El Centro Cultural Coreano en colaboración con la Embajada de la República Argentina presenta del 2 al 10 de abril la primera edición del Ciclo de Cine: KOREAN & LATIN AMERICAN FILM SCREENING, con Argentina como país invitado.

El cine coreano con cada vez más adeptos en España, inicia una nueva andadura en España con este Ciclo de Cine KOREAN & LATIN AMERICAN FILM SCREENING, que durante 4 días mostrará títulos de cada país con temáticas basadas en el anarquismo y thriller. Latinoamérica ha sido escenario de emigración para numerosos coreanos que se fueron asentando allí en la década de 1960 por motivos de distinta índole. Además, España cuenta con una gran comunidad latina por razones históricas lo que hace que sea el protagonista ideal.

El Ciclo dará comienzo el próximo 2 de abril con un acto inaugural junto a la proyección de la ópera prima Soledad de Agustina Macri. El filme basado en el libro de investigación periodística ´Amor y anarquía´ del escritor Martín Caparrós se desarrolla en torno la historia de María Soledad Rosas, una joven argentina de 23 años cuyo suicidio la convirtió en un icono del movimiento anarquista italiano. La película -sumamente cuidada en su narración- y su factura no profundiza demasiado en las cuestiones más polémicas ni legales, porque el énfasis está puesto en el cambio interno y externo de Soledad y su fogosa relación con Eduardo.

Siguiendo con uno de los temas que marcarán este ciclo, la anarquía, la segunda película será de Corea del Sur, Anarchist from Colony, de Lee Joon-ik. Al igual que Soledad, está basada en hechos reales, y cuenta la historia de un activista revolucionario llamado Park Yeol que organizó un grupo anarquista llamado “Heukdohoe” durante el periodo de ocupación japonesa de Corea. Este filme, que pone a las figuras de Park Yeol y Fumiko Kaneko como eje de la historia, ofrece una visión que resulta muy interesante para el espectador, sin grandes alardes, pero de gran ejecución, lleno de fuerza y unas interpretaciones verdaderamente destacables.

La segunda semana del ciclo, con el tema de género thriller, se iniciará con Todos tenemos un plan con Viggo Mortensen como protagonista en el papel de Agustín, quien vive desesperado y obsesionado con la idea de abandonar para siempre su frustrante vida en Buenos Aires. Después de la muerte de Pedro, su gemelo, se dispone a empezar una nueva vida asumiendo la identidad de su hermano. Una buena muestra de coproducción argentina, española y alemana, dirigida por la principiante Ana Piterbarg, sobre una historia propia, y catapultada internacionalmente por la presencia del consagrado actor estadounidense.

Finalmente, el preestreno en España de Memorias de un asesino, de Won Shin-yeon, pondrá el broche de honor a este nuevo Ciclo de Cine Coreano y Latino. Este thriller psicológico es una adaptación libre de la novela homónima de Kim Young-ha en la que un antiguo asesino con alzhéimer vuelve a las andadas tras 17 años, durante sus lapsos de memoria. Una película de suspense con un gran duelo entre dos asesinos que permite a la historia avanzar con bastantes giros y lograr contarnos algo diferente.

SOLEDAD
2018 / Agustina Macri / 103 min / VO

María Soledad Rosas fue una joven argentina de 23 años cuyo suicidio la convirtió en un ícono del movimiento anarquista italiano. Perteneciente a una familia de clase media, Soledad Rosas no parecía muy cómoda con las convenciones de su entorno; pero sería el viaje que emprendió a Europa a mediados de 1997 el que la apartaría definitivamente del mandato familiar y signaría su vida para siempre.

ANARCHIST FROM COLONY
2017 / LEE Joon-ik / 129 min / VOSE

La película está basada en la historia real de un anarquista y activista revolucionario llamado Park Yeol (Lee Je-hoon), que organiza un grupo anarquista llamado “Heukdohoe” durante la era colonial japonesa. Tras el gran impacto que provocó el terremoto de Kanto en las islas japonesas las personas sucumbieron al caos. Para calmar la ansiedad de la sociedad, el gabinete japonés decide arrestar a hombres coreanos de forma aleatoria. Entre estos hombres coreanos inocentes, el oficial Mizno arresta a un joven llamado Park Yeol para dar ejemplo. Sin embargo, Park lleva al gabinete completo a una situación de pánico diciéndoles el plan extremo que había preparado con el anarquista japonés Fumiko: “Matar al príncipe heredero de Japón”. La película también destaca la relación apasionada entre Park Yeol y su amante Fumiko Kaneko (Choi Hee-seo), un nihilista japonés que simpatizó con los coreanos oprimidos bajo la ocupación japonesa.

TODOS TENEMOS UN PLAN
2012 / Ana Piterbarg / 118 min / VO

Tras pasar algunos años en Buenos Aires, Agustín (Viggo Mortensen) vive desesperado y obsesionado con la idea de abandonar para siempre su frustrante vida en esa ciudad. Después de la muerte de Pedro, su hermano gemelo, Agustín se dispone a empezar una nueva vida asumiendo la identidad de su hermano y retornando a la misteriosa región del Delta del Tigre, donde transcurrió la infancia de ambos. Sin embargo, poco tiempo después de su regreso, Agustín se ve involuntariamente implicado en el peligroso mundo criminal del que su hermano había formado parte.

MEMORIAS DE UN ASESINO
2017 / WON Shin-yeon / 118 min / VOSE

Un antiguo asesino en serie, Byung-su (SOL Kyung-gu), es diagnosticado con alzhéimer. El médico le dice que se debe a los efectos secundarios del accidente de tráfico de hace 17 años; el mismo accidente que lo detuvo de sus asesinatos, y le permitió vivir una vida normal con su querida hija (KIM Seol-hyun). De pronto, una serie de asesinatos ocurren cerca de su ciudad, Byung-su se preocupa si los asesinatos son sus actos, durante sus lapsos de memoria. Pero luego, se encuentra con Tae-ju (KIM Nam-gil) el novio de su hija, e instintivamente se da cuenta que él es el asesino en serie. Byung-su intenta encontrar evidencia firme de que Tae-ju es un psicópata para poder así salvar a su hija.

Los pases serán gratuitos, pero debido al aforo limitado se puede reservar con antelación a través de la web del Centro Cultural coreano.

El pasado fin de semana se celebró la gala de entrega de premios de la edición número 64 de los Filmfare Awards, organizados por el conocido grupo mediático “Times Group” y a efectos prácticos los más prestigiosos y conocidos de la India. La película más destacada de la noche fue el thriller de espionaje Raazi, que se llevó los premios a mejor película, dirección para Meghna Gulzar e interpretación femenina para Alia Bhatt. Por su parte la interpretación masculina fue para Ranbir Kapoor por su papel en Sanju, donde da vida al mítico Sanjay Dutt. Las interpretaciones de reparto fueron ambas para Badhaai Ho. En cuanto a los premios de la crítica el thriller Andhadhun se llevo el premio a mejor película/director. Si nos fijamos en el apartado técnico la cosa estuvo relativamente repartida, si bien la gran calidad de Tumbbad hizo que se llevara varios de ellos, concretamente a fotografía, diseño de producción y sonido. A continuación tenéis la lista completa de premiados.

Mejor Película

Andhadhun
Badhaai Ho
Padmaavat
Raazi
Sanju
Stree

Mejor Director

Amar Kaushik – Stree
Amit Sharma – Badhaai Ho
Meghna Gulzar – Raazi
Rajkumar Hirani – Sanju
Sanjay Leela Bhansali – Padmaavat
Sriram Raghavan – Andhadhun

Mejor Actor

Akshay Kumar – Padman
Ayushmaan Khurrana – Andhadhun
Rajkummar Rao – Stree
Ranbir Kapoor – Sanju
Ranveer Singh – Padmaavat
Shah Rukh Khan – Zero

Mejor Actriz

Alia Bhatt – Raazi
Deepika Padukone – Padmaavat
Neena Gupta – Badhaai Ho
Rani Mukerji – Hichki
Tabu – Andhadhun

Mejor Actor de reparto

Aparshakti Khurana – Stree
Gajraj Rao – Badhaai Ho
Jim Sarbh – Padmaavat
Manoj Pahwa – Mulk
Pankaj Tripathi – Stree
Vicky Kaushal – Sanju

Mejor Actriz de reparto

Gitanjali Rao – October
Katrina Kaif – Zero
Shikha Talsania – Veere Di Wedding
Swara Bhaskar – Veere Di Wedding
Surekha Sikhri – Badhaai Ho
Yamini Das – Sui Dhaaga: Made In India

Mejor actor debutante

Ishaan Khatter – Beyond the Clouds

Mejor actriz debutante

Sara Ali Khan – Kedarnath

Mejor Música

Ajay-Atul – Dhadak
Amit Trivedi – Manmarziyaan
Shankar Ehsaan Loy – Raazi
Rochak Kohli, Yo Yo Honey Singh, Amaal Malik, Guru Randhawa, Zack Knight, Saurabh-Vaibhav y Rajat Nagpal – Sonu Ke Titu Ki Sweety
Sanjay Leela Bhansali – Padmaavat
Ajay-Atul – Zero

Mejores Letras

Gulzar, Ae Watan, Raazi
A.M Turaz, Binte Dil, Padmaavat
Gulzar, Dilbaro, Raazi
Shekhar Astitva, Kar Har Maidaan Fateh, Sanju
Irshad Kamil, Mera Naam Tu, Zero
Kumaar, Tera Yaar Hoon Main, Sonu Ke Titu Ki Sweety

Mejor Playback masculino

Abhay Jodhpurkar – Mera Naam Tu (Zero)
Arijit Singh – Tera Yaar Hoon Main (Sonu Ke Titu Ki Sweety)
Arijit Singh – Aye Watan (Raazi)
Arijit Singh – Binte Dil (Padmaavat)
Baadshah – Tareefan (Veere Di Wedding)
Shankar Mahadevan – Dilbaro (Raazi)

Mejor Playback femenino

Harshdeep Kaur y Vibha Saraf, Dilbaro, Raazi
Jonita Gandhi, Ahista, Laila Majnu
Ronkini Gupta, Chaav Laga, Sui Dhaaga: Made In India
Shreya Ghoshal, Ghoomar, Padmaavat
Sunidhi Chauhan, Ae Watan, Raazi
Sunidhi Chauhan, Manwaa, October

Mejor Película (Crítica)

Andhadhun – Sriram Raghavan
Badhaai Ho – Amit Sharma
Manto – Nandita Das
Pataakha – Vishal Bhardwaj
Raazi – Meghna Gulzar
Tumbbad – Rahi Anil Barve

Mejor Actor (Crítica)

Ayushmann Khurrana – Andhadhun
Nawazuddin Siddiqui – Manto
Ranbir Kapoor – Sanju
Ranveer Singh – Padmaavat
Varun Dhawan – October
Vineet Kumar Singh – Mukkabaaz

Mejor Actriz (Crítica)

Anushka Sharma – Sui Dhaaga: Made In India
Alia Bhatt – Raazi
Neena Gupta – Badhaai Ho
Radhika Madan – Pataakha
Tabu – Andhadhun
Taapsee Pannu – Mulk

Premios Técnicos

Mejor Banda sonora

Daniel B. George – Andhadhun
Amit Trivedi – Manmarziyan
Shantanu Moitra – October
Shankar Ehsaan Loy y Tubby – Raazi
Jesper Kyd – Tumbbad

Mejores Coreografías

Shabina Khan, Balma, Pataakha
Kruti Mahesh Midya y Jyothi D Tommaar, Ghoomar, Padmaavat
Ganesh Acharya, Khalibali, Padmaavat
Remo, Mere Naam Tu, Zero
Ganesh Acharya, Main Badhiya tu bhi, Sanju

Mejores Diálogos

Akshat Ghildial – Badhaai Ho
Nandita Das – Manto
Anubhav Sinha – Mulk
Vishal Bhardwaj – Pataakha
Sumit Aroraa – Stree
Sharat Katariya – Sui Dhaaga: Made In India

Mejor Historia

Akshat Ghildial y Shantanu Srivastava – Badhaai Ho
Anudeep Singh – Mukkabaaz
Anubhav Sinha – Mulk
Raj y DK – Stree
Sharat Katariya – Sui Dhaaga: Made In India

Mejor Guión

Sriram Raghavan, Arijit Biswas, Pooja Ladha Surti, Yogesh Chandekar y Hemanth Rao – Andhadhun
Akshat Ghildial, Badhaai Ho
Nandita Das, Manto
Anubhav Sinha, Mulk
Bhavani Iyer and Meghna Gulzar, Raazi
Raj y DK – Stree

Mejor Acción

Ahmed Khan, Kecha Khampadkee, Ram Chella, Lakshman Chella y Shamshir Khan – Baaghi 2
Cyril Raffaelli, Sebastian Seveau y Vikram Dahiya – Bhavesh Joshi Superhero
Vikram Dahiya y Sunil Rodriguez – Mukkabaaz
Sham Kaushal – Padmaavat
Sunil Rodrigues – Simmba

Mejor Fotografía

Siddharth Diwan – Bhavesh Joshi Superhero
Kartik Vijay – Manto
Avik Mukhopadhyay – October
Sudeep Chatterjee – Padmaavat
Ranjan Palit – Pataakha
Pankaj Kumar – Tumbbad

Mejor Edición

Pooja Ladha Surti – Andhadhun
Ballu Saluja – Mulk
Nitin Baid – Raazi
Hemanti Sarkar – Stree
Sanyukta Kaza – Tumbbad

Mejor Diseño de Producción

Ratheesh UK – Badhaai Ho
Rita Ghosh – Manto
Neil Chowdhury – Omertà
Subrata Chakraborty y Amit Ray – Padmaavat
Madhusudan – Stree
Nitin Zihani Choudhary y Rakesh Yadav – Tumbbad

Mejor Sonido

Madhu Apsara y Ajay Kumar – Andhadhun
Robert Kellough – Gali Guleiyan
Dipankar Jojo Chaki – October
Biswdeep Dipak Chatterjee – Padmaavat
Anish John – Pari
Kunal Sharma – Tumbbad

Mejor Vestuario

Payal Saluja – Gold
Sheetal Sharma – Manto
Ajay, Maxima Basu, Harpreet Rimple y Chandrakant Sonawane – Padmaavat
Karishma Sharma- Pataakha
Smriti Chauhan y Sachin Lovalekar – Tumbbad

Mejores Efectos Especiales

Prasad Sutar – Padmaavat
Red Chillies VFX – Pari
Filmgate Films AB – Tumbbad
Red Chillies VFX – Zero

Ying xiong (2002)
Director: Zhang Yimou
Guión: Li Feng, Zhang Yimou
Actores: Jet Li, Tony Chiu-Wai Leung, Maggie Cheng, Zhang Ziyi, Chen Daoming, Yen Donnie
Productora: Beijing New Picture Film Co., China Film Co-Production Corporation, Elite Group Enterprises
Director de fotografía: Christopher Doyle
Música: Dun Tan

Después de varios filmes quizás no tan a la altura de a lo que Zhang Yimou nos tenía acostumbrados, y de perseguir —sin éxito— el favor del mercado doméstico, llegó Hero, y lo que para muchos fue un principio, para otros muchos significó un final. Hero es un film especialmente significativo en la filmografía del director y también en la historia del cine chino. El que fue el primer wuxia de Zhang fue el primer filme nacional que batió todos los récords de taquilla en China, cambiando la tendencia hasta el momento, pues con Hero la industrias local volvía a reconquistar los cines de su país. Después, la película conquistó también las taquillas americanas, convirtiéndose en el tercer largometraje extranjera más visto en Estados Unidos. Hero es el primer blockbuster chino, y con su reparto transnacional —sin olvidarnos del director de fotografía australiano Christopher Doyle—, y su altísimo presupuesto, denota la firme voluntad del país de reposicionarse en el nuevo orden mundial (Zhu, 2013). Oficialmente, la globalización había llegado para quedarse, y afortunadamente, Zhang Yimou había retomado el estilo visual que había caracterizado sus obras tempranas, como Sorgo Rojo (1987), La semilla del crisantemo (1990) o La linterna roja (1991). Pero, como decía anteriormente, para muchos significó el final de una era de cine comprometido con la sociedad, y el divorcio del cine y la literatura chinos. Zhang, ya nos había hablado de los efectos de la globalización en filmes como La Joya de Shanghai (1995), y se había zambullido en la literatura de raíces de Mo Yan para intentar escapar de ella, pero parece que después de varios tira y afloja con la censura, el director aceptaría cooperar con el estado chino en esta nueva etapa, y reformularía el significado del término globalización a través del término chino tianxia.

