

En lo referente a la comparación hay que decir que en Corea del Sur no existe una gran mafia organizada en torno a la droga, el consumo de droga es muy bajo y los que trapichean con ellas son delincuentes de poca envergadura. No podía trasladar esta situación a mi película porque los espectadores no lo aceptarían, por eso, para conseguir la verosimilitud, aposté por el estilo para atraer al público, Believer debía tener su propio estilo.

Drug War podríamos dividirla en dos partes y yo tomé como referencia toda su primera mitad, reinterpretando la segunda. Quería darle otra temperatura, que fuera otra película diferente. Una de las partes más importantes son sus personajes, que también intenté adaptar a lo que quería obtener. Realmente todos los cambios van orientados a crear ese nuevo carácter que estaba buscando.

Uno de los actores que más nos gustan, y del que algunas de sus películas se han editado en España, es el recientemente fallecido Kim Joo-hyuk. En Believer realmente está espectacular interpretando un papel muy diferente al del resto de su carrera. ¿Como trabajó con él para obtener este resultado? Realmente creemos que es una de las grandes virtudes de la película.

Antes de esta película Kim Joo-hyuk nunca hizo un papel de villano, pero yo veía en él un fuego interno que, si era capaz de sacar, sería todo un espectáculo. Cuando le di el guión estuvimos conversando mucho tiempo y perfilando algunos detalles, pero nunca me dijo como iba a orientar al personaje: “Ya lo verás cuando comencemos a rodar”. Realmente no sabía que esperar de todo aquello. Cuando comenzamos el rodaje, se caracterizó y cuando empezamos todos nos quedamos sorprendidos, su interpretación pasó por encima al equipo y nos dejó boquiabiertos.

Este es el mayor recuerdo que tengo de él. Aún hoy los miembros del equipo, o conversando con amigos, hablamos de este papel. Que Believer fuera la última película antes de su accidente es una suerte para mí pero a la vez una gran pena, gracias a su interpretación mi película ganó un nivel más. Sin duda fue un gran actor.

Sin tiempo para más nos despedimos de Lee Hae-young, esperando que esta nueva etapa en su carrera nos haga disfrutar de grandes películas como Believer en un futuro cercano.

Por Gloria Fernández (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca).

Con el objetivo de acercar el cine coreano a un público más amplio, el Centro Cultural Coreano lleva su ciclo de cine a Andalucía. En colaboración con la Filmoteca de Andalucía, el ciclo de Cine Coreano se llevará a cabo en las diferentes sedes regionales -Córdoba, Almería, Sevilla y Granada- y tendrán lugar de septiembre a diciembre. Aqui indicaremos la programación general que aparece en la web del Centro Cultural Coreano, os recomiendo ir mirando la web de la Filmoteca de Andalucía para conocer los horarios definitivos y posibles cambios.

PEPPERMINT CANDY
Lee Chang-Dong. Corea del Sur. 1999.
Intérpretes: Sul Kyoung-gu, Yeo-jin Kim, Moon So-ri, Jung Suh.

El suicidio de Yhongo sirve como acto de entrada a la retrospectiva de la historia de su vida, la cual entraña truncadas relaciones de amor, desventuras de un soldado o las vivencias de un cartero marcado por la guerra y la pérdida. Una historia que implica inevitablemente reflexión, pues los ojos de Yhongo nos adentran en la convulsa situación de Corea del Sur entre los años 1979 y 1999, sus secuelas y su reflejo en los habitantes. Película que recorrió varios festivales, obteniendo los premios a la mejor película y mejor director en los Grand Bell Awards.

11 / sep Córdoba, Sala Val Del Omar.
12 / sep Córdoba, Sala Val Del Omar.
21 / sep Almería.
30 / sep Sevilla.
27 / nov Granada.

LITTLE FOREST
Yim Soon-rye. Corea del Sur. 2018.
Intérpretes: Kim Tae-ri, Moon So-ri, Ryu Jun-yeol, Jin Ki-joo.

Una mujer joven se cansa de la vida en la ciudad y regresa a su ciudad natal en el campo donde disfruta de la gastronomía basada en la sencillez.

19 / sep Córdoba, Sala Val Del Omar.
20 / sep Córdoba, Sala Val Del Omar.
28 / sep Almería.
14 / oct Sevilla.
20 / nov Granada.

JOINT SECURITY AREA (JSA)
Park Chan-wook. Corea del Sur. 2000.
Intérpretes: Lee Byung-Hun, Song Kang-ho, Lee Young-ae, Shin Hakyun, Kim Tae-woo, Shin Ha-kyun, Kwon Sang-Woo, Kim MyeongSu, Herbert Ulrich.

Los cadáveres de dos soldados norcoreanos son hallados en el “Área de Seguridad Compartida” que separa las dos Coreas, aparentemente asesinados por un soldado surcoreano. Corea del Norte lanza la acusación de que el suceso se debe a un flagrante ataque por parte de Corea del Sur, mientras que esta mantiene la acusación del secuestro con final trágico por parte de sus vecinos del norte. Para investigar el caso se destina a la zona a una oficial del Departamento de Inteligencia Militar suizo, de origen coreano. La oficial comienza a investigar y el caso se convierte en un misterio, ya que hay 16 balas en los cuerpos, y del arma del soldado sólo pueden haber salido 15…

24 / sep Córdoba, Sala Val Del Omar.
25 / sep Córdoba, Sala Val Del Omar.
05 / oct Almería.
28 / oct Sevilla.
11 / dic Granada.

OASIS
Lee Chang-Dong. Corea del Sur, 2002.
Intérpretes: Sul Kyoung-gu, Moon So-ri, Ahn Nae-sang, Ryoo Seung-Wan, Chu Kwi-Jung, Kim Jin-Gu, Son Byung-ho, Park Myeong-Shin.

Jong-Du, un hombre con una leve discapacidad psíquica, acaba de salir de la prisión después de cumplir condena por un atropello accidental. Al volver a casa, su familia no lo recibe precisamente con los brazos abiertos, pero aun así, intentará adaptarse. Un día decide hacer una visita a la familia del hombre muerto en el accidente, y conoce su hija, Gong-Ju, que sufre parálisis cerebral, y a quien su hermano está abandonando en un miserable apartamento. Jong-Du y Gong-Ju pronto mantendrán, después de un primer encuentro conflictivo, una relación amorosa que sufrirá la incomprensión de aquéllos que los rodean.

01 / oct Córdoba, Sala Val Del Omar.
02 / oct Córdoba, Sala Val Del Omar.
12 / oct Almería.
11 / nov Sevilla.
04 / dic Granada.

