Desde hace unos días se conocen los nominados a los premios de la critica filipina, los Gawad Urian, que premian lo mejor de la producción cinematográfica de aquel país durante el pasado año. La película con más nominaciones ha sido la cinta de acción y crítica social BuyBust, del inconformista Erik Matti, seguida del drama Signal Rock, del conocido Chito S. Roño. Conoceremos los premiados el próximo 18 de Junio, mientras tanto os dejo la lista completa de nominados.

Mejor Película

A Short History of a Few Bad Things
Ang Panahon ng Halimaw
Buy Bust
ML
Signal Rock

Mejor Director

Whammy Alcazaren, Never Tear Us Apart
Keith Deligero, A Short History of a Few Bad Things
Lav Diaz, Ang Panahon ng Halimaw
Alec Figuracion, The Eternity Between Seconds
Denise O’Hara, Mamang
Carl Joseph Papa, Paglisan
Chito S. Roño, Signal Rock
Erik Matti, BuyBust
Benedict Mique, Jr., ML
Irene Emma Villamor, Meet Me in St. Gallen

Mejor Actriz

Ai-Ai delas Alas, School Service
Perla Bautista, Kung Paano Hinihintay ang Dapithapon
Anne Curtis, BuyBust
Anne Curtis, Sid and Aya
Glaiza de Castro, Liway
Maribeth Fanglayan, Tanabata’s Wife
Celeste Legaspi, Mamang
Nadine Lustre, Never Not Love You
Iyah Mina, Mamu: And a Mother Too
Bela Padilla, Meet Me in St. Gallen
Pokwang (Marietta Subong), Oda sa Wala

Mejor Actor

Carlo Aquino, Meet Me in St. Gallen
Christian Bables, Signal Rock
Dingdong Dantes, Sid and Aya
Ketchup Eusebio, Mamang
Eddie Garcia, Hintayan ng Langit
Eddie Garcia, ML
Miyuki Kamimura, Tanabata’s Wife
Tony Labrusca, ML
Victor Neri, A Short History of a Few Bad Things
Dante Rivero, Kung Paano Hinihintay ang Dapithapon

Mejor Actriz de reparto

Pinky Amador, Ang Panahon ng Halimaw
Bituin Escalante, Ang Panahon ng Halimaw
Cherie Gil, Citizen Jake
Daria Ramirez,Signal Rock
Nova Villa, Miss Granny

Mejor Actor de reparto

Arjo Atayde, BuyBust
Nonie Buencamino, Citizen Jake
Teroy Guzman, Citizen Jake
Joel Lamangan, School Service
Victor Neri, BuyBust
Romnick Sarmenta, Kung Paano Hinihintay ang Dapithapon
Lou Veloso, Citizen Jake

Mejor Guión

Dwein Baltazar, Gusto Kita with all my Hypothalamus
Lav Diaz, Ang Panahon ng Halimaw
Alec Figuracion,The Eternity Between Seconds
Paul Grant, A Short History of a Few Bad Things
Erik Matti & Anton Santamaria, BuyBust
Benedict Mique, Jr., ML
Rody Vera, Signal Rock
Irene Emma Villamor, Meet Me in St. Gallen

Mejor Fotografía

Neil Bion, BuyBust
Neil Daza, Signal Rock
Nap Jamir, Tanabata’s Wife
Larry Manda, Ang Panahon ng Halimaw
Pao Orendain, Meet Me in St. Gallen
Sasha Palomares, Never Tear Us Apart
Rommel Sales, The Eternity Between Seconds

Mejor Diseño de Producción

Popo Diaz, Ang Panahon ng Halimaw
Michael Espanol & Roma Regala, BuyBust
Roy Lachica, Goyo
Martin Masadao, Mamang
Mark Sabas, Signal Rock
Aped Santos, Liway
Thesa Tang, Never Tear Us Apart

Mejor Edición

Gerone Centeno & Tom Estrera, Citizen Jake
Keith Deligero & Maria Estela Paiso, A Short History of a Few Bad Things
Alec Figuracion, The Eternity Between Seconds
Jay Halili, BuyBust
Carlo Francisco Manatad, Meet Me in St. Gallen
Carlo Francisco Manatad, Sid and Aya
Carlo Francisco Manatad, Signal Rock
May-i Guia Padilla, Tanabata’s Wife
Mikael Angelo Pestano, ML

Mejor Banda Sonora

Jake Abella, Aria
Pearlsha Abubakar, ML
Jamaar Ajero et al, A Short History of a Few Bad Things
Kurt Alalag, May-i Guia Padilla & Mark Tan, Tanabata’s Wife
Teresa Barrozo, Mamang
Teresa Barrozo, Paglisan
Malek Lopez & Erwin Romulo, BuyBust
Malek Lopez & Erwin Romulo, Never Tear Us Apart

Mejor Sonido

Aian Caro, Lamberto Casas, Jr. & Albert Michael Idioma, ML
Jason Conanan, Daryl Libongco & Mikko Quizon, Meet Me in St. Gallen
Whannie Dellosa & Steven Vesagas, BuyBust
Albert Michael Idioma, Signal Rock
Malek Lopez & Erwin Romulo, Never Tear Us Apart
Rico Mambo & Angeli Sarmiento, A Short History of a Few Bad Things

Nuestros amigos de CineAsia, en colaboración con los Cines Boliche de Barcelona, dan vida a un nuevo e interesante proyecto, el Cine Club Cineasia. Esta iniciativa pretende seguir apostando por el cine asiático en pantalla grande, recuperando títulos relevantes de las diferentes cinematografías del continente con una visión panorámica. Pasarán por la pantalla títulos destacados de los grandes autores asiáticos, pero también cine de género y comercial.

Poco a poco iremos conociendo más detalles acerca de la periodicidad y futuras programaciones, pero para su primera sesión de presentación, que se celebrará este viernes día 14 de Junio a partir de las 20:30 horas en los Boliche, la cosa no podia pintar mejor, con una sesión doble de pura diversión, excentricidad y, sobre todo, amor por la realización cinematográfica.

Por si esto fuera poco, un día antes, el Jueves 13, en la Casa del Cine de Barcelona, se realizará la presentación del Anuario Cineasia, del que ya os hemos estado hablando desde su concepción y del que tenemos el gusto y el placer de forma parte con algunos pequeños textos. Si tenéis la oportunidad no la dejeis pasar, podréis charlar con los miembros de CineAsia y eso siempre, y lo se por experiencia, es un placer.

Why Don´t You Play in Hell
Sion Sono, Japón, 2013.

Kegami es un gangster que guarda rencor hacia un viejo rival llamado Muto, de cuya hija Himizu siempre ha estado enamorado. Hirata, un director de cine, y un hombre llamado Kouji también se ven involucrados en este enredo.

El enfant terrible del cine japonés, Sion Sono, dirige esta oda al Yakuza eiga, a esas películas de escaso presupuesto en programa doble y al cine independiente, repleta de personajes alocados, humor y mucha, mucha sangre.

One Cut of the Dead
Shinichiro Ueda, Japón, 2017.

El gran fenómeno del cine japonés de las últimas décadas, una sorprendente carta de amor al mundo del cine realizada desde el underground con actores amateurs y un director novato, que ha arrasado en todos los festivales por donde ha pasado, además de dar la sorpresa en la propia taquilla japonesa y sus premios nacionales con una historia en la que la grabación de una película de serie B de muertos vivientes es interrumpida por un auténtico apocalipsis zombi.

Cinemes Boliche (Av. Diagonal 508, Barcelona)
Día y hora: Viernes 14 de junio a las 20:30h.
Precio: 9 euros. Venta de entradas en taquilla (también en preventa en la misma taquilla del cine).

La Embajada de Japón en España, en colaboración con las distribuidoras: Selecta, Cinemaran, A Contracorriente Films, BTEAM Pictures, Warner Bros y Media3, organiza en los cines Kinépolis el III Ciclo de Cine Japonés en Madrid. Tras el rotundo éxito de audiencia de ciclos anteriores, del 13 al 22 de Junio de este año se proyectarán 8 películas de estreno en España en un ciclo que no dejará indiferentes a los amantes del cine japonés en todas sus vertientes, 3 de ellas de estreno en España.

MIRAI, MI HERMANA PEQUEÑA
Mamoru Hosoda, 2018.

Kun, un niño mimado y consentido de cuatro años al que sus padres dejan de prestar atención cuando nace su hermana Mirai, empieza a sufrir situaciones en casa que nunca había vivido. Pero entonces, la versión adolescente de su hermana viaja en el tiempo desde el futuro para vivir junto a Kun una aventura extraordinaria más allá de lo imaginable.

OKKO, EL HOSTAL Y SUS FANTASMAS
Kitarô Kôsaka, 2018.

Después de perder a sus padres en un accidente de coche, Okko empieza a vivir en el campo con su abuela que lleva una posada japonesa tradicional. Mientras se prepara para ser la propietaria de la posada, empezará a ver fantasmas amistosos.

QUIERO COMERME TU PANCREAS
Shin’ichirô Ushijima, 2018.

Un día, un solitario estudiante de secundaria, encuentra un libro de bolsillo en el hospital, cuyo titulo es «Viviendo con la Muerte». Resulta ser un diario de una compañera de clase, en el cual ha escrito que debido a su enfermedad pancreática, le quedan meses de vida, esto hace que surja una amistad entre ellos muy especial.

ASSASSINATION CLASSROOM
Eiichirô Hasumi, 2015.
Reparto: Kippei Shiina, Kanna Hashimoto, Masaki Suda, Ryôsuke Yamada, Kang Ji-young, Seika Taketomi, Wakana Aoi, Mio Yûki, Maika Yamamoto, Miku Uehara, Saki Takahashi, Okuma Anmi, Shôta Arai, Ozawa Guami.

Un alienígena llega a la Tierra y ofrece un trato al gobierno: entrenará a una clase para que aprendan todas las formas posibles de acabar con él; si sus alumnos no resultan ser lo suficientemente “aplicados”, aniquilará el planeta en el plazo de unos meses. Eso sí, nadie esperaba que entre los estudiantes y el monstruoso profesor se pudiera establecer un vinculo tan… fuerte.

ASSASSINATION CLASSROOM: THE GRADUATION
Eiichirô Hasumi, 2016.
Reparto: Kazunari Ninomiya, Mirei Kiritani, Sergey Kuvaev, Ryôsuke Yamada, Kippei Shîna, Masaki Suda, Kanna Hashimoto.

Comienza un nuevo curso, y el grupo 3E ya tiene deberes que acometer. Cada alumno debe enfrentarse a sus propios retos, la identidad del invencible profesor de color amarillento es desvelada, el destino de la humanidad corre peligro…

MARY Y LA FLOR DE LA BRUJA
Hiromasa Yonebayashi, 2017.

Mary es una niña que vive con su tía abuela Charlotte en el campo, donde no pasa casi nada. Un día sigue a un misterioso gato hasta el bosque y descubre un viejo palo de escoba y una extraña flor que sólo florece cada siete años en ese mismo bosque. El palo de escoba y la flor llevarán a Mary por encima de las nubes hasta Endor College, una escuela de magia dirigida por Madam Mumblechook y el brillante Doctor Dee. Pero allí suceden cosas extrañas y Mary tendrá que arriesgar su vida para que todo vaya bien.

VIAJE A NARA
Naomi Kawase, 2018.
Reparto: Juliette Binoche, Masatoshi Nagase, Mari Natsuki, Takanori Iwata, Minami, Mirai Moriyama, Min Tanaka.

En los bosques de la región japonesa de Nara la periodista francesa Jeanne (Juliette Binoche) busca una rara planta medicinal que sólo crece en ese paraje boscoso. Allí conoce a un misterioso hombre que vive en las montañas, Aki (Masatoshi Nagase). A pesar de la barrera del lenguaje y la cultura, ambos sentirán la necesidad de acercarse el uno al otro.

GODZILLA, REY DE LOS MONSTRUOS
Michael Dougherty, 2019.
Reparto: Millie Bobby Brown, Kyle Chandler, Vera Farmiga, Bradley Whitford, Charles Dance, Thomas Middleditch, Sally Hawkins, Aisha Hinds, Ken Watanabe, Randy Havens.

«Godzilla: Rey de los Monstruos» sigue los heroícos esfuerzos de los criptozoólogos de la agencia Monarch mientras tratan de enfrentrarse contra un grupo de enormes monstruos, incluyendo el propio Godzilla. Entre todos intentan resistir a las embestidas de Mothra, Rodan o del último némesis de la humanidad: King Ghidorah. Estas ancianas criaturas harán todo lo posible por sobrevivir, poniendo en riesgo la existencia del ser humano en el planeta.

Programación y Horarios:

Spain Moving Images Festival es el único festival de creación audiovisual, cine y videoarte asiático que se celebra en Madrid. Especialmente dedicado a los cineastas, artistas y movimientos emergentes de Asia, pero con un ojo puesto siempre en clásicos y pioneros, se plantea como una plataforma ideal para dar a conocer las obras y creadores audiovisuales actuales más relevantes y vanguardistas de China, Japón, Corea, India y el Sudeste Asiático.

Organizado por la Asociación de Industria del Cine Asiático en España y América Latina (AFIAS), en colaboración con otras instituciones, y tras sus exitosas ediciones anteriores, este año el Spain Moving Images Festival presenta, entre el 21 y el 30 de junio, una cuidada selección de largometrajes, cortos y vídeos, además de varias instalaciones audiovisuales, que podrán verse en diferentes sedes entre las que se incluyen el Cine Doré, sede de la Filmoteca Española, el Círculo de Bellas Artes o las Naves Matadero.

Spain Moving Images Festival ofrece una amplia y cuidada programación que abarca el cine y el audiovisual de autor e independiente asiático actual más joven, arriesgado y relevante. En esta edición se ha prestado especial atención a las problemáticas sociales más acuciantes, como la marginación del colectivo LGTB, los cambios de paradigma económico en el continente asiático, que se reflejan en el crecimiento del paro o la emigración, así como también a la presencia cada vez más destacada y necesaria de la mujer en el cine oriental.

El Festival ofrece un amplio abanico de secciones, con lo más potente en la producción cinematográfica de autor y la creación audiovisual asiática del último año, inédita en nuestro país, manteniendo también su foco sobre la recuperación de clásicos que han marcado la historia del cine oriental más vanguardista, además de mostrar confluencias y sinergias con cinematografías como la española o la iberoamericana.

Repasamos a continuación algunos de los elementos cinematográficos más interesantes de esta edición, dejándoos a vosotros descubrir el resto de su gran programación de vídeo-arte y cortometrajes experimentales.

Película Inaugural
Viernes 21 de junio. 22:15.

Your Face
Tsai Ming-liang, Taiwán, 2018

Retratos de individuos anónimos que dejan de lado la fórmula de las entrevistas para centrarse en el rostro humano, convirtiéndolo en un elemento de intriga dramática.

Retrospectiva Jia Zhangke

Representante principal de la conocida como “sexta generación” de la Academia de Cine de Pekín, ganador del León de Oro del Festival de Venecia en 2006 con Naturaleza muerta, Jia Zhangke nunca ha dejado de sorprender como agudo comentarista de la realidad social china, cuyos cambios y evolución ha venido reflejando desde sus inicios en el cine independiente hasta su labor como documentalista y productor, con una obra sutil y variada, arriesgada formalmente, pero capaz de llegar tanto al cinéfilo más exigente como a un público amplio. Jugando con historias íntimas y personales, al borde del melodrama, siempre inscritas en procesos de transformación histórica, social y política complejos y trascendentales, Jia Zhangke ha sabido ir de lo particular a lo global, con un universo propio que tiene su punto de partida en su región natal de Shanxi.

Coincidiendo con el estreno de su nuevo largometraje La ceniza es el blanco más puro, Spain Moving Images Festival recorre sus títulos más recientes y significativos, que le han permitido alcanzar en vida el estatus de verdadero clásico del cine.

Lunes 24 de junio.

Conferencia inaugural a la retrospectiva: Jia Zhangke. La sexta generación del cine chino, por Gloria Fernández (CineAsia). Sala Antonio Palacios del Círculo de Bellas Artes de Madrid (Calle Alcalá 42, 4 Planta). Entrada libre y gratuita.

Martes 25 de junio. 17:00.

Un toque de violencia.
Un minero indignado se rebela contra la corrupción imperante en su pueblo. Un emigrante que vuelve a casa para Año Nuevo descubre las infinitas posibilidades de un arma de fuego. Una guapa recepcionista de una sauna llega al límite cuando un cliente rico la agrede. Un joven obrero va de trabajo en trabajo intentando mejorar su vida. Cuatro personas, cuatro provincias. Un retrato de la China actual, un gigante económico erosionado lentamente por la violencia.

Martes 25 de junio. 19:30

Naturaleza muerta.
La ciudad de Fengjie ya está cubierta por las aguas, pero todavía no se han acabado de construir los nuevos barrios. Hay tantas cosas que recuperar y tantas que dejar atrás. Han Sanming es un minero que viaja a Fengjie en busca de su ex mujer, a la que no ha visto en 16 años. Se reencuentran en la orilla del río Yangtsé y deciden volver a casarse. Shen Hong es una enfermera que viaja a Fengjie en busca de su marido, que no ha vuelto a casa en dos años. Se abrazan ante la presa de las Tres Gargantas. Bailan juntos, pero deciden rendirse y divorciarse.

Miércoles 26 de junio. 19:30.

Más allá de las montañas.
“Más allá de las montañas” incurre en los demoledores cambios que está atravesando la sociedad china contemporánea, así como en el proceso de absoluta alienación y deshumanización que conlleva la eclosión del capitalismo, y lo hace siguiendo el estilo abrupto y directo de «Un toque de violencia» y no el suspendido y levitativo tempo sobre el que se enmarca toda la anterior obra del gran cineasta chino.

China, a finales de 1999. Tao, una joven de Fenyang, es cortejada por sus dos amigos de la infancia, Zang y Lianzi. Zang, propietario de una estación de gasolina, está destinado a un futuro prometedor, mientras que Liang trabaja en una mina de carbón. Su corazón está dividido entre los dos hombres, y debe tomar una decisión que sellará su destino y el de su futuro hijo.