Hero comienza con una profunda reflexión sobre el concepto de héroe. Los intertítulos dicen que las personas renuncian a sus vidas por diferentes razones: por amistad, por amor, por un ideal y matan también por las mismas razones. Luego nos introducen la historia de los Reinos Combatientes y cómo el futuro emperador Qin —el primer emperador de la historia china— quiso poner fin a las continuas guerras bañando de sangre a sus enemigos. “En toda guerra hay héroes en los dos bandos”, concluyen los intertítulos. Lo que nos presenta aquí Hero es una versión de un cuento de la Era de los Reinos Combatientes (403-221 a.C.), sobre el intento de asesinato de Jing Ke al rey de Qin. Las versiones tradicionales como la de Sima Qian presentan al asesino como un héroe determinado a acabar con el déspota del rey de Qin. Tan solo Mao Zedong durante la Revolución Cultural invirtió los términos, haciendo uso durante sus campañas políticas de una versión más positiva del rey de Qin con el que él mismo se comparaba, llegando a ridiculizar incluso al asesino.

Después del título, vemos a unos soldados a caballo que custodian un carruaje. Dentro del carruaje reconocemos a un Jet Li absolutamente concentrado, que nos explica en off cómo al quedarse huérfano y no tener nombre, empezaron a llamarle Sin nombre y decidió aprender el arte de la espada. Cuando nos informa de que el emperador le ha llamado a palacio, pues ha conseguido una proeza, vemos en contraplano qué es lo que Sin nombre miraba con tanta atención. Son tres cajas de madera. A la llegada a palacio, en el patio se reúnen todos los consejeros de su majestad, y en el centro del pasillo está el primer ministro quien nos cuenta cómo durante diez años, tres asesinos del reino de Zhao, Cielo, Nieve voladora y Espada Rota han atentado contra la vida del emperador, haciendo imposible que pudiera descansar ni una sola noche. El primer ministro abre las cajas, ahí restan las espadas —y, por tanto, las almas— de los tres guerreros. Estos planos, igual que los del final, son tremendamente intimidatorios, pues dan cuenta de la diferencia de poder entre la nación y el individuo. El largo camino que recorre Sin nombre desde el patio hasta la sala del rey, solo, en silencio, es significativo del largo camino que ha debido de recorrer hasta llegar allí durante su vida.

Una vez en la sala, el plano-contraplano del emperador y de Sin nombre enfatizan la idea de diferencia y de distancia que hay entre los dos personajes. No hay entendimiento entre ellos. Además, el plano desde la vista de Jet Li —aunque suene ñoño, reconozco que me encanta Jet Li— tiene una sensación de picado ya que el rey está en un altar, mientras que el contraplano es contrapicado y Sin nombre está en posición de reverencia. Solo a través de las muertes de los enemigos del rey, puede comenzar el entendimiento entre ellos y acortarse las distancias. El futuro emperador (Chen Daoming) explica que, desde hace diez años, cuando Espada rota (Tony Chiu-Wai Leung) y Nieve voladora (Maggie Cheung) entraron en palacio para asesinarle, nadie ha podido acercarse a más de cien pasos. El emperador abre la espada de Cielo (Donnie Yen) lo que le permite, según un edicto real, acercarse a 20 pasos del emperador. A esta distancia, Sin nombre comienza a narrar la historia de cómo mató a Cielo: tonos grises, marrones y negros cubren el cuadro, muy a tono con las escenas anteriores. Vemos el encuentro entre ambos asesinos en flashback y también su lucha, imaginaria y virtual, maravillas de post-producción incluidas.

El rey abre los ojos, volvemos a la historia principal, al momento presente, y el rey abre las cajas de las espadas de Nieve voladora y Espada rota. Por virtud del edicto, Sin nombre puede —entre otros beneficios— acercarse al emperador a 10 pasos. El emperador duda de la habilidad de la espada del asesino que tiene al frente, pues recuerda el ataque de hace diez años y la destreza de ambos. «¿Tu espada era mejor que la combinación de ambos?» Un nuevo flashback nos da cuenta de cómo cabalgó hasta el reino de Zhao para encontrar a Nieve voladora y Espada rota en una escuela de caligrafía. Esta vez es el color rojo el que cubre las escenas, pues la historia que narra es una historia de pasión, celos y venganza. Aunque la escena del ataque a la escuela es indudablemente poderosa, para mí la escena de la muerte de Espada rota tiene un equilibrio perfecto, por su simetría. Cómo corre la cámara detrás de él por los estrechos pasillos para alentar el odio de Nieve voladora, cómo ella lo atraviesa con su espada a través de la pared, la cámara corre detrás ella otra vez deshaciendo el camino a su habitación, pero la oír su agonía vuelve y se queda ahí al otro lado de la pared: esa pared que los ha separado durante años; el espacio pequeño, encasillados, líneas por doquier para subrayar esa opresión. Y cómo finalmente pasa la pared para verle exhalar su último aliento.

Pero parece que el emperador no cree en el cuento que le ha explicado Sin nombre y tiene una propia versión de lo que ocurrió. Ahora el flashback se tiñe de azul, pues lo que antes fue pasión, ahora es frío y calculado. Parece que el emperador cree que el asesino que tiene en frente de él conspiró con Cielo, Nieve voladora y Espada rota para matarle y ellos le confiaron sus vidas, pues solo él había dominado una técnica infalible para poder matar a alguien a 10 pasos de distancia.

Las llamas que separan a ambos narradores rugen ante el peligro inminente de asesinato al rey, pero parece que Sin nombre duda, pues recuerda las palabras de Espada rota. Ahora el flashback se tiñe de blanco para darnos cuenta de la pureza de sentimientos de Espada rota. Aunque Nieve voladora accede a ayudar a Sin nombre, Espada rota le para antes de que vaya a palacio y le pide que abandone su plan de matar al emperador, pues no debe morir. Le cuenta —ahora en verde— cómo conoció a Nieve voladora y se enamoró de ella y cómo intentaron matar al rey aquel día de hacía diez años. Sin embargo, gracias a la caligrafía, Espada rota había comprendido que el emperador no podía morir y le dibuja dos caracteres en la arena para intentar convencerle. Cuando el emperador le pregunta qué fue lo que le escribió, el asesino responde: Tianxia, pues durante años sus pueblos habían sufrido numerosas guerras, y solo el emperador tenía el poder de unificarlo todo y traer la paz. El sufrimiento de uno no es nada con el sufrimiento de todos. El sufrimiento de Zhao y Qing no es nada con el sufrimiento de todos. Llega el momento de la decisión final y el emperador se conmueve al saber que un asesino es el único que ha logrado comprenderle. Sin nombre blande su espada y todos los consejeros se agolpan en las puertas de la sala, el emperador se gira a mirar el pergamino con el carácter de espada que escribió Espada rota, y concluye que no contiene ningún secreto sobre el arte de la espada sino su más alto ideal: Primero, espada y hombre son uno; segundo, la espada reside no en la mano sino en el corazón; tercero, cuando la espada desaparece, el hombre abraza todo lo que hay a su alrededor, el deseo de matar desparece. Si nombre lanza su ataca pero perdona la vida del emperador y se marcha, no sin antes rogarle que no olvide nunca el ideal del guerrero. Nieve voladora al conocer la noticia, se enfrenta a su amante pues quiere saber qué le dijo para que la traicionara.

– Tianxia
– ¿Es lo único que hay en tu corazón?
– También estás tú.

Pero la respuesta de Espada rota no es suficiente, y Nieve voladora lo mata al saber que no podrá nunca vengar la muerte de su padre, para después morir junto a él.

Para cuando Sin nombre llega a la puerta, los consejeros al unísono piden la orden de ejecución del emperador, él duda mientras Sin nombre espera sin miedo la orden. Sabe que debe morir.

Esta versión de Zhang, esta historia de historias, a simple vista parece elevar tanto al asesino como al despiadado emperador a la categoría de héroes, proponiendo un entendimiento entre ambos a través del concepto de tianxia. Este concepto, en la versión americana se tradujo como “our land” pero la traducción exacta —“todo bajo el cielo”— deja entrever una intencionalidad mucho más imperialista y opresora. Lo que hace Zhang Yimou, en palabras de Zhu (2013), es virtualizar el cuento a través de tres versiones virtuales de la narración que a su juicio representan “cómo el individuo es integrado a la nación y cómo la nación es a su vez integrada en la noción tianxia” (íbid). Zhou, siguiendo a Ren Xiao, nos identifica cuatro significados de tianxia que operan en la virtualidad de un ideal más allá de la realidad, ideal que se ve magnificado en la diégesis fílmica de Hero. Así, el primer significado sería el de extensión geográfica, que Zhu identifica en los bellísimos y exóticos paisajes en los que está rodado el film; el segundo, el de régimen político, encarnado por el propio emperador, sus consejeros y su ejército; el tercero, el de la identidad cultural, se vería representado por la escuela de caligrafía; y por fin el cuarto, es el de régimen validado por la voluntad popular o la moralidad. Claro, para este último significado, nos viene a decir Zhou, el Rey de Qing no puede concluir en la diégesis como un villano, con lo que debe comprender la caligrafía de Espada Rota y actuar según la voluntad de aquellos héroes que han estado dispuestos a dar sus vidas.

Sin embargo, debemos tener en cuenta que el compromiso del directo para con su pueblo sigue ahí, aunque más sutilmente. Sin nombre sigue la estela las heroínas de Qiu Ju, una mujer china (1992) y Ni uno menos (1999), y tiene el valor de hablar cara a cara con el poder y contrarrestar su historia con la historia de aquellos que, como él, no tienen nombre. Su muerte, no obstante, es en vano. Aunque el rey se conmueve con su historia, eso no cambia que el hombre que tenga delante de él deba morir, deber que le recuerdan los mandarines. El significado de esa puerta llena de flechas en la que falta el cuerpo Sin nombre va mucho más allá. Esta ausencia deliberada pareciera ser fruto del respeto por su muerte. Pues el heroísmo y el idealismo han muerto con él. A este respecto, Berry (2010) subraya algo muy interesante, y es el paralelismo entre Zhang Yimou y Sin nombre, pues el idealismo del directo se puede considerar en cierta manera también muerto.

Bibliografía:

Berry, Chris (2010). «Foreword». En: Gary D. Rawnsley y Ming Yeh T. Rawnsley, Global Chinese Cinema: the culture and politics of Hero. Londres y Nueva York: Routledge.

Zhang, Xiaoling (2008). «The Death of Heroes in China». En: The Documentation and Research for Modern China. Leiden University, 22 (1), pp. 119-137.

Zhu, Ping (2013). «Virtuality, Nationalism, and Globalization in Zhang’s Hero». En: CLCWeb: Comparative Literature and Culture, 15 (2). <https://doi.org/10.7771/1481-4374.2227>

Mañana martes 2 de abril se inicia en el Contenedor Cultural de la Universidad de Málaga un ciclo dedicado al realizador japonés Akira Kurosawa. Este ciclo, presentado por Enrique Garcelan de CineAsia, consta de 4 películas que se pasean por la filmografía del director y dos de sus actores más característicos: Toshiro Mifune y Tatsuya Nakadai.

Martes día 2 de Abril.

Yojimbo.
Akira Kurosawa, 1961.
Reparto: Toshirô Mifune, Tatsuya Nakadai, Yôko Tsukasa, Isuzu Yamada, Daisuke Katô, Seizaburô Kawazu, Takashi Shimura.

En el siglo XIX, en un Japón todavía feudal, un samurái llega a un poblado, donde dos bandas de mercenarios luchan entre sí por el control del territorio. Muy pronto el recién llegado da muestras de ser un guerrero invencible, por lo que los jefes de las dos bandas intentan contratar sus servicios.

Martes día 9 de Abril.

Trono de sangre.
Akira Kurosawa,  1957.
Reparto: Toshirô Mifune, Isuzu Yamada, Takashi Shimura, Akira Kubo, Hiroshi Tachikawa, Minoru Chiaki, Takamaru Sasaki, Gen Shimizu.

Japón feudal, siglo XVI. Adaptación del “Macbeth” de William Shakespeare. Cuando los generales Taketori Washizu y Yoshaki Miki regresan de una victoriosa batalla, se encuentran en el camino con una extraña anciana, que profetiza que Washizu llegará a ser el señor del Castillo del Norte. A partir de ese momento, su esposa lo instigará hasta convencerlo de que debe cumplir su destino.

Martes día 23 de Abril.

El infierno del odio.
Akira Kurosawa, 1963.
Reparto: Toshirô Mifune, Kyoko Kagawa, Yutaka Sada, Takashi Shimura, Tatsuya Mihashi, Tatsuya Nakadai.

En un momento crucial de su vida financiera, Gondo (Toshirô Mifune), un directivo de una importante empresa de zapatos, recibe la noticia de que su hijo ha sido secuestrado. El rescate exigido es una gran cantidad de dinero, pero Gondo la necesita para cerrar una negociación que le dará el control de la empresa.

Martes día 30 de Abril.