Aquí estamos amigos, un año más, para acercaros toda la programación asiática que podrá disfrutarse en la quincuagésimo segunda edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Sitges Film Festival 2019, que se celebrará del 3 al 13 de octubre. Todos los detalles de las películas que formarán parte del festival se conocieron ayer mismo, además, nuestros amigos de CineAsia publicaron su tradicional entrevista con Ángel Sala y Mike Hostench, donde desgranaron lo más asiático de la programación. Nosotros comenzamos por el principio, centrándonos hoy en la sección Oficial, tanto a competición como fuera de ella, y en el Panorama Fantástico.

SECCIÓN OFICIAL

HER BLUE SKY
Japón. 2019.
Dirección: Tatsuyuki Nagai.
Reparto: Ryo Yoshizawa, Riho Yoshioka, Shion Wakayama.

Cuando murieron sus padres, Akane se quedó en su pueblo natal para cuidar de su hermana pequeña Aoi. Años después, el exnovio de Akane, Shinnosuke, regresa a la localidad para actuar en un festival de música. En paralelo al reencuentro entre los antiguos amantes, Aoi conoce al yo adolescente de Shinnosuke, que ha viajado en el tiempo, y se cuela por él. El equipo de la conmovedora El himno del corazón regresa con una sorprendente historia llena de romance y anhelos juveniles.

SAMURAI MARATHON
Japón, Reino Unido. 2019.
Dirección: Bernard Rose.
Reparto: Takeru Satoh, Nana Komatsu, Mirai Moriyama.

Harto de la holgazanería de sus samuráis, un señor feudal decide someterles a un exigente maratón. Entre los concursantes se encuentra un joven ninja infiltrado en las tropas del mandatario y la hija del feudal, una chica rebelde que esconde su identidad bajo un disfraz. Inspirada en una carrera que se celebra cada año en Japón, Samurai Marathon derrocha acción, épica e intriga.

PANORAMA FANTÁSTICO

MISTERIO DE LA NOCHE (MYSTERY OF THE NIGHT)
Filipinas. 2018.
Dirección: Adolfo Borinaga Alix Jr..
Reparto: Solenn Heussaff, Benjamin Alves, Gina Alajar.

1900, en la Filipinas colonial. Una mujer criada en un bosque encantado por unas ninfas experimenta el amor por primera vez. Enamorada de un hombre de ciudad, vivirá el dolor de la traición y la ruptura, que canalizará en forma de una tremenda furia. La mujer se transformará así en Aswang, un ser mitológico dispuesto a vengarse y a condenar a su amado a sufrir para siempre.

SADAKO
Japón, 2019.
Dirección: Hideo Nakata.
Reparto: Elaiza Ikeda, Hiroya Shimizu, Hitomi Sato.

Incapaz de decir nada más que su nombre, una chica es hospitalizada en un centro psiquiátrico. Allí la atiende Mayu, que se encariña con ella. Cuando el hermano de Mayu desaparezca mientras intentaba subir un absurdo vídeo, esta seguirá sus pistas hasta la isla de Izu-Oshima, donde el rastro de su hermano y el de su paciente se encuentran con la maldición de aquel gran mito del terror llamado Sadako.

SUPER ME (CHAO JI DE WO)
China, 2019.
Dirección: Zhang Chong.
Reparto: Wang Talu, Song Jia, Cao Bingkun.

Cada vez que Sang Yu cierra los ojos, un demonio lo persigue y lo mata en sueños. Esa es la parte mala. La buena es que también posee una habilidad: es capaz de traer tesoros del mundo onírico a la vigilia, haciéndose rico de la noche a la mañana, literalmente. Pero esa opulencia atraerá la atención de un criminal sin escrúpulos.

THE ODD FAMILY: ZOMBIE ON SALE
Corea del Sur. 2019.
Dirección: Lee Min-jae.
Reparto: Jung Jae-young, Kim Nam-gil, Um Ji-won.

No hay motor más peligroso que el dinero. Una importante farmacéutica lleva a cabo experimentos ilegales con humanos. Uno de los tests sale mal y resulta en la creación de un zombi. La extraña familia Park se encontrará con el no muerto, pero lejos de asustarse, el clan planea aprovecharse y sacar algún rédito económico de la criatura. ¿Conseguirá el pobre zombie escapar de las garras de los Park?

Curiosamente, este año en el Sitges Film Festival la sección Noves Visions contiene una buena cantidad de cine asiático, ofreciéndonos un variado recorrido por cine de género curioso y peculiar, muy personal en muchos casos, entre los que se incluyen las dos propuestas del director japonés SABU JAM y Dancing Mary, la nueva e inquietante película de Tetsuya Nakashima It Comes, lo último de realizadores como Sion Sono o Lav Diaz y nuestro esperado geki-cine Siren in the Shadows, que promete volver a ser toda una experiencia. Repasamos toda la programación a continuación.

NOVES VISIONS

DANCING MARY
Japón, Alemania, 2019.
Dirección: SABU.
Reparto: Naoto, Aina Yamada, Nozomi Bando.

Kenji es el miembro más joven de un equipo encargado de construir un gran centro comercial. Pero, para crear el nuevo complejo, hay que destruir un antiguo local de baile, y cada esfuerzo para echar abajo el edificio es boicoteado por un misterioso poder. De hecho, existe el rumor de que el local está maldito, y el equipo de construcción pensó en contratar exorcistas, pero ninguno de ellos parece encontrar la solución.

IDOL (WOO-SANG)
Corea del Sur, 2019.
Dirección: Lee Su-jin.
Reparto: Han Seok-kyu, Sul Kyung-gu, Chun Woo-hee.

El destino de dos hombres está ligado por un accidente en el que ninguno estuvo. Por un lado, Myung-hui, un exitoso político, intenta convencer a su hijo para que diga la verdad sobre el accidente en el que estuvo implicado. Por el otro, Joon-sik ve cómo su vida se hace pedazos tras la muerte de su hijo. Cuando una chica que estaba la noche del accidente desaparezca, los dos padres la buscarán desesperadamente… pero con motivos diferentes.

IT COMES (KURU)
Japón, 2019.
Director: Tetsuya Nakashima.
Reparto: Junichi Okada, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki.

Hideki lleva una vida perfecta, al menos hasta que, un día, un compañero de trabajo le anuncia que tiene una visita. Cuando llega a la recepción, no ve a nadie, pero encuentra un informe sobre su hija que no nació. Dos años más tarde, el compañero muere misteriosamente y una presencia siniestra acecha la casa de Hideki, que decide recurrir a un exorcista. El director de Confessions brinda otra obra visceral y tensa.

NINA WU
Taiwan, Malasia, Birmania, 2019.
Dirección: Midi Z.
Reparto: Wu Ke-xi, Sung Yu-hua, Hsia Yu-chiao.

Tras ocho años malviviendo a base de pequeños papeles, Nina Wu ha conseguido el rol principal en un thriller de espías situado en los años sesenta y que incluye escenas de sexo explícito. Bajo una presión extrema por parte del director, Nina comienza a quebrarse. Para colmo, no deja de imaginar que una misteriosa mujer la persigue, desencadenando una paranoia que luce en la pantalla de forma extremadamente estilizada y elegante.