Asian Classics: Osamu Tezuka

Coincidiendo con el 30 aniversario del fallecimiento de Osamu Tezuka (1928-1989), el llamado Walt Disney del cine de animación nipón, y con el apoyo de la Fundación Japón Madrid, se ofrece un programa con varios de sus cortos más importantes y reconocidos, que incluyen desde el primer episodio de la serie de televisión Astro Boy (1980) hasta algunas de sus obras más personales y comprometidas tanto formal como ideológicamente, premiadas internacionalmente, como Tales of the Street Corner (1962) o Legend of the Forest (1987). Todo un merecido tributo al gran inspirador del manga, el anime, la fantasía y la ciencia ficción japonesas, sin cuya obra pionera nunca habrían existido directores como Hosoda, Otomo o Miyazaki. Una sesión ideal también para iniciar a niños y jóvenes en el cine asiático, que pueden disfrutar juntos padres e hijos.

Ayer día 18 se conocieron los ganadores de los premios de la critica filipina, los Gawad Urian, que premian lo mejor de la producción cinematográfica de aquel país durante el pasado año. Finalmente BuyBust, de Erik Matti, se ha llevado el premio a mejor película, entre otros galardones de carácter técnico. Por su parte el premio a mejor dirección ha sido para Denise O’Hara por Mamang, mientras que las interpretaciones han estado muy repartidas. Signal Rock, otra de las más nominadas, solo se ha llevado el premio a mejor guión. A continuación tenéis la lista completa de nominados y premiados.

Mejor Película

A Short History of a Few Bad Things
Ang Panahon ng Halimaw
Buy Bust
ML
Signal Rock

Mejor Director

Whammy Alcazaren, Never Tear Us Apart
Keith Deligero, A Short History of a Few Bad Things
Lav Diaz, Ang Panahon ng Halimaw
Alec Figuracion, The Eternity Between Seconds
Denise O’Hara, Mamang
Carl Joseph Papa, Paglisan
Chito S. Roño, Signal Rock
Erik Matti, BuyBust
Benedict Mique, Jr., ML
Irene Emma Villamor, Meet Me in St. Gallen

Mejor Actriz

Ai-Ai delas Alas, School Service
Perla Bautista, Kung Paano Hinihintay ang Dapithapon
Anne Curtis, BuyBust
Anne Curtis, Sid and Aya
Glaiza de Castro, Liway
Maribeth Fanglayan, Tanabata’s Wife
Celeste Legaspi, Mamang
Nadine Lustre, Never Not Love You
Iyah Mina, Mamu: And a Mother Too
Bela Padilla, Meet Me in St. Gallen
Pokwang (Marietta Subong), Oda sa Wala

Mejor Actor

Carlo Aquino, Meet Me in St. Gallen
Christian Bables, Signal Rock
Dingdong Dantes, Sid and Aya
Ketchup Eusebio, Mamang
Eddie Garcia, Hintayan ng Langit
Eddie Garcia, ML
Miyuki Kamimura, Tanabata’s Wife
Tony Labrusca, ML
Victor Neri, A Short History of a Few Bad Things
Dante Rivero, Kung Paano Hinihintay ang Dapithapon

Mejor Actriz de reparto

Pinky Amador, Ang Panahon ng Halimaw
Bituin Escalante, Ang Panahon ng Halimaw
Cherie Gil, Citizen Jake
Daria Ramirez, Signal Rock
Nova Villa, Miss Granny

Mejor Actor de reparto

Arjo Atayde, BuyBust
Nonie Buencamino, Citizen Jake
Teroy Guzman, Citizen Jake
Joel Lamangan, School Service
Victor Neri, BuyBust
Romnick Sarmenta, Kung Paano Hinihintay ang Dapithapon
Lou Veloso, Citizen Jake

Mejor Guión

Dwein Baltazar, Gusto Kita with all my Hypothalamus
Lav Diaz, Ang Panahon ng Halimaw
Alec Figuracion,The Eternity Between Seconds
Paul Grant, A Short History of a Few Bad Things
Erik Matti & Anton Santamaria, BuyBust
Benedict Mique, Jr., ML
Rody Vera, Signal Rock
Irene Emma Villamor, Meet Me in St. Gallen

Mejor Fotografía

Neil Bion, BuyBust
Neil Daza, Signal Rock
Nap Jamir, Tanabata’s Wife
Larry Manda, Ang Panahon ng Halimaw
Pao Orendain, Meet Me in St. Gallen
Sasha Palomares, Never Tear Us Apart
Rommel Sales, The Eternity Between Seconds

Mejor Diseño de Producción

Popo Diaz, Ang Panahon ng Halimaw
Michael Espanol & Roma Regala, BuyBust
Roy Lachica, Goyo
Martin Masadao, Mamang
Mark Sabas, Signal Rock
Aped Santos, Liway
Thesa Tang, Never Tear Us Apart

Mejor Edición

Gerone Centeno & Tom Estrera, Citizen Jake
Keith Deligero & Maria Estela Paiso, A Short History of a Few Bad Things
Alec Figuracion, The Eternity Between Seconds
Jay Halili, BuyBust
Carlo Francisco Manatad, Meet Me in St. Gallen
Carlo Francisco Manatad, Sid and Aya
Carlo Francisco Manatad, Signal Rock
May-i Guia Padilla, Tanabata’s Wife
Mikael Angelo Pestano, ML

Mejor Banda Sonora

Jake Abella, Aria
Pearlsha Abubakar, ML
Jamaar Ajero et al, A Short History of a Few Bad Things
Kurt Alalag, May-i Guia Padilla & Mark Tan, Tanabata’s Wife
Teresa Barrozo, Mamang
Teresa Barrozo, Paglisan
Malek Lopez & Erwin Romulo, BuyBust
Malek Lopez & Erwin Romulo, Never Tear Us Apart

Mejor Sonido

Aian Caro, Lamberto Casas, Jr. & Albert Michael Idioma, ML
Jason Conanan, Daryl Libongco & Mikko Quizon, Meet Me in St. Gallen
Whannie Dellosa & Steven Vesagas, BuyBust
Albert Michael Idioma, Signal Rock
Malek Lopez & Erwin Romulo, Never Tear Us Apart
Rico Mambo & Angeli Sarmiento, A Short History of a Few Bad Things

Casa Asia organiza un nuevo ciclo de cine Iraní en los Cinemes Girona. Este cine no sólo interesa por el número de títulos, sino por las narrativas y los contenidos a los que hace referencia. La mayoría de producciones se nutre de temas, paisajes y figuras de la vida cotidiana local, aunque el tema histórico como la guerra Irán-Irak (Villa Dwellers) o como ciertos periodos sensibles de la República islámica (High Noon Story) también desempeñan un importante papel en la medida en que muestran la capacidad de sus autores para atravesar el pasado desde un presente cada vez más abierto y en el que el cine desempeña un papel de primer orden. La propuesta que hacemos aborda diferentes vertientes de la vida de una sociedad sorprendentemente no tan conocida como se cree, pese a la potencia cultural de este país, cuyo descubrimiento en muchos aspectos está por hacer. El cine nos aproxima en este caso a mundos a los que de otro modo no tendríamos acceso, y que sin embargo podemos fácilmente compartir. De ahí su interés y la atracción que ejerce para nuestros públicos. Además de las películas mencionadas se podrán ver Mothering, Leaf of Life, Azar, Forty Baldies, Lina y Appendix que recibió el Premio al Mejor Guión, concedido por el Jurado de la Sección Oficial. Estas películas se proyectaron en la última edición del Asian Film Festival Barcelona | AFFBCN.

Sábado 6 de julio de 2019 20.00 h
VILLA DWELLERS, Dir. Monir Gheydi | Irán | 2017 | 100 min

Durante la guerra entre Irán e Iraq, muchas familias de soldados iraníes residían en villas residenciales próximas al conflicto, esperando poder ver a los familiares que tenían en el frente. Aziz se acerca hasta este lugar con sus nietos para poder tener la oportunidad de ver a su hijo Davoud. Lo inesperado se produce nada más llegar al nudo de conflicto, donde los episodios se multiplican hasta el desenlace. Monir Gheydi nació en 1972 en Shemiran, Irán. Posee una licenciatura universitaria en gestión cultural por la Universidad de Azad. Durante un tiempo, fue anotadora de guion y luego trabajó como ayudante de dirección para conocidos directores como Majid Majidi, Kamal Tabrizi y Ebrahim Hatami, entre otros. Ha realizado varios cortome-trajes y películas para la televisión. Villa Dwellers es su primer largometraje.

Sábado 13 de julio de 2019 20.00 h.
MOTHERING, Dir. Roqiye Tavakoli | Irán | 2017 | 84 min

Mothering es una película sobre dos hermanas que viven en Yazd, una ciudad que se encuentra en el desierto de Irán. Una de las hermanas ha abandonado a su pareja y la otra ha sido abandonada por la suya. De manera que así se pueden contemplar las dos caras de un conflicto en las personas de la víctima y el verdugo. Interesa a su vez saber las circunstancias de la ruptura y separación en ambos casos, así como las correspondientes localizaciones donde la acción tiene lugar. Este 2018 la película se ha proyectado en festivales como el International Filmmor Women’s Film Festival on Wheels, el Tirana International Film Festival y el Malatya International Film Festival. Roqiye Tavakoli nació en 1985 en Yazdan. Ha hecho más de 30 cortos y documentales que han sido aclamados en más de 50 festivales locales e internacionales y ha sido premiado en festivales como el Armenia International Women’s Film Festival Kin, el Dubai Ibda Awards, el Royesh Film Festival y el Parvin Etesami Festival, entre otros.

Sábado 20 de julio de 2019, 20.00 h
HIGH NOON STORY, Dir. Mohammad Hossein Mahdavian | Irán | 2017 | 110 min

Es la narración oficial de una época en la historia de la República Islámica, que las autoridades aún consideran muy sensible. La película retrata la violencia perpetrada por los miembros del Mujahedeen-e-Khalq (MEK), incluyendo los atentados, asesinatos y respectivamente los esfuerzos de los agentes de inteligencia para identificar y arrestar a los líderes del grupo, y los acontecimientos ocurridos hasta el 8 de febrero de 1982. La película ganó el premio Crystal Simorgh a la mejor película en el 34º Festival Nacional de Cine de Fajr en 2017. Mohammad Hossein Mahdavian, nacido en 1981 en Babol, se licenció en producción de televisión en la Iran Broadcasting University. Debutó con el largometraje Standing in Dust que fue muy bien recibido en el país.

Sábado 27 de julio de 2019 20.00 h
LEAF OF LIFE, Dir. Ebrahim Mokhtari | Irán | 2017 | 86 min

Un director de cine se encuentra haciendo un documental sobre el cultivo y la cosecha del azafrán en un pequeño pueblo, sin demasiado entusiasmo. Ha aceptado el trabajo por dinero, ya que quiere comprarse una casa en Teherán, pero los precios de la vivienda están subiendo y en lugar de poner todos los medios para hacer una buena película, pide a su productor que le compre una casa. Sin embargo, recibe una llamada telefónica y tiene que dejar el trabajo para volver a Teherán, tras algunos incidentes, vuelve al pueblo para hacer una película memorable. La película ha sido proyectada en 2017 en el Fajr International Film Festival, en el Festival In-ternational des Cinémas d’Asie y en 2018 en el Santa Cruz International Film Festival. Además, ha sido ganadora del INALCO Prix en la 24ª edición del Vesoul Festival of Asian Cinema (2018). Ebrahim Mokhtari nació en 1947 en Babol. Entre sus documentales más importantes se encuentran Caviar, The Baluchi Bread, A fishin voyage y Saffaron. Su debut con un largometraje fue en 1994 tras su proyección en la Film Critics Week, en el Festival de Cannes. Además, Mokhtari ha hecho muchas otras películas que han sido presentadas y premiadas en festivales de cine internacional por todo el mundo.

Sábado 7 de septiembre de 2019 20.00 h
AZAR, Dir. Mohammad Hamzei | Irán | 2017 | 85 min

Azar no es la típica mujer y madre iraní tradicional. Junto con su esposo Amir, regenta un restaurante de pizzas y participa en carreras de motos. Azar deberá tomar una extraña decisión en medio de la difícil y compleja situación que vive cuando, de pronto, se produce un suceso catastrófico. La película ha sido proyectada en el 15th Dubai International Film Festival (2017) y en el CineIrean Festival (2018). Mohammad Hamzei nació en Arak en 1979 y se licenció en dirección cinematográfica. Hamzei ha dirigido un gran número de cortos como As Always, Near of Far y According to a Habit u obras videográficas como Scratch, The Sound of Raining y Habib Agha. En 2017, Hamzei dirigió su primer largometraje con Azar.

Sábado 14 de septiembre de 2019, 20.00 h
FORTY BALDIES, Dir. Sadegh Sadegh Daghighi | Irán | 2017 | 86 min

Debido a unas intensas lluvias, permanece cortado el único puente que conecta el pueblo con la ciudad, lo que causa problemas a los habitantes del pueblo. Uno de los habitantes padece una enfermedad y necesita urgentemente un medicamento. El puente cortado causará un grave problema a la familia del enfermo. La película se ha proyectado este año pasado en el Zlin Film festival for Children and Youth de la República Checa. Sadegh Sadegh Daghighi no solo ha hecho cortometrajes y documentales, sino que también tiene experiencia en grabación de sonido, edición y efectos especiales. Su primera película, Hero Boy (2012) ganó quince premios del Festival de Cine Fajr y del Festival Internacional de Cine para Niños y Jóvenes Adultos.

Sábado 21 de septiembre de 2019 20.00 h
APPENDIX, Dir. Hosein Namazi | Irán | 2017 | 81 min

Reza lleva a Zari, su esposa, al hospital, donde le diagnostican apendicitis y debe ser operada. Como Zari carece de seguro médico, Reza le pide a una amiga de su esposa, Leila, poder usar su cartilla médica. Así pues, Leila se hace pasar por la esposa de Reza, y ahí comienzan una serie de tensiones en el hospital. Hosein Namazi es director y guionista. Comenzó a elaborar películas con sólo 13 años en la Sociedad del Cine Juvenil. Ha rodado varios cortometrajes como Medianoche, El camerino, Dios que está cerca, Con el color del agua y La novia ganadora. APPENDIX, su primer largometraje, le ha hecho merecedor del premio al mejor guion en el Festival Internacional de Cine de Montreal 2018 y forma parte del Fajr International Film Festival de 2019. Recibió el Premio al Mejor Guión, concedido por el Jurado de la Sección Oficial de la última edición del Asian Film Festival Barcelona | AFFBCN.

Sábado 28 de septiembre de 2019 20.00 h
LINA, Dir. Ramin Rasuli | Irán | 2017 | 88 min

Después de unos análisis de sangre, Maryam descubre que sus padres no son sus padres biológicos. Maryam está decidida a descubrir quién es su verdadero padre y por qué nunca regresó por ella. Después de mucho buscar, recibe un número de teléfono de Afganistán. Ramin Rasuli ha dirigido largometrajes, cortometrajes y documentales, entre ellos El cinematógrafo, Novena planta, El accidente, El vecino y Mi muñeca. Lina es su primer largometraje, que ya ha sido proyectado en el Sofia MENAR Film Festival.

Cinemes Girona
C/ Girona, 175 (Barcelona)

Precio entrada: 3,5 euros / Abonados y socios de los Cinemes Girona: 2 euros

Shuji Terayama murió de insuficiencia hepática hace 35 años, pero es necesario reintroducirlo a una nueva generación en occidente. Su reputación es firme en Japón: los libros de él y sobre él se encuentran en las librerías, sus películas están disponibles en DVD y sus producciones teatrales aún se reviven. Su nombre todavía es actual, pero ha sido olvidado en gran parte en Europa y América. Su compañía de teatro Tenjo Sajiki se presentó por última vez en Londres en 1978, y sus películas no se han visto demasiado desde finales de la década de 1980. No se puede evitar pensar que este artista vital y subversivo está siendo ignorado por muchos.

Nació en la prefectura de Aomori el 10 de diciembre de 1936. “Naciste en un tren en movimiento, por lo que tu lugar de nacimiento no está claro”, afirmaría su madre. Escapó con ella de su ciudad natal durante los ataques aéreos cometidos por las fuerzas aéreas estadounidenses en la Segunda Guerra Mundial. Su padre, un oficial de policía “que jugaba, borracho, con su pistola en casa apuntando a su hijo” murió mientras estaba en un servicio militar en la Guerra del Pacífico, Indonesia. Terayama tenía solo 9 años. Más tarde, su madre comenzó a trabajar en la base militar estadounidense de Kyushu y tuvo que dejar a su único hijo con su tío en Misawa. Se sintió terriblemente indefenso y abandonado por su madre, y más tarde esto tomará su propia forma en sus escritos, películas y fotografías.

Además de su amarga experiencia con su madre, otras dos situaciones marcaron su infancia y adolescencia. En Aomori se encuentra el Monte Osore, una montaña “embrujada” que ha atraído a fantasmas y chamanes durante siglos. Terayama se empapó de los mitos y leyendas locales durante su niñez. A la edad de dieciocho años, fue diagnosticado con nefritis (la misma enfermedad que le quitó la vida el 4 de mayo de 1983) y tuvo que pasar la mayor parte de sus años de secundaria y universidad en un hospital en el distrito de Shinjuku. En ese momento las protestas estudiantiles y los diferentes tipos de movimientos artísticos estaban sucediendo en las calles de Tokio. A mediados de los años 60, Shinjuku se convirtió oficialmente en el epicentro de la contracultura en Japón, como se puede ver en Diary of a Shinjuku Thief (1968) de Oshima, y Shuji estaba allí para aprovechar esa situación. Atrapado en el hospital, Terayama concibió un paralelismo entre el tráfico esotérico en el Monte Osore y la vida callejera de Shinjuku. Esta percepción le dio una veta de imágenes que alimentaron gran parte de su trabajo posterior.

Algunos años antes Terayama entró en la escena pública japonesa como poeta, con una edad de tan solo 15 años, publicando principalmente Haiku y Tanka neoclásico (poemas de 31 sílabas) con un giro surrealista. También pasó muchas noches viendo películas en el cine de su tío, siendo Casablanca una de sus favoritas a lo largo de los años. Con el tiempo salió del hospital y en 1967 fundó, junto a su esposa Eiko Kujo, un grupo teatral llamado Tenjo Sajiki, tomado del título de lanzamiento japonés de Les Enfants du Paradis de Marcel Carné de 1945, y contando con la participación de los artistas Aquirax Uno y Tadanori Yokoo, quienes diseñaron muchos de los carteles publicitarios del grupo, el compositor experimental J.A. Seazer y el músico folk Kan Mikami, y la dramaturgo Rio Kishida, quien veía a Terayama como su mentor.