La fortaleza escondida.
Akira Kurosawa, 1958.
Reparto: Toshirô Mifune, Minoru Chiaki, Misa Uehara, Takashi Shimura, Susumu Fujita, Eiko Miyoshi, Kamatari Fujiwara, Koji Mitsui, Yoshio Tsuchiya.

Japón feudal, siglo XVI. Un samurái (Toshirô Mifune) debe escoltar a una princesa a través de tierras enemigas. Esta película sirvió de inspiración al director George Lucas para su trilogía de “La Guerra de las Galaxias” (Star Wars, 1977).

Entrada gratuita hasta completar aforo.
Sala 3 del Contenedor Cultural (Bulevar Louis Pasteur, nº23. Campus de Teatinos. Málaga).

El pasado día 10 de marzo finalizaba una nueva edición del Yubari International Fantastic Film Festival, uno de esos eventos míticos dentro del circuito del fantástico que tristemente ha ido languideciendo con los años, pero que no ha perdido una esencia única, dar voz a una serie de realizadores locales e internacionales que con poco presupuesto sacan mucho, tirando de ideas arriesgadas, desinhibidas y fuera de lo que pudiéramos esperar. Fernando ya nos presento el evento en su edición de 2016, y este año vuelve a la carga con esas crónicas de “costumbrismo festivalero” que tan bien suele hacer, esta vez con una perspectiva muy personal. Aquí os dejo sus vivencias.

Hola de nuevo, amigos de Asiateca. Ha llovido (y nevado) desde que escribiera aquella crónica de la edición del 2016. Los años posteriores he seguido asistiendo y la experiencia (a pesar de que la programación fuera más o menos buena) no ha ido sino a mejor. Este año es especial por varios motivos y por eso me gustaría dejar constancia de mis recuerdos antes de que se me olviden después de volver a la puñetera cotidianeidad. Disculpe el lector si encuentra un lenguaje un poco chabacano, esto va más de relatar desde el corazón la experiencia de un festival reconocido (con mucho acierto) como el más divertido del mundo.

Jueves 7 de marzo.

Este año voy casi completamente a ciegas. La página web apenas se actualizó con los títulos de las películas sin ninguna captura ni sinopsis para hacerse a la idea, pero daba igual, ya tenía reservado vuelo y hotel desde diciembre. Con el “casi” de antes me refiero a que había una cosa que me hacía confiar ciegamente, y es que el gran Yoshihiro Nishimura era uno de los programadores de esta edición. El año pasado, debido a que, durante las últimas ediciones, la programación oficial del festival se había convertido en un aburrimiento más cercano a dramas humanos que al cine fantástico, el Nishimura, junto a Naoya Sawada (otro de los responsables del festival desde su refundación en 2008 después de un tiempo inactivo debido a la bancarrota del pueblo de Yubari), hicieron un “festival rebelde” justo al mismo tiempo que el festival oficial. Celebrado en una pequeña sala donde no cabían más de 80 personas, resultó mucho más divertido y con una programación más interesante y entretenida que la del propio festival oficial. Este año, en un alarde de sensatez por parte de la organización, aceptaron su culpa y le dieron al Nishimura la sección Core Fanta, dedicada al fantástico más hardcore y personal de cineastas japoneses. Para mí era suficiente garantía de calidad.

Pero a esto que, estando en el aeropuerto de New Chitose en Sapporo, y mientras esperaba el autobús para Yubari, miré la programación de ese jueves para ver a qué me daba tiempo antes y después de la fiesta de inauguración. La programación estaba sin traducir y miré la versión japa sin gafas. Y veo unos kanjis. Y me froto los ojos por si he leído mal. No, no, esos kanjis eran correctos. Esa noche presentaba película la AV idol Shoko Takahashi, una de las actrices porno más punteras del panorama actual. Si hubiera tenido serpentinas y matasuegras me hubieran llamado la atención en el aeropuerto. Qué alegría me estaba entrando.

Llega el bus y en casi una hora me deja en la puerta del Mount Racey, el hotel de Yubari donde me hospedo. Ahí se celebrará también la fiesta de inauguración. Se sitúa en un lugar estratégico: al lado de la estación de tren (cuya línea de JR dejará de prestar servicio este año definitivamente); en frente de Yatai Mura (una especie de nave prefabricada estrechita con muchos bares donde todos -invitados y espectadores mezclados- se ponen ciegos a beber hasta altas horas de la madrugada) y a mitad de camino entre los dos edificios donde se exhiben las películas: Himawari (un antiguo colegio de secundaria reconvertido en youth hostel donde sus dos canchas de baloncesto sirven de cine) y el Hotel Shuparo, que cuenta con otras dos salas. Este año, debido a problemas incógnitos, no usan el Himawari y solo añaden a las salas del Shuparo la sala pequeña que usaron para el festival rebelde cerca de ahí, en un edificio público en la Kinema Street de Yubari.

Me bajo del bus, cojo la maleta y me cruzo con la gente que iba al hotel Shuparo para la gala de inauguración. Y ahí estaba ella, cual princesa con vestido rosa largo de una pieza y estola de piel cubriendo sus hombros, irradiando más aura que Raoh, la divina Shoko Takahashi. Me quedé tan pasmado mirándola que cuando ella cruzó su mirada conmigo se me pusieron las mejillas coloradas y casi me entra una hemorragia nasal. Disimulo un poco y hago check in en el hotel. Se me hace un poco tarde para la Opening Ceremony que empieza a las 17h y tampoco tengo muchas ganas de ver la última del Kim Ki-duk que la ponen como película inaugural, pero de todos modos, voy a hotel Shuparo para recoger el pase del festival y el catálogo.

La distancia entre el hotel Mount Racey y el Shuparo es como del Meliá Sitges al Casino Prado, un paseito que se puede hacer a pata muy a gusto si no te pilla una nevada gorda. Ya que es el primer día, y para desentumecerme, voy a pata para reencontrarme con el paisaje tan bonito del Yubari nevado.

Cuál es mi sorpresa que cuando llego hay un grupito de mujeres que protestan portando carteles. Eran de la Gender Equality in Korea Film y protestaban contra el festival por incluir la película de Kim Ki-duk, acusado de abusos a una actriz. Me hizo gracia porque cuando se exhibió en Sitges la peña ni se enteró, pero luego, mira el por culo que dieron con Bocadillo. A los guardianes de la moral españoles les da un telele si los sacas de los medios generalistas y los titulares. Eso que ganamos los demás.

Una vez recogida la acreditación, para hacer tiempo antes de la fiesta y dentro de la sección Core, voy al pase de Pleasant Kidnappers, un mediometraje sobre un grupo de desaliñados que pretende secuestrar a la hija de un rico empresario, pero se equivocan de muchacha y raptan a la hija desquiciada de un jefe de la yakuza aún más desquiciado. Dentro de la austeridad de medios y localizaciones, la verdad es que sale una historia de perdedores bastante maja.

Vuelvo al Mount Racey para la fiesta de inauguración: Dos horas de bufé libre de comida y bebida a tutiplén. Acuden todos los invitados del festival y personalidades políticas de la región que dan discursos varios. Luego, actuación de taikos y juego de piedra-papel-tijera con premios entre los asistentes para amenizar la velada. Me reencuentro con Reji Hoshino y el resto de la familia Tetsudon y miro de reojo a algún famosillo. Un poco más tarde, con varias birras encima, me armo de valor y me acerco a la mesa de Shoko Takahashi. Le digo que soy un admirador suyo y que iré sin falta esta noche a la presentación de su película. Ella me da las gracias con una encantadora sonrisa y me estrecha la mano. A su contacto me derrito todo. De la timidez que me impone la actriz, me quedo sin palabras como un pasmarote y marcho de nuevo a la mesa de los tetsudones hasta que acaba todo. Medio piripi me encuentro a uno de los miembros del jurado, Kazuya Shiraishi (director de, entre otras, Blood of Wolves y The Devil’s Path), que también va dando volantazos, y le digo que me gustan mucho sus películas. No me hace mucho caso porque va pedo, pero me quito la espinita de no haberle dicho nada cuando estuvo en el Kyoto Historica 2018 dando una charla.

Son las 11 de la noche y subo al último bus de ruta al Shuparo para ver el pase de medianoche de la sección Forbidden Zone, dedicado al género erótico en todas sus vertientes: Twelve Muses, del taiwanés Kai-Chi Chang, es un mediometraje pedante y con ínfulas de sofisticación para intentar justificar dignamente que la Takahashi salga en bolas todo el metraje. Es un recorrido por la historia de las musas de la pintura donde la actriz porno luce cuerpo serrano mientras imita las poses de diferentes cuadros (desde Goya a Klimt) intercalando técnicas audiovisuales (más filtros de postproducción que otra cosa). Es un rollo patatero, pero el cuerpo de la Takahashi es hipnótico y como si la peli hubiera durado 20 horas, que con gusto estaría ahí ojiplático y babeante el tiempo que hiciera falta. Termina y llega el momento que todos querían: El talk show. Moderado por el gran Tokitoshi Shiota, programador jefe, un señor bajito con tupé, gafas oscuras y muy molón que seguro que habéis visto pululando por Sitges, introduce a la actriz, a su director y al productor, haciendo un par de preguntas de rigor al amigo taiwanés y al productor para luego dedicar casi todo el tiempo a la muchacha.

Decía el director que con esta peli quería homenajear a las musas anónimas del arte poniendo a una estrella del erotismo que todos conocieran. Me hizo gracia que llamara musa anónima a la Maja desnuda y lo relativo que es todo dependendiendo del lugar, porque las estrellas del porno japonés son increíblemente conocidas en lugares como China, donde el porno está prohibido, o en Taiwán, donde es legal verlo pero ilegal rodarlo; pero esas mismas estarlettes superfamosas son chinas random para el aficionado occidental (sobre todo español), que solo sabe sus nombres si salen en pelis de género para inmediatamente intentar desvincular al máximo su origen pornográfico no vaya a ser que se rían de uno por tener estas aficiones. No me digáis que no, que os tengo calaos.

La Takahashi demuestra tener durante toda la charla, y a pesar de la hora intempestiva, un gran sentido de humor y mucho desparpajo que acompaña todo el rato con una sonrisa de quedarse embobado. Al terminar, se dejó fotografiar con los aficionados que se lo pidieron (yo no fui menos, logro desbloqueado).

Aprovecho el paseo andando hasta el hotel en mitad de la noche helada para que se me bajen los calores del alcohol y la emoción de ver a la diva, pero recibo un mensaje para tomar la última en un bar cerca del hotel. No tengo remedio y voy. Ahí estaban varios amigos del colectivo Tetsudon y, para mi sorpresa, Lala Sorami. Lala Sorami es dibujante de tebeos y todos los años publica un dōjinshi (manga autoeditado) donde cuenta su experiencia del festival de Yubari del año previo, más o menos como lo que hago yo pero ilustrado como un manga femenino, donde el artista se dibuja como una colegiala y cuenta su experiencia en primera persona. A todo esto, Lala Sorami, a pesar de su nombre femenino, es un señor bajito heterosexual de 50 años. Cuando le conocí en persona me quedé con el culo totalmente torcido y por eso mismo se ganó mi corazón y respeto por la eternidad. Comento esto porque me recuerda mucho al caso de Nagabe, el autor del manga La pequeña forastera, cuya identidad fue un misterio durante mucho tiempo en el que todo el mundo fantaseaba y deseaba que fuera una mujer, para luego terminar siendo un chico de veintitantos. En el caso de Lala Sorami no hubo chasco por mi parte, sino alegría. Al reencontrarlo le pido inmediatamente la edición de su dōjinshi de este año que, muy amablemente, me regala.

Reencuentro con amigos, comida en cantidad, buen bebercio y conocer a una auténtica musa. El festival empieza realmente fuerte. Si a esto se le suma buen cine desde mañana, podrá ser una edición de leyenda. ¡Yubari, aquí estoy de vuelta!

Redactor: Fernando DeMontre.

Viernes 8 de marzo.

Para descansar bien sacrifico el buffet de desayuno del hotel, que es hasta las 9 de la mañana, demasiado temprano para la hora en que me he acostado. De todos modos, me comentan después que desde que el hotel ha sido adquirido por un consorcio chino, la variedad y calidad del desayuno ha bajado considerablemente respecto a años anteriores. Ya no se puede disfrutar del famoso kaisen don, donde uno podía prepararse un bol de arroz con toda clase de fresquísimo sashimi recién cortado. Ahora era bollería y café americano. Me conformo con ir a la cafetería del hotel y comprar un Yubari melon pan relleno de crema de melón y nata montada que me zampo en dos bocados antes de partir al Shuparo para la sesión de la sección Core a las 12:30.

En Saikyo Koroshiya Densetsu Kunioka, su joven director, Yugo Sakamoto, utilizó el dinero ganado con el premio a mejor cortometraje el año pasado en este mismo festival para realizar un falso documental que podría ser una mezcla entre Ocurrió cerca de su casa, El Mariachi y Golgo 13 adolescente. La historia es el día a día de un joven asesino a sueldo, de sus trabajos, sus citas, su pandilla de amigos, para luego entrar en una espiral de confusiones, encargos asignados a varios asesinos a la vez y misiones erradas que le harán ser objetivo de la furia de yakuzas y sus letales lugartenientes. Está rodado con cámaras de mierda y el sonido es aún peor, pero su protagonista y el resto de personajes desbordan tanto carisma, la edición es tan frenética, las situaciones son tan descacharrantes y la acción es tan, tan resultona, que se ha convertido en mi preferida de esta edición de Yubari.

Al terminar tiro corriendo a la calle principal para entrar en el Yoshinoya de Yubari. Ojo, no es el Yoshinoya de los boles de arroz con carne de vacuno esos que tanto le gustaban a Kinniku-man, es un restaurante especializado en curry-soba, plato típico de Yubari. No tiene mucho misterio, es igual que un curry-udon pero con fideos finos. La textura de la sopa es densa, casi gelatinosa y de sabor profundo. Peca de no tener mucha verdurita ni ser muy generoso en carne, pero ya no hay tiempo de ponerse exigente. Eso sí, cuando me termino los fideos sigue habiendo mucha sopa y no estoy saciado del todo, así que pido un cuenco de arroz para echar dentro. Me dicen que se les ha acabado y entonces sí que me cabreo. Me vuelvo corriendo al Shuparo (apenas 5 minutos a pie) sin tiempo para comprar una lata de café caliente de postre en una máquina expendedora.