THE HALT (ANG HUPA)
Filipinas, 2018.
Dirección: Lav Diaz.
Reparto: Piolo Pascual, Joel Lamangan, Shaina Magdayao.

Año 2034. Una catastrófica erupción volcánica ha sumido el continente asiático en la oscuridad total, y el gobierno de Filipinas está en manos de la demencia totalitaria. Con este escenario distópico y su habitual metraje épico, Lav Diaz despliega en The Halt una de sus obras más directas y explícitamente políticas.

THE LONG WALK
Laos, España, Singapur, 2019.
Dirección: Mattie Do
Reparto: Yannawoutthi Chanthalungsy, Por Silatsa, Noutnapha Soydara.

Un viejo ermitaño laosiano descubre que el fantasma de la víctima de un accidente de tráfico puede transportarlo al pasado, permitiéndole volver cincuenta años atrás, hasta el momento de la dolorosa muerte de su madre. La directora de Dearest Sister, Mattie Do, regresa con este drama de terror, original y emocionalmente intenso.

JAM
Japón, 2018.
Dirección: SABU.
Reparto: Sho Aoyagi, Keita Machida, Nobuyuki Suzuki.

Tres hombres viven en la misma ciudad. Hiroshi, un cantante de Enka apenas popular. Takeru practica una suerte de culto, con la creencia de que así curará a su estimada novia. A Tetsuo, por su parte, le persiguen los yakuza. Los tres caminos se irán entrelazando, de la mano del maestro SABU que este año hace doblete con Jam y con Dancing Mary.

WE ARE LITTLE ZOMBIES
Japón. 2019.
Dirección: Makoto Nagahisa.
Reparto: Keita Ninomiya, Satoshi Mizuno, Mondo Okumura.

Un día soleado, cuatro adolescentes se encuentran por azar en un crematorio. Todos ellos han perdido a sus padres y deberían estar tristes, pero no logran llorar. Solos en un mundo sin futuro, deciden vestirse con lo que encuentran, convertir sus objetos favoritos en instrumentos y formar una banda de música que se llamará Little Zombies. Esta es la historia (de colorismo alucinado) de cuatro chavales en busca de sus emociones.

DEMONS
Singapur. 2018.
Dirección: Daniel Hui.
Reparto: Yanxuan Vicki Yang, Glen Goei.

Cuando Vicky obtiene un papel en la nueva producción teatral de Daniel, lo toma como la oportunidad de su vida; pero este será el comienzo de un abuso sistemático por parte de Daniel. Desprotegida por parte de su entorno, Vicky decidirá que solo ella puede tomar cartas en el asunto. Una sátira de terror, sobre el poder, el arte y la violencia sistémica que esconde la sociedad.

THE FOREST OF LOVE
Japón. 2019.
Dirección: Sion Sono.
Reparto: Kippei Shiina, Shinnosuke Mitsushima, Eri Kamataki.

Jo Murata es un hombre despiadado que usa su carisma para manipular a la gente. Cuando Murata conoce a Shin, este decide que Murata y su turbulenta relación con Mitsuko serían el tema perfecto para su película. A medida que avanza el rodaje, las mentiras comienzan a no distinguirse de la verdad y los límites de la humanidad se ponen a prueba, dando como resultado actos tan estremecedores como repugnantes.

SIREN IN THE SHADOWS (SHURATENMA)
Japón. 2019.
Dirección: Takuji Izumi.
Reparto: Yuki Amami, Arata Furuta, Ryo Ryusei.

Japón, 1582. Tras la muerte de un poderoso Señor, diversos grupos luchan por ocupar el poder en el territorio. Una geisha con habilidades letales es contratada para asesinar al líder de los Kanto Skulls. Sin embargo, el objetivo guarda un gran parecido con el hombre al que una vez amó. Por tercer año consecutivo, el grupo teatral Gekidan?Shinkansen presenta en Sitges la adaptación audiovisual de sus espectaculares actualizaciones del kabuki.

La sección Órbita del Sitges Film Festival siempre nos acerca thrillers y cintas de acción que merece la pena ver, sobre todo a los que, como a mi, les encanta el género. En esta ocasión podremos ver 4 películas que tengo puestas en la lista de visionados como imprescindibles, sobre todo al coreano Ma Dong-seok por partida doble y la china The Wild Goose Lake, dirigida por Diao Yinan -cuya anterior película es la conocida y excepcional Black Coal, Thin Ice-, cuyo tráiler me tiene loco desde el primer día que lo vi. Además incluyo aquí una de las sesiones especiales del festival, dedicada a ese cine tan de moda en china que combina animalitos CGI, acción marcial y un tono muy familiar.

ÓRBITA

BODIES AT REST
China, Hong Kong, 2019.
Dirección: Renny Harlin.
Reparto: Nick Cheung, Richie Jen, Yang Zi.

Durante una tempestuosa noche de Navidad en Hong Kong, tres criminales se infiltran en la morgue y exigen al forense de guardia que extraiga una bala del cadáver de una joven, con la finalidad de eliminar las pruebas de su implicación en el asesinato. El plan se tuerce de manera imprevista, desatando un festival de acción servido con mano maestra por Renny Harlin.

THE GANGSTER, THE COP, THE DEVIL
Corea del Sur, 2019.
Dirección: Lee Won-tae.
Reparto: Ma Dong-seok, Kim Moo-yul, Kim Sung-kyu.

El inspector Jung no es el único obsesionado con atrapar a un asesino en serie que apuñala brutalmente a sus víctimas: el asesino ha cometido el error de atacar a un importante jefe mafioso, que ahora le persigue. A partir de aquí, el policía hará un pacto con el demonio, uniendo su destino al del despiadado gángster. The Gangster, the Cop, the Devil ahonda en el mal y se suma a la deslumbrante lista de thrillers coreanos de las últimas décadas.

UNSTOPPABLE
Corea del Sur, 2018.
Dirección: Kim Min-ho.
Reparto: Ma Dong-seok, Song Ji-hyo, Kim Sung-oh.

Dong-chul deja atrás su violento pasado para empezar una nueva vida junto a su esposa. Un día, al llegar a casa, descubre que esta ha sido raptada. En lugar del maletín lleno de dinero que le piden los secuestradores, estos recibirán el impacto frontal de la cólera de alguien con quien jamás deberían haberse metido. Unstoppable es un recital de mamporros con Ma Dong-seok, la nueva estrella de la acción coreana, al frente.

THE WILD GOOSE LAKE (NAN FANG CHE ZHAN DE JU HUI)
China. 2019.
Dirección: Diao Yinan.
Reparto: Hu Ge, Gwei Lun Mei, Liao Fan.