Más tarde inauguró un teatro en Shibuya con un edificio diseñado por Kiyoshi Awazu. Terayama alentó a los jóvenes a dejar sus rutinas, romper lazos con sus familias, y sobre todo madres, opresoras y unirse a Tenjo Sajiki. El grupo, compuesto principalmente por fugitivos, forasteros y vagabundos creativos, comenzó con The Hunchback Of Aomori y unos años más tarde estaban de gira por Europa, América y Medio Oriente. Terayama dijo una vez que “el teatro se ha convertido en esclavo de la escritura, mientras que el discurso del actor está dictado por la palabra impresa” y, para remediar esto declaró “ante todo, el teatro debe separarse de la literatura. Para hacerlo, debemos purgar el teatro de la obra”. En 1967, además, abriría una galería de arte llamada “Universal Gravitation”, que todavía existe en Misawa, al igual que el Terayama Shūji Memorial Hall, que posee una gran colección de obras de teatro, novelas, poesía, fotografía y una gran cantidad de sus efectos personales y reliquias de sus producciones teatrales.

Durante los últimos 15 años de su vida, mantuvo la atención del público con un aluvión de obras de teatro, películas, novelas y poemas. Gracias a sus frecuentes apariciones como comentarista de combates de boxeo y carreras de caballos, también llegó a sectores del público cuyos intereses no se extendían a las artes. Era lo que ahora llamaríamos un “intelectual público”, apareciendo a menudo con puntos de vista idiosincrásicos en programas de entrevistas y en debate de actualidad. Y lo hizo como una voz de la izquierda desalineada y como un surrealista impenitente.

Todo el trabajo de Terayama estaba interconectado. Citó sus propios poemas en sus películas, y muy a menudo también incluyó imágenes y motivos visuales de sus obras. Su única incursión en el mainstream fue Boxer (1977), que se basaba en sus comentarios deportivos y contaba con la participación una serie de campeones de boxeo reales. El flujo fue en ambas direcciones. Uno de sus cortometrajes, que muestra clavos de todos los tamaños que invaden la vida de los personajes, termina por invitar a la audiencia a subir y clavar clavos en la pantalla. Otra comienza con arpías pintadas que insultan la pasividad e impotencia de la audiencia hasta que un tipo deja de tirar palomitas y se pone de pie para protestar; las arpías lo arrastran a la pantalla, lo desnudan y lo humillan, para luego arrojarlo al auditorio desnudo. (Estas y otras películas y obras teatrales son interpretadas por la fiel mano derecha de Terayama, Morisaki Henriku).

La última producción de Tenjo Sajiki, montada en un vasto almacén portuario en tres sets, cada uno a cientos de metros de los otros, era una versión de Cien años de soledad de García Márquez. A su vez, la última película de Terayama, Farewell to the Ark (1984, completada por su equipo después de su muerte), fue a su vez una versión de la obra basada en García Márquez.

En su trabajo como director, Terayama alternaba entre largometrajes y cortometrajes “experimentales” de menor escala. Una de las razones es que ambos aspectos de su trabajo cinematográfico presentaban miembros de Tenjo Sajiki y recurría a ideas que ya habían explorado en el escenario. Sus primeros cortos, como Emperor Tomato Ketchup (1971), fueron esencialmente improvisaciones grupales con sus actores. Emperor Tomato Ketchup narra como un grupo de preadolescentes toma el poder en Japón y comienza a dar caza a los adultos. En él Terayama cuestiona la hipocresía de la sociedad en general, donde la sexualidad se percibe como inmoral y perversa, pero la guerra y el genocidio son aceptables. En ridículos marcos teñidos de rosa, la película mezcla imágenes pornográficas, tomas de líderes y pensadores, y jóvenes soldados decididos a derrocar el orden existente.

Su primer largometraje Throw Away Your Books, Let’s Go into the Streets (1971) se basó en una pieza de “teatro vérité” del mismo nombre, en la que los asistentes eran invitados al escenario para representar sus deseos y fantasías. Esta exploración de la independencia, la ambición y la desilusión, nos muestra a un adolescente desanimado que se cansa de la renuencia de su familia a escapar de su pobre posición social y económica. Throw Away Your Books estableció además el patrón del autor para películas posteriores como Pastoral Hide-and-Seek (1974) y Grass Labyrinth (1979), que también se centran en jóvenes que exploran sus deseos eróticos o ansias de libertad.

Pastoral Hide-and-Seek es una interesante versión de la autobiografía del director. Ambientada en la prefectura de Aomori, la película retrata a un joven Shuji que lucha por sobrellevar los atrasos de su pequeño pueblo tradicional y su madre dominante. Fantasea con la mujer de al lado y sueña con escapar de las costumbres y las convenciones de su lugar de origen. Contada en un formato no lineal y sorprendentemente fragmentado, esta película es el intento del director de reformular su pasado. En Grass Labyrinth Terayama muestra su maestría con los cortos oníricos cuando un joven entra en una búsqueda para recuperar la canción de cuna que su madre le cantó cuando era niño y desciende a un viaje inconexo a través de su subconsciente y recuerdos de infancia.

El último trabajo finalizado por Terayama en cualquier medio fue un intercambio de cartas en vídeo con el poeta Tanikawa Shuntaro (conocido, entre otras cosas, como el traductor japonés de Mother Goose). Video Letter (1982) está lleno de pequeñas epifanías ya que ambos “corresponsales” exploran las posibilidades de lo que entonces era un nuevo medio, pero también es una crónica desgarradora del declive físico de Terayama y el dolor con el que vivió en sus últimos meses. Le da un giro completo a su carrera al devolverlo a su primer amor: la poesía.

En su afán por ofrecer una panorámica representativa y diversa de la producción de cine asiático de la temporada, el Festival Nits de cinema oriental de Vic, que se celebra del 15 al 21 de julio, presenta una programación que incluye superproducciones de calidad y filmes de autor. Desde la espectacular incursión en el Bollywood de Chuck Russell con Junglee, hasta la ópera prima del director Tang Gaopeng sobre los caminos por donde transita la nueva China, The Road Not taken, pasando por el filme de culto del año -la irresistible The Man Who Feels No Pain– la 16a edición del Nits recorre todos los géneros y estilos, llegados desde ocho países asiáticos.

Durante los próximos días os iremos acercando toda su programación al completo, centrándonos hoy en su sección oficial a competición. Además este año nos escaparemos a pasar unos días a Vic y podremos ir comentándoos todo lo que acontezca por el festival.

Sesión Inaugural

THE POOL
Tailandia, 2018
Dirección: Ping Lumpraploeng
Reparto: Theeradej Wongpuapan, Ratnamon Ratchiratham

6 metros de profundidad. 2 humanos. 1 bestia. 0 salidas.

Una pareja se queda atrapada en una piscina vacía de seis metros de profundidad. No hay salida y un inesperado depredador aparece en escena.

The Pool es un ejercicio de suspense modélico, de trama sencilla y efectiva, llena de elementos hitchcockianos, referencias del capítulo Five Characters in Search of an Exit de En los límites de la realidad, y hasta de la saga Saw. Os mantendrá pegados a la silla de plástico de la Bassa. Y, quizás, se os quiten las ganas de ir a la piscina este verano.

Sección oficial a competición

ANDHADHUN
India, 2018
Dirección: Sriram Raghavan
Reparto: Ayushman Khurrana, Radhika Apte, Anil Dhawan, Tabu

Un pianista ciego que quiere conseguir la composición perfecta conoce a la chica de su vida y, a su vez, contratado para trabajar tocando en un famoso restaurante. Parece que nada podría ir mejor pero una serie de inesperadas muertes hacen que todo se vuelva muy oscuro.

Ganadora del prestigioso FilmFare Awrad de la Crítica, Andhadhun mezcla brillantemente thriller y comedia negra en un guión lleno de giros que reta al público a agudizar sus sentidos.

HOMESTAY
Tailandia, 2018
Dirección: Parkpoom Wongpoom
Reparto: Teeradon Supapunpinyo, Cherprang Areekul, Suquan Bulakul

Un joven se despierta en la morgue de un hospital sin saber quién es ni qué hace allí. Un extraño personaje le informará de que es un alma en busca de la reencarnación.

Los productores de Bad Genius, la triunfadora del pasado Festival Nits, nos sorprenden de nuevo con esta adaptación del manga Colorful combinando fantasía y romanticismo en una creativa trama de factura visual impecable.

I’M THE WHITE TIGER
Hong Kong, 2018
Dirección: Lee Chiu

El actor, doble de acción y leyenda viva de las artes marciales, Mark Houghton, es el protagonista de este documental sobre su vida y obra.

Habitual de la industria cinematográfica hongkonguesa, ha participado en títulos tan míticos como La leyenda del luchador borracho junto a Jackie Chan.

JUNGLEE
India, 2019
Dirección: Chuck Russell
Reparto: Vidyut Jammwal, Pooja Sawant, Asha Bhat

El veterinario Raj deja Mumbai para volver al santuario de elefantes de Chandrika. Un ataque masivo de cazadores furtivos le obligarà a entrar en acción.

El remake indio de Ong-Bak está dirigido por Chuck Russell, autor de La máscara y El rey Escorpión, la protagoniza la estrella Vidyut Jammwal, y todo ello, rodado en espectaculares escenarios naturales tailandeses.

MISSBEHAVIOUR
Hong Kong – China, 2019
Dirección: Pang Ho-Cheung
Reparto: Gigi Leung, June Lam, Isabella Leung, Isabel Chan

June pide ayuda a sus amigos para encontrar una botella de leche materna antes de que acabe el día. Conseguir el Santo Grial sería más fácil, seguro.

Pang Ho-Cheung se apunta a las irreverentes comedias de año nuevo con una locura colectiva, a la vez que atrevida y conmovedora. Al éxito de la función ayuda, y mucho, su fantástico reparto.

MONKEY MAGIC
China, 2019
Dirección: Ma Jihai

Un mono de juguete cree que es el Rey Sun Wukong. Ridiculizado por sus compañeros se desplaza al mundo de la novela Viaje al Oeste y empieza una emocionante aventura.

En esta poco convencional adaptación del gran clásico de la literatura china, se nos transmite que cualquier héroe es, inicialmente, un ser convencional. Innovadora, de trazo fresco y atractivo, Monkey Magic es una de las versiones más creativas del Rey Mono.

ONCE UPON A TIME IN CHINA: WARRIORS OF THE NATION
China, 2019
Dirección: Marco Mak
Reparto: Vincent Zhao, Sarah Chen, Kenya Sawada

Tras la guerra chino-japonesa, el ejército del sol naciente no se da por vencido e intenta hacerse con el control de Cantón mediante una organización secreta. Wong Fei-Hung y sus discípulos intentarán, una vez más, frenar este ataque a la soberanía china.

La saga Érase una vez en China cambió para siempre el cine de artes marciales hongkonés. En esta octava entrega oficial, el montador de toda la saga, Marco Mak, ocupa la silla del director para oferecernos una cinta llena de acción espectacular al estilo clásico.

PEGASUS
China, 2019
Dirección: Han Han
Reparto: Shen Teng, Huang Jingyu, Yin Zheng

Un piloto de rallies ve frustrado su sueño cuando recibe una suspensión por 5 años. Esta humillación le hace reconsiderar el concepto del éxito.

El polifacético Han Han vuelve al Festival Nits después de The Continent i Duckweed con su tercera película, donde nuevamente expone una de sus aficiones y obsesiones: el automovilismo como motor de una historia de redención. Todo ello adornado con acción y humor.

RED BLADE
Japón, 2019
Dirección: Takahiro Ishihara
Reparto: Yuka Ogura, Himena Tsukimiya, Kanon Hanakage

Mako, una universitaria que sufre acoso escolar, se evade leyendo un libro en la biblioteca. El protagonista de la novela, el ninja Hiro, se le aparece y la lleva a la época Edo para recibir entrenamiento marcial.

Con las coreografías de Tak Sakaguchi y guión de Sion Sono, Red Blade es una cinta de acción femenina, que combina ciencia-ficción y la mitología ninja. La huella del Osaka Badass Team es bien visible.

SPRING SPARROW
China, 2019
Dirección: Li Jingxiang
Reparto: Wu Shujie, Ji Hong Yang, Yang Zilong, Luo Shaoqian

1982. Los agricultores chinos se suben al carro de la anunciada modernización estatal y empiezan a vender sus cultivos en la ciudad: comienza el éxodo rural.

La joven directora, guionista y productora Li Jingxiang debuta con esta historia iniciática de amistad en una China en plena transformación hacia la economía de mercado.

La proyección contará con la presencia de su directora, quién presentará la película.

THE KNIGHT OF SHADOWS
China-Hong Kong, 2019
Dirección: Yan Jia
Reparto: Jackie Chan, Elane Zhong, Ethan Juan, Lin Peng

Pu Songling es un novelista y cazador de demonios que se une a un funcionario de la policía local para investigar el caso de las desapariciones de unas jóvenes adolescentes.

Jackie Chan, con su vis cómica intacta, es el reclamo mediático de esta fastuosa fantasía, llena de aventuras, imaginativos y caros efectos especiales y una historia de amor de las que hacen historia.

THE MAN FROM KATHMANDÚ
Nepal-EUA, 2019
Dirección: Pema Dhondup
Reparto: José Manuel, Anna Sharma, Gulshan Grover, Hameed Sheikh

Faisal Mustafa es un joven mitad hinduista mitad musulmán que quiere ir a Siria a combatir junto a su padre, pero su extraño viaje le llevará a Katmandú.

Esta historia de antihéroe desafectado brilla por sus escenas de acción al estilo del viejo Hong Kong y cuenta con José Manuel y su equipo de stunts coreografiando unas ingeniosas escenas de acción. Toda una sorpresa que combina talento internacional.

THE MAN WHO FEELS NO PAIN
India, 2018
Dirección: Vasan Bala
Reparto: Abhimanyu Dassani, Gulshan Devaiah, Radhika Madan

Surya no siente dolor y aprovecha esta particularidad para aprender artes marciales y repartir leña entre los malotes del barrio. Pero como dice la frase inicial del filme: “Detrás de las historias más alucinantes se encuentran las decisiones más divertidamente equivocadas”.

No os perdáis el Crowd Pleasure del año, una mezcla de Bollywood, cine ochetentero y artes marciales que funciona por su entusiasmo. Y por tener un villano que es el Nicolas Cage indio. Imprescindible.

THE OUTLAWS
Corea del Sur, 2017
Dirección: Kang Yoon-sung
Reparto: Ma Dong-Seok, Yoon Kye-Sang, Jo Jae-Yun

El detective Ma intenta controlar la lucha de bandas de gángsteres por el control del barrio de Garibong. La llegada de los Black Dragon chinos, liderados pr el violento Jang Chen, acelerará el conflicto.

Basada en los hechos ocurridos en Heuksapa en 2007, The Outlaws es un thriller trepidante, con acción de la vieja escuela y el humor clásico del duelo pareja policia/gángster.

THE ROAD NOT TAKEN
China, 2018
Dirección: Tang Gaopeng
Reparto: Wang Xuebing, Ma Yili, Zhu Gengyou

Un granjero perdido en medio del desierto de Gobi se agobia al verse inmerso en una trama mafiosa que involucra a un niño secuestrado y a una conductora de camiones.

Esta historia de antihéroes que sobreviven en un mundo desfavorable lleno de caminos no escogidos se impregna de la dureza de un paisaje estéril. Mejor película en los Shanghai Asian New Talent Awards.

THE WIND GUARDIANS
China, 2018
Dirección: Liu Kuo

Ming Lang, un chico ciego de Xiaoyanggang, malvive haciendo pequeñas estafas en el mercado. Un día, un ser diabólico ataca la ciudad y la madre de Lang desaparece. Entonces, Lang inicia un viaje lleno de aventuras que cambiará su vida para siempre.

The Wind Guardians es la gran producción china de animación de la temporada, su impresionante orfebrería visual envuelve una historia de amor maternofilial, con una combinación de fantasía legendaria, Wuxia, romanticismo y humor.

UNDER ONE UMBRELLA
Japón, 2018
Dirección: Takayuki Takuma
Reparto: Kana Kurashina, Hayato Ichihara, Danshun Tatekawa, Tomoyo Harada

Satsuki Tsukishima culmina la búsqueda de su padre, que lleva 25 años ausente, en un pequeño pueblo. El hombre ha construido una nueva vida, y ha cambiado su nombre y apellidos.

Takayuki Takuma adapta al cine su propia obra de teatro, una historia íntima pero coral, delicada, humorística e incluso con algunas dosis de thriller. Un placer colectivo que arrancará lágrimas y risas en la Bassa.

YATSURUGI 8
Japón, 2019
Dirección: Hiroshi Nagai
Reparto: Kyota Aizawa, Yumi Fujikoso, Daiki Kikkawa, Kasumi Tsuji

Después de la exitosa sesión Tokusatsu de la pasada edición del festival, volvemos a la carga con una nueva entrega de Yatsurugi, el heroe por excelencia de Chiba, con héroes transformables enfundados en irresistibles y discretos trajes, capaces de defender la Tierra, y algunos de sus habitantes, de los monstruos y demonios más feos y absurdos.

Diversión con fin.

Continuamos nuestro repaso con todo el cine que podrá verse en decimosexta edición de las Nits de Cinema Oriental de Vic, uno de los pocos reductos dedicados exclusivamente el cine asiático que existen en nuestro país. Hoy daremos un paseo por algunas de sus secciones paralelas, centrándonos en películas infantiles, algunas de sus sesiones especiales y la sección Movistar+, una interesante colaboración que permite estrenar algunas películas simultáneamente en el festival y la plataforma de televisión.

Sección Infantil

MONKEY MAGIC
China, 2019
Dirección: Ma Jihai

Un mono de juguete cree que es el Rey Sun Wukong. Ridiculizado por sus compañeros se desplaza al mundo de la novela Viaje al Oeste y empieza una emocionante aventura.

En esta poco convencional adaptación del gran clásico de la literatura china, se nos transmite que cualquier héroe es, inicialmente, un ser convencional. Innovadora, de trazo fresco y atractivo, Monkey Magic es una de las versiones más creativas del Rey Mono.

ON HAPPINESS ROAD
Taiwán, 2018
Dirección: Sung Hsin-yin

Lin Hsu Chi e suna mujer nacida en Taiwán en los años 70 que ahora está casada y asentada en EEUU. A raíz de la muerte de su abuela, Lin decide volver a Taipei. Una vez allí, se reencuentra con la vida y el ambiente que dejó hace tantos años.

Basada en las propias experiencias de su juventud, la directora taiwanesa Sung Hsin-yin debuta en el largometraje de animación con este emotivo homenaje a la infancia.