La siguiente película está dentro de la sección Fantastic Off Theater Competition: Mimicry Freaks, de Shugo Fujii. Iba a ciegas solo seducido por la foto del catálogo, la imagen de las sucias piernas de un niño que arrastra una cadena frente a unos policías en alerta que salen de un coche patrulla. A partir de esta imagen uno solo puede desear terror, zombies o algo parecido. Pero nada más empezar me llevo un chasco, tiene todo un aire onírico, pesadillesco, bastante bajón. Al comienzo hay como dos subtramas, una de una especie de fugado de un laboratorio y otra de unos prometidos y el padre de la novia que van a mirar una salón de bodas en una montaña que no resultan nada interesantes. No termino de meterme en la peli, me entra modorra de sobremesa y hasta pienso que irme del pase del aburrimiento. Pero me quedo dormido un momentito para luego despertar en una de las mayores locuras vistas en mucho tiempo. La historia termina siendo un splatter en casa del bosque con un sosías de leatherface cubierto por una máscara ancestral japonesa, clones, científicos locos, madres vengativas, experimentos eugenésicos y un carnaval de sangre loquísimo que termina con un final de pura ciencia ficción que me deja entusiasmado. Qué lotería de festival.

La siguiente sesión de la tarde era otro melocotonazo al que deseaba hincar el diente con ganas: Dynamite Soul Bambi, la nueva película de Takuya Matsumoto. El año pasado, durante el Festival Rebelde de Yubari pude descubrir la que supuso mi película japonesa favorita del año, Miss Moonlight. Fue una mezcla de géneros (cine dentro del cine, falso documental, cine fantástico e idol movie) que me dejó profundamente tocado y emocionado. Supo transmitir, no solo el amor por el cine desde el punto de vista del cineasta primerizo o amateur, sino que también entendía, empatizaba y sabía expresar ese sentimiento de soledad y melancolía del hombre que encuentra cobijo en el alma gracias a la idealización de sus ídolos femeninos tanto en el aspecto sexual como afectivo. Encontrar a un hermano solitario y pajillero que muestra honestidad en su discurso no es algo común. Estoy demasiado mal acostumbrado (y cansado) de tratar en España con iguales que, avergonzados o acomplejados, intentan ocultar su condición mediante discursos condescendientes para mostrar superioridad o falsa empatía hacia la causa de turno solo para ser aceptados socialmente por personas ajenas a su afición, casi siempre mentecatos. Miss Moonlight es tan mágica como necesaria. Tuvo recorrido mundial, pero es una pena que fuera ignorada en festivales en España, más preocupados por satisfacer a un fandom anquilosado en gustos limitados consecuencia de una nostalgia castrante y necesitados de una sofisticación asiática falsamente idealizada que por abrir la puerta a nuevas formas de pensar y de narrar dentro del género (potenciado por hábitos de consumo fruto de distribuidores con pocas intenciones de riesgo). Doy gracias por haber podido asistir a este festival, con una selección totalmente pura, sin contaminación de la moral occidental ni presión por ser del gusto foráneo.

Dynamite Soul Bambi no me enamoró como lo hizo Miss Moonlight, pero confirma el talento de su director para hacer que el espectador se identifique plenamente con sus personajes. En tono de falso documental, se cuenta cómo una promesa emergente del cine independiente (que interpreta el propio Matsumoto), ganador de cientos de festivales por todo el mundo con su ópera prima, se enfrenta a su primera película con producción y equipo profesional. La soberbia que le ha dado su reciente reconocimiento hará que el cargo se le suba a la cabeza, cosa que, sumado a su propia inseguridad frente a un proyecto de tal envergadura, hará que el ambiente en el set de rodaje sea irrespirable, poniendo a casi todos en su contra y haciendo que peligre no tanto la producción, sino su propio puesto.

La verdad es que durante toda la peli no dejaba de sentirme identificado y, como si me reabrieran la herida y hurgaran con toda la uña echando sal dentro, me hizo revivir episodios dolorosos de mi vida universitaria, donde me pudo la soberbia y perdí amistades muy valiosas. Si es que, al fin y al cabo, no importan las fronteras ni las culturas, los seres humanos somos igual de idiotas en todas partes del planeta. Después de esta lección de humildad y colleja al alma, había que ir a cenar, que había tiempo hasta que empezara a media noche la nueva edición de Tetsudon.

No espero el bus y en tiempo record hago todo el camino de regreso hasta Yatai Mura. Vergüenza debería darme, que llevaba dos años sin pedirlo, pero este año no podía aguantarme las ganas de jingisukan, la parrillada típica de Hokkaido a base de carne de cordero, verduras y udon. Se usa un grill cóncavo, con lo que las verduritas y el udon se cocinan con el jugo del cordero. Ni que decir que es un plato absolutamente delicioso. Es de digestión pesada, pero no hay nada que no se remedie con un par de jarras de cerveza Sapporo bien heladas.

Para bajar un poco más la comida hago de nuevo el camino hasta el hotel Shuparo a pie. A pesar de las temperaturas que rondan los 0º, al no haber viento ni lluvia o nieve, no hay tanta sensación térmica de frío. Con gorrito y leotardos debajo de los vaqueros se camina a las mil maravillas. Eso sí, al entrar en los edificios hace tanto calor que fácilmente se queda uno en manga corta y, en ocasiones, con los leotardos puestos se suda la gota gorda, que da pereza meterse en el servicio para quitárselos.

Con Tetsudon: Rated T for Fools, Idiots & Dummies el bueno de su productor Reji Hoshino intenta dar un poco de tregua después de lo bestia que fue el Tetsudon for Adults de la edición pasada. Pero aunque se supone que este año es para todos los públicos, esta nueva antología de cortos de humor idiota tiene piezas que pueden ruborizar a cualquiera, como esos segmentos protagonizados por un Yuki Mizuno intentando encender sus pedos con un mechero. Hay cortos aburridillos, sobre todo los realizados por dos directores anglosajones invitados, que usan un humor soso y falsamente profundo, irónico y hasta aleccionador que resulta irritantemente condescendiente (otra vez sale la palabrita) cuando lo que pide este ómnibus es humor despreocupado, socarrón y absurdo, tirando a idiota, que haga querer gritar “¡quiero mi dinero!”. De todos modos, aparte del agradable tono general a chiste de Jaimito, hay dos o tres cortometrajes de gran calidad que estoy seguro que tendrán carrera festivalera de forma independiente, como la parodia adorablemente naif de The Shoplifters de Koreeda.

Entre que el pase ha empezado más de media hora tarde y luego los directores han estado posando y presentándose, se han hecho las tantas de la madrugada. Los bares están cerrados y cerrados están mis ojos. Mañana será el último día y el más intenso, tanto que me dejará secuelas durante toda la semana siguiente.

Redactor: Fernando DeMontre.

Sábado 9 de marzo.

Me levanto tarde y aprovecho el mediodía para pasear un poco por los alrededores de la calle principal y contemplar por última vez su paisaje nevado. Claro que podré volver en invierno a Yubari, pero si no es durante el festival no será lo mismo. Veo que están preparando la Stove Party, la fiesta por excelencia del festival. En una plaza del pueblo cada año se instalan varias estufas de carbón, de esas para calentar naves industriales, y a su alrededor comen y beben los asistentes al festival. Todo al aire libre, pero con ese calorcillo tan agradable que atenúa una temperatura que no suele subir de los 0 grados.

Como es sábado todo está mucho más animado. Entre el ir y venir de gente veo de pasada una figura femenina que me resulta familiar, y me empiezan a temblar las piernas, pero no del frío. Se trata de la actriz porno Miho Wakabayashi, una mature de la que, cómo no, soy fan. No recordaba haber visto su nombre en el catálogo del festival. ¿Estaría ahí presentando alguna peli?. Antes de la sesión de las 14:15 me zampo un curry casero y una vieira asada a la parrilla en una cafetería que monta una asociación no gubernamental durante el festival muy cerquita del hotel Shuparo. Sabor sencillo y auténtico del curry de la abuela, con su patata y su zanahoria, denso, con cuerpo, del que, por perrería, nunca preparo estando en casa, tirando más de restaurantes o del instantáneo.

Scrap Youth es una película costumbrista, bastante agridulce sin llegar a ser incómoda o grotesca del todo, sobre un grupo de adolescentes cebollos, collejeables, mentecatos, pajilleros y totalmente negados para entablar contacto con el sexo femenino, exactamente como era yo a esa edad. Lo que pasa es que hay una pequeña trama que transcurre durante sus actividades extraescolares en el grupo de ping pong y eso impidió que me identificara por completo con ellos, y es que yo a esa edad odiaba el deporte (y lo sigo odiando) y hubiera hecho cualquier cosa por haberme escaqueado (como realmente hacía los últimos años de instituto, fingiendo lesiones y alergias para no perder el tiempo en gimnasia dando vueltas al campo de fútbol como un imbécil y luego pasar el resto del tiempo haciendo como que jugaba al fútbol solo para que los dos populares de la clase se lucieran). Sin embargo, esta trama de deporte sirve para presentar personajes y es desencadenante de sucesos ya relacionados con temas que me interesan, como la frustración sexual a esa edad. Termina mucho mejor de lo que me pensaba y me deja con un buen sabor de boca. Y mira lo que son las cosas, que al día siguiente este film terminaría ganando el Gran Premio del jurado del festival.

Al acabar miro el móvil y veo que me ha llegado un mensaje de Kenji Tanaka, miembro de Tetsudon: Que fuera a comer con ellos al almuerzo anual con la abuela de la papelería. Hace unos años, Hideki Oka, realizador de, entre otros, la serie de Ultraman Saga y miembro también de Tetsudon, entabló amistad por casualidad con una señora mayor que regenta una papelería al lado del Hotel Shuparo.  La señora, que vive con su hija y su marido, cada sábado del festival organiza para ellos una comida en el salón de su casa al que se entra a través de la tienda. No es normal que alguien del pueblo te abra las puertas de su casa tan a la ligera, pero la señora había vivido activamente el festival desde su primer año y se rindió ante la simpatía y el amor al cine de los miembros de nuestro colectivo de cortometrajistas favorito.

Cuando entré se acordaban de mí: —Tú eres el español ese al que le gustaba el roman porn de la Nikkatsu, ¿Fernández, verdad? —Y casi se me cayeron los lagrimones de la emoción. No decían bien mi nombre pero recordaban perfectamente cosas que olvidé haber dicho. Mientras el resto bebíamos una cerveza detrás de otra y zampábamos de lo lindo una cantidad ingente de deliciosa comida casera, la señora, ahora abuelita con chepa, nos pasaba álbumes de fotos de las primeras ediciones del festival del año 90-92, con ella de cuarentona luciendo sonrisa, permanente y traje de hombreras junto a estrellas del cine patrio e internacional: Robert Wise, John Voight con Angelina Jolie, Quentin Tarantino, un jovencito Shinya Tsukamoto presentando Tetsuo… Decenas de fotos autografiadas junto a otras tantas más casuales de eventos y fiestas donde uno entiende la importancia del festival, no tanto para el mundo del cine, sino para los vecinos del pueblo, que lo vivían con más ilusión y pasión que nadie.

Dando miles de gracias y con la sincera promesa de visitarlas de nuevo el año que viene, pero en verano, nos retiramos y cada uno sigue la fiesta a su antojo. Por ir a la comida se me hizo tarde para ver la comedia sexual Shangri-La y decido meterme en el pase de la sección Core que hay a esa hora. Con VAMP no termino de acertar. Me quieren meter una historia sofisticada de vampiras lesbianas y acción y se queda todo en un v-cinema un pelín torpe y aburridillo, con algún acierto pero demasiadas pretensiones que se quedan en nada. Esto antes se podría describir como un directo a vídeo; ahora como un fondo de catálogo de Netflix.

Y de aquí, sin hambre pero con gula, fui a la Stove Party. En la fiesta se servía comida y bebida gratis solo a cambio de un donativo inicial (sin cantidad fijada) para recibir un plato y un vaso de papel. Con el frío que hacía el cuerpo pedía sake caliente. Para acompañar, había parrillas donde servían yakisoba, carne de cordero, de cabra y casquería de cerdo y ternera. De la gente que había, era necesario hacer cola y las raciones eran más pequeñas para poder servir a todos. Aún así, con paciencia uno podía llegar a quedarse la mar de satisfecho. Mientras zampo y bebo me doy cuenta de que está llegando más gente de la habitual, sobre todo señoras. Pregunto por ahí y me dicen que se espera una visita sorpresa. Sorpresa que no es tanto, porque ha salido en el periódico esa mañana: Va a venir la estrella de cine Takumi Saito. Ya que el director Kazuya Shiraishi es miembro del jurado, aprovechan para promocionar la próxima película donde colaboran juntos, Mahjong Horoki 2020. Las fans se apelotonan delante de la tarima donde el actor habla mientras a todas les hacen los ojos chiribitas.

Cuando escribo esto acaba de producirse el arresto de Pierre Taki por consumo de cocaína y la decisión de Disney y otras productoras de retirar los filmes donde actúa este miembro del grupo musical Denky Groove. Durante días se ha dudado sobre qué hacer con el estreno de la peli que estaban promocionando precisamente porque Pierre Taki está en el reparto. Kazuya Shiraishi defendió entusiastamente el derecho a estrenar Mahjong Horoki 2020 y parece ser que así va a ser. Al final, los intereses de la Toei pueden más que la estricta moral japonesa.

A la panza llena de comer casi sin parar desde mediodía se suma esa pesadez de cabeza que da la mezcla de cerveza y sake caliente. Pero el frío, el ajetreo de ir de aquí para allá y el charlar en persona con el actor de Saikyo Koroshiya Densetsu Kunioka, que resultó ser un chaval majísimo, me despeja y sin darme cuenta se me hacen casi las 10 de la noche, hora en que comienza la misteriosa sesión Secret Screening que ha preparado Nishimura. ¿De qué película se trataría?

Esperando para entrar, vuelvo a ver de nuevo a la actriz Miho Wakabayashi que está haciendo también cola. Aprovecho la ocasión y me acerco a hablar con ella.

—¿Es usted Miho Wakabayashi, verdad? Soy un gran admirador suyo. —A lo que ella me responde con un “cuanto tiempo” y me da la mano. Seguro que me está tomando por otra persona, pero entre que van a abrir la puerta de la sala y no estoy muy resolutivo, me limito a despedirme con una sonrisa y vuelvo a mi sitio. Muchos os estaréis preguntando que por qué no aproveché para ligármela, que os conozco. Ante todo soy un caballero y considero que, como fan, hay que respetar a la persona y su profesión. Que se dedique a la pornografía no quiere decir que sea una mujer fácil ni un objeto sexual.