Zhou intenta huir desesperadamente de una pelea entre bandas. Mientras intenta proteger a su mujer, una suerte de femme fatale le ofrece su ayuda. Los elementos propios del noir se encuentran aquí con un paisaje de luces de neón y lluvia incesante, que convierte los típicos paraguas transparentes en una inesperada arma. En la platea del pasado Festival de Cannes, Quentin Tarantino se puso en pie para aplaudir esta película a un ritmo frenético y de formas estilizadas.

SESIÓN ESPECIAL

KUNG FU MONSTER
Hong Kong, China. 2019.
Dirección: Andrew Lau.
Reparto: Louis Koo, Zhou Dong-yu, Cheney Chen.

Durante la era Wanli de la dinastía Ming, una criatura revoltosa se escapa del palacio imperial. Una legión de cazarrecompensas tratará de capturarla, pero la misión no resultará sencilla… Andrew Lau regresa con un wuxia cómico y para todos los públicos, coronado con asombrosos efectos especiales.

Este año la animación durante el Sitges Film Festival viene muy potente, incluyendo las nuevas películas de realizadores japoneses tan conocidos como Keiichi Hara, Makoto Shinkai o Masaaki Yuasa, además de obras muy esperadas como Children of the Sea o Human Lost. En los últimos años la animación china también se ha ido abriendo un hueco en el festival, estando presente en esta edición a través de White Snake, nueva versión de la conocida historia tradicional realizada en animación CGI.

ÁNIMA’T

CHILDREN OF THE SEA (KAIJU NO KODOMO)
Japón, 2019.
Dirección: Ayumu Watanabe.

Ruka, una estudiante de secundaria a la que le cuesta expresar sus sentimientos, visita el acuario donde trabaja su padre y ve a dos jóvenes, Umi y Sora, nadando entre las ballenas. El encuentro entre los tres activará una serie de fenómenos sobrenaturales, pero hay quienes saben que estos sucesos están relacionados con Umi y Sora, y tratarán de utilizarlos en su propio beneficio.

HUMAN LOST
Japón. 2019.
Dirección: Fuminori Kizaki.

Año 2036. Una revolución en el mundo de la medicina ha logrado superar a la muerte colocando pequeñas nanomáquinas en el denominado “Shell System”. Sin embargo, sólo los más pudientes pueden acceder a esta tecnología. Yozo Oba no está entre ellos. Perturbado por sus extraños sueños, decide entrar a formar parte del grupo de moteros de su mejor amigo justo antes de que éstos se adentren en “The Inside”, el lugar en el que vive la élite. Una vez dentro, una serie de terribles descubrimientos cambiarán para siempre la vida de Yozo.

ONE PIECE: STAMPEDE
Japón, 2019.
Dirección: Takashi Otsuka.

Luffy y el resto de la tripulación de Sombreros de Paja reciben la invitación del anfitrión de la mayor feria del mundo de los piratas. El plato fuerte es la caza de un tesoro que da pie a una batalla campal en la que se mezclan enemigos y aliados, piratas enloquecidos y marines tratando de capturar a todos los piratas de una vez. La lucha por el tesoro desembocará en una caótica e impredecible estampida.

RIDE YOUR WAVE
Japón. 2019.
Dirección: Masaaki Yuasa.

Cuando la surfista Hinako pierde al amor de su vida, el bombero Minato, este se le aparece en forma de agua para cumplir su promesa de seguir protegiéndola.

THE WONDERLAND
Japón, 2019.
Dirección: Keiichi Hara.

Al descubrir que al otro lado de la puerta del sótano de la tienda de su tía hay un país de las maravillas, Akane se embarca en una aventura inolvidable en un mundo mágico enfrentado a una crisis sin precedentes: una grave sequía que está provocando la pérdida de los colores. Tras el éxito de Miss Hokusai, Keiichi Hara regresa con una adaptación de Sachiko Kashiwaba, uno de los escritores de cuentos infantiles más queridos en Japón.

WHITE SNAKE
China, 2019.
Dirección: Amp Wong, Ji Zhao.

Blanca, una mujer que ha perdido la memoria, recibe la ayuda de Sean, un cazador de serpientes junto al que intentará conocer su identidad. Por el camino, tendrán que superar diversos obstáculos, a la vez que el afecto va creciendo entre ellos. Justo cuando están a punto de descubrir quién es Blanca, se produce el desastre…

WEATHERING WITH YOU
Japón. 2019.
Dirección: Makoto Shinkai.

Un joven estudiante de bachillerato huye de casa para ir a vivir a Tokyo, donde conoce a una chica con el poder de detener la lluvia y despejar el cielo.

El Festival Internacional de Cine de San Sebastián llega este año a su sexagésimo séptima edición proyectando algunas perlas de países asiáticos de lo más esperadas por los aficionados como The Wild Goose Lake del realizador chino Diao Yinan, la también china So Long My Son de Wang Xiaoshuai, lo último del japonés Takashi Miike First Love y la última obra del animador Makoto Shinkai Weathering with You, sin olvidar la Palma de Oro en el festival de Cannes, Parasite de Bong Joon-ho.

Hoy repasamos la presencia asiática en las secciones principales del evento, recomendándoos que no os quedéis qui, que entréis en la web del Festival e indaguéis ya que, aparte de estas producciones, podréis ver varias cintas en la sección Culinary Zinema, creada en colaboración con el Festival Internacional de Cine de Berlín y organizada conjuntamente con el Basque Culinary Center para unir el cine, la gastronomía y el desarrollo de diversas actividades relacionadas con la alimentación en los ámbitos de la educación, la ciencia y la agricultura. Consta de una selección no competitiva de propuestas cinematográficas relacionadas con la gastronomía que son acompañadas de cenas temáticas, entre las que se incluyen Japón y Corea del Sur.

Además, el SSIFF programa este año un curioso Focus titulado Chinese Opera Film Screening, patrocinado por la Shanghai Film Distribution and Exhibition Association, creada en junio de 2013. La ópera china es uno de los patrimonios culturales más representativos, únicos y populares de la cultura tradicional china, de la que es su quintaesencia. Las cuatro películas proyectadas en esta sección están entre las mejores de los últimos años en su género. Todas ellas reflejan la elegancia de la ópera china en formato cinematográfico.

Sección Oficial

A DARK-DARK MAN
Kazajistán, Francia. 2019.
Dirección: Adilkhan Yerzhanov
Reparto: Daniyar Alshinov, Dinara Baktybayeva, Teoman Khos

Un niño es asesinado en un pueblo kazajo. El detective Bekzat quiere terminar la investigación cuanto antes: después de todo, la policía local ya ha encontrado al autor. Pero cuando una periodista llega desde la ciudad, todo se desmorona. Por primera vez en su carrera, Bekzat debe realizar una investigación de verdad siguiendo el procedimiento.