THAI SHORT FILMS + BIKI
Tailandia
Dirección: P.Cholsaranon, Ch. Panichrutiwong, Ch. Kaewmanee, W.Phraejunya

Selección de producciones independientes tailandesas. Se proyectarán piezas como Feed, la divertida historia de una abuela que alimenta un curioso animal, y Nine, una proeza visual de los prestigiosos Monk Studios.

La sesión se completará con una selección de cortometrajes del BIKI, Busan International Kids and Youth Film Festival.

THE WIND GUARDIANS
China, 2018
Dirección: Liu Kuo

Ming Lang, un chico ciego de Xiaoyanggang, malvive haciendo pequeñas estafas en el mercado. Un día, un ser diabólico ataca la ciudad y la madre de Lang desaparece. Entonces, Lang inicia un viaje lleno de aventuras que cambiará su vida para siempre.

The Wind Guardians es la gran producción china de animación de la temporada, su impresionante orfebrería visual envuelve una historia de amor maternofilial, con una combinación de fantasía legendaria, Wuxia, romanticismo y humor.

YATSURUGI 8
Japón, 2019
Dirección: Hiroshi Nagai
Reparto: Kyota Aizawa, Yumi Fujikoso, Daiki Kikkawa, Kasumi Tsuji

Después de la exitosa sesión Tokusatsu de la pasada edición del festival, volvemos a la carga con una nueva entrega de Yatsurugi, el heroe por excelencia de Chiba, con héroes transformables enfundados en irresistibles y discretos trajes, capaces de defender la Tierra, y algunos de sus habitantes, de los monstruos y demonios más feos y absurdos.

Diversión con fin.

Sección Movistar+

GOLDEN JOB
Hong Kong, 2018
Dirección: Chin Kar-Lok
Reparto: Ekin Cheng, Jordan Chan, Michael Tse, Eric Tsang

Un grupo de amigos mercenarios que han trabajado juntos con anterioridad deciden llevar a cabo un último gran golpe a las órdenes de su mentor. El objetivo: robar un cargamento de medicamentos para ayudar a niños refugiados.

El reparto de la mítica saga de triadas Young and Dangerous vuelve, por última vez, al ataque con esta desvergonzada, nostálgica, irresistible y emocionante cinta de acción sobre la amistad y la fraternidad. Golden Job cuenta con la mejor persecución automobilística vista este año en el cine.

THE KNIGHT OF SHADOWS
China-Hong Kong, 2019
Dirección: Yan Jia
Reparto: Jackie Chan, Elane Zhong, Ethan Juan, Lin Peng

Pu Songling es un novelista y cazador de demonios que se une a un funcionario de la policía local para investigar el caso de las desapariciones de unas jóvenes adolescentes.

Jackie Chan, con su vis cómica intacta, es el reclamo mediático de esta fastuosa fantasía, llena de aventuras, imaginativos y caros efectos especiales y una historia de amor de las que hacen historia.

Sesiones Especiales

FULL CONTACT
Hong Kong, 1992
Dirección: Ringo Lam
Reparto: Chow Yun-Fat, Simon Yam, Anthony Wong

Jeff, un hombre de honor, ayuda a su amigo Sam a posponer una deuda con un grupo de mafiosos, pero el prestamista no cumple con su palabra e intenta matar a Sam.

Comparado a menudo con el contemporáneo John Woo, Ringo Lam es mucho más ambiguo con el bien y el mal. Todos sus personajes son unos cabrones y su única moral es la supervivencia. En Full Contact, Ringo Lam juega con un género en el que brillaron nombres como los de John Woo o Kirk Wong, pero lo hizo con un sentido de la narrativa hiperbólico y una estética alucinógena, nada lejos del Walter Hill de Calles de Fuego.

STREGA
Japón, 2019
Dirección: Bueno
Reparto: Bueno, Haruna Ayane, Mai Miori

En un futuro no muy lejano, Japón controla la población con un sistema llamado Vector Card. Un peligroso hacker decide manipular la tarjeta para convertir a la gente en monstruos, pero no contaba con la aparición de Strega, el superhéroe definitivo.

Bueno, bueno, bueno… y bonita y barata. Strega es el nuevo Tokusatsu del director de Gun Caliber, que vuelve con más acción demencial, erotismo y humor escatológico para ofrecernos una sesión de medianoche ideal.

TETSUDON: RATED T FOR FOOLS, IDIOTS & DUMMIES
Japón, 2019

La nueva antología del único, original e intransferible Tetsudon es para todos los públicos. En esta ocasión no hay sexo pero sí altos grados de escatología, surrealismo, humor absurdo y mucha idiotez.

Reji Hoshino será el maestro de ceremonias y podréis aplaudir a rabiar o pedir que os devolvamos vuestro dinero. De ilusión también se vive.

Finalizamos nuestro repaso a las películas que podrán disfrutarse a partir del próximo día 15 de Julio en el Festival Nits de Cinema Oriental de Vic, repasando hoy su retrospectiva principal, que este año está dedicada al cine de acción tailandés y que contará con la presencia de la conocida actriz y artista marcial JeeJa Yanin para su inauguración. Además os acercamos una de las novedades de esta edición, la maratón del domingo, que programa de forma consecutiva 3 películas desde la mañana, y que se cerrará con el espectáculo siempre loco y surrealista de la experiencia Tetsudon, que servirá de broche final al festival.

Aparte de las películas que hemos estado revisando en los últimos días, las Nits es mucho más, programando muchas actividades paralelas y las conocidas Cenas en la Bassa. Os recomendamos que para estar al tanto de todo os paséis por su página web, allí tenéis toda la información y la programación al completo.

Retrospectiva Thai Action

BANGKOK KNOCKOUT
Tailandia, 2010
Dirección: Panna Rittikrai
Reparto: Panna Rittikrai, Sorapong Chatri, Speedy Arnold

Un grupo de expertos en artes marciales son obligados por una organización criminal a participar en un desafío en el que deben pelear todos contra todos hasta quedar un solo vencedor.

Panna Rittikrai se apunta a la moda de los concursos distópicos como excusa para mostrar una sucesión de peleas espectaculares y dolorosas secuencias de acción. La culminación del Stunt Cinema tailandés, con la participación de Sorapong Chatri, leyenda de la acción thai de los 70.

BORN TO FIGHT
Tailandia, 1984
Dirección: Panna Rittikrai
Reparto: Panna Rittikrai, Hernfah Khwangmhek, Ma Ann

Seung Tung, yerno de un poderoso capo de la mafia de Hong Kong, está robando dinero del clan delictivo. El abogado de la familia lo descubre y es amenazado por una banda de asesinos marciales nada parciales.

Clásico entre los clásicos del cine de acción tailandés, el Born to Fight original es una demostración de la pericia de Rittikrai, extremadamente hábil dirigiendo y protagonizando unas escenas de acción muy juguetonas y al estilo del primerizo Jackie Chan.

CHOCOLATE
Tailandia, 2008
Dirección: Prachya Pinkaew
Reparto: eja Yanin (Yanin Vismitananda), Hiroshi Abe, Pongpat Wachirabunjong

Zen es una niña autista que vive al lado de una escuela de artes marciales. La niña observa a los alumnos y mira películas de Muay Thai y de Bruce Lee, aprendiendo así cada técnica y desarrollando reflejos muy rápidos. Pronto, sus habilidades serán puestas a prueba al enfrentarse a un grupo de mafiosos.

Después de Ong-Bak, Prachya Pinkaew consiguió ir aún más allá con una historia llena de elementos sociales, de corte feminista y con unas coreografías de acción espectaculares. Chocolate también supuso el descubrimiento de la estrella de acción Jeeja Yanin.

HARD GUN
Tailandia, 1996
Dirección: Prapon Petchinn
Reparto: Panna Rittikrai, Tony Jaa, Thunyaluk Rarchatha

Tras desarticular a una banda de criminales, un policía es acosado por uno de los supervivientes, sediento de venganza. Toda su familia también está en peligro, pero no se lo pondrá fácil a los agresores.

Hard Gun es uno de los primeros trabajos como actor de Tony Jaa, miembro del equipo de especialistas de Panna Rittikrai, que aquí demuestra su increíble talento para la acción de todo tipo, siete años antes de que el mundo entero le descubriese en Ong-Bak.

RAGING PHOENIX
Tailandia, 2009
Dirección: Rashane Limtrakul
Reparto: Jeeja Yanin, Kazu Patrick Tang, Nui Saendaeng

Una organización criminal está secuestrando mujeres para un misterioso experimento. Harta de ver como esto queda impune, una chica decide enfrentarse al clan con la ayuda de sus amigos y su dominio de las artes marciales.

Jeeja Yanin es la protagonista absoluta de esta película, una de las imprescindibles de la nueva ola del cine de acción tailandés, para la cual Panna Rittikrai inventó un nuevo estilo de lucha, el Meyraiyuth, mitad Muay Thai, mitad Capoeira.

Maratón de cierre

BIG BROTHER
Hong Kong – China, 2018
Dirección: Kam Ka-Wai
Reparto: Donnie Yen, Ray Lui, Joe Chen, Brahim Achabbakhe

Los alumnos de la escuela Tak Chi de Hong Kong no van a poner las cosas fáciles a su nuevo profesor. Pero ignoran que él tiene algunos golpes escondidos.

Donnie Yen vuelve al Festival Nits con la clásica trama de profesor guay que ayuda a unos alumnos desencantados, añadiendo dosis de humor y acción. Donnie reparte a base de bien, y no sólo notas de exámenes.

GOLDEN JOB
Hong Kong, 2018
Dirección: Chin Kar-Lok
Reparto: Ekin Cheng, Jordan Chan, Michael Tse, Eric Tsang

Un grupo de amigos mercenarios que han trabajado juntos con anterioridad deciden llevar a cabo un último gran golpe a las órdenes de su mentor. El objetivo: robar un cargamento de medicamentos para ayudar a niños refugiados.

El reparto de la mítica saga de triadas Young and Dangerous vuelve, por última vez, al ataque con esta desvergonzada, nostálgica, irresistible y emocionante cinta de acción sobre la amistad y la fraternidad. Golden Job cuenta con la mejor persecución automobilística vista este año en el cine.

JEZEBEL’S SPRING ROLLS – CORTO
Cataluña, 2017
Dirección: Joan-Pol Argenter
Reparto: Fuei Pang, Irina S. Low, Maarten Swaan, Fabián Matas

Chen y Lilly, trabajadores de una fábrica de comida asiática de día, se transforman cuando llega la noche. Boleros, rock’n’roll y una zarzuela.

SAINT YOUNG MEN
Japón, 2018
Dirección: Yuichi Fukuda
Reparto: n’ichi Matsuyama, Shota Sometani, Jiro Satp, Umi Yamano

¿Qué pasaría si Jesús y Buda vivieran en la Tierra, compartiendo un apartamento en el Japón actual? La vida cotidiana de esta extraña pareja pone a prueba sus convicciones teológicas.

La adaptación en imagen real del popular manga escrito e ilustrado por Nakamura Kikaru (adaptado también con éxito al anime) es una sitcom absurda y divertida dirigida por el responsable de Gintama.

A finales del pasado mes de Marzo se concedieron los Bangkok Critics Assembly Awards, o lo que es lo mismo, los premios de la crítica tailanddesa. Este año estos premios casi no han trascendido fuera de su Tailandia natal, por lo que me ha sido muy complicado encontrarlos como suelo hacer. Aún así me he liado la manta a la cabeza y traduzco su listado completo directamente del tailandés, perdonen posibles errores. Sea como fuere, la película que ha arrasado en estos premios de la crítica ha sido para le drama de temática homosexual Malila: The Farewell Flower, que se ha llevado los galardones a mejor película, dirección para Anucha Boonyawatana, ambas interpretaciones masculinas, tanto principal como de reparto, guión y diversos premios técnicos. A continuación tenéis la lista completa de nominados y premiados.

Mejor Película

“APP War”
“The Wall”
“Malila: The Farewell Flower”
“Samui Song”
“Homestay”

Mejor Director

Yanyong Kuruaungkoul – “APP War”
Boonsong Nakphoo – “The Wall”
Anucha Boonyawatana – “Malila: The Farewell Flower”
Pen-Ek Ratanaruang – “Samui Song”
Parkpoom Wongpoom – “Homestay”

Mejor Actor

Sunny Suwanmethanon – “Brother of the Year”
Nat Kitcharit – “APP War”
Teeradon Supapunpinyo – “Homestay”
Theeradej Wongpuapan – “The Pool”
Sukollawat Kanarot – “Malila: The Farewell Flower”

Mejor Actriz

Chayanit Chansangavej – “Someone From Nowhere”
Laila Boonyasak – “Samui Song”
Nittha Jirayungyurn – “7 Days”
Warisara Yu – “APP War”
Urassaya Sperbund – “Brother of the Year”

Mejor actor de reparto

Tanadol Baurabhut – “Thibaan The Series 2 Part II”
Nichkhun – “Brother of the Year”
Vithaya Pansringarm – “Samui Song”
Sirat Intarachote – “APP War”
Anuchit Sapanpong – “Malila: The Farewell Flower”

Mejor Actriz de reparto

Patchanan Jiajirachote – “APP War”
Ploy Sornarin – “Reside”
Manasaporn Chanchalerm – “Brother of the Year”
ศรุดา เกียรติวราวุธ – “Homestay”
Suquan Bulakool – “Homestay”

Mejor Guión

“APP War”
“The Wall”
“Malila: The Farewell Flower”
“Samui Song”
“Homestay”

Mejor Fotografía

“ฉากและชีวิต”
“The Wall”
“Nakee 2”
“Malila: The Farewell Flower”
“Homestay”

Mejor Edición

“2,215”
“APP War”
“The Wall”
“Samui Song”
“Homestay”

Mejor diseño de producción

“APP War”
“Thibaan The Series 2 Part II”
“Malila: The Farewell Flower”
“Samui Song”
“Homestay”

Mejor Banda Sonora

“9 Satra – la leyenda del muay thai”
“APP War”
“Norah”
“Malila: The Farewell Flower”
“Homestay”

Mejor Canción

“กำแพง” “The Wall” ประพันธ์โดย พยัต ภูวิชัย
“คนสุดท้ายของหัวใจ” “Thibaan The Series 2 Part II” ประพันธ์โดย กี้ พงษ์ศักดิ์, กะปอมก่าเร็คคอร์ด
“ท้า” “9 Satra – la leyenda del muay thai” ประพันธ์โดย คาริญญ์ยวัฒ ดุรงค์จิรกานต์, อธิราช ปิ่นทอง, เจนวิทย์ จันทร์ปัญญาวงศ์, เศรษฐรัตน์ พังจุนันท์, โป โปษยะนุกูล
“ระเบิดเวลา” “ไThibaan The Series 2 Part I” ประพันธ์โดย ปรีชา ปัดภัย, นะโม โมรา
“ลารัก” “The Last Heroes” ประพันธ์โดย ธชย ประทุมวรรณ, อนุชิต ธนัญชัย

Mejor Documental

“2,215”
“BNK48: Girls Don’t Cry”
“The Third Eye”

Young Filmmaker Award

Nottapon Boonprakob – “2,215”
Pongsa Kornsri, Nat Yoswatananont, Gun Phansuwon – “9 Satra – la leyenda del muay thai”
Rocky Soraya – “The Third Eye”
บุณญวีย์ ธีระทรัพย์ – “เพื่อน เราและนาย”
ฮามีซี อัคคี-รัฐ – “อาดัม จันทร์แยก โลกแตก ญิน”

Toshio Matsumoto nace en Nagoya el 25 de marzo de 1932. Desde muy joven siempre quiso ser pintor y dedicarse al arte, pero la oposición de su familia le obligó a continuar con sus estudios, matriculándose en Medicina por la Universidad de Tokio para luego asistir en secreto al departamento artístico. Ya en secundaria Matsumoto había cultivado su amor por el cine, faltando casi todos los días a clase para acudir a un cine de Shinjuku, donde visionaba muchos tipos de películas. Tenía sed de conocimientos y allí descubriría desde el neorrealismo al arte experimental italiano, ofreciéndole una perspectiva que le haría plantearse el verdadero significado del cine.

Matsumoto comenzó su carrera cinematográfica co-escribiendo y siendo asistente de director en Ginrin (銀輪, 1955), una película de servicio público sorprendentemente experimental encargada por el Japan Bicycle Promotion Institute. Sus colaboradores en el proyecto fueron Shozo Kitadai y Katsuhiro Yamaguchi, miembros del colectivo japonés de posguerra Jikken Kobo, el compositor Toru Takemitsu y el creador de efectos especiales Eiji Tsuburaya, muy conocido por sus colaboraciones en la saga de Godzilla, y buena parte de los Kaiju Eiga y cine Tokusatsu de la época. La película presenta la simple narración de un niño que sueña despierto con bicicletas, mientras cristaliza la incorporación de elementos muy particulares de Jikken Kobo como la inclusión de escenas cotidianas y tecnologías innovadoras, así como una predilección por la estética y narrativa de la ciencia ficción para abordar el subconsciente. Viéndola dentro de la obra de Matsumoto, anuncia lo que se convertiría en su modus operandi -producción desde el intersticio, desde los límites-. Con Ginrin, Matsumoto fusionó la estética experimental con el cine comercial, y continuaría complicando aún más las distinciones entre cine de vanguardia y documental, cine experimental y narrativo, artista y crítico.

A finales de la década de 1950, el director comenzó a realizar un nuevo tipo de documental que fusionaba elementos vanguardistas y documentales. Así, durante la década de 1960 desarrolló lo que él mismo acuñó como “neo-documentalismo”, que rechaza la naturaleza objetiva tradicional del documental por una que revelaría estados mentales internos y subjetivos.

Tanto influido por Luis Buñuel como por el etnógrafo y folklorista Kunio Yanagita, The Song of Stone ( 石の詩, 1963) fusiona el documental con elementos surrealistas. Realizada casi simultáneamente a la mucho más conocida La Jetée (1962), de Chris Marker, también se construye con fotografías casi exclusivamente fijas, que en la película de Matsumoto fueron tomadas por Ernest Satow. Para el director fue un interrogatorio del medio cinematográfico en sí mismo. Si la película está constituida por imágenes fijas, qué mejor tema para explorar esta naturaleza del medio que la piedra, que en la aldea de Aji en Kagawa, en el mar interior de Seto, había sostenido, arrebatado y marcado la vida de los mineros locales durante cientos de años. Si el movimiento y la vida pueden crearse mediante imágenes fijas, la película propone que los minerales inanimados pueden cobrar vida a través de la poesía cinematográfica. “Cuando una piedra se rompe inesperadamente”, nos dice la película, “los hombres [de la aldea] murmuran ‘las piedras son seres vivos, las piedras son seres vivos’”. Matsumoto insistió en que la película necesitaba abordar las realidades externas e internas. La combinación de las solemnes imágenes de los aldeanos que trabajan en las plantas de procesamiento, la narración sombría que aborda sus creencias animistas y la banda sonora de musique concrète de Kuniharu Akiyama, crea un efecto sorprendente. A través de lo extraño, Matsumoto expone verdades psicológicas que no pueden ser capturadas solo por los modos neorrealistas.