Con todos ya sentados y preparados sale a escena Yoshihiro Nishimura y revela el título de la sesión sorpresa: Se trata del remake-reboot de The Machine Girl. Según dice, la versión del Noboru Iguchi tuvo tanto éxito en EEUU en formato doméstico que se decidió producir el reinicio de este film para su venta internacional. Esta honestidad de Nishimura abarca un tema que me toca mucho las narices, y es que, como decía antes, los gustos del fan occidental están tan estancados, basados en las cuatro mismas cosas de siempre, que los propios artistas japoneses encuentran un filón al que asirse, con la consecuencia de que no hay evolución y se dejan fuera otras producciones independientes enormemente disfrutables que son incompatibles con los gustos rancios del fan que no van más allá de los tentáculos, el splatter, la peli random del Miike de turno y el live action del manga que toque ese año. En 2017, el Nishimura hizo la de Meatball Machine Kodoku, un ejemplo perfecto de lo que digo. Mientras que la primera Meatball Machine era una peli de flipados para flipados, esta segunda parte no se tomaba en serio a sí misma y tenía un aire autoparódico bastante irritante, con un tratamiento condescendiente que delataba sus intenciones de explotación internacional, tal como declaró su director en la presentación que hizo en el Bifan. En dicha presentación declaró que hizo la película porque su productora estaba en números rojos y si hacía esta película podría presentarla por los festivales de cine fantástico de medio mundo, con los beneficios que ello reporta. Y para que veáis cómo está el mercado, un chaval que asistía al pase del Bifan le preguntó que parecía que todas las películas japonesas eran splatters, a lo que Nishimura replicó que no, que en Japón casi todo son comedias románticas y versiones cinematográficas de doramas de éxito, pero claro, a ojos de un extranjero, parece que todo el cine japonés actual es o gore o cine de señoras de los Verdi. Hay un problema y nosotros, los consumidores occidentales, somos los culpables.

Pero volviendo al pase sorpresa, mi mosqueo inicial se olvida por completo cuando Nishimura comenta que el director de este reboot-remake de The Machine Girl es Yuki Kobayashi. En el 2016, a sus 25 años, ganaría el primer premio del Festival de Yubari con su película Kamikaze Cowboy y, un año después y con producción de Nishimura y la Nikkatsu, firmaría la que, con permiso de Blood of Wolves, sería la mejor película de yakuzas del 2017, Death Row Family. Yuki Kobayashi es, o era, un cani, un macarra de barrio, pero con un talento innato para las historias violentas y crudas. Tenía ganas de ver cómo se manejaba en una película de encargo fuera de un entorno urbanita actual como hasta ahora. En esta nueva versión de The Machine Girl se marca un peliculón supino. Perdonadme, compañeros lectores, pero, aunque me encanta el Iguchi y he visto muchas de sus pelis, nunca he visto la original de esta peli, así que no puedo comparar. De todos modos doy fe que, a niveles de producción, se han marcado una ambientación futurista post-apocalíptica muy convincente para los medios que debían tener y, a niveles de dirección y actores, estamos ante una historia frenética sin momentos valle que va, nunca mejor dicho, como un tiro y con unos actores de ponerlos a todos en una carpeta para lucir en el instituto. A destacar el papel de pistolero sicario de baja categoría que hace Tak Sakaguchi; tiene momentos a lo Sanji de One Piece pero con pistolas que seguro hará que todo público festivalero se ponga en pie. Sí, me he imaginado viéndola en Sitges disfrutándola como un poseso. Nishimura ha hecho muy bien dejando la dirección a Yuki Kobayashi y quedándose en las labores de producción, cosas como esta hacen que me reconcilie con el cine prefabricado para su exportación. Aquí sí veo esa cultura japonesa, de moral despreocupada y humor socarrón pero inocente, que tanto me gusta, al tiempo que ese adolescente frikazo que hay en mí puede seguir disfrutando de un cine extremo que parece tan nuevo como hace 25 años. Salgo entusiasmado y la noche aún no había terminado. A las 12 comenzará un Talk Event que pinta fenomenal: Takashi Shimizu Vs. Yoshihiro Nishimura.

Antes hay un rato para descansar y entre los que se quedan veo que sigue ahí Miho Wakabayashi. Me ve y viene hacia mi. Saca su teléfono y me pide que nos hagamos una foto juntos. Yo lo flipo. En esas décimas de segundo se me ocurren 138 formas diferentes de seducirla con éxito para llevármela a la cama esa misma noche. Me están entrando sudores fríos de los nervios. Nos hacemos la foto y me pregunta si soy tal persona que tiene en sus contactos de facebook. Le digo que no, que desgraciadamente solo soy un fan y que nunca nos habíamos visto, pero que si no le importa enviarme la foto, sería un honor conservarla. A lo que ella accedió con gusto. Tal vez no tuve una noche de pasión con un bellezón maduro, actriz porno consagrada, stripper de fama reconocida y actual artista de danza aérea -con la fuerza y elasticidad muscular que ello exige-, pero al menos conseguí ser su amiguito de facebook y con eso tengo suficiente. La felicidad del fan. Antes de despedirnos le pregunté qué motivo la había traído al festival, me dijo que vino a presentar Play Room, una antología de cinco cortometrajes dirigidos por diferentes directores con ella como protagonista principal. Me disculpo por haber dejado pasar la oportunidad de ver ese pase bajo la promesa de ver la película en el futuro.

El talk show no defrauda y Nishimura -botellita de whisky en mano- junto con su viejo amigo Takashi Shimizu nos da una sesión larguísima de batallitas y momentos terroríficos vividos en rodajes o relacionados con su trabajo en el cine de género. Se contaron anécdotas tales como cuando Takashi Shimizu fue al registro para dar constancia del nacimiento de su hijo recién nacido y se encontró con Hideo Nakata en ese mismo momento para hacer exactamente lo mismo.  Tuvo que dar muy mal rollito. 

Entre medias también se ponían vídeos inéditos o incluso personales, como el regalo audiovisual que Shimizu le hizo a un amigo del gremio para proyectar en el banquete de su boda, donde, en un baile surrealista, el director Noboru Iguchi mostraba en un primerísimo primer plano su micropene durante unos instantes antes de ser tapado por un traicionero mosaico. Cosas como esta o el teaser de Howling Village, su nueva película en preproducción, se simultanearon con historias de terror (kwaidan) que recitaba una actriz en el escenario mientras los ponentes aprovechaban para echar un pitillo fuera. Me fui casi a las 3 de la mañana muerto de cansancio, que al día siguiente tenía que hacer check out temprano, y ahí seguían ellos, a los que se les sumó Kazuya Shiraishi, que casualmente fue ayudante de dirección de Shimizu años atrás.

Pues aquí terminó mi experiencia del Festival Internacional de Cine Fantástico de Yubari del 2019. A pesar de que su programación y presupuesto era aún más reducido, no hubo decepción alguna y me ha seguido proporcionando tantos o más momentos de diversión que años anteriores. A partir del año que viene todo será diferente con su cambio a verano. Sin duda echaré de menos sus paisajes nevados, pero también espero descubrir ese Yubari verde que se extiende más allá del Kinema Street, podré disfrutar del melón recién cosechado (la fama del melón de Yubari está mundialmente reconocida) y, una cosa de la que realmente tengo ganas de hacer desde hace tiempo y que solo se puede en verano, visitar la localización real de la casa donde Chieko Baisho espera a Ken Takakura al final de El pañuelo amarillo de la felicidad de Yoji Yamada.

Ojalá el festival de Yubari siga teniendo cuerda para rato, con más o menos presupuesto, en invierno, verano o cuando le de la gana, pero manteniendo siempre su fama del festival de cine más divertido del mundo.

Ayer día 14 de abril se concedieron lo trigésimo octavos Hong Kong Film Awards, los premios más prestigiosos del panorama de cine Hongkonés que se desarrollan en el marco del Hong Kong Film Festival. La película más nominada ha sido finalmente la que ganadora de la noche. Project Gutenberg se ha llevado el premio a mejor película, dirección y guión, ambos para Felix Chong, además de una buena cantidad de premios técnicos. Por su parte el premio a la mejor interpretación masculina ha ido finalmente para Anthony Wong por Still Human, la otra película destacada de la velada al ganar también los premios a mejor director novel para Siu Kuen Chan y mejor novato del año para Crisel Consunji. Por lo demás Tracey se lleva ambas interpretaciones de reparto, para Ben Yuen y Kara Wai, Operation Red Sea los premios a efectos especiales y acción, y Men On The Dragon a mejor banda sonora y canción original. A continuación os dejamos la lista completa de nominados y premiados.

Mejor Película

Three Husbands
Operation Red Sea
Still Human
Men on the Dragon
Project Gutenberg

Mejor Director

Fruit Chan (Three Husbands)
Dante Lam (Operation Red Sea)
Sunny Chan (Men on the Dragon)
Oliver Chan Siu-kuen (Still Human)
Felix Chong (Project Gutenberg)

Mejor Guión

Chan Wai, 33, Ying Liang (A Family Tour)
Sunny Chan (Men On The Dragon)
Chan Siu Kuen Oliver (Still Human)
Felix Chong (Project Gutenberg)
Shu Kei, Erica Li, Jun Li (Tracey)

Mejor Actor

Francis Ng (Men on the Dragon)
Anthony Wong (Still Human)
Chow Yun-fat (Project Gutenberg)
Aaron Kwok (Project Gutenberg)
Philip Keung (Tracey)

Mejor Actriz

Chloe Maayan (Three Husbands)
Charlene Choi (The Lady Improper)
Jennifer Yu ( Distinction )
Crisel Consunji (Still Human)
Zhang Jingchu (Project Gutenberg)

Mejor Actor Secundario

Kenny Wong (Men on the Dragon)
Poon Chan-leung (Men on the Dragon)
Sam Lee (Still Human)
Liu Kai-chi (Project Gutenberg)
Ben Yuen (Tracey)

Mejor Actriz Secundaria

Huang Lu (G Affairs)
Jiang Luxia (Operation Red Sea)
Jennifer Yu (Men on the Dragon)
Catherine Chau (Project Gutenberg)
Kara Wai (Tracey)

Novato del año

Lam Sen (G Affairs)
Adam Pak (L Storm )
Chan Charm-man (Three Husbands)
Nancy Wu (Men on The Dragon)
Crisel Consunji (Still Human)

Mejor Fotografía

Karl Tam Ka Ho (G Affairs)
Choi Sung Fai (Detective Dee : The Four Heavenly Kings)
Fung Yuen Man, Horace Wong Wing Hang (Operation Red Sea)
Anthony Pun (Monster Hunt 2)
Jason Kwan (Project Gutenberg)

Mejor Edición

Barfuss Hui Man Kit (G Affairs)
Tsui Hark, Li Lin (Detective Dee : The Four Heavenly Kings)
Choi Chi Hung, Lam Chi Hang (Operation Red Sea)
Stanley Tam, Mary Stephen (Napping Kid)
Curran Pang (Project Gutenberg)

Mejor Dirección Artística

Cho Hwa Sung (The Monkey King 3)
Yoshihito Akatsuka, Raymond Li (Detective Dee : The Four Heavenly Kings)
Lee Kin Wai, Guillaume Aretos, Yohei Taneda (Monster Hunt 2)
Eric Lam (Project Gutenberg)
Irving Cheung (Tracey)

Mejor Vestuario y Maquillaje

Bruce Yu, Lee Pik Kwan (The Monkey King 3)
Bruce Yu, Lee Pik Kwan (Detective Dee : The Four Heavenly Kings)
Yee Chung Man (Monster Hunt 2)
Man Lim Chung (Project Gutenberg)
Irving Cheung (Tracey)

Mejor Coreografía de Acción

Lin Feng (Detective Dee : The Four Heavenly Kings)
Dante Lam (Operation Red Sea)
Li Chung Chi (Project Gutenberg)
Chin Ka Lok, Alan Ng, Tang Sui Wah (Golden Job)
Yuen Shun Yi (Master Z：The Ip Man Legacy)

Mejor Banda Sonora

Teddy Robin Kwan, Eddie Tang (Lucid Dreams)
RubberBand（逆流大叔）(Men On The Dragon)
Day Tai (Project Gutenberg)
Chan Kwong Wing (Golden Job)
Otomo Yoshihide (Tracey)

Mejor Canción Original

Sun Shines Bright (Distinction)
Composer：Charles Lau
Lyric：Saville Chan
Sung by：Jennifer Yu

逆流之歌 (Men On The Dragon)
Composer, Lyric, Sung by：RubberBand

Let Us Be The One(Project Gutenberg)
Composer：Day Tai
Lyric：Saville Chan
Sung by：Jan Curious

Together We Charge, Together We March On (Golden Job)
Composer：Chan Kwong Wing
Lyric：Fiona Fung, Chan Kwong Wing, Jeffrey Chu
Sung by：Ekin Cheng, Jordan Chan, Michael Tse, Chin Ka Lok, Jerry Lamb

Tracey (Tracey)
Composer, Lyric, Sung by：Panther Chan

Mejor Sonido

Tu Duu-Chih, Wu Shu-Yao (G Affairs)
Steve Burgess (Detective Dee : The Four Heavenly Kings)
Nopawat Likitwong, Sarunyu Nurnsai (Operation Red Sea)
Lee Yiu Keung George, Yiu Chun Hin (Monster Hunt 2)
Dhanarat Dhitirojana, Kaikangwol Rungsakorn, Sarunyu Nurnsai (Project Gutenberg)

Mejor Efectos Especiales

Jay Seung Jaegal, SungJin Jung, Branden Juwon Lee, Eric Xu (The Monkey King 3)
Chuck Chae, Park Young Soo, Maegawa Hideaki, Ji Myung Goo (Detective Dee : The Four Heavenly Kings)
Inho Lee, Taegyun Kang (Operation Red Sea)
Ellen Poon (Monster Hunt 2)
Lim Hung Fung Alex (Project Gutenberg)

Mejor Director Novel

Lee Cheuk Pan (G Affairs)
Sunny Chan (Men On The Dragon)
Chan Siu Kuen Oliver (Still Human)
Cheung Ka Kit Jeff (Agent Mr Chan)
Jun Li (Tracey)

Mejor Película de China y Taiwan

Ash Is Purest White
Last Letter
Dying To Survive
Hidden Man
Angels Wear White

Esta selección de películas de India y Bangladesh (2016-2018) explora la vida cotidiana de seres humanos y ambientes en los que se desarrollan vivencias que se constituyen como la experiencia del drama. Las imágenes son particularmente explícitas de aquello que se narra y de la identidad cultural de los modelos a los que hacen referencia. Unir India y Bangladesh en un mismo programa tiene la ventaja de poder asociar narrativas que sin ser idénticas, sí son próximas en muchos aspectos culturalmente.

Bangladesh es un país que se crea en 1971, después de la dramática partición de India en 1947 con Pakistán al norte, al este y al oeste, partido por el territorio indio hasta la creación del estado y la nación bangladesí. Con un total de ocho películas proyectadas en el Asian Film Festival Barcelona de 2018, esta programación plantea la posibilidad de recuperar para todos los públicos narrativas que el cine comercial no suele poner a su disposición. Obras ya clásicas como “Lipstick Under My Burkha” (India, 2016) o “No Bed Of Roses” (Bangladesh, 2017) son el punto de partida, para después adentrarse a explorar relatos que el cine sabe contar con toda la intensidad que exigen las experiencias de sus protagonistas. La crueldad de los que detentan alguna clase de poder, la indefensión de las víctimas y la imposibilidad de responder a situaciones y circunstancias humillantes e indignas del ser humano hacen que estas películas se conviertan en testimonios incomparables de la vida de un grupo o una comunidad. En la mayoría de los casos, son las estructuras sociales las que consuman una subalternidad que no tiene derecho al habla. La lucha por la supervivencia y la igualdad, el empoderamiento de la mujer, la crisis de pareja, los prejuicios sociales, la desesperación y la muerte suelen darse la mano en las múltiples situaciones que se escenifican en la pantalla acercándonos a figuras en las que finalmente nos reconocemos.