Adilkhan Yerzhanov (Djezkazgan, Kazakhstan. 1982) dirgió en 2001 su primer largometraje, Rieltor (Realtor), al que siguieron Stroiteli (Constructors, 2013), Ukkili kamshat (The Owners, 2014), presentada fuera de competición en el Festival de Cannes, Chuma v aule Karatas (The Plague at the Karatas Village, 2016), proyectada en el Festival de Rotterdam, Nochnoy Bog (Night God, 2018), estrenada en el Festival de Moscú, y Laskovoe bezrazlichie mira (The Gentle Indifference of the World, 2018), que formó parte de la sección Un Certain Regard en el Festival de Cannes.

LA MU YU GA BEI / LHAMO AND SKALBE
China. 2019.
Dirección: Sonthar Gyal
Reparto: Sonam Nyima, Dekyid , Sechok Gyal

Lhamo y Skalbe no logran casarse porque descubren que Skalbe ya tiene un matrimonio registrado. Los recuerdos volverán de golpe mientras Skalbe parte en busca de su ex mujer, Cuoyehe, y descubre que la joven renunció a la vida secular cuando rompió su promesa de matrimonio hace cuatro años. La identidad religiosa de Cuoyehe complicará el intento de divorcio de Skalbe. Por otro lado, Lhamo se vuelve distante. Presionada para ensayar una ópera tibetana llamada La epopeya del Rey Gesar para el año nuevo chino, Lhamo encarnará al personaje principal, Ngada Namo, una mujer ‘pecadora’ que ha caído en el infierno. A medida que crece la antipatía de Lhamo hacia el personaje, también comienza a emerger su miedo al matrimonio desde un secreto enterrado en lo más profundo de su corazón.

Sonthar Gyal (China. 1974) creció entre pastores en la provincia de Qinghai, en China. Tras estudiar en la Academia de Cine de Beijing, se convirtió en uno de los miembros más destacados de la primera generación de cineastas tibetanos, con títulos como Dbus lam gyi nyi ma (The Sun Beaten Path, 2011), con la que compitió en el Festival de Locarno, Gtsangbo (River, 2015), presentado en la sección Generation Kplus del Festival de Berlín y Ala Changso (2018), galardonado con el Gran Premio del Jurado y el premio al Mejor Guión en el Festival de Shanghai.

New Directors

SCATTERED NIGHT
Corea del Sur. 2019.
Dirección: Lee Jihyoung, Kim Sol
Reparto: Moon Seunga, Choi Junwoo, Kim Hyeyoung, Lim Hojun

Los hermanos Sumin y Jinho viven juntos. Un día, sus padres les anuncian su inminente divorcio. Aún no han decidido cómo será la separación de los cuatro miembros de la familia y les piden esperar unas dos semanas. A Sumin le preocupa alejarse de Jinho y saber si vivirá con su padre o con su madre. Hasta que un día, éstos le hacen una sugerencia. Ópera prima.

Lee Jihyoung (Bucheon, Corea del Sur. 1988) y Kim Sol (Buyeo, Corea del Sur. 1992) estudiaron Dirección en la Dankook Graduate School of Cinematic Content. Lee dirigió en 2018 el segmento Meeting, incluido en el film colectivo Share. Por su parte, Kim se puso por primera vez tras la cámara en 2016 en el cortometraje Inertia, que se proyectó en el Festival de Cine de la Juventud de Seúl. Ambas debutan en el largometraje con Scattered Night, que obtuvo el Gran Premio y el Premio a la Mejor Actriz de la competición coreana del Festival de Jeonju (2019).

YOAKE NO TAKIBI / BONFIRE AT DAWN
Japón. 2019.
Dirección: Koichi Doi.
Reparto: Motonari Okura, Yasunari Okura, Raiju Kamata, Akira Sakata.

Motonari Okura desciende de una familia de artistas con 650 años de experiencia en el Kyogen, una rama del teatro tradicional japonés. Un invierno viaja con su hijo de diez años a una casa aislada en la montaña para adiestrarle en un estricto régimen que incluye ensayar y limpiar. Un día reciben la visita de un viejo amigo y de su nieta. Ópera prima.

Tras graduarse en la Tama Art University, Koichi Doi (Yokohama, Japón. 1978) comenzó a trabajar bajo la tutela del director Seiichi Motohashi, que se convirtió en su mentor. A sus órdenes debutó como ayudante de dirección en Baobabu no kioku (A Thousand Year Song of Baobab, 2009). Repitió como ayudante de dirección en Foujita (2015), de Kohei Oguri. Hasta la fecha ha dirigido los cortometrajes Maki-e y Cho-kin. Yoake no takibi es su primer largometraje.

Zabaltegi Tabakalera

HATSUKOI / FIRST LOVE
Japón. 2019.
Dirección: Takashi Miike
Reparto: Masataka Kubota, Nao Omori, Shota Sometani, Sakurako Konishi, Becky, Jun Murakami

Leo, un joven boxeador que atraviesa una mala racha, conoce a su ‘primer amor’, Monica, una chica que conserva su inocencia a pesar de ser prostituta y drogadicta. Lo que no sabe es que Monica se ha visto envuelta sin querer en una trama de tráfico de drogas, y los dos son perseguidos a lo largo de la noche por un policía corrupto, un yakuza, su némesis y una asesina enviada por las tríadas chinas. Todos sus destinos de entrecruzan.

Takashi Miike (Yao, Japón. 1960) comenzó a dirigir películas de bajo presupuesto editadas directamente en vídeo en los años 90. Desde entonces ha desarrollado una prolífica y ecléctica carrera compuesta por más de un centenar de trabajos que abarcan todos los géneros. Títulos como Audition (1999), Visitor Q (2001), Ichi the Killer (2001), One Missed Call (2003) o la trilogía Dead or Alive (1999 – 2002), que con frecuencia abordaban la violencia de forma tan personal como extrema, le convirtieron en un director de culto. En los últimos años ha dirigido, entre muchas otras, 13 assassins (13 asesinos, 2010), As the Gods Will (2014) o Blade of the Immortal (La espada del inmortal, 2017). Hatsukoi se presentó en la Quinzaine des Réalisateurs del pasado Festival de Cannes.

NAN FANG CHE ZHAN DE JU HUI / THE WILD GOOSE LAKE
China. 2019.
Dirección: Diao Yinan
Reparto: Hu Ge, Gwei Lun Mei, Liao Fan, Wan Qian

Zhou Zenong es un gánster que acaba de salir de la cárcel y se convierte en fugitivo esa misma noche, después de que una reunión de bandas acabe mal y provoque la muerte de un policía. Tratando de esconderse mientras se recupera de sus heridas, Zhou se encuentra con Liu Aiai, una prostituta que puede haber sido enviada para ayudarle, o bien para entregarlo al capitán de la policía a cambio de una cuantiosa suma. Perseguido por las bandas y por un dispositivo policial que parece abarcar toda la ciudad de Wuhan, Zhou deberá enfrentarse a los límites de lo que está dispuesto a sacrificar tanto por esa extraña como por la familia que dejó atrás.