Esta línea vanguardista le llevó a cierto reconocimiento internacional: Nishijin (西陣, 1961) ganó el San Marco Silver Lion y Haha-tachi (母たち, 1967) el San Marco Golden Lion en sendas ediciones del Venice International Documentary Film Festival. Al mismo tiempo, Matsumoto escribió ensayos sobre la teoría del cine. En 1963, publicó Eizo no hakken: Avangyarudo to dokyumentarii (The Discovery of Film: The Avant-Garde and Documentary), que ejerció una gran influencia en el movimiento cinematográfico japonés. El director realizaría las siguientes declaraciones en torno a Nishijin:

“Hasta ahora, los documentales se realizaban principalmente con el respaldo de un sindicato o una organización del Partido Comunista. Si pensabas hacer algo diferente a eso, tenías que crear una estructura de soporte completamente diferente porque no había base para hacer tales películas o mostrarlas. Te obligaban a empezar desde allí. Justo en ese momento, después del revés sobre el Tratado de Seguridad EE.UU.-Japón de 1960, filmé el documental Nishijin con el respaldo de una sociedad de espectadores llamada “Kyoto Society for Viewing Documentary Cinema”. Por supuesto, en términos de conciencia eran del ala izquierdista, pero todavía no eran lo que llamaríamos una organización política. Creo que fueron los primeros en intentar cultivar nuevos espectadores y hacer por su cuenta el tipo de películas que querían ver. Como plan inicial propuse algo como lo que comentaba antes y obtuve su aprobación para dirigirme al Nishijin de Kyoto -barrio de textiles- con el objetivo de dar forma a algo mucho más profundo y difícil de expresar. No estaba tratando de representar el lugar llamado Nishijin o de mostrar a la gente tejiendo, sino de dar forma a las voces gruesas y silenciadas que acechan debajo de Nishijin. Eliminé los llamados temas “inusuales” o momentos decisivos y opté por la forma de un poema cinematográfico que apilaba incansablemente imágenes reales. La opinión se dividió sobre el resultado, pero el hecho de ganar el León de Plata en el Festival Internacional de Cine Documental de Venecia ayudó a despejar el camino para mis próximos pasos”.

For the Damaged Right Eye (つぶれかかった右眼のために, 1968) está pensada como una llamada a la acción, que se abre con el sonido de un teléfono marcando. Matsumoto vio un cambio paradigmático en el vertiginoso, acalorado y esperanzador momento de levantamientos globales simultáneos de 1968, y organizó el suyo al crear la primera película japonesa ampliada a tres proyecciones simultáneas. Diseñada para desmontar los valores estéticos convencionales, la proyección dual de la película, con una tercera colocada sobre el centro de los dos encuadres yuxtapuestos, amplía el espacio fílmico para organizar un intenso asalto visual. En un momento de la misma, la pantalla se llena de destellos y luces estroboscópicas. En 1968, a estas luces estroboscópicas se le acompañaban efectos de humo, causando, supuestamente, pánico entre los espectadores, quienes habían visto efectos similares en los enfrentamientos entre estudiantes y policías en televisión, fotografías y las propias calles. Rápidos pases de las pinturas de mujeres de Tadanori Yokoo de 1966, bailarinas go-go, protestas, travestís, motines, antidisturbios, carreras de motocicletas y otros elementos se mezclan, se colocan en bucle, se rayan y superponen, acompañados por sonidos de guitarras e himnos de Aretha Franklin y los Rolling Stones, para crear una fascinante y desconcertante cacofonía que captura la velocidad vertiginosa y la exuberancia de su tiempo.

El año siguiente, Matsumoto produjo su obra más notable, Funeral Parade of Roses (薔薇の葬列, 1969), una pieza narrativa que trata el dilema de Edipo como una historia de amor entre una hermosa mujer trans, que trabaja en un bar gay, y su jefe, que también resulta ser su padre. En momentos en que contemporáneos como Nagisa Oshima, con quien Matsumoto también tenía debates abiertos en la revista de cine Eiga Hihyo, eran incuestionablemente falocéntricos, utilizando repetidamente escenas de mujeres violadas como metáforas de la impotencia política masculina, Matsumoto fue criticado por privilegiar a las minorías sexuales sobre la política real. Aunque es más conocida por su narrativa queer, la película también podría describirse como formalmente queer, ya que incorpora animación, documental, material de archivo y otras técnicas experimentales de creación audiovisual en su marco narrativo de largometraje. En este sentido, For the Damaged Right Eye es también un estudio inicial para Funeral Parade of Roses, con el que comparte muchos elementos visuales.

De manera crucial, tanto For the Damaged Right Eye como Funeral Parade of Roses muestran a los jóvenes buscando su lugar en la ciudad. Si la década de 1960 estuvo marcada por revoluciones locales tanto en lo artístico como en lo político, con artistas de vanguardia y jóvenes radicales que tomaron las calles, el fracaso por evitar la renovación del Tratado de Seguridad entre Japón y Estados Unidos en 1960 y en 1970, unido a la institucionalización del arte vanguardista, marcado por la Bienal de Tokio de 1970 y Expo 70 en Osaka -donde Matsumoto participó con otra película en multiproyección, Space Projection Ako (スペース・プロジェクション・アコ-)-, causó una profunda frustración en los ámbitos más progresistas de izquierdas. No es casualidad que las películas de Masumoto de esta década otoñal se enfocarán en el interior subjetivo a través de estructuras experimentales. Mientras que las temáticas se abordan de manera crítica y psicoanalítica, y a través de las matrices de género y sexualidad en Funeral Parade of Roses, se abordaran de manera estática y psicodélica en sus trabajos de la década siguiente.

Con el comienzo de la década de 1970, Matsumoto experimentó cada vez más con el vídeo y la electrónica, diseñando procesos de manipulación de imágenes a través de la tecnología. Este enfoque se ilustra perfectamente en su cortometraje Mona Lisa (モナ・リザ, 1973), para el cual el director utilizó un sintetizador de imágenes electrónico que generaba efectos de color psicodélicos. Anticipándose al viaje a Japón de la obra maestra de Leonardo da Vinci en 1974, Matsumoto hace referencia a las múltiples reinterpretaciones y copias de la Mona Lisa a lo largo de la historia del arte, en particular las de Marcel Duchamp y Andy Warhol. Mirando directamente al icono reproducido en masa, pero también a su misteriosa vida interior, proyecta imágenes y formas abstractas de colores brillantes sobre la pintura, siendo la figura de Mona Lisa el único elemento fijo contra el cual se establece esa sucesión de imágenes. La pintura original se transforma en una poderosa visión surrealista y psicodélica, teñida por una cierta ansiedad de pérdida de control y realzada por la banda sonora electrónica. Al proyectar su propia fantasía sobre la obra, Matsumoto confronta su subjetividad con el objeto animado, que adquiere a través de este proceso una vida aparentemente interna y activa, algo que nos devuelve a la visión conceptual creada en The Song of Stone diez años antes.

Las piezas más exitosas de Matsumoto de este período son Atman (アートマン, 1975), filmada principalmente mediante stop-motion, la cámara pivota alrededor de una figura sentada con una máscara de hanya de teatro noh cerca del lecho de un río, en un flujo constante de exposición y color; y Everything Visible Is Empty (色即是空, 1975), que intercala de forma rápida y fascinante los caracteres chinos que constituyen el sutra del corazón -hannya shingyo en japonés- e imágenes de deidades hindúes y mandalas en colores ácidos. Ambas películas cuentan con bandas sonoras compuestas por Toshi Ichiyanagi: Atman se crea electrónicamente y es curiosa y extraña, mientras que Everything Visible Is Empty combina un ritmo implacable con los sonidos de un serpenteante Sitar. Estéticamente, esta última película mira de cerca la producción musical contemporánea de Takehisa Kosugi y sus Taj Mahal Travelers, así como las portadas que Tadanori Yokoo hizo para Santana -especialmente Lotus en 1974-; Todos ellos buscaron en la India la espiritualidad oriental y una forma de superar la influencia dominante del modernismo occidental.

Aunque estéticamente solventes, es difícil no ver estas, y la producción posterior de Matsumoto de la década de 1980, como un retiro, respectivamente, hacia el interior y hacia experimentos puramente formales. En este contexto, los rápidos acercamientos y giros de Atman representan metafóricamente el difícil compromiso entre interior y exterior. Mientras Matsumoto se esforzaba por expresar ambas cosas, la coincidencia de la experimentación formal, política y subjetiva solo se materializó momentáneamente a finales de los años sesenta. La explosiva y radical energía capturada en For the Damaged Right Eye y Funeral Parade of Roses, lamentablemente, se ve con nostalgia en Japón.

Aún así estas obras pueden tener una relevancia más contemporánea en Hong Kong, donde, como recordó poéticamente Pak Sheung Chuen en febrero de 2016, los ciudadanos de los enfrentamientos de Mongkok expusieron su derecho a la ciudad al arrancar adoquines del suelo y arrojarlos a las autoridades, realizando una especie de performance de un eslogan popular de Mayo de 1968, “bajo el pavimento, la playa”, y este es precisamente el tipo de cambio de valores que Matsumoto tenía en mente cuando hizo sus principales producciones.

Referencias:

Nettleton, Taro. “Toshio Matsumoto”, in the Winter 2017 issue of ArtReview Asia, 2017. Web.
<https://artreview.com/features/ara_winter_2017_feature_toshio_matsumoto/>

Coustou, Elsa, “Toshio Matsumoto”, Tate.org.uk. September 2015. Web.
<https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/ey-exhibition-world-goes-pop/artist-biography/toshio-matsumoto>

謝以萱, “當日本開始前衛（三）：松本俊夫，影像創作是場游擊戰”, BIOS monthly. July 2017. Web.
<http://www.biosmonthly.com/weekly_news_topic/9030>

Ya hemos vuelto de nuestra visita al Festival Nits de Cinema Oriental de Vic y lo primero, antes de ir comentándoos las películas que pudimos disfrutar durante su celebración, es repasar los diferentes premiados del certamen, empezando por los premios del jurado para su sección competitiva.

El Premio del Jurado ha recaído en dos títulos ex aequo: el filme Spring Sparrow (China, 2019) y Andhadhun (India, 2018).

El Jurado, formado por Sandra Takagi, Sergio Molina y Alfons Gorina, ha remarcado que esta decisión “refleja la riqueza del festival”, que presenta los géneros y estilos más diversos. La opera prima de la joven directora Li Jingxiang, Spring Sparrow, ha recibido el premio por “su sensibilidad y naturalidad” y por el “relato social sobre lo que significó la emigración del campo a la ciudad”. Y porque es una película “sincera con una fotografía muy cuidada”. La directora, que ha pasado toda la semana en Vic, pudo recoger el premio durante la ceremonia de clausura del festival.

En cuanto a Andhadhun, dirigida por Sriram Raghavan, el Jurado reconoce “la capacidad de sorprender a través de un guión con constantes giros que mantiene atrapado al espectador” y consigue construir “un puzle donde todo encaja”.

El público y la prensa acreditada han coincidido con este criterio y han concedido los respectivos galardones: Premio Gat de la Sort (Gato de la Suerte) y el Premio de la Crítica, a esta producción india, una muestra del cine comercial de alta calidad que convive con filmes de autor dentro de la programación del Festival Nits. Por primera vez, el acto de clausura y de entrega de premios se ha celebrado este sábado, en la Bassa dels Hermanos, frente al público masivo de la Nit dedicada a India.

Con respecto a los invitados asiáticos, Además de la directora Li Jingxiang y de uno de los actores protagonistas Spring Sparrow, Ji Hongyang, Vic ha recibido la visita de la estrella del cine de acción tailandés Jeeja Yanin. La actriz recogió el Premio Honorífico del Festival Nits durante la noche inaugural, el martes 16. Tuvimos la suerte de poder conversar con todos ellos en sendas entrevistas que iremos publicando en los próximos días.

Por cuarto año consecutivo, el carismático Reji Hoshino, productor y director japonés, ha presentado el domingo la última sesión del festival, el Tetsudon, una antología de cortos alocados, con mucha participación por parte del público. En la misma sesión, se han proyectado los cortometrajes participantes del concurso Vicsudon y el público ha escogido Vegan Shinobi, de Ferran Carbonell, como filme ganador.

En esta decimosexta edición del Festival Nits de Cinema Oriental de Vic la retrospectiva principal estaba dedicada al cine de acción tailandés y como invitada especial… la mismísima Jeeja Yanin, que recogía el Premio de Honor del Festival.

Jeeja comenzó su carrera con la espectacular Chocolate, que pudimos disfrutar durante el evento inaugural del festival en el Seminari de Vic. Aún hoy la película es impactante por su calidad e intensidad, algo normal en la época dorada del cine de acción de Tailandia, época que poco a poco ha ido apagándose para dar paso a otros lugares, otra acción (véanse Indonesa o India).

La actriz compartió con nuestros amigos de CineAsia, y conmigo mismo, un rato la segunda jornada del festival para charlar sobre sus inicios en el cine de acción y como ve la industria de su país.

Gracias por compartir este tiempo con nosotros ¿Usted comenzó a entrenar para protagonizar Chocolate en 2004?

Sí, cuatro años antes de que se estrenara el film. Dos años para aprender Muay Thai (yo venía del Taekwondo) y dos para rodar la película.

¿Y cómo empezó todo?

A raíz del éxito internacional de Ong Bak, Panna Rittikrai pensó en hacer una película cuya protagonista fuera una mujer con habilidades para las artes marciales. Yo me presenté al primer casting y me rechazaron por ser muy bajita (risas)… Pero seguí insistiendo y en el segundo casting, Panna se fijó mucho más en mí y en mis habilidades. De hecho, Chocolate se escribió pensando ya en mí.

Anoche vio unos 30 minutos de Chocolate, 11 años después de su estreno… ¿Cuáles fueron sus sentimientos al ver su primer papel protagonista?

11 años desde su estreno… recuerdo que cuando empecé a rodar tenía 21 años, y al terminar había cumplido 23. Y ahora… ya tengo 35 (risas). Pasé cuatro años preparándome para el rodaje, con entrenos, preparábamos las coreografías, rodábamos, y luego a veces repasábamos las coreografías y escenas antes de volver a rodar… así hasta que la completamos, pasaron cuatro años.

¿Y qué sintió al verse de nuevo en la gran pantalla? Ha cambiado mucho, ahora es madre…

Estoy muy contenta al ver que tras casi quince años la película es todavía muy bien recibida, que fue muy popular. Parece que la película se ha mantenido viva y se ha vuelto legendaria, y hace que todo el proceso, el cansancio, el dolor, los entrenos, valieran la pena, porque todavía hay gente que habla de ella hoy en día. Valió la pena. A veces me he sentido desanimada y un poco cansada del mundo del cine, pero ver al público de ayer, apreciando el trabajo, me da fuerzas para seguir en el cine de acción.

¿Cree que sería posible rodar una película como Chocolate en la industria tailandesa hoy en día? Fue una película tan fresca, valiente, directa…. sin efectos digitales…

De hecho, se ha hablado mucho sobre una segunda parte de Chocolate, pero hay que resolver el problema de su financiación. Cuesta mucho realizar un film con coreografías de acción como este, y aunque el mundo de la industria del cine es muy grande y ha evolucionado, creo que sería más fácil si se realizará a través de una coproducción entre una productora de Tailandia y otra internacional.

¿Cómo fue su relación con Panna Rittikrai?

Fue mi mejor maestro.

Es una leyenda para los fans de las artes marciales… Usted paró su carrera cinematográfica en 2012 para ser madre, y volvió un par de años después con Tom Yum Goong 2. Desde el estreno de Chocolate en 2008 hasta el de esta última en 2015, ¿ha visto cambios en la industria? Porque para nosotros sí que hubo algunos cambios, y esta Tom Yum Goong 2 fue la última gran producción de artes marciales tailandesa.

Dos cosas… La primera es que tenemos que entender el cambio en el público. En el pasado el público tendía a favorecer películas de acción con énfasis en las luchas y en el drama; pero en los últimos años quizás los elementos que favorecen sean la comedia, el final feliz… Así que depende del estado anímico del público en diferentes momentos, ese es un cambio que noté. La otra cosa es que al hablar de Tom Yum Goong 2, las secuelas de Ong Bak, las expectativas eran muy altas después del gran éxito de las primeras partes. Así que al estrenar las segundas, terceras partes, el público esperaba lo mismo, y la presión se puso en los actores y los productores, así lo sentí.

Y, como mujer, ¿cómo es su experiencia de trabajar en un mundo de hombres? No solo en la industria del cine, sino en el terreno de la acción, en las artes marciales lo es todavía más.

Lo primero comentar el estilo de vida durante los entrenos. No hay división entre mujeres y hombres en el mundo de la lucha: los entrenos son de 9 a 10 horas y los maestros no nos separan a mí por ser mujer, o a otro compañero por ser hombre, si hay que hacer flexiones, hacemos las mismas, no hay piedad (risas), y si hay que llegar a un número de repeticiones o algún castigo por haber hecho algo mal, hacemos lo mismo también. Si castigan a Tony Jaa a mí también (risas). Por otro lado, está la técnica, todo es igual, el mismo entreno de stunt que tuvo él lo tuve yo, con la seguridad siempre por delante. Si había que utilizar cable o había que recibir algún golpe se probaba primero con un stunt para comprobar que todo fuera bien, pero luego yo haría lo mismo. Lo único diferente que había para mí era el baño y el vestuario (risas).

Pero en términos de igualdad, ya sabe cómo está en auge el movimiento Me Too, como mujer en esta industria, no solo a la hora de poner en práctica las artes marciales, ¿tiene menos oportunidades que los hombres?