PROGRAMACIÓN

Sábado 20 de abril de 2019, 20.00 h

LIPSTICK UNDER MY BURKHA, Dir. Alankrita Shrivastava | India | 2016 | 117 min | VOSE

Ambientada en las calles concurridas de una pequeña ciudad de la India, una chica universitaria vestida con burka lucha contra los problemas de identidad cultural, aspirando a ser una cantante pop. Una joven esteticista trata de escapar de la claustrofobia de su pequeño pueblo. Un ama de casa oprimida y madre de tres hijos vive la vida alternativa de una vendedora emprendedora. Y una viuda de 55 años redescubre su sexualidad a través de un romance telefónico. Atrapadas en sus mundos, todas ellas reclaman sus deseos a través de actos secretos de rebelión que suceden en esta película coral.

Sábado 27 de abril de 2019, 20.00 h

NO BED OF ROSES, Dir. Mostofa Sarwar Farooki | Bangladesh | 2017 | 86 min | VOSE

El célebre director de cine Javed Hasan atraviesa la crisis de la mediana edad cuestionándose si el matrimonio y su carrera le han exigido demasiado. Una cita con Nitu, una amiga de la infancia de su hija, hace el resto. El protagonista se deja seducir por esta y lo que sucede a continuación se convierte en un escándalo nacional. La familia de Javed no puede evitar la des-gracia. Finalmente él se divorcia de su esposa Maya y acaba separado de su hija Saberi y su hijo Ahir. Javed y Nitu se casan, pero la nueva unión no es un lecho de rosas ya que deben enfrentarse a los prejuicios de la sociedad de Bangladesh. Tiempo atrás Saberi y Nitu fueron íntimas amigas pero, a causa de la humillación pública, su relación se va debilitando. Además, Saberi se da cuenta de que Nitu ha competido con ella desde su infancia. Ahora, debe acercar-se a su madre y animarla a descubrir lo positivo de la soltería. En medio de la desesperación, se dan apoyo mutuamente.

Sábado 4 de mayo de 2019, 20.00 h

AJJI, Dir. Devashish Makhija | India | 2017 | 144 min | VOSE

A la pequeña Manda la violan y la dejan tirada encima de un montón de basura en su barrio. Sus padres están más preocupados por su supervivencia que por su dignidad, prefieren olvidar y seguir adelante. La policía se siente impotente ya que el violador es el hijo de un político local. Pero la abuela de Manda, Ajji, se niega a aceptar semejante injusticia. ¿Puede una anciana frágil, artrítica e impotente lidiar con el lobo malo? ¿Queda alguna esperanza de que justicie en un mundo tan cruel? ¿Cómo disuadir a un violador? “Ajji” es una parábola de nuestros tiempos. No hay respuestas fáciles.

Sábado 11 de mayo de 2019, 20.00 h

KUCHH BHEEGE ALFAAZ, Dir. Onir | India | 2017 | 116 min | VOSE

Cada noche a las 22h, Kolkata sintoniza la radio para escuchar ‘Kuchh Bheege Alfaaz’, una serie de episodios de historias de amor no correspondidas presentadas por RJ Alfaaz que, a pesar de tener muchos seguidores, prefiere mantenerse distante y anónimo. Entre sus muchos fanáticos está Archana, una chica que trabaja en una agencia creativa diseñando memes para marcas. Ella es leucodérmica pero vive la vida al máximo. Se encuentran; o más bien hablan, por primera vez a través de una llamada perdida, cuando Archana accidentalmente marca el número de Alfaaz mientras intenta contactar con su última cita a ciegas. Una amistad florece entre los dos extraños que se ocultan tras sus pantallas y no tarda en estallar el volcán, conociendo lo que realmente son.

Sábado 18 de mayo de 2019, 20.00 h

KALER PUTUL, Dir. Aka Reza Ghalib | Bangladesh | 2017 | 125 min | VOSE

Diez aparentes desconocidos llegan a una remota villa. En lugar de ser recibidos por el anfitrión durante el almuerzo, el grupo encontrará un extraño mensaje en el que se les acusa a todos y cada uno de ellos de ser unos asesinos. Algunos de los invitados parecen reconocer la premi-sa, ya que se parece a la trama de una novela de misterio muy famosa. Creyendo que se trata de una elaborada broma, el grupo decide abandonar. Pero, la única vía para salir del complejo ha sido destruida. El pánico, la sospecha y las acusaciones se apoderan de ellos. Indagar en el pasado de cada invitado no ayuda. Tampoco la familiaridad con la trama de la novela, ya que los eventos reales no parecen seguir la secuencia de la ficción. ¿Alguien sobrevivirá? o ¿termi-nará igual que la narración original: sin que nadie sobreviva?

Sábado 25 de mayo de 2019, 20.00 h

NOBLEMEN, Dir. Vandana Kataria | India | 2018 | 108 min | VOSC

Es invierno en un prestigioso internado para jóvenes, donde los niños continúan practicando rituales y códigos jerárquicos. Shay es atacado constantemente. Shay y Pia, la impulsiva hija del nuevo Director de la Escuela Junior, son elegidos como Bassanio y Portia en la producción del Día del Fundador del Mercader de Venecia. Murali, el carismático profesor de teatro, sin mala intención, pone a Baadal como suplente de Shay. Indignado, Baadal jura obtener el papel de Shay a cualquier precio y se dirige a su amigo Arjun en busca de ayuda. Los acontecimientos darán un giro siniestro.

Sábado 8 de junio de 2019, 20.00 h

SIDE A & SIDE B, Dir. Rahat Kazmi | India | 2018 | 115 min | VOSC

¿Una comedia sobre Cachemira? Seguramente no. Bueno, no del todo. La última película del director y co-escritor Rahat Kazmi es un drama fascinante, cautivador y conmovedor sobre crecer en una zona de conflicto. Entre bombas y balas, un grupo de amigos de la universidad están tratando de sacar el máximo provecho a sus vidas pero necesitan un respiro… como cualquiera en esa situación. Partiendo de un grupo intrépido de cuatro amigos (siguiendo el estilo de Inbetweeners), a los que une el amor por el cine, compran películas de VHS Bollywood, pero cuando aparece la prohibición de la TV y de algunas películas (como ocurrió en 1994), los cuatro amigos no se dan por vencidos. Lo que sucede entonces resulta divertido, totalmente creíble y muy entretenido. Termina, quizás, en circunstancias más tensas. Pero, como dijo Kazmi en la presentación de Mantostaan en el festival del año pasado “es un lugar hermoso con gente inteligente, culta y educada. Merecen lo mejor. Y esta película es una carta de amor para la gente de Cachemira.

Sábado 15 de junio de 2019, 20.00 h

KIA & COSMOS, Dir. Sudipto Roy | India | 2018 | 123 min | VOSE

Kia es una niña autista de 15 años que vive con su madre Diya en el sur de Calcuta, su padre falleció hace algunos años a causa de un infarto. Un día, Cosmos, un gato del vecindario, fallece repentinamente, lo que despierta en Kia la curiosidad por descubrir la causa. Durante una investigación en su propia casa, encuentra unas cartas de su padre en las que figura su nombre escrito. Diya había ocultado la verdad a su hija durante todos estos años y su padre está vivo, por lo que decide empezar a buscarlo y resolver el misterio de su desaparición. ¿Por qué las dejó su padre? ¿Lo encontrará?

Cinemes Girona
C/ Girona, 175 (Barcelona)

Precio entrada: 3,5 euros / Abonados y socios de los Cinemes Girona: 2 euros

Mañana mismo se celebra el Día del Libro, una fecha que me gusta especialmente no solo porque mi nombre sea Jorge, sino porque es un momento de celebrar un contenido, sea ficción, ensayo, u otro tipo de literatura, que en estos momentos digitales, irónicamente, se hace más necesario que nunca. Tendemos a pensar que todo está en la red, que Internet es el mayor almacén de conocimientos, y en parte es cierto, pero por otro lado a la hora de investigar sobre cine, de descubrir muchos detalles de ciertas cinematografías, actores, películas, el texto impreso es, a día de hoy, una de las pocas fuentes de información interesantes y fiables, capaz de ofrecernos discursos coherentes e interesantes que, por raro que parezca, no podrán encontrar en la red. Merece la pena celebrar este día acercándose a muchos de estos libros interesantes y peculiares, que, al menos en el ámbito del ensayo cinematográfico, los hay increíblemente buenos.

Sea como fuere, recordarán que hace ya algún tiempo hablamos de la campaña Crowdfundig para la edición de uno de estos textos que merece la pena tener siempre a mano. Nos referimos al tercer volumen del anuario CineAsia, que repasa la actualidad del cine asiático de estos dos años, desde su volumen anterior, tratando no solo los estrenos o películas más destacadas, sino incluyendo artículos temáticos, entrevistas y mucho más. Como es tradicional, desde Asiateca colaboramos en algunos textos y entrevistas, con todo el placer del mundo de poder participar en esta publicación. Este anuario está ya circulando por España, enviándose a los mecenas que colaboraron en la campaña Crowdfundig, y mañana día 23 de Abril los miembros de CineAsia estarán en Morondanga (Barcelona) de 11 a 13 horas firmando anuarios y charlando con todos los aficionados que quieran pasarse por allí. No pierdan la oportunidad.

Aprovechando este lanzamiento queremos recuperar alguna de las entrevistas que hicimos en conjunto en pasadas ediciones del Sitges Film Festival y que aún no teníamos publicadas. En este caso nos trasladamos a Sitges 2017 para compartir con vosotros la charla que pudimos tener con el director japonés Kiyoshi Kurosawa, que presentaba Before We Vanish. Disfrútenla.

Asiateca.- Visitó Sitges en 2006, año en que se programó una retrospectiva de su obra, y poco después tuvo un parón en su carrera cinematográfica entre 2008 y 2012. Tras esto ha vuelto con fuerza, realizado una o dos películas por año. Además vemos que en su periodo anterior sus películas tenían un final más pesimista, más oscuro, sin embargo a partir de 2012 el mensaje final de sus producciones cambia por completo. ¿Que ha pasado en esos 4 años para que se produjeran esos cambios?

Kiyoshi Kurosawa.- Interesante pregunta. No podría definir exactamente por qué ese cambio de pesimismo a esperanza en mis películas actuales, pero hay dos motivos a tener en cuenta. El primero es mi edad, que ya me voy haciendo mayor. Por otra parte en 2011 ocurrió la catástrofe del Tsunami en Japón y uno se da cuenta que en la vida real ya tenemos demasiado pesimismo y que en la ficción hay que ofrecer un poco de esperanza, de positividad.

En cuanto a la producción, hasta 2011 siempre he realizado guiones originales y esto limitaba en parte el interés de los productores por estas historias. A partir de 2011 he comenzado a realizar películas con guiones de otras personas o adaptaciones, y por ese motivo se ha incrementado mi ritmo de trabajo.

Asiateca.- Precisamente esto se ve muy claramente en Before We Vanish, que comenzó siendo una obra de teatro y luego se adaptó a televisión en forma de telefilm y miniserie. De hecho en noviembre se estrena la segunda parte del telefilm en la televisión japonesa.

Kiyoshi Kurosawa.- La idea inicial fue adaptar la obra de teatro original al cine, pero paralelamente WOWOW se puso en contacto conmigo para realizar la serie y adaptaciones para televisión. Sin embargo estas producciones no son una secuela directa de la historia principal, sino que ocurren simultáneamente a la película pero centrándose en otros personajes que viven situaciones parecidas.

Asiateca.- ¿Y la película que se estrenará en un mes escaso?

Kiyoshi Kurosawa.- Esta película, que se estrena en noviembre, tiene como base la serie de 5 capítulos que se está emitiendo actualmente. Se va a remontar esta serie en forma de película con algunos retoques.

Asiateca.- En el ámbito televisivo ha realizado diversas series, como por ejemplo la maravillosa Shokuzai (2012), y está claro que este tipo de formatos tienen mucho éxito y llegan a rivalizar en popularidad con el propio cine. ¿Que medio le llama más la atención? ¿Como ve su trabajo en ambos?

Kiyoshi Kurosawa.- Ya os comentaba que hasta 2011 solo trabajaba con mis guiones originales y posteriormente empecé a trabajar con otro tipo de guiones. La primera obra que realicé en ese cambio fue precisamente la serie Shokuzai, y ahí comenzó mi “otra” carrera profesional.

Realmente para mí no hay demasiada diferencia entre las series y el cine, me lo paso muy bien en ambos formatos. Quizás en la series el tiempo destinado a la producción y realización es más amplio y da un poco más de juego, pero si puedo ir combinando series y cine seguiré haciéndolo porque me siento muy cómodo.

Generalmente en Europa o Estados Unidos los actores de series y de cine están separados, aunque hay excepciones, por lo general son dos mundos separados. En Japón es muy diferente, los actores participan igualmente en series y cine independientemente de su fama o carrera. Como director también debo trabajar en estos dos campos con naturalidad.

Asiateca.- Desde que se vio por primera vez Before We Vanish en Cannes, hay un aspecto que se ha criticado y alabado por igual, esa fuerte mezcla de géneros que tiene la película. Es comedia, ciencia ficción, drama, acción… ¿Se encuentra cómodo trabajando todos estos géneros a la vez?

Kiyoshi Kurosawa.- Según lo veo cuando se presenta la película hay una temática general que es la Ciencia ficción, y dentro de ella puedo intentar tratar diferentes temáticas o acercamientos. Esta es una película de Ciencia Ficción, y dentro de este marco ya hay otros elementos como amor, acción, comedia, etc. Me costó porque era la primera vez que realizaba Ciencia Ficción, pero a la vez me lo pasé muy bien precisamente porque pude tratar muchos elementos diferentes.

Asiateca.- Nos gustaría que nos hablara de la forma tan personal que tiene de tratar lo paranormal, lo que se sale de lo normal. En Journey to the Shore el personaje del fantasma se trata con total naturalidad, en Creepy en psicópata es tu vecino, y en Before We Vanish el mismo alíen se relaciona con cierta normalidad.

Kiyoshi Kurosawa.- Cuando me pongo a grabar quiero que delante de la cámara se muestre la vida real, quiero plasmar la cotidianidad de una vida. En el caso de Before We Vanish quiero mostrar la vida normal de una pareja, a pesar del acontecimiento extraordinario de que el marido sea un alienígena. La historia es anormal, la llegada de un extraterrestre, pero lo que pido a los actores es que actúen con la máxima naturalidad posible para poder plasmar la vida real y cotidiana, como por ejemplo la vida doméstica, la hora de la comida, el pasear por la ciudad… todo ello como si fuera un vecino más a pesar de lo excepcional de la situación.