Diao Yinan (Xi’an, China. 1969) debutó como director con Zhifu (Uniform, 2003), que compitió en el Festival de Rotterdam. Su segundo largometraje, Ye che (Night Train, 2007) se estrenó en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes. Bai ri yan huo (Black Coal, 2014), su tercer trabajo, ganó el Oso de Oro a la Mejor Película y el Oso de Plata al Mejor Actor en el Festival de Berlín. Con Nan Fang Che Zhan De Ju Hui (The Wild Goose Lake) compitió en la Sección Oficial del pasado Festival de Cannes.

Perlak

DI JIU TIAN CHANG / SO LONG, MY SON
China. 2019.
Dirección: Wang Xiaoshuai
Reparto: Wang Jingchun, Yong Mei, Qi Xi, Wang Yuan, Du Jiang, Al Liya, Xu Cheng, Li Jingjing, Zhao Yanguozhang

Dos matrimonios se adaptan a los grandes cambios sociales y económicos que tienen lugar en China desde la década de 1980 hasta el presente. En el último Festival de Berlín, Yong Mei y Wang Jingchun ganaron los Osos de Plata a la mejor interpretación femenina y masculina, respectivamente.

La consagración internacional de Wang Xiaoshuai (Shanghai, China. 1966) se produjo en 2001, cuando Shiqi sui de dan che (La bicicleta de Pekín, 2001) obtuvo el Gran Premio del Jurado en Berlín. Su siguiente trabajo, Er di (Drifters, 2003), se presentó en Un Certain Regard del Festival de Cannes, certamen que le distinguiría con el Premio del Jurado por Qing Hong (Sueños de Shanghai, 2005). En 2008 Zuo You (In Love We Trust) ganó el Oso de Plata al Mejor Guión en la Berlinale. Compitió en Cannes con Ri Zhao Chong Qing (Chongqing Blues, 2010), en San Sebastián con Wo 11 (11 Flowers) y en Venecia con Chuang Ru Zhe (Red Amnesia, 2014). Di Jiu Tian Chang (So Long, My Son) ha ganado este año los Osos de Plata al Mejor Actor y a la Mejor Actriz en Berlín.

GISAENGCHUNG / PARASITE
Corea del Sur. 2019.
Dirección: Bong Joon-ho
Reparto: Song Kang-ho, Lee Sun-kyun, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-shik, Park So-dam

Toda la familia de Ki-taek está en el paro y se interesa mucho por el tren de vida de la riquísima familia Park. Un día, su hijo logra que le recomienden para dar clases particulares de inglés en casa de los Park. Es el comienzo de un engranaje incontrolable, del cual nadie saldrá realmente indemne. La última película del director de Barking Dogs Never Bite (Sección Oficial, 2000), Memories Of Murder (Sección Oficial, 2003, Concha de Plata al Mejor Director y Premio Nuevos Directores), Mother (Perlak, 2009) y Snowpiercer (2013) ha logrado la Palma de Oro en el último Festival de Cannes.

Bong Joon-ho (Daegu, Corea del Sur. 1969) debutó como director con Flandersui gae (Barking Dogs Never Bite, 2000), que compitió en la Sección Oficial de San Sebastián, al igual que su segundo trabajo, Salinui chueok (Memories of Murder. Crónica de un asesinato en serie, 2003), que obtuvo la Concha de Plata al Mejor Director y el Premio New Directors. Gwoemul (The Host, 2006), se presentó en la Quinzaine des Réalisateurs del Festival de Cannes, al que volvió en 2009, esta vez incluido en Un Certain Regard, con Mother. Completan su filmografía Snowpiercer (2013), Okja (2017), con la que compitió en Cannes, y Gisaengchung (Parásitos), Palma de Oro en la pasada edición del certamen francés. En 2009 formó parte del Jurado Oficial en San Sebastián.

TENKI NO KO / WEATHERING WITH YOU
Japón. 2019.
Dirección: Makoto Shinkai.

Primer año de instituto, verano. Hodaka huye de su casa en una isla periférica para asentarse en Tokio. Sumido en la pobreza y tras muchos días de soledad, al fin encuentra trabajo como escritor freelance en una dudosa revista de ocultismo. Un día tras otro, llueve sin cesar como si siguiera el ejemplo de su vida. Sin embargo, Hodaka conoce a una chica entre el ajetreo y el bullicio de la gran ciudad. Hina es una chica alegre y de carácter fuerte que vive sola con su pequeño hermano por una serie de circunstancias. Ella también tiene un extraño poder. “Oye, todo se despejará ahora”. Poco a poco, la lluvia se detiene y el paisaje urbano emite un hermoso resplandor. Hina tiene el poder de despejar el cielo simplemente rezando…

Makoto Shinkai (Kuomi, Japón. 1973) dirigió en 2002 su primer cortometraje, Hoshi no koe (Voices of a Distant Star), en el que se ocupó prácticamente de todas las tareas. Desde entonces se ha convertido en uno de los principales exponentes de la animación japonesa gracias a títulos como Kumo no muko, yakusoku no basho (The Place Promised in Our Early Days, 2004), Byosoku 5 senchimetoru (5 Centimeters per Second, 2007), Mejor Película de Animación en los Asia Pacific Screen Awards, Koto no ha no niwa (The Garden of Words, 2013) Mejor Película Animada en el Festival de Stuttgart, o Kimi no na wa (Your Name, 2016), su mayor éxito hasta la fecha, proyectado fuera de concurso en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián. Tenki no ko se presentó en el Festival de Toronto.

Uno de los platos fuertes de la presente edición del Sitges Film Festival son los Sitges Classics, programación que recupera clásicos del cine mundial de género de todas las épocas. Esta vez el festival nos sorprende con una excepcional retrospectiva en torno a la obra del realizador King Hu, programando cuatro películas, en sus versiones restauradas, que harán las delicias del aficionado. Y si por si esto no fuera suficiente, Sitges celebra el 30 aniversario de la cinta japonesa Tetsuo Iron Man con una proyección para no perderse.

SITGES CLASSICS – Retrospectiva a King Hu

COME DRINK WITH ME (BEBE CONMIGO)
Hong Kong, 1966.
Dirección: King Hu.
Reparto: Cheng Pei-pei, Yueh Hua, Chan Hung-lit.

El hijo de un general es secuestrado por una banda de maleantes, que pretenden usarlo como moneda de cambio para liberar a su líder. La hermana del joven, Golondrina Dorada, hará todo lo posible para rescatarlo. Un clásico temprano de King Hu, producido por la emblemática Shaw Brothers.

LEGEND OF THE MOUNTAIN
Taiwan, 1979.
Dirección: King Hu.
Reparto: Shih Jun, Hsu Feng.