Hay muy pocas mujeres en esta industria de la acción, así que queda en manos de las oportunidades que nos den los directores, y estar lista por si aparece esa oportunidad. Por el momento como mujer es vital para mí seguir aprendiendo diferentes técnicas. Que haya muy pocas mujeres en la acción tampoco quiere decir que pueda conseguir el papel que quiero o poder elegir, sino que depende de lo que haya disponible, así que por eso estoy abierta a cualquier oportunidad que aparezca.

Usted participó en la segunda temporada de la serie de HBO Asia Halfworlds dirigida por Joko Anwar, ¿qué tal fue su experiencia con él? Parece que Indonesia se está convirtiendo en uno de los focos del cine asiático.

Aprendí mucho de la experiencia de poder trabajar con un equipo internacional, muy positivo tanto en poder rodar en diferentes lenguas, en posicionarme dentro de la industria del cine, y en el propio desarrollo mental. Y al hablar antes de cómo la tendencia es hacia la coproducción internacional, creo que eso puede ayudar al desarrollo de la industria tailandesa y facilitar su llegada a otros mercados.

Muchísimas gracias por su tiempo… ¿Qué le ha parecido Vic, Barcelona?

Me está gustando mucho, es la primera vez que vengo a España… sobre todo… ¡la comida! (risas).

Justo tras esta entrevista se organizaba una especie de entrevista común con los medios acreditados al festival, entre los que se encontraban buenos amigos como Katanas y Colegialas, Terrorweekend, Cine Domingo o Proyecto Naschy, donde Yanin no escatimó tiempo, sonrisas y simpatía respondiendo a las preguntas que se lanzaban sobre su carrera y firmando algunos autógrafos con los asistentes. Durante este rato nos comentó muchos detalles de sus películas, como la preparación que realizo de la cinta Chocolate, en la cual convivió con niños autistas para poder conocer mejor su comportamiento. Allí, nos contaba, se encontró con un chaval que con solo un vistazo imitaba perfectamente sus poses de artes marciales, siendo este una gran influencia para lo que luego vimos en la película.

En fin, que fue todo un placer poder pasar estos ratos con la conocida actriz tailandesa, y le deseamos lo mejor.

Por Gloria Fernández (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca).

Comenzamos nuestro paso por la decimosexta edición del Festival Nits de Cinema Oriental de Vic el mismo lunes día 15, donde se realizaba el acto de presentación del mismo en el patio del Seminari de Vic, con la asistencia de patrocinadores, invitados, prensa y público general que se acercó al evento. En esta gala pudimos disfrutar de un concierto del grupo local ZAO, diferentes exhibiciones y de la presencia de la actriz tailandesa Jeeja Yanin, que recibía le premio de honor en el festival y de paso nos presentaba la que fue su primera película, que se proyectaría a continuación, Chocolate.

El cine de acción tailandés siempre ha estado ahí, pero tuvo su edad de oro a nivel internacional a partir de principios del siglo XXI, sobre todo con la espectacular Ong-Bak, dirigida por Prachya Pinkaew. En esta película Tony Jaa, bajo las ordenes del coreógrafo y especialista Panna Rittikrai, demostraba de todo lo que era capaz delante de las cámaras, dejándonos luchas increíbles. Poco después de su estreno en 2003, Pinkaew y el propio Rittikrai comenzaron a preparar una nueva película buscando una protagonista femenina, y al final la elegida fue Jeeja Yanin, que había estudiado ballet y Taekwondo. Durante los siguientes dos años la actriz aprendería Muay Thai y finalmente Chocolate vería la luz en 2008.

Aquí Yanin interpreta a una chica con problemas de autismo que por su afición a las películas de Bruce Lee y Tony Jaa, termina siendo una experta en artes marciales. Su madre estuvo relacionada con diferentes mafias locales y al final la chica tendrá que dar rienda suelta a sus habilidades de forma dura y contundente. Y la cosa no va mucho más allá, porque aquí lo principal son las excepcionales coreografías de acción que Yanin y los diferentes stunts realizan de forma espectacular, sobre todo teniendo en cuenta la juventud de la actriz y que era novata en el mundo del cine. La película es de esas que hoy en día sería muy complicado rodar de nuevo, con stunts cayendo con mínima protección por la fachada de un edificio… es de esa acción que duele, dura por lo realista, sin trampa ni cartón.

Aún hoy es una cinta no solo válida, sino imprescindible para todos los aficionados al cine de acción marcial.

Al día siguiente nos incorporamos directamente a la sesión de la retrospectiva Thai Action, que nos propone un viaje por el cine de acción tailandés que comienza por el principio, con la película de 1984 Born to Fight, una de las primeras películas protagonizadas y dirigidas por Panna Rittikrai, y que ha tenido diferentes revisiones a lo largo de los años. Durante la década de 1980 y 1990 buena parte de este tipo de cine de acción tenía una vida bastante limitada, se estrenaba principalmente en zonas rurales para clases bastante bajas, se disfrutaba y se abandonaba, estando muchas de estas películas prácticamente desaparecidas hoy en día. La que vimos era una de las escasas copias de Born to Fight que se conservan, en 4:3 y procedente de alguna televisión, según comentaba Domingo López en su presentación.

En la cinta Seung Tung, yerno de un poderoso capo de la mafia de Hong Kong, está robando dinero del clan delictivo. El abogado de la familia lo descubre y es amenazado por una banda de asesinos marciales. Un policía y artista marcial llamado Tong tendrá que buscar al abogado para que regrese con vida a Hong Kong, pero a todo esto aparecerá otra persona casi igual a él, desatando los malentendidos.

Mas allá de la poca calidad de la copia que pudimos ver, cosa comprensible dadas las circunstancias, este es un ejercicio plenamente dedicado al lucimiento de Rittikrai, que intenta construir una película con cierto aire al cine hongkonés de Jackie Chan o Sammo Hung, con una larga escena de introducción donde va presentando diferentes estilos de lucha, o coreografías que juegan un poco con el entorno, con ciertos momentos de humor. Volvemos a ver aquí golpes que duelen, duelen mucho, duros y terribles por momentos. Es inevitable pensar que más de un hueso o cabeza se rompieron en esas caídas, espectaculares y directas. Ya en lo referente a como esta grabada la película la cosa es diferente, hay un personaje humorístico, típico en aquellas cintas, que enerva más que acompaña, y se usan las cámaras lentas de forma muy extraña. A ojos actuales la película no ha envejecido nada bien, pero sus combates si que merecen la pena.

Ya en la primera sesión de la tarde nos disponemos a ver The Road not Taken de debutante Tang Gaopeng, que también firma el guión. La película venía de ganar el Asian New Talent Award en el Shanghai Film Festival, y fue una de las cintas que más me gustaron de todo el festival, junto con las dos que finalmente se llevaron los premios del jurado.

En pleno desierto del Gobi nos encontramos a Yong, un granjero y criador de avestruces con no demasiadas luces que debe mucho dinero a la mafia local y sigue contactando con su esposa a pesar de llevar años divorciados. Estas deudas hacen que deba cuidar a un chaval que le traen los pandilleros, que resulta estar secuestrado, pero finalmente terminará queriendo ir a ver a su mujer y llevándose al crío con él. Por el camino conocerán a Mei, una camionera con malas pulgas que esconde su propia historia.

Concebida como una especie de comedia, esta es una de esas películas que gira por diversos géneros y estilos, teniendo como nexo común sus dos personajes principales, el granjero y el crío, y en menor medida la camionera. Estos personajes mantienen buena parte de la fuerza de la película, con un guión que puede girar por derroteros insospechados y unas localizaciones que no ofrecen una especial sensación de esperanza: el duro paisaje del desierto del Gobi, las entrañas de una ciudad rural o la mina abandonada en que que discurre su tramo final. Esta película hace honor a su nombre y nos propone seguir las decisiones de sus personajes, las que han tomado, las que toman y las que no, los caminos que pueden llegar a explorarse y los que no, y las consecuencias que pueden acarrear todos ellos. La vida es un cúmulo de decisiones y todas ellas construyen nuestras circunstancias, incluso las que no tomamos nosotros mismos pero nos afectan de formas insospechadas.

La siguiente película que pudimos ver en el Cinema Vigatá fue Homestay, adaptación tailandesa del conocido manga Colorful de Torajirō Kishi, que también tiene adaptación en animación de la mano de Keiichi Hara. La cinta se presentaba como “de los productores de Bad Genuis” -excepcional producción sobre como copiar en los exámenes que sorprende por su calidad-, aunque su director, Parkpoom Wongpoom, viene del mundo del cine de terror. Al final resultó ser bastante decepcionante.

La cosa empieza en tono de terror con un joven levantándose de la habitación de un hospital cuando debería estar muerto. ¿Como es eso posible? Pues pronto descubrirá que tiene una segunda oportunidad, debe encarnar a un joven que ha intentado suicidarse y descubrir el por qué, entonces podrá ser libre de volver a la vida. Y así comienza una historia que mezcla el descubrimiento de sus propias circunstancias y todo lo que rodea la vida del joven.

Ya escribimos sobre la adaptación del anime de Colorful cuando la vimos en el Festival de Sitges, una obra que me encanta por como está hecha y resuelta. Aquí el fondo es el mismo, pero la forma es lo que no me termina de convencer. Digamos que la película no es para nada homogénea en como trata las diferentes partes de si misma -es difícil de explicar, pero lo intentaré-. Comienza en un tono de terror con tintes de ciencia ficción, con un despliegue de medios bastante elevado, para luego pasar a ser una especie de tierna comedia de instituto, donde el chaval ira descubriendo la vida del joven suicida. Cuando la película intenta ser romántica, es extremadamente romántica, usando todos los arquetipos, tanto visuales como sonoros, de este tipo de cine. Cuando gira hacia el thriller, al intentar descubrir por qué se ha suicidado el muchacho, todo es muy thriller, cambia la música, el aspecto visual e incluso el carácter del personaje principal. Lo mismo ocurre con el drama y otros momentos del film, todo queda demasiado extremo en función de lo que se quiera representar en pantalla, como trozos unidos que parecen tener poca homogeneidad unos con otros. Quizás solo fui yo, pero esa sensación de llevarlo todo al extremo hizo que no me llamase especialmente la atención.

Y para terminar esta intensa primera jornada de festival, en los tradicionales pases al aire libre de la Bassa proyectaban la cinta tailandesa The Pool, bastante promocionada por el festival. He de reconocer que debido a donde fuimos a cenar no llegamos a la proyección, pero después de ver la película por otros medios comentaré mis impresiones.

La cosa comienza con la grabación de un anuncio en una piscina de salto de trampolín que está prácticamente abandonada. Day pertenece al departamento artístico y tras terminar el rodaje queda encargado de cerrar la piscina ya que su amigo se va de viaje durante unas semanas. Entre unos y otros el tipo se queda dormido mientras se baña y al despertar la piscina ya ha comenzado a vaciarse, no pudiendo alcanzar el borde y quedándose atrapado dentro.

A partir de aquí el guión es un compendio de “Leyes de Murphy” que dicen que lo que pueda salir mal, saldrá mal. Un guión ridículo ya en sus primero minutos donde todo parece moverse a base de casualidades inverosímiles que provocan que pasen cosas, sin importan demasiado lo que hagan los protagonistas. Porque a Day se le unirá Koy, su chica, y su perro, que está atado fuera de la piscina, y un cocodrilo que se ha escapado de algún sitio… todo pasa por pura casualidad y como no entres en el juego, la ridiculez surrealista de muchas de las situaciones te darán ganas de quitar la película y ponerte a hacer algo más provechoso. Si a esto unimos un tramo final donde pasan un par de cosas que directamente me hicieron ponerme de muy mal humor… pues que queréis que os diga.

Solo hay una cosa capaz de salvar esta película, verla con amigos y alcohol, o cualquier sucedáneo que haga anteponer la diversión a la lógica más mínima. En la Bassa el ambiente de festival y risas acompañaba el pase, estoy seguro, pero en casa esto no hay por donde cogerlo, ni siquiera en el sentido irónico.

Como ya os comentábamos, la película china Spring Sparrow ha sido una de las ganadoras del premio del jurado en la presente edición del Festival Nits de Cinema Oriental de Vic. Durante el evento, junto a nuestros compañeros de CineAsia, tuvimos la oportunidad de charlar con su directora Li Jingxiang y con uno de los actores protagonistas Ji Hongyiang, que pasaron unos días en tierras catalanas por la premier de la cinta.

Normalmente comenzamos las entrevistas preguntando por el film de estreno en el Festival, en este caso las Nits, por favor háblenos de Spring Sparrow y empiece por donde quiera…

Sí… Spring Sparrow es un film sobre el viaje desde el pueblo hasta la ciudad, Beijing. En la película el personaje de la madre no habla. Eso es lo que quiero mostrar, esa mujer ausente. Normalmente la mujer en los años 80 no podía hablar por delante de su marido, tenía que situarse siempre por detrás.

Es una de las preguntas que quería hacerle, porque usted es una mujer y esta película es sobre sus padres, pero en la película el gran personaje es su padre, y la que sería su madre permanece en el pueblo, su padre es el que se marcha. Supongo que es porque en aquellos años las cosas funcionaban así.

Sí, en las familias chinas normalmente es el padre el que decide lo que se hace, y las mujeres en la cultura china no tienen acceso al dinero, así que no podía decidir irse. Pero la madre del film es una mujer fuerte, en el principio del film hace mucho y le dice a su marido que tiene que tener mejor cuidado de su familia. En mi opinión esta madre lo hizo lo mejor que pudo, no podría haber hecho mucho más ya que estaban en un pequeño pueblo, en aquellos años, en aquel ambiente… Ella es fuerte aunque no tenga demasiado diálogo, como la escena en que le dice a su hijo que hable con el padre, porque ella conoce toda la historia, pero no la cuenta…

¿Por qué eligió ambientar su film en los años 80, por qué no escoger una época anterior como la Revolución cultural o los años 90, después de los hechos de Tiananmen?

Esta historia sucedió en mi familia durante los años 80, pero mi intención era hablar más allá de esa historia puntual, quiero hablar de esos años. Por eso tomo distancia en la película, el joven se marcha del pueblo y su prometida se queda.

Como muchos otros jóvenes, que hicieron lo mismo en esos años.

Exacto… y ya sabemos que Beijng y China han cambiado mucho, pero todo ese cambio comenzó en los 80. Los jóvenes dejaban sus casas, sus pueblos, para ver ese nuevo mundo dentro de China. Antes no podían hacerlo por las políticas del país. Así que para mí esa década es muy importante, aunque yo nací en los 90, y soy joven, vi lo que hacían mis padres, cómo trabajaban muy duro. Mi familia en China era pobre, pero ahora es muy diferente de cuando era pequeña. Así que creo que ese periodo es muy importante, y me parecía necesario contar esta historia. He vivido en París diez años, y poco a poco fui entendiendo el sacrificio de su generación en la sociedad china. Porque es muy difícil encontrar tu sitio en un lugar que no conoces, en el que no conoces a nadie.

Y creo que la generación más joven no lo conoce, no sabe lo que pasó en China hace 30 años, así que creo que es otra razón por la que es importante explicar esta historia, que la gente joven pueda descubrirlo.

¿La película se pudo estrenar de manera comercial en China?

Todavía no, esperamos que se pueda estrenar a finales de este año. El de aquí es el tercer pase mundial del film, el segundo en un festival…

Sí, porque usted presentó el film en un festival de Irán, y ganó un premio al diseño de vestuario. Es algo que quería preguntarle, sobre el diseño de producción y de vestuario, se nota el cuidado que han puesto en ello.

Creo que todos los personajes del film son como un gorrión (el “sparrow” del título), el pequeño pájaro; y la primavera del título (“spring”) viene porque al ser todos jóvenes tienen muchas esperanzas en el futuro. Por eso elegí que los colores de la película fueran claros: amarillos, anaranjados, blancos. Hablé con el diseñador porque teníamos el verde manzana como color, y el azul era muy importante en aquella década. Para la casa familiar buscamos tonos que reflejaran los 80, me parecía importante.

Otro elemento que nos ha gustado mucho de su película es la utilización de distintos planos muy contrastados: mientras los chicos están en el pueblo los planos son fijos, muy amplios y generales; pero cuando llegan a la ciudad usted se acerca con la cámara, les sigue de cerca…

Lo hice porque la generación más joven no ha vivido realmente en los años 80, así que quería contar la historia de mis padres como un flashback: en el pueblo todo era calmado así que elegí que la cámara estuviera fija, para dar esa sensación de inmovilidad. Que se vea la vida diaria y los jóvenes espectadores se den cuenta: “estos personajes están aburridos y quieren ir a Beijing… nosotros también somos jóvenes, vámonos con ellos. ¡Yo también parezco un pajarito con mis padres!”… Así que cuando llegan a la gran capital la cámara está aquí (señalando su hombro) y nosotros, la nueva generación, les acompañamos. Cuando volvemos al pueblo tomo distancias, tomo el punto de vista de los jóvenes, y la distancia de la cámara habla de lo que ha sucedido.

En el Q&A comentó que sus referencias podían ser Zhang Yimou o Wang Xiaoshuai, pero viendo su film parece más antiguo, parece más cercano a algo realizado por directores de la Cuarta Generación y no de la Quinta, da la sensación de acercarse más al cine de los años 60.

En la película quería tener un tono realista, me inspiré en la pureza del neorrealismo, quería que mi film mantuviera esa autenticidad con un punto poético. Empecé a preparar la película en Francia, así que veía mucho cine europeo: Eric Rohmer, ese naturalismo es muy importante para la película, y también me inspiré en el cine japonés. Si se fijan en el montaje, los personajes simplemente salen de escena y la acción sigue.

Es una película muy naturalista, sí…

Quería ese tono… hoy en día la vida es muy ajetreada, en China y en todo el mundo, y la gente no tiene tiempo para sentirse ella misma, sentir la naturaleza; por eso quería mostrar esas sensibilidades en la película, en sus personajes. El protagonista puede sentirse a sí mismo, y lo que le rodea, la naturaleza.

Quería preguntarle por la manera en que pudo producir el film, porque es difícil caminar por el camino del cine independiente chino. ¿Cómo comenzó el proyecto? ¿Y si cree que hay una Séptima Generación de realizadores?