Asiateca.- Podríamos decir entonces que lo anormal es en realidad de lo más normal. Que un alíen o un fantasma no son en realidad seres tan extraños.

Kiyoshi Kurosawa.- Un fantasma o un psichokiller es algo bien natural, forma parte de la vida. Que aparezca aquí ahora mismo un fantasma pues no, no es algo normal, pero realmente la muerte nos sigue a todos. Quizás un extraterrestre si es más raro, pero intento plasmarlo con la misma naturalidad que el resto de los personajes.

Creo que lo más importante es la interpretación de los actores sin caracterización, sin maquillaje, sin efectos. Si a un actor le pones una mascara de alíen se vuelve mucho más fácil que el actor se meta en un papel extraño, yo lo que les pido es que actúen con normalidad dentro de su caracterización.

Asiateca.- Han pasado más de 10 años desde la última vez que vino a Sitges. ¿Como ha visto el festival? ¿Que tal lo está pasando?

Kiyoshi Kurosawa.- Tengo la impresión de que el festival se ha ampliado bastante. Cuando lo visité hace 10 años me quede impresionado porque la cuidad y el festival tenían un gran equilibrio. Esta vez veo que Sitges y el festival se han unido mucho más para el evento. Creo que es uno de esos festivales utópicos, en donde la ciudad y el festival se unen en un objetivo común. También me gustaría visitar Sitges sin el festival, para ver como es realmente la ciudad.

Pues no es mal plan, ver a Kiyoshi Kurosawa paseando por Sitges un día cualquiera y, quizás, que le sirva de inspiración para alguna de sus películas, como ya le ocurriera a Takashi Miike. Por desgracia la apretada agenda de entrevistas no nos dejó tiempo para más, hubiéramos estado horas charlando con el maestro.

Por Gloria Fernández (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca).

Ficha Técnica:

Historia del cine Chino, Ricard Planas.
Publicación: 01/02/2019.
Páginas: 384.
Edición ilustrada, encuadernación rústica con solapas.
Editorial: Chaplin Berenice.
ISBN: 978-84-17418-45-8.

Sobre el libro:

Siendo la industria del cine chino una de las más importantes en la actualidad, aún es una gran desconocida en nuestro país. Salvo nombres como Zhang Yimou o Jia Zhangke, poco se sabe de un cine que siempre ha colmado los sueños de sus espectadores, desde la glamurosa industria de Shanghai de los años 30 hasta el periodo de ocupación japonesa, desde la instauración de la República Popular en 1949 hasta la apertura de los años 80 pasando por el tormentoso periodo de la Revolución Cultural. Un cine que comprende géneros autóctonos como el de artes marciales (wuxia) y el de la Ópera de Beijing, y que compite desde siempre con las industrias extranjeras produciendo cintas bélicas y de espías, melodramas familiares y comedias románticas. Este libro supone el primer recorrido pormenorizado publicado en España de una historia apasionante, a través de aquellos títulos que, ya sea porque forman parte de la memoria sentimental de generaciones de chinos, o por su calidad artística indiscutible, merecen un lugar en el canon universal.

Pocos saben que los hermanos Wan realizaron en 1941 el primer largometraje animado producido en Asia, precedente del anime japonés. Cuando Ruan Lingyu, gran estrella del cine mudo, se suicidó, cien mil personas siguieron su cortejo fúnebre por las calles de Shanghai. El New York Times lo llamaría «el funeral más espectacular del siglo». La cuarta esposa de Mao Tse-Tung, Jiang Qing, había hecho sus pinitos apareciendo como secundaria en algunas cintas de los años 30. Se dice que, cuando lideró la Revolución Cultural, castigó a los miembros de aquella industria como venganza por no haberla convertido en una estrella, su sueño de juventud. Cineastas como Xie Jin, que debutarían con la República Popular, crearían un cine que, paradójicamente, recogía influencias del melodrama hollywoodiense. Son algunas de las muchas historias que incluye esta imprescindible obra sobre una cinematografía en ascenso.

Sobre el autor, Ricard Planas:

Ricard Planas es licenciado en filosofía (Universidad de Barcelona), Estudios de Asia Oriental (Universidad Pompeu Fabra-Universidad Autónoma de Barcelona) y Máster en Estudios Chinos (Universidad Pompeu Fabra). Hace una estancia en la Beijing Foreign Studies University como becario del ICO. Actualmente se encuentra cursando su tesis doctoral sobre la obra del cineasta Yuan Muzhi e impartiendo la asignatura de historia del cine chino en la Universidad Pompeu Fabra.

Lo primero que puede sorprender del acercamiento elegido por Ricard Planas en su libro lo encontramos nada más abrirlo y ojear el índice, compuesto por un voluminoso listado de películas dentro de unos someros bloques temáticos. ¿Un libro de reseñas cinematográficas? No realmente, ya que poco tiene esto que ver con ese tipo de productos. Tras una pequeña introducción, el autor va presentándonos las películas como si fueran las piezas de un gran puzle, las teselas de un mosaico que va construyéndose poco a poco a base de datos históricos, géneros y autores. En la mayoría de los casos la película es una mera excusa para hablar de un contexto histórico, o para presentar a un intérprete o director, o para aclarar como un género influyo en el desarrollo de ciertas partes de la industria. En más de una ocasión veremos al autor hablar más de otras películas que de la tratada, porque este puzle tiene muchas piezas y este listado de films es la excusa para introducirnos en mucho más. Este acercamiento puede fragmentar un poco la narración y exigir algo más de atención y memoria por parte del lector, que a veces debe unir por si mismo algunas piezas de este mosaico. Pero no penséis que esta es una lectura farragosa o complicada, todo lo contrario, es estimulante y terriblemente interesante.

Los textos se centran casi en exclusiva en el cine del continente, el cine de Hong Kong o Taiwan requeriría su propio libro, como poco, para hacerles justicia, y eso hace que no nos desviemos de una cinematografía que ha pasado por muchos momentos históricos que la han marcado profundamente, como la ocupación japonesa, la guerra civil, el establecimiento de la República Popular o los oscuros años de la Revolución Cultural. En sus casi 400 páginas Ricard tiene espacio suficiente no solo para abordar lo ya conocido, parte del cine propagandístico rojo o los autores más característicos de la Quinta y Sexta generación, sino también para lo desconocido, lo que solo los más entusiastas aficionados o investigadores conocen, sea en lo referente al cine chino pre-revolucionario, sea a los autores o géneros más locales de las nuevas generaciones de cineastas. De hecho, he querido ver un especial interés en esto último, en dar visibilidad a autores mucho menos conocidos en nuestros lares, a desmitificar ese aire de exotismo y rebeldía que parece obligado en la Quinta generación, en el que se encasillan muchos autores desde la perspectiva occidental, pero que es mucho más amplio en la perspectiva local. El autor quiere mostrarnos un rico legado cinematográfico que, en general, no hemos visto hasta ahora y que forma parte intrínseca de su historia, desde el realismo revolucionario maoísta, hasta el cine de animación de la Shanghai Animation Film Studio, pasando por el melodrama que popularizó Xie Jin antes de la Revolución Cultural, los grandes actores y actrices de los inicios del cine local -como Ruang Lingyu, Hu Die o Jin Yan-, o los autores y géneros de la china del nuevo milenio.

Este es un libro necesario y útil, tanto a nivel de conocimiento general como de referencia profesional. El hecho de estar articulado en torno a las películas hace que podamos construirnos un listado de visionados -yo desde luego lo he hecho- y ponernos en contexto más fácilmente antes, y después, de acercarnos a las películas. Solo echo en falta un final, y es que tras la última reseña el libro simplemente termina. Tras esta última pieza, el puzle parece quedar incompleto, con una parte ya unida y ligada, pero que continua, o más bien continuará, porque el cine chino esta en un periodo de auge que seguirá poniendo piezas sobre la mesa, pero eso será en el futuro. Quizás hubiera estado bien un epilogo sobre como está actualmente el panorama del cine chino o una valoración más personal sobre su futuro.

Sea como fuere este es un libro magnífico que viene a suplir un vacío que ya se hacia notar, sobre todo con la cada vez mayor irrupción del cine del continente en los circuitos internacionales y las plataformas de streaming, y la relativa poca información sobre algunos periodos de la historia cine chino que puede encontrarse desde nuestro país. Bien es cierto que existían algunos interesantes textos previos en nuestro idioma, como “Cine chino – breve mirada histórica” de Miguel Sazatornil, pero la extensión y profundidad de esta nueva propuesta la hace imprescindible para cualquiera que desee adentrarse en la historia del cine del gigante asiático.

La Casa Encendida homenajea al maestro hongkonés del melodrama romántico con un programa de películas asiáticas contemporáneas que se han inspirado en las historias de amores imposibles del autor de In the mood for love, así como en la característica fotografía nocturna, bañada en luces de neón, de su fiel colaborador Christopher Doyle.

El ciclo “Bajo la influencia de Wong Kar-Wai” presenta cuatro neo-noirs protagonizados por individuos torturados que no han superado la pérdida de sus amantes, madres, padres, enemigos u otros seres cuya ausencia seguirá atormentándolos hasta que no sean encontrados. Como en el cine de Wong Kar-Wai, estos cuatro largometrajes –procedentes de Singapur, Taiwán, la china interior o su costa fronteriza con Japón– representan el abismo del recuerdo, induciendo a los personajes en un estado de ensoñación permanente que les arrastra hacia un laberinto mental donde el pasado, el presente y las proyecciones de sus deseos coexisten.

4 y 5 de Mayo de 2019.
Largo viaje hacia la noche.
Bi Gan. China/Francia, 2018. 133’ 2D. VOSE.

Luo Hongwu regresa a Kaili tras la muerte de su padre. Para esquivar el luto, el protagonista se refugia en el recuerdo de la mujer que perdió, en esas tierras, doce años atrás. De la huella de Wan Quiwen, resucitada en su memoria, surge un ansia malsana por encontrarla de nuevo. Sus obsesivos viajes mentales al pasado invocan a los fantasmas de su juventud, que le harán una última visita en Nochevieja.

Bi Gan (Kaili, China, 1989) es un director, guionista, fotógrafo y poeta chino. En 2015, se ganó el título de “joven promesa del cine chino” tras estrenar su multipremiado debut Kaili Blues en el Festival de Locarno (Suiza). Su aclamado segundo largometraje, Largo viaje hacia la noche, fue presentado en la competición Un Certain Regard de la pasada edición del Festival de Cannes.

11 y 12 de Mayo de 2019.
Cities of Last Things.
Wi Ding Ho. Taiwán/China/Estados Unidos/Francia, 2018. 107’. VOSE

Lao Zhang es un agente corrupto que malvive en una megalópolis futurista sin nombre imponiendo su propia ley. El cineasta Wi Ding Ho presenta el trágico pasado de este alter ego chino de Harrison Ford en Blade Runner con la narración invertida de tres capítulos sobre la pérdida de las mujeres más importantes de su vida.

Wi Ding Ho (Muar, 1971) es un cineasta malasio afincado en Taiwán. Sus cortometrajes Summer Afternoon (2008) y Respire (2005) fueron seleccionados en el Festival de Cannes. Tras especializarse en el género de la comedia durante años, en 2018 dirigió su primer neo-noir, Cities of Last Things. La película fue estrenada en la competición del Festival de Toronto, donde ganó el premio de Mejor Película.

18 y 19 de Mayo de 2019.
A Land Imagined.
Siew Hua Yeo. Singapur/Francia/Países Bajos, 2018. 95’. VOSE

El detective Lok se obsesiona por resolver el caso más complejo de su carrera policial: la desaparición, en extrañas circunstancias, de un obrero chino, visto por última vez en su puesto de trabajo del puerto de Singapur. Tras adentrarse sin éxito en la fauna nocturna de los bares y cibercafés del barrio chino, el investigador intentará descifrar el enigma a través del mundo de los sueños.

Siew Hua Yeo (Singapur, 1985) es un director licenciado en Filosofía en la National University of Singapore. Debutó en el mundo de cine con su filme experimental In the House of Straw (2009). Años más tarde dirigió un documental sobre la desconocida escena musical de Singapur The Obs: A Singapore Story. Su tercer largometraje, A Land Imagined, fue galardonada con el Leopardo de Oro (Mejor Película) de la última edición del Festival de Locarno (Suiza).

25 y 26 de Mayo de 2019.
From Where We’ve Fallen.
Wang Feifei. China, 2017. 100’. VOSE

Verano de 2008. China se prepara para recibir los Juegos Olímpicos de Pekín. Un comerciante de piedras preciosas emprende un viaje en coche con su mujer para cerrar una venta. De esa historia sobre una travesía hacia un remoto pueblo de costa brota un rompecabezas narrativo, en el que convergen infinitos relatos –reales y soñados– protagonizados por individuos que comparten su nostalgia por volver al pasado.

Wang Feifei es un cineasta chino licenciado en Guión por la Universidad de Bellas Artes de Nanjing. En 2012 estrenó su ópera prima, From Where We’ve Fallen, en la competición Nuev@s Director@s del Festival de Cine de San Sebastián. También trabaja de programador y comisario en el Festival Internacional de Cine de Xining.

El pasado día 1 de mayo celebró en Corea del Sur la gala de entrega de premios de la edición número 55 de los Baeksang Arts Award, organizados por el grupo editorial IS PLUS Corp. Conocidos coloquialmente como los “Golden Globe” coreanos, premian lo mejor del pasado año no solo en el ámbito cinematográfico, sino también en lo referente a Dramas televisivos y programas de entretenimiento, siendo esta última faceta la que despierta mayor interés del público local. En el aspecto cinematográfico la cosa ha estado muy repartida, llevándose el premio a mejor película ha sido para The Spy Gone North de Yoon Jong-bin, que también ha premiado al polifacético Lee Sung-min como mejor actor. Sin embargo, la película con más galardones ha sido Miss Baek, que se ha llevado premios a las interpretaciones femeninas, tanto principal como de reparto, y a mejor director novel para Lee Ji-won. Por su parte el premio a mejor director ha sido para Kang Hyeong-cheol por Swing Kids. A continuación tenéis la lista completa de nominados y premiados tanto en la categoría cinematográfica como en la televisiva.