Ho Yunqing viaja hasta un monasterio aislado para traducir un sutra budista del cual se dice que tiene un gran poder sobre los espíritus. Mientras realiza su tarea, encuentra personajes extraños y se ve envuelto en una épica confrontación entre las fuerzas del bien y del mal. La magistral y bellísima incursión de King Hu en el fantástico puro, embebida de filosofía zen.

A TOUCH OF ZEN (XIA NU)
Taiwan, 1971.
Dirección: King Hu.
Reparto: Hsu Feng, Shih Chun.

Yang ha dejado atrás su posición en la nobleza para emprender una vida como fugitiva. Su viaje es puesto en jaque cuando un espadachín descubre su verdadera identidad, atrayendo a su alrededor a una legión de oponentes. Obra capital en la filmografía de King Hu, sus coreografías, la sofisticación de su montaje y su caudal existencial siguen siendo hoy una cima del wuxia.

DRAGON INN (LONG MEN KEZHAN)
Taiwan, 1967.
Dirección: King Hu.
Reparto: Shih Chun, Shangkuan Ling-fung.

Un eunuco sediento de poder asesina al ministro de defensa y envía a sus esbirros para que liquiden a los hijos de su víctima, escondidos en las montañas. Pero el perverso plan es saboteado por un misterioso grupo de espadachines. La primera película que realizó King Hu al trasladarse a Taiwán en busca de la libertad creativa que no hallaba en Hong Kong insufló nueva vida a las fórmulas del wuxia.

SITGES CLASSICS – 30 aniversario

TETSUO: THE IRON MAN (TETSUO: EL HOMBRE DE HIERRO)
Japón, 1989.
Dirección: Shinya Tsukamoto.
Reparto: Tomorô Taguchi, Shinya Tsukamoto.

Un accidente de coche une inextricablemente las existencias de un mediocre oficinista y de un fetichista del metal, emprendiendo un proceso de cambio físico y mental que anuncia la llegada de una nueva era. La visceral obra maestra cyberpunk de Shinya Tsukamoto regresa a Sitges para conmemorar su trigésimo aniversario.

Mucha gente piensa que el Sitges Film Festival es un evento donde todo el cine que puede verse es de terror o muy sangriento, pero es evidente que este festival toma el género como algo muy trasversal y podremos encontrarnos de todo en sus diferentes secciones. Pero cuando cae la noche y llega la madrugada el género debe adquirir su forma más violenta, gore y, a veces, divertida, para ofrecernos el Midnight Xtreme. En esta edición a la tradicional Japan Madness se unen algunos prometedores ejemplos de cine de terror de Indonesia o Taiwán.

MIDNIGHT X-TREME

GHOSTMASTER (GOUSUTO MASTAA)
Japón, 2019.
Dirección: Paul Young.
Reparto: Takahiro Miura, Riko Narumi, Mizuki Itagaki.

En una escuela en ruinas comienza el rodaje de un drama romántico de bajo presupuesto. Akira Kurosawa, un asistente de director falto de talento, las está pasando canutas en el set. Frustrado al comprobar que su guion no va a ver la luz en la gran pantalla, desata una furia diabólica que termina poseyendo a Yuya, el actor principal, y desata una auténtica masacre.

KAKAME – VAMPIRE CLAY DERIVATION
Japón. 2019.
Dirección: Soichi Umezawa.
Reparto: Itsukii Fuji, Amiko, Karen Aizome.

Kakame, el barro maligno a través del cual un artista frustrado colmaba su espíritu revanchista, vuelve a la carga en esta continuación directa de Vampire Clay. Un nuevo festín de FX artesanales y gore inventivo, que nos recuerda que el terror no tiene forma… pero sí materia.

SIGNAL 100
Japón. 2019.
Dirección: Lisa Takeba.
Reparto: Kanna Hashimoto.

Un grupo de estudiantes de secundaria sucumben al hipnótico hechizo de una maestra que convierte comportamientos como llegar tarde a clase o usar el móvil en suicidios. La única manera de sobrevivir al encantamiento es saber qué no se puede hacer. ¿Pueden los alumnos mantener la cordura el tiempo suficiente para encontrar la forma de romper el hechizo? ¿O la locura volverá a unos contra otros?

FLY ME TO THE SAITAMA (TONDE SAITAMA)
Japón. 2019.
Dirección: Hideki Takeuchi.
Reparto: Fumi Nikaido, GACKT, Yusuke Iseya.

Situada al lado de Tokyo, la prefactura de Saitama parece un patito feo comparado con la capital. Fly Me to Saitama traslada esta cuestión al fantástico y a la comedia. La gente de Saitama es perseguida, teniendo así que ocultar su lugar de procedencia. En Tokyo, Momomi, estudiante de secundaria e hijo del gobernador, conoce a otro chico, Rei. La atracción surge entre ambos, pero, claro, Rei es de Saitama…

DREADOUT
Indonesia. 2019.
Dirección: Kimo Stamboel.
Reparto: Caitlin Halderman, Marsha Aruan, Susan Sameh.

Con la intención de ganar visitas por internet, unos adolescentes se adentran en un edificio que, años atrás, fue abandonado tras un tiroteo entre la policía y una secta. Ahí, encontrarán una serie de papeles que, en manos de Linda, una chica que no debería estar ahí y que desconoce los poderes que posee, revelan un texto antiguo. Al leerlo en voz alta, se abrirá un portal a otro universo, presidido por una misteriosa mujer de rojo.

THE DEVIL FISH (REN MIAN YU)
Taiwán. 2018.
Dirección: David Chuang.
Reparto: Joe Shu-wei Chang, Jen-shuo Cheng, Vivian Hsu.

Un monje taoísta encierra el demonio en el cuerpo de un pez, que acaba en manos de un inocente niño, quien lo adopta como mascota. Poco después, el muchacho presencia una serie de extraños sucesos, mientras su madre se comporta de forma cada vez más errática. Es solo el primer aviso de la gran amenaza que le acecha. La franquicia The Tag-Along sigue en marcha, dando un giro de terror contemporáneo al folklore taiwanés.

Terminamos hoy nuestro repaso por la programación asiática del Sitges Film Festival con su sección gratuita, el Brigadoon, donde cualquiera puede pegarse un festival de clásicos, rarezas y homenajes que ya desearían muchos otros eventos para ellos. Pero lo más importante, el platillo que no deberéis dejar pasar es Living Skeleton, presente en Seven Chances. Película de terror y fantasmas casi desconocida fuera de las fronteras niponas antes de su edición por Criterion en 2012, supone todo un delicatessen para el aficionado.

SEVEN CHANCES

LIVING SKELETON
Japón. 1968.
Dirección: Hiroshi Matsuno.
Reparto: Kikko Matsuoka, Yasunori Irikawa, Masumi Okada.