La joven generación de directores tenemos un gran trabajo por delante, porque los directores veteranos toman los proyectos más importantes, y aunque los jóvenes tenemos oportunidades de dirigir quizás nuestro trabajo debería de ser mejor, no lo sé… Creo que para mi generación el cine debería ser algo internacional, debemos enseñar el cine chino al mundo, nuestro cine, nuestra cultura… nuestro cine anterior mostraba la tradición, pero en el futuro quizás debemos mostrar cómo vamos al mundo. La estética de mi película no es solo para mostrar la época al público chino, es para mostrarla al mundo. Como explicar las historias es algo que me parece importante, mi película tiene lugar en China pero el equipo de Spring Sparrow es internacional, mi director de fotografía es francés, hicimos audiciones en China y París… y mi próxima película, un proyecto para el año que viene, quiero rodarla aquí, en Barcelona y Europa, así que será un equipo internacional también. Una parte vendrá de China, otra de París, y también quiero trabajar con gente de aquí. Tres países trabajando juntos. Y ya estoy preparando un proyecto con mi productor francés para rodar en París, un proyecto franco-chino, también internacional.

Y una pregunta para el actor Ji Hongyang, ¿qué tal ha sido su debut actuando y cómo se conocieron?

Creo que nuestro encuentro lo trajo el destino. Yo ya empezaba a trabajar como actor, pero tuve un accidente de coche muy serio y estuve recuperándome durante un año. Era difícil para mí volver al mundo de la actuación, pero intenté ir a diferentes audiciones, para series, anuncios… Un día recibí la llamada de la directora Li para que fuera a hacer una audición… no pasa nada… (la directora Li comienza a llorar).

Yo no había enviado mi currículum, lo envió mi profesor.

La directora Li añade: Hay otra parte en la historia, porque yo escribí el guion en París, y antes de volver a China mis amigos me decían que no podría encontrar los actores, porque llevaba diez años sin estar en el país. Yo era actriz antes, así que para mí era importante encontrar yo misma al reparto… Cuando llegué a China me esperaban dos mil currículums. Algunos eran para otra película pero cuando vinieron a la audición les pedía si querían probar a leer algunas líneas. Él había ido a la audición para la otra película pero al terminar le llamé para que viniera al casting. Había elegido antes a otro actor para el papel, pero cuando le vi sentí su sinceridad. Le pedí si tenía tres semanas libres para rodar en el pueblo y me dijo que sí. Era un rodaje difícil porque no teníamos mucho tiempo, solo doce días, y antes un mes de preparación.

Fue realmente casi como una nueva vida para usted Sr. Ji, ¿no?

Sí, sí… Estuve seis meses en el hospital, así que tuve mucho tiempo para pensar, porque toda mi vida, mi trabajo, se paró. Pensé en mis errores del pasado y me dí cuenta de lo que realmente quería hacer en el futuro. Amo el cine, y es a lo que quería dedicarme. Después de recuperarme he querido que toda esa experiencia vivida me haga mejor actor.

Muy bonitas palabras… ¿Directora Li, han visto la película sus padres?

Sí, pero yo no estaba porque tuve que volver a Francia… La envié a casa y la vieron junto a mi hermano, me contaron que mi padre había llorado… Quería añadir acerca de los actores que después de la preparación del film, llegamos al rodaje y hablaba con ellos, sobre si se sentían cómodos, su opinión, y ellos me decían “puedo hacer esto, aquello…” “¡haz lo que quieras! les decía yo”… Así que mantuvimos en la película muchos elementos en las escenas que son ideas de los actores.

Tenemos que terminar aquí… Muchas gracias por esta entrevista: “Xie Xie” y muchísima suerte en el estreno en China y en sus próximos proyectos.

Por Gloria Fernández (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca).

Volvemos a la carga con nuestras crónicas del cine asiático visto en el Festival Nits de Cinema Oriental de Vic, que este año hemos decidido estructurar en formato diario ya que hemos visto un buen número de películas y cuadra bastante bien para que cada artículo no se haga demasiado largo -ya sabéis que me enrollo demasiado-. Vamos a por el miércoles 17 de julio, un día muy centrado en la acción.

Comenzamos, cono no podía ser de otro modo, con la retrospectiva Thai Action, que continuaba descubriéndonos clásicos ignotos de la acción tailandesa con Hard Gun de 1996. Ya os comentaba un poco la situación de ese tipo de cine cuando hablábamos de Born To Fight, sin embargo esta película aún conserva un master medio decente, pero la misma dudosa calidad cinematográfica. Domingo López ya nos ponía en antecedentes en la presentación, insistiendo reiteradamente en que esto no era una cinta de acción, sino más bien una comedia -de las chungas- que reserva la acción para su tramo final.

La película comienza con una operación policial en la que se desarticula una peligrosa banda de delincuentes. Durante la misma muere uno de ellos y el resto buscaran al policía responsable para vengarse, poniendo a su vez en peligro a toda su familia. En los papeles negativos nos encontramos a Pana Rittikrai y Tony Jaa, en una especie de relevo generacional; Este sería uno de los últimos papeles de Panna como actor antes de pasar a su faceta de director de acción. A su vez es uno de los primeros papeles, más allá del stunt esporádico, de Tony Jaa, discípulo de Panna y que tendrá el peso marcial de las pocas coreografías acrobáticas de la parte final de la cinta.

Pero no os hagáis una idea equivocada, esta es una comedia chunga, al uso de las que se hacían por aquel entonces. El policía protagonista tiene una hermana y un amigo empecinados en los juegos de azar, y este último en las borracheras, y se producirán numerosas situaciones tontas y estúpidas de comedieta -destacando un partido de fútbol bastante curioso-, a las que se unen el típico personaje de voz chillona y desagradable, y momentos cómicos totalmente ajenos a la propia película. Su tramo final guarda algunas coreografías acrobáticas de Tony Jaa para su lucimiento personal, Panna no interviene y el protagonista masculino -el policía- tampoco hace un enorme alarde marcial. En fin, nada destacable.

Ya por la tarde vimos el documental I’m The White Tiger, que gira en torno a la figura del actor y especialista Mark Houghton, conocido entre los aficionados al cine de acción hongkonés y discípulo del mítico Lau Kar Leung.

Este documento pretende repasar la vida y obra del actor, desde que dejo su Inglaterra natal hasta que llego a ser el White Tiger del cine hognkonés. En su tramo final se convierte en una especie de emotivo homenaje de Houghton a la figura de Leung desde una perspectiva muy personal, un homenaje del actor a su maestro. La película se cierra con una pequeña pieza de stunt protagonizada por Charlene Houghton, hija de Mark.

Este es el típico producto por encargo que Mark quiere hacer para contar su historia y su relación con su maestro. Nadie se ha interesado y ha contado una versión basada en hechos o contrastada, es Mark hablando de si mismo y haciendo su homenaje a Leung. Aún así es un producto interesante para ver algunos detalles del cine local en aquellos años y como fueron los últimos momentos de Leung. Además aparecen por allí los hermanos Dasz, que hemos podido entrevistar vía email, y eso siempre es un placer.

Continuamos la tarde viajando a Hong Kong para ver la última película hasta la fecha del conocido director Pang Ho-Cheung. Estamos acostumbrados al director por sus cintas más “extremas”, varias las hemos visto pasar por festivales como el de Sitges, incluso tenemos publicada una entrevista al director que tuvimos la suerte de hacer por allí, pero los aficionados conocen muy bien a Pang Ho-Cheung por sus comedias, género que trabaja desde hace años en películas como la saga Love in a Puff, Love in the Buff y Love off the Cuff. En esta ocasión Missbehaviour toma este último camino de forma bastante alocada.

La cosa comienza cuando la secretaria de una alta ejecutiva termina utilizando la leche materna que estaba guardada en la nevera de la empresa para hacer un café, pidiendo ayuda a su variopinto grupo de amigos para conseguir un repuesto. Sobre esta extraña premisa se monta una comedia cuyo guión es insondable, saliéndonos por derroteros insospechados a la mínima oportunidad, sobre todo cuando los amigos terminen formando dos grupos para ver quien es capaz de conseguir el preciado líquido. Bajo todas estas capas de situaciones esperpénticas tratadas con una cierta naturalidad desconcertante, se esconde realmente una película sobre las relaciones humanas, donde cada personaje tiene una serie de conflictos con algún otro: las amigas que antes cantaban en la calle pero acabaron regular, escribiendo ahora una de ellas libros que vende gracias a su atractivo, una pareja de homosexuales que parecen tener cierto hastío el uno del otro… Estos personajes se reencuentran e intentarán poner en orden sus relaciones a la vez que los alocados planes se suceden.

A pesar de ser simpática no me llegó especialmente. Creo que nos perdemos más de un chiste y juego de palabras local, además de tirar mucho de los memes de moda en las redes sociales. Es una combinación extraña con una premisa extraña, pero no esta mal.

Tras un día algo neutro cinematográficamente hablando, el pase nocturno de la Bassa peligraba suspenso tras una señora tormenta que estuvo cayendo buena parte de la tarde sobre Vic. Finalmente despejó y pudimos ver la película, eso sí, con un frió que me ha costado un resfriado que aún estoy quitándome de encima.

The Kinght of Shadows se basa en la figura histórica de Pu Sonling, escritor chino de la dinastía Qing muy conocido por sus relatos y cuentos fantásticos, donde era común ver fantasmas, demonios y todo tipo de seres mitológicos. En esta reinterpretación, Pu, al que da vida Jackie Chan, es un novelista y cazador de demonios que se une a un funcionario de la policía local para investigar el caso de las desapariciones de unas jóvenes adolescentes.

Este argumento esconde una comedia de acción que podría asemejarse a Monster Hunt, algo de corte más o menos familiar, con un gran despliegue de efectos especiales, pequeños demonios que pululan por la pantalla como simpáticos acompañantes y la típica comedia de situación que tan bien trabaja Jackie. Está bien elegida para un pase en la Bassa, ligera, divertida y visualmente interesante, hasta que llega su parte final y el intento de hacer un gran despliegue de efectos especiales queda en algo que a mi personalmente me mareó en más de una ocasión, y con una calidad visual sensiblemente inferior al resto de la película. Esa parte está demasiado alargada y quiere ser especialmente excesiva y épica, consiguiendo un efecto totalmente contrario.

A pesar de todo es una película amena y divertida, además se estrenaba en virtud a la colaboración entre el festival y Movistar+, con lo cual tenéis la película en su plataforma para poder disfrutar de ella.

Jueves, 18 de julio de 2019, Cinema Vigatà de Vic, allí comienza nuestra nueva crónica de todo el cine que pudimos ver en la presente edición del Festival Nits de Cinema Oriental de Vic. Hoy solo tres películas, ya que las relaciones sociales y el divertimento general hicieron que nos perdiéramos el último pase del día en la Bassa, donde pudo verse la japonesa Under One Umbrella. He tenido muy buenas referencias de la película, pero he de decir que yo y el cine japonés contemporáneo tenemos una tensa relación. Intentaré recuperarla, pero hoy centrémonos en lo que si pudimos disfrutar.

Volvemos una vez más a la retrospectiva principal del Festival, dedicada al cine de acción tailandés, para alejarnos -por fin- de los clásicos dudosos del cine local para recuperar la que fue segunda película de la actriz Jeeja Yanin, y la que terminaría de encumbrarla como heroína del cine de acción marcial entre los aficionados.

Raging Phoenix nos propone una premisa curiosa. Una organización criminal secuestra mujeres para un misterioso experimento. Deu es una joven pendenciera que toca en un grupo de música y que termina siendo objetivo de dicha organización, siendo rescatada por unos misteriosos luchadores. Harta de su vida decide encomendarse a desarticular a este grupo de secuestradores.

Con acción, una vez más, de Panna Rittikrai, esta cinta destacó en su momento por su innovador y espectacular estilo de combate, ideado por el coreógrafo para esta película y que combina Muay Thai, Capoeira y baile Break dance. Este estilo, visible sobre todo en los primeros combates de la película de la mano de los compañeros de Yanin, liderados por el conocido Kazu Patrick Tang, es espectacular y desenfadado, y hará las delicias de los aficionados en combates ágiles, acrobáticos y muy musicales. En general el drama está más presente que en Chocolate, que iba más al combate tradicional, existiendo aquí un guión con algunos recovecos -y que parece inspirado en El Perfume-, que nos presenta una serie de combates en su tramo final donde la verosimilitud de las localizaciones queda bastante en entredicho en pos de la acción dura y contundente, mucho menos pura que en otras producciones y con más efectos de cableado.

Sea como fuere, esta es una de las grandes películas de la época dorada de la acción tailandesa, y uno de los grandes papeles, junto a Chocolate, de Jeeja Yanin.

Nuestra primera película de la tarde era una de esas pequeñas joyas que esperábamos con interés, ya que la noche anterior ya habíamos visto a su directora, Li Jingxiang, y a uno de sus protagonistas, Ji Hongyang, sobre el escenario de la Bassa presentándonos su pase.

Spring Sparrow narra una historia tan simple como cotidiana, un grupo de jóvenes que dejan su pueblo en el campo para ir a la gran ciudad a buscarse la vida, comprando fruta y verdura al por mayor para la venta ambulante. La película se sitúa en la década de 1980, cuando la política económica china de Deng Xiaoping provocó el resurgir del gigante asiático tras los oscuros años de la revolución cultural. En aquellos años comenzó el éxodo de lo rural a lo urbano, como única vía de futuro para muchos jóvenes que vivían en el campo. Esta historia es simplemente eso, ese viaje iniciático de unos jóvenes que van a la ciudad, con un fuerte componente autobiográfico, ya que se basa en las vivencias del propio padre de la directora, y la parte rural está grabada la que fue su casa, ahora abandonada desde hace tiempo.

La película básicamente no tiene nada más que el retablo de la vida diaria que nos hace la directora Li, sin más, y ese quizás es su único defecto, ya que para un público que no tenga muy presente el contexto, la cinta puede quedar algo sosa, algo vacía. Al menos esa es mi impresión, si bien su impresionante acabado técnico, realizado como una película de época, con unas localizaciones y caracterizaciones excepcionales, harán que nos dejemos llevar junto a estos jóvenes, que vivamos lo que ellos vivan sin importarnos mucho más que acompañarlos.

Os recomiendo que leáis la entrevista que pudimos hacer tanto a Li como a Ji, ya que nos ofrece una visión muy interesante para valorar aún más esta excepcional primera obra, flamante ganadora del premio del jurado del festival.

Nuestra última película del día, Red Blade, nos trasladó a Japón con unas referencias muy prometedoras, guión de Sion Sono y coreografías de acción de Tak Sakaguchi, esto podía ser algo magistral, y resulto ser una de las peores películas que vimos en el festival.

La cosa comienza con la típica adolescente con la típica familia japonesa poco saludable y que recibe los típicos insultos de sus compañeros de clase. Su vida es un asco y los avatares del destino harán que termine dentro de un libro infantil sobre ninjas, conozca a dos jóvenes y se hagan super amigas ninja, lo cual le dará confianza y positividad. La cosa se tuerce cuando ambos mundos se relacionen, ya que el gran enemigo samurái del libro esta fuera, en el mundo real, como una malvado ejecutivo empresarial.

Poco se salva de la película a no ser que entres en esta especie de juego/broma irónico adolescente de Sion Sono. Que si encuentro mi vida mejor en un libro infantil, que si los tópicos adolescentes mezclados con los del cine de acción venido a menos… creo que poco funciona aquí. Acabado de directo a vídeo -a pesar de no ser directo a vídeo-, clichés estúpidos, desarrollo aburrido y tedioso, solo algunas coreografías en el tramo final merecen algo de atención, pero que vamos, esta es la típica película que hace que me aleje de buena parte del cine underground japonés actual.

La primera película de la mañana en esta nueva jornada del Festival Nits de Cinema Oriental de Vic, dentro de la sección infantil del festival, era la épica de animación The Wind Gardians, una de esas películas de fantasía, demonios y acción que prometía mucho por su tráiler. No pudimos verla en el festival pero si fuera de él. En ella Ming Lang, un chico ciego de Xiaoyanggang, malvive haciendo pequeñas estafas en el mercado. Su padre le contó que pertenecía a una élite de luchadores destinados a combatir el mal, pero siempre se burlaron de él por ello. Un día, un ser diabólico ataca la ciudad y la madre de Lang desaparece. Entonces, Lang inicia un viaje lleno de aventuras que cambiará su vida para siempre.

Animación CGI simple en los personajes pero exuberante en paisajes y efectos visuales, con un estilo muy videojuego en su acción, que sinceramente me gusta bastante, mucho más que esa CGI con el 3D hipermarcado que ahora ha puesto de moda la animación made in Netflix (véase Blame, Godzilla y tantas otras). Los chinos saben como dotar de una gran imaginería visual a sus producciones y aquí lo demuestran conc reces, a pesar de todo, no se suele perder el foco del público objetivo y la cinta mezcla la épica y las relaciones maternofiliales con humor, mucho humor tanto de situación como de conversación, humor chorra, de golpe en los testículos o que todos los hombres de la aldea se llamen Wang Fugui. Infantilona pero agradable. Los chinos también tienden a, incluso en el cine infantil, maximizar el fondo dramático como se suele hacer en los romances tradicionales, y su tramo final llega a cotas más que interesantes.

Esta es una película amable y trágica, pero adaptada al público al que pretende llegar, un romance chino de estructura tradicional, infantilón en general pero bastante ameno y visualmente atractivo.

Los aficionados al cine de artes marciales recordaran esa maravilla de 1991 que fue Once Upon a Time in China, protagonizada por Jet Li y que consiguió sendos premios en los Hong Kong Film Awards, entre ellos a su director, Tsui Hark, y a su edición para Marco Mak. La saga, centrada en la figura del maestro Wong Fei-Hung, lleva dado secuelas hasta nuestros días, y su octava entrega oficial, dirigida por el mismo Marco Mak, fue nuestra primera película de la tarde en esta jornada de festival.

En esta ocasión el maestro Wong, interpretado por el siempre solvente Vincent Zhao, debe enfrentarse a una organización secreta que, bajo la forma de secta religiosa, esta trabajando para ayudar a los invasores japoneses a asentarse en China. Once Upon a Time in China: Warriors of the Nation es una cinta clásica de cine marcial, de las que veíamos en la década de 1990 tanto en sus primeras entregas de la saga como en ejercicios de Jet Li como La leyenda del Dragón Rojo, si bien aquí se introduce algo de fantasía en como se representan muchos combates, principalmente en su tramo inicial. La puesta en escena es magnífica, exuberante en vestuarios y rica en escenarios, y la calidad marcial de la cinta es más que destacable, con unas coreografías, con bastante cableado eso si, que tenia la sensación serían más simples y se basarían en el montaje, pero no, Zhao llega a tener unas largas evoluciones espectaculares, sobre todo en su tramo final. Lo único que no me gustó es como se han rodado las escenas de acción. Quién me conozca sabe que odio la acción de montaje y la obsesión porque toda la acción parezca “cámara en mano”, estas técnicas son comprensibles cuando los protagonistas no tienen conocimientos marciales o el acabado no tiene el presupuesto deseable, pero cuando empiezas a mover la cámara sin necesidad en vez de enfocar bien las impresionantes coreografías que se construyen en pantalla, algo falla. Y Mak lo hace, mete movimiento donde no hace falta, estropeando el conjunto.

Aún con ese punto negativo, que entiendo puede ser muy personal, estamos ante una obra solvente y muy amena, que me trajo a la memoria muchas películas de la vieja escuela que merece la pena recuperar.

Nuestra siguiente película es, quizás, la que más ganas tenia de ver de todo el festival, y es que la india Andhadhun había estado nominada a los principales premios de su país natal, ganando el premio de la crítica a mejor película y protagonista masculino, para Ayushmann Khurrana, en los Filmfare Awards, y el de mejor director, entre otros, para Sriram Raghavan en los Star Screen Awards.

Su premisa es simple, un pianista ciego que se gana la vida tocando música en un Bar. Y ya está, no quiero deciros nada más, no quiero que veáis el tráiler, no hagáis nada, solo conseguid verla sin saber nada de ella.

Esta es una de esas cintas donde el guión es una de las partes más importantes del todo, llenándose de giros, sorpresas y situaciones totalmente inesperadas, pero hilvanadas con una maestría increíble, amena, divertida, magnífica, y donde tienen un gran peso las diferentes interpretaciones de sus actores, principalmente su protagonistas, Ayushmann Khurrana, ese inspector de policía estereotipado que encarna Manav Vij y la principal antagonista femenina, la actriz Tabu. Pero la cinta no solo se basa en su guión, ya que la música es otro de los pilares de la misma. Por un lado, al espectador indio le traerá a la memoria algunas melodías clásicas de su propia cinematografía, que se complementan con otras mucho más conocidas en occidente. Por otro el uso de la música como elemento narrador: en varios momentos el pianista estará tocando mientras las escenas se suceden a su alrededor prácticamente sin diálogos, el espectador se adentra entonces en una especie de película muda donde la música del piano acompaña como se hacia en aquellas producciones. Son este tipo de detalles, unidos a un humor bastante deliberado, sin ser la película una comedia al uso ni mucho menos, la que hace de esta una obra excepcional, que ganó todo los premios que se daban en el festival.

Aquella noche la nit temática en la Bassa estaba centrada en Corea, y en virtud a la colaboración del festival con Movistar+ se proyectaba la divertida The Outlaws, cinta que pudimos ver el pasado Festival de Sitges y que por eso decidimos saltarnos para cenar tranquilos y prepararnos para la sesión golfa, de la que os hablaremos a continuación. Sea como fuere, recupero lo que escribí sobre ella en las crónicas de Sitges y os insisto en que la veáis si aún no lo habéis hecho ya.

The Outlaws se basa en un hecho real ocurrido en 2007, conocido como el “Incidente Heuksapa”. La historia sigue una guerra territorial creciente entre una pandilla local coreana, y los Heuksapa de Yanbian, China -de ahí el título de la película-. El guión se centrará en Ma Seok-do, oficial de policía local, y en sus compañeros, que intentarán evitar un baño de sangre y detener a los extranjeros para que las cosas vuelvan a la calma.

Salvando las distancias, Ma Dong seok es actualmente una especie de Dwayne Johnson coreano, un tipo cachas, con aspecto duro pero afable, que suele repartir a mano desnuda con personajes que tienden a la comedia ligera o el descargo humorístico en cintas más serias -como le pasaba en Train to Busan a pesar de lo dramático de la ambientación-. No es exactamente igual, pero creo que es una comparación adecuada. Aquí precisamente trabaja ese papel de duro afable, que intenta mantener el statu quo de su zona, teniendo controladas a las pandillas mafiosas y dejándolas actuar en un perfil bajo, hasta que aparecen los chinos y hay que ponerse serio.

Mientras veía la película, y una vez más salvando las distancias, no podía evitar que viniera a mi mente el gran Bud Spencer, y es que la primera hostia que suelta en la película, cuando llega trajeado a la escena de un crimen y un don nadie quiere impedirle el paso, es la típica mano abierta que Bud tantas veces a trabajado en sus películas. Si incluso utiliza el martillo pilón, ese golpe en la cabeza hacia abajo tan mítico del actor, en varias ocasiones. Como no ver algo de nuestro querido actor italiano ahí.

Combinación de Dwayne Johnson y Bud Spencer, en una película divertida y amena, con el gran acabado técnico acostumbrado del cine local, toques de comedia y mucha acción. Se que puede que algunos acaben confundidos al leer tanta comparación, pero la película merece mucho la pena y seguir al actor aún más. Se prometen tiempos muy buenos para este tipo de cine de acción en corea.

Y llegamos a uno de los platos fuertes del festival, la sesión golfa en el Vigatà que nos permitirá ver en pantalla grande, y con una calidad más que buena, una de esas obras cumbre del cine de acción hongkonés, Full Contact. Dirigida en 1992 por el maestro Ringo Lam, casi de forma simultanea a la comedia de acción de Jackie Chan Twin Dragons, está protagonizada por Chow Yun Fat, Anthony Wong y Simon Yam, este último en un papel negativo.

Chow Jun-fat da vida a Jeff, un hombre duro pero honorable que ayuda a su amigo Sam a posponer una deuda con un grupo de mafiosos, pero el prestamista no cumple con su palabra e intenta matar a Sam, desatándose los problemas.

Los primeros compases de la década de 1990 en Hong Kong son los años del Heroic Bloodsheed, el cine de acción más típicamente local que se llenaba de hermandad masculina, tiroteos masivos, autosacrificio y mucha violencia. Este es un género que heredaba muchos de los conceptos de los wuxias masculinos que Chang Cheh popularizó en la década de 1970, pero llevados a la acción balística. Ringo Lam supo dar su impronta cuando se acercaba al género, con un elenco de personajes que estaban en el límite del bien y del mal, centrados más en su propia supervivencia en un mundo hostil que en esos conceptos románticos, eso sí, el honor perdura y el héroe debe ayudar a su amigo y cobrar un alto precio por la traición. Chow Yun-fat viste la piel del héroe de acción que lo encumbró en el imaginario de toda una generación de aficionados. Antohny Wong tiene el papel de amigo pusilánime con un aspecto que me resultaba desconcertante, ya que me venían a la cabeza constantemente papeles suyos mucho más agresivos como el de Ebola Syndrome. Simon Yam da vida a uno de sus tradicionales papeles de villano pasados de vueltas, con ese cliché de psicópata gay que tanto gustaba usar el cine de Hong Kong de aquellos años.

En fin, una película de la vieja escuela que es un goce puro y duro, una colección de escenas de acción de las que hoy en día es imposible disfrutar por su violencia. Este tipo de cine ya no se hace, es un producto de su tiempo y hay que disfrutarlo siempre que a uno le sea posible.

Nacido en la provincia de Khon Kaen, Tailandia, Panna Rittikrai se graduó en educación física en el Mahasarakham Physical Education College y comenzó su carrera en el mundo del cine como preparador físico para actores en Bangkok. “Mis inspiraciones, sobre todo, fueron Jackie Chan y Bruce Lee”, dice Panna. “Las películas de James Bond también me hicieron preguntarme cómo los especialistas hacían lo que hacían”. A través de un amigo común conoció al director Prapon Petchinn, presentándose como stunt en su primera película, ไอ้ผาง ร.ฟ.ท.. En una de las escenas la actriz Sureewan Suriyong debe subir al techo de un tren en marcha para una pelea. Panna fue el stunt elegido para la misma debido a la habilidad requerida, además de ser el entrenador de los actores protagonistas, Sureewan Suriyong y el conocido Sorapong Chatree.

Tras su iniciación en el mundo del cine vuelve a su Khon Kaen natal para formar su propio equipo de especialistas, el P.P.N. Stunt Team -conocido como Muay Thai Stunt-, que comenzó su actividad con cierta seriedad en 1982 con una veintena de entusiastas de las artes marciales listos para entrenar duro. Tras algunos papeles de stunt, tanto él como su grupo estuvieron preparados para comenzar su propia carrera realizando Borng To Fight, que se estrenaría en 1984, con un bajísimo presupuesto de 500,000 baht. En las labores de dirección Panna recurrió a Prapon Petchinn, mientras que él mismo co-dirigiría, protagonizaría y coreografiaría la película como una declaración de intenciones dentro del cine de acción tailandés.

Born to Fight bebe mucho del cine de artes marciales de Hong Kong, sobre todo de películas de Kung fu comedia de Jackie Chan o Sammo Hung. Tiene una larga escena inicial donde el propio Panna va mostrando diferentes estilos de lucha, de forma muy similar a las cintas de kung fu clásico chino, para luego tirarse a los stunts con motos y coches en movimiento, peleas en altura y todo tipo de acrobacias sin ningún tipo de efecto de cableado o similar, añadiendo toques de comedia o luchas usando las propias localizaciones. La acción de esta película, y la mayoría de las que vendrían después, es impresionante por eso mismo, los golpes duelen de verdad porque prácticamente son de verdad.

“Quiero empujar los límites del cuerpo humano para ver dónde está el límite. ¿Por qué? Es como los científicos que quieren ir a Marte ahora que han estado en la Luna. Quiero sorprender a la gente con estos trucos, escucharlos decir ‘ooh’ y ‘aah’ con lo que sucede en la pantalla. Y créanme, todo lo que hago, cada movimiento que diseño, es seguro. No haría nada que no lo fuera.

Pensé: ‘bueno, si Jackie Chan puede caer de un edificio, nosotros podemos hacer lo mismo’. Vi las películas de Bruce Lee y me fascinó el realismo de las peleas. Creo que en la psicología del cine cuando el público se da cuenta de que el truco es real, que no son efectos especiales en absoluto, lo considerarán no solo como espectáculo sino como algo más impactante, más emocionante, más aterrador.

Lo que yo y mi equipo hemos estado haciendo, como cuando choco mi moto con un camión, es simular un accidente con una preparación cuidadosa. Hacemos muchos cálculos por adelantado. Medimos la distancia, la velocidad de los vehículos, el impacto del choque. Estimamos la probabilidad de que algo salga mal y cómo prevenirlo. Practicamos gimnasia, cómo saltar, cómo caer, cómo agacharnos, cómo aterrizar. Mira, cuanto más empujas el límite, más tienes que preparar medidas de seguridad. Las dos cosas deben ir de la mano. Si no estamos seguros, no filmaremos una escena”. Panna Rittikrai, Bangkok Post, 2004.

Poco después del estreno de esta película, el magazine Thai Star publicaba lo siguiente (lo traduzco directamente del tailandés así que es aproximado), “‘Born to Fight’ es una nueva ola de esperanza que hará resurgir el cine tailandés, un nuevo género de películas tailandesas que aún no se había realizado. Todos los que vieron esta película en la industria, todos, dijeron la palabra diversión. Eso nunca antes había sucedido. Se comienza a especular si esta película volverá a despertar el interés por el cine tailandés como nunca antes se había producido con una película”. Sea como fuere, no solo la crítica la vio con buenos ojos, sino que fue todo un acontecimiento para el público. Durante las próximas dos décadas el nombre de Panna Rittikrai sería sinónimo de cine de acción tailandés, realizando junto a su equipo más de un medio centenar de películas.

Este tipo de productos de serie B y bajo presupuesto se popularizaron enormemente entre la población de clase media y baja, sobre todo en zonas rurales, difundiéndose en un circuito bastante secundario. Generalmente estas películas se estrenaban, aguantaban una o dos semanas mientras aparecía la nueva película del momento y se desechaban, estando hoy en día muchas de ellas desaparecidas o con copias de ínfima calidad, sobre todo las realizadas en la década de 1980. La misma Born to Fight se creía desaparecida en su versión integra hasta hace bien poco.

“Probablemente nunca hayas oído hablar de mis películas. Son populares entre los taxistas y los vendedores de Som Tam, los guardias de seguridad y los trabajadores de Isan. Mis fanáticos más fieles son personas de pueblo en la lejana Tambon, donde colocan colchones en el suelo y beben whisky mientras ven mis películas al aire libre”. Panna Rittikrai, Bangkok Post, 2004.

Born to Fight también provocó el cambió de vida de un niño llamado Panom Yeerum. Pasados algunos años, y con el permiso de sus padres, fue en busca de Panna Rittikrai para perseguir su sueño de convertirse en una estrella del cine de artes marciales, Yeerum entrenó con entusiasmo y más tarde sería conocido en el mundo marcial como Tony Jaa.

Una de sus primeras colaboraciones juntos en la gran pantalla fue en la película Spirited Killer de 1994, donde Rittikrai encarnaba al asesino del título. La cinta dejaba algunas escenas de acción acrobáticas a Jaa y dio pie a diversas secuelas, aunque no abrió ningún camino nuevo en el cine tailandés.

En 1996 ambos realizaron Hard Gun. La película comienza con una operación policial en la que se desarticula una peligrosa banda de delincuentes. Durante la misma muere uno de ellos y el resto buscaran al policía responsable para vengarse, poniendo a su vez en peligro a toda su familia. En el fondo una comedia bastante tonta, en los papeles negativos nos encontramos a Pana Rittikrai y Tony Jaa en una especie de relevo generacional; Este sería uno de los últimos papeles de Panna como actor antes de centrarse a su faceta de director de acción, dando así un cambio de rumbo a su carrera. A su vez es uno de los primeros papeles, más allá del stunt esporádico, de Tony Jaa, que tendrá el peso marcial de las pocas coreografías acrobáticas de la parte final de la cinta.

Durante finales de la década de 1990 el equipo de Panna, en especial Tony Jaa, perfeccionaron su entrenamiento en el Muay Boran, un compendio de artes marciales tailandesas que se considera el antecesor del Muay Thai moderno y que se caracteriza, al menos en su paso por la gran pantalla, por ser más acrobático y espectacular.

A principios de siglo el director Prachya Pinkaew acude a Panna Rittikrai para realizar una película de artes marciales con cierto presupuesto y ambos se ponen a trabajar en el guión y la dirección, siendo el protagonismo para Tony Jaa. Había nacido Ong-Bak, que se convertiría en un fenómeno internacional que revitalizó el cine de acción marcial y puso el foco en Tailandia como nueva Meca de este tipo de producciones. Cuando uno ve la película por primera vez no puede dejar de maravillarse con sus coreografías, llenas de espectacularidad y acrobacia, realizadas con los efectos especiales mínimos y sin dobles que hicieran las escenas peligrosas. La esencia era similar a la que inspiró Born to Fight, aquella primera película que Panna Rittikrai realizó casi 20 años antes: la acción era realista porque era de verdad, sin trampa ni cartón. Ong-Bak costo algo más de un millón de dolares y recaudo más de 20 solo en el Box Office.

Este éxito hizo que Panna se adentrará en la dirección para hacer una revisión de su propia película fundacional. Born to Fight (2004) tiene poco que ver con su película homónima, presentándonos la lucha por la supervivencia de un grupo de deportistas de élite tailandeses que están realizando ayuda humanitaria y se ven envueltos en el ataque de un grupo terrorista paramilitar que toma la aldea donde están para chantajear al gobierno. La cinta se vendía como “sin efectos de cableado” y contaba entre el reparto con diversos deportistas nacionales acompañados del equipo de especialistas, liderado por uno de los discípulos aventajados del director, Dan Chupong.

En esta nueva versión de Born To Fight hay trucos espectaculares. En una escena, dos hombres, sobre el techo de dos camiones a toda velocidad, luchan frenéticamente hasta que uno de ellos cae, aterrizando en la carretera a escasos centímetros de una de las ruedas en movimiento. Sin miedo. Sin efectos especiales. Todo sucede en una sola toma.

“No es violencia lo que estoy mostrando, es asombro. Habíamos ensayado esa escena probablemente durante un año antes de filmarla. Calculamos el peso del chico, no podía ser demasiado grande o demasiado pequeño. Proyectamos cómo rebotaría en el camión una vez que se cayera. Observamos todas las posibilidades, sabíamos que no podíamos permitirnos un solo error.

Pero incluso si algo saliera mal, como, digamos, que cayera debajo del camión en lugar de al lado, en tal caso habíamos preparado medidas de seguridad que le salvarían la vida. No puedo decirte cuales. Como un mago, no puedo decirte cómo saco el pájaro de la chistera, eso estropearía la diversión, ¿no?”. Panna Rittikrai, Bangkok Post, 2004.

Tras esto Panna Rittikrai dirigió el mismo las dos secuelas de Ong-Bak en 2008 y 2010, fue coreógrafo en películas como ambas partes de Tom-Yun-Goong, dirigidas por Prachya Pinkaew, en 2005 y 2011, y entrenó y coreografió a la actriz Jeeja Yanin en sus inicios en el cine con Chocolate (2008) y Raging Phoenix (2009), siendo esta última destacable por presentar un nuevo estilo de lucha creado para la cinta que combinaba Muay Thai, Capoeira y Break Dance. Su última película fue Vengeance of an Assassin (2014), donde se reencontraba en la gran pantalla con su pupilo Dan Chupong.

El 20 de Julio de 2014, a la edad de 53 años, Panna Rittikrai murió en un hospital de Bangkok debido a complicaciones de una enfermedad hepática que se estaba tratando desde finales del año anterior. También se descubrió posteriormente que tenía un tumor cerebral. Su muerte fue casi una catarsis para el cine de acción tailandés, que ya había empezado a perder interés en el ámbito internacional por la irrupción de otras producciones como la indonesia The Raid (2011). Los tiempos del stunt real estaban quedando atrás y ya nada sería igual que antes.

“Ves mis películas y dices ‘oh, alguien debe haber muerto durante el rodaje’, ¿Qué más puedo decir? ‘No intentes esto en casa’, tal vez”. Panna Rittikrai.

Referencias:

Wikipedia. “พันนา ฤทธิไกร”. Wikipedia, The Free Encyclopedia [consultada el 6 de agosto de 2019].
<https://th.wikipedia.org/wiki/%E0%B8%9E%E0%B8%B1%E0%B8%99%E0%B8%99%E0%B8%B2_%E0%B8%A4%E0%B8%97%E0%B8%98%E0%B8%B4%E0%B9%84%E0%B8%81%E0%B8%A3>

Rithdee, Kong. “Don’t try this at home”, Bangkok Post. July 16, 2004.
<https://archive.is/20070929181729/http://www.planetbangkok.com/archives/2004/07/dont_try_this_a.html>