La llegada de un barco fantasma a la orilla de un pequeño pueblo costero perturba hasta lo indecible a la joven Saeko, que vive con el trauma de haber perdido a su hermana en el mar. Esto desatará una cadena de acontecimientos atroces y rocambolescos en una cinta atmosférica que combina elementos espectrales del maboroshi nipón con influencias del fantástico occidental.

BRIGADOON

BROTHER
Japón. 2000.
Dirección: Takeshi Kitano.
Reparto: Takeshi Kitano, Omar Epps, Claude Maki, Masaya Kato, Susumu Terajima.

Yamamoto es un experimentado yakuza que ve como su familia es eliminada por la banda rival, y decide emigrar a Los Ángeles y buscar a su hermano, quien maneja un negocio ilegal de drogas.

THUNDER COPS
Hong Kong. 1989.
Dirección: Jeff Lau.
Reparto: Sandra Kwan Yue Ng, Man Cheung, Ann Bridgewater.

Un equipo policial sigue a un delincuente hasta su domicilio, que resulta estar dentro de un bloque de apartamentos construido sobre las mismísimas puertas del infierno.

ZATOICHI
Japón. 2003.
Dirección: Takeshi Kitano.
Reparto: Takeshi Kitano, Tadanobu Asano, Michiyo Oguso, Yui Natsukawa,.

Zatoichi, vagabundo ciego, llega a la aldea montañosa de Ichi, donde deberá enfrentarse al clan Ginzo, que tiene sometido a todo el pueblo.

La semana pasada se celebró en Mumbai la gala de entrega de premios de la vigésima edición de los International Indian Film Awards que, como casi todos los premios locales, están organizados por un grupo mediático y tienen la curiosidad de realizar su gala de entrega en diferentes países del mundo. La ganadora a mejor película ha sido finalmente Raazi, que también ha obtenido premio por la interpretación de la actriz Alia Bhatt. Por su parte la favorita de este año, Andhadhun, se ha llevado el premio a mejor historia y dirección para Sriram Raghavan, aunque Ayushmann Khurrana, maestro de ceremonias de la gala, no pudo recoger un nuevo premio a mejor actor ya que este recayó en Ranveer Singh por su papel en Padmaavat. Con motivo del 20 aniversario de estos premios se concedieron unos galardones especiales a lo mejor de los últimos 20 años, siendo la mejor película Kaho Nan Pyaar Hai. A continuación os dejo la lista de nominados y premiados.

Mejor Película

Andhadhun
Badhaai Ho
Padmaavat
Raazi
Sanju

Mejor Historia

Arijit Biswas, Hemanth Rao, Pooja Ladha Surti, Sriram Raghavan, Yogesh Chandekar: Andhadhun
Abhijat Joshi, Rajkumar Hirani: Sanju
Akshat Ghildial, Shantanu Srivastava: Badhaai Ho
Harinder S Sikka: Raazi
R Balki, Twinkle Khanna: Padman

Mejor Director

Sriram Raghavan: Andhadhun
Amit Ravindernath Sharma: Badhaai Ho
Sanjay Leela Bhansali: Padmaavat
Meghna Gulzar: Raazi
Rajkumar Hirani: Sanju

Mejor Actor

Ayushmann Khurrana: Andhadhun
Rajkummar Rao: Stree
Ranbir Kapoor: Sanju
Ranveer Singh: Padmaavat
Vicky Kaushal: Raazi

Mejor Actriz

Alia Bhatt: Raazi
Deepika Padukone: Padmaavat
Neena Gupta: Badhaai Ho
Rani Mukerji: Hichki
Tabu: Andhadhun

Mejor Actor de reparto

Anil Kapoor: Race 3
Jim Sarbh: Padmaavat
Manoj Pahwa: Mulk
Pankaj Tripathi: Stree
Vicky Kaushal: Sanju

Mejor Actriz de reparto

Aditi Rao Hydari: Padmaavat
Neena Gupta: Mulk
Radhika Apte: Andhadhun
Surekha Sikri: Badhaai Ho
Swara Bhaskar: Veere Di Wedding

Mejor Actor novel

Ishaan Khatter: Dhadak

Mejor Actriz novel

Sara Ali Khan: Kedarnath

Premio a la carrera cinematográfica

Jagdeep (actor y cómico)

Mejor película de los últimos 20 años

Kaho Na Pyaar Hai

Mejor dirección de los últimos 20 años

Rajkumar Hirani: Sanju

Mejor actor de los últimos 20 años

Ranbir Kapoor

Mejor actriz de los últimos 20 años

Deepika Padukone

Mejor director musical de los últimos 20 años

Pritam

Mejor dirección musical

Amaal Mallik, Guru Randhawa, Rochak Kohli, Saurabh-Vaibhav, Yo Yo Honey Singh, Zack Knight: Sonu Ke Titu Ki Sweety
Amit Trivedi: Manmarziyaan
Amit Trivedi: Andhadhun
Sanjay Leela Bhansali: Padmaavat
Shankar Ehsaan Loy: Raazi

Mejores letras

Amitabh Bhattacharya: Dhadak (Dhadak)
Gulzar: Ae Watan (Male) Raazi
Irshad Kamil: Mere Naam Tu (Zero)
Jaideep Sahni: Naina Da Kya Kasoor (Andhadhun)
Shellee: Daryaa (Manmarziyaan)

Mejor Playback masculino

Abhay Jodhpurkar: Mere Naam Tu, Zero
Amit Trivedi: Naina Da Kya Kasoor, Andhadhun
Arijit Singh: Ae Watan, Raazi
Arijit Singh: Tera Yaar Hoon Main, Sonu Ke Titu Ki Sweety
Sukhwinder Singh: Kar Har Maidaan Fateh, Sanju

Mejor Playback femenino

Harshdeep Kaur; Vibha Saraf: Dilbaro, Raazi
Shreya Ghoshal: Ghoomar, Padmaavat
Sunidhi Chauhan: Ae Watan, Raazi
Sunidhi Chauhan: Main Badhiya Tu Bhi Badhiya, Sanju
Tulsi Kumar: Paniyon Sa, SatyamevJayate

Mejor fotografía

Sudeep Chatterjee ISC – Padmaavat

Mejor Guión

Sriram Raghavan; Arijit Biswas; Pooja Ladha Surti; Yogesh Chandekar; Hemanth Rao – Andhadhun

Mejores diálogos

Akshat Ghildial – Badhaai Ho

Mejor edición

Pooja Ladha Surti – Andhadhun

Mejor coreografía

Kruti Mahesh Midya; Jyothi Tommaar – Padmaavat

Mejor sonido

Kunal Sharma – Tumbbad

Mejor mezcla sonora

Ajay Kumar P.B (Post House) – Andhadhun

Mejor banda sonora

Daniel B. George – Andhadhun

Mejores efectos especiales

Filmgate Films AB – Tumbbad