Categoría Cine

Gran Premio

Jung Woo-sung – Innocent Witness

Mejor Película

The Spy Gone North
Miss Baek
Burning
Svaha: The Sixth Finger
Dark Figure of Crime

Mejor Director

Kang Hyeong-cheol – Swing Kids
Yoon Jong-bin – The Spy Gone North
Lee Chang-dong – Burning
Lee Hae-young – Believer
Jang Jae-hyun – Svaha: The Sixth Finger

Mejor Director novel

Lee Ji-won – Miss Baek
Kim Ui-seok – After My Death
Shin Dong-Seok – Last Child
Lee Seok-geun – On Your Wedding Day
Lee Jong-eon – Birthday

Mejor Actor

Lee Sung-min – The Spy Gone North
Ryu Seung-ryong – Extreme Job
Yoo Ah-in – Burning
Jung Woo-sung – Innocent Witness
Ju Ji-hoon – Dark Figure of Crime

Mejor Actriz

Han Ji-min – Miss Baek
Go Ah-sung – A Resistance
Kim Hyang-gi – Innocent Witness
Kim Hye-soo – Default
Kim Hee-ae – Herstory

Mejor Actor de reparto

Kim Joo-hyuk – Believer
Park Hae-joon – Believer
Steven Yeun – Burning
Jo Woo-jin – The Drug King
Jin Seon-kyu – Extreme Job

Mejor Actriz de reparto

Kwon So-hyun – Miss Baek
Yum Hye-ran – Innocent Witness
Lee Hanee – Extreme Job
Jo Min-su – The Witch: Part 1. The Subversion
Jin Seo-yeon – Believer

Mejor Actor novel

Kim Young-kwang – On Your Wedding Day
Gong Myung – Extreme Job
Kim Min-Ho – Swing Kids
Nam Joo-hyuk – The Great Battle
Son Seok-goo – Hit-and-Run Squad

Mejor Actriz novel

Lee Jae-in – Svaha: The Sixth Finger
Kim Da-mi – The Witch: Part 1. The Subversion
Lee Joo-young – Believer
Jeon Yeo-bin – After My Death
Jeon Jong-seo – Burning

Mejor Guión

Kwak Kyung-taek, Kim Tae-kyun – Dark Figure of Crime
Kwon Sung-hwi, Yoon Jong-bin – The Spy Gone North
Lee Han, Moon Ji-won – Innocent Witness
Bae Se-young – Extreme Job
Lee Ji-won – Miss Baek

Premio Técnico

Hong Kyung-pyo (Filming) – Burning
Kim Jun-seok (Music) – Swing Kids
Park Il-hyun (Art) – The Spy Gone North
Yang Jin-mo (Editing) – Believer
Jin Jong-hyun (VFX) – Along with the Gods: The Last 49 Days

Categoría Televisión

Gran Premio

Kim Hye-ja – Dazzling

Mejor Serie

My Mister
Dazzling
Mr. Sunshine
Children of Nobody
Sky Castle

Mejor Programa educativo

Journalism Talk Show J
Feast on the Road
Spotlight – 5.18 Secret Agent
Seoul Olympics 30-Year Anniversary Special Documentary 88/18
PD Notebook – The Late Jang Ja Yeon

Mejor Programa de variedades

Omniscient Interfering View
Baek Jong-won’s Alley Restaurant
I Live Alone
Welcome, First Time in Korea?
Comedy Big League

Mejor Director

Jo Hyun-tak – Sky Castle
Kim Suk-yoon – Dazzling
Kim Won-seok – My Mister
Ahn Gil-ho – Memories of the Alhambra
Lee Eung-bok – Mr. Sunshine

Mejor Actor

Lee Byung-hun – Mr. Sunshine
Kim Nam-gil – The Fiery Priest
Yeo Jin-goo – The Crowned Clown
Lee Sun-kyun – My Mister
Hyun Bin – Memories of the Alhambra

Mejor Actriz

Yum Jung-ah – Sky Castle
Kim Seo-hyung – Sky Castle
Kim Tae-ri – Mr. Sunshine
Kim Hye-ja – Dazzling
Lee Ji-eun – My Mister

Mejor Actor de reparto

Kim Byung-chul – Sky Castle
Kim Sang-kyung – The Crowned Clown
Bae Seong-woo – Live
Son Ho-jun – Dazzling
Yoo Yeon-seok – Mr. Sunshine

Mejor Actriz de reparto

Lee Jung-eun – Dazzling
Kim Min-jung – Mr. Sunshine
Oh Na-ra – My Mister
Yoon Se-ah – Sky Castle
Lee Da-hee – The Beauty Inside

Mejor Actor novel

Jang Ki-yong – Come and Hug Me
Park Sung-hoon – My Only One
Park Hoon – Memories of the Alhambra
Son Seok-goo – Matrimonial Chaos
Wi Ha-joon – Romance Is a Bonus Book

Mejor Actriz novel

Kim Hye-yoon – Sky Castle
Kwon Nara – My Mister
Park Se-wan – Just Dance
Seol In-ah – Sunny Again Tomorrow
Lee Seol – Less Than Evil

Mejor Guión

Park Hae-young – My Mister
Lee Nam-kyu, Kim Soo-jin – Dazzling
Kim Eun-sook – Mr. Sunshine
Do Hyun-jung – Children of Nobody
Yoo Hyun-mi – Sky Castle

Premio Técnico

Park Sung-jin (Special Effects) – Memories of the Alhambra
Kim So-yeon (Art) – Mr. Sunshine
Kim Yong, Jeon Joon-woo (Filming) – May, The Origins of Civilization
Oh Jae-ho (Filming) – Sky Castle
Lee Yong-seob (Special Effects) – Mr. Sunshine

Selecta Visión y Yelmo Cines organizan durante este mes de mayo un ciclo dedicado a la animación japonesa dentro del programa +Que Cine de la conocida de salas de proyección. En este caso se realizarán proyecciones limitadas, tanto en Español como en VO, de cuatro de las propuestas más interesantes del catálogo de largometrajes de la distribuidora: Your Name, A Silent Voice, Mary y la flor de la bruja y Maquia, una historia de amor inmortal. Se realizarán proyecciones ne diferentes salas de todo el territorio nacional, podéis consultar los horarios de proyección en la web de Yelmo Cines.

Your Name (9 de mayo)
Makoto Shinkai, 2016

Ha pasado un mes desde que un cometa que visita la Tierra cada mil años se avistara desde Japón. Mitsuha es una estudiante que se lamenta de su vida en el campo junto a su hermana pequeña, su abuela y su padre, un político al que nunca ve. Detesta las pintorescas costumbres de su familia y sueña con el maravilloso estilo de vida de los habitantes de Tokyo. Por su parte, Taki es un estudiante que vive en Tokyo, tiene un trabajo a tiempo parcial en un restaurante italiano y necesita alejarse de su familia. Una noche, Mitsuha sueña que es un chico de Tokyo y Taki sueña que es una chica que vive en el campo. ¿Cuál es el secreto que se oculta tras los sueños de dos personas que a pesar de que no se conocen de nada parecen buscarse desesperadamente?

A Silent Voice (16 de mayo)
Naoko Yamada, 2016

Seis años después de haber atormentado a una compañera de clase sorda, Shoya busca la forma de comunicarse con ella para disculparse.Shoya es un estudiante de primaria problemático cuya principal misión en la vida es encontrar las formas menos apropiadas de combatir el aburrimiento. Es por eso que cuando Shoko, una niña sorda, es trasladada a su clase se convierte inmediatamente en blanco de sus burlas. Su acoso llega hasta tal punto que el resto de la clase acaba dándole la espalda por su falta de compasión. Seis años después, convertido en un estudiante de instituto solitario y atormentado por lo que hizo en el pasado, Shoya busca la forma de comunicarse con Shoko para disculparse. De esta forma, comienza su particular camino hacia la redención, pero, ¿es posible que ya sea demasiado tarde?

Mary y la flor de la bruja (23 de mayo)
Hiromasa Yonebayashi, 2017

Acompaña a Mary en su fantástico viaje hasta la escuela de magia Endor College, donde no todo es lo que parece y se oculta en gran peligro. Un día, mientras pasa las vacaciones de verano con su tía abuela, Mary sigue a unos gatos hasta un bosque cercano, donde se topa con unas flores con un extraño poder luminiscente. Estas acaban dando vida a una escoba, que lleva volando a Mary por encima de las nubes hasta la escuela de magia conocida como Endor College. La directora Madame Mumblechook asume que Mary es una nueva estudiante y la conduce hasta el campus de Endor College, donde acaba demostrando unas sorprendentes y prometedoras habilidades mágicas. Sin embargo, pronto descubre que en la escuela no todo es lo que parece y es que allí se llevan a cabo extraños experimentos, que la llevan a enfrentarse cara a cara con un gran peligro y a tomar una decisión que le cambiará la vida.

Maquia, una historia de amor inmortal (30 de mayo)
Mari Okada, 2018

Este es la historia de un tiempo irremplazable, tejido por dos personas que están solas. Los hilos verticales son los días que pasan. Los horizontales son las vidas de la humanidad. El pueblo de Iorph vive alejado de las tierras de los hombres, tejiendo los acontecimientos cotidianos en una tela llamada Hibiol. Maquia es una joven Iorph huérfana que a pesar de vivir en paz rodeada de amigos, de alguna manera se siente siempre sola. Pero las pacíficas vidas de los Iorph se hacen añicos en el instante en que el ejército Mezarte les invade en busca de la sangre que les permite permanecer jóvenes durante siglos. En medio de la desesperación y el caos, Maquia encuentra a Ariel, un bebé que se ha quedado solo tras perder a sus padres. Ariel se va haciendo mayor mientras Maquia conserva su juventud y conforme cambia la era, el vínculo entre ellos también cambia…

Casa Asia programa para Cotxeres Borrell tres películas de reconocidos realizadores chinos, que pueden considerarse altamente representativos de un cine y una industria cinematográfica, cuyo crecimiento en las últimas tres décadas ha sido exponencialmente relevante.

Los títulos que se podrán ver – “Yo no soy Madame Bovary” de Xiaogang Feng, “Regreso a casa” de Zhang Yimou y “The Grandmaster” de Wong Kar Wai – recuperan el carácter innovador de las últimas generaciones de cineastas chinos que han incorporado temas anteriormente ausentes y una manera de concebir la imagen visual como el medio de comunicación por excelencia.Producidas respectivamente en 2016, 2014 y 2012, estas películas se han convertido en “clásicos contemporáneos” por la universalidad de las narrativas que se plantean en cada una, revelando su contribución al cine en términos generales, como se demuestra en los sucesivos galardones que han obtenido en los festivales de Cannes, San Sebastián, Toronto y Valladolid, entre otros.

PROGRAMACIÓN

Jueves 11 de abril de 2019, 19.30 h
YO NO SOY MADAME BOVARY
Dir. Xiaogang Feng | 2016 | 139’│VOSE│No apta para menores de 13 años

Li Xuelian y su marido Qin Yuhe organizan un falso divorcio para conseguir un segundo apartamento. Pero, seis meses más tarde, él se casa con otra mujer. Li, airada, presenta una demanda que perderá. Además, Qin por su parte la acusa de haber sido impura en su noche de bodas. Diez años después, Li emprende un viaje a la capital durante el Congreso Nacional del Pueblo, con el objetivo de completar su absurdo periplo de una década por el hijo que no tuvo. Feng Xiaogang (Aftershock, Personal Tailor) dirige este drama, que protagoniza Fan Bingbing (Sacrifice) y Zhang Jiayi (Un toque de violencia).

Premios:
2016: Festival de San Sebastián: Mejor película y actriz (Fan Bingbing)
2016: Festival de Toronto: Premio FIPRESCI (sección “Special Presentations”)
*Previo a la proyección de la película se realizará un taller de fermentación de Kombucha.

Jueves 9 de mayo de 2019, 19.30 h
REGRESO A CASA
Dir. Zhang Yimou | 2014 | 109’ │VOSE│No apta para menores de 13 años

A principios de los años setenta, Lu Yanshi (Chen Daoming) se escapa de un campo de trabajo en un intento de volver con su familia, a la que lleva años sin ver. Su hija Lu Danyu intenta impedir el reencuentro por miedo a que afecte a su carrera como bailarina, y consigue que su padre y su madre no se vean. Unos años después, al final de la Revolución Cultural, Lu Yanshi por fin puede regresar a casa legalmente y reunirse con su familia. Pero no todo transcurre como espera. Su esposa Feng Wanyu (Gong Li) ha estado enferma y no le reconoce. Sin em-bargo, no ha olvidado a su esposo, le recuerda tal como era en el pasado y espera su regreso. Lu Yanshi se convierte en un extraño en el seno de su familia y decide resucitar el pasado con Feng Wanyu para que recupere la memoria.

Premios:
2014: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes (fuera de concurso)
2014: Seminci de Valladolid: Sección oficial largometrajes a concurso
* Previo a la proyección de la película se realizará un taller de ceremonia del té.

Jueves 13 de junio de 2019, 19.30 h
THE GRANDMASTER
Dir. Wong Kar Wai | 2013 | 130’ │VOSE│No apta para menores de 13 años

Se trata de un relato sobre las artes marciales y el alma de la civilización china. Dos maestros de kung fu, Ip Man (Tony Leung), el hombre que entrenó al mítico Bruce Lee, y la bella Gong Er (Zhang Ziyi) se reúnen en la ciudad natal de Ip Man en vísperas de la invasión japonesa de 1936. El padre de Gong Er, un gran maestro de renombre, también viaja a esa ciudad para la ceremonia de su jubilación, que tendrá lugar en el legendario burdel El pabellón de oro. Historia de traición, honor y amor que se desarrolla en la tumultuosa época que siguió a la caída de la última dinastía china, un tiempo de caos y guerra, pero también una época de oro de las artes marciales en China.

Premios:
2013: Oscars: 2 nominaciones, mejor fotografía y mejor vestuario
2013: National Board of Review (NBR): Top películas extranjeras del año
2013: Festival de Berlín: Sección oficial largometrajes (fuera de concurso)
* Previo a la proyección de la película se realizará un taller de caligrafía china

*Películas en VOSE. En el Espacio Escénico Tísner
Talleres relacionados con el ciclo de 18.00 h a 19.00 h a cargo de Jenny Chih-Chieh Teng
Actividades gratuitas. Plazas limitadas. Se requiere inscripción previa.

Cotxeres Borrell (Espacio escénico Tísner)
c/ Viladomat, 2-8 Barcelona

PROCEDIMIENTO DE RESERVA DE LAS ACTIVIDADES CULTURALES

Las entradas para las actividades se podrán reservar ONLINE o telefónicamente al 93 324 83 50 a partir de una semana antes.

Se podrán pasar a recoger a partir de una hora antes y 10 minutos antes del inicio de la actividad, se repartirán las entradas de reservas que no se hayan retirado.

En el caso de no poder disfrutar de la reserva, rogamos avisen con antelación llamando al mismo teléfono. Asientos no numerados. Se ruega puntualidad. No se permitirá el acceso una vez iniciado el espectáculo, concierto o película.

¿Cuál es el papel de la mujer dentro de la industria del cine chino? La cinematografía china que ha experimentado desde el principio del siglo XXI un incremento tanto en el número de producciones, como en el número de entradas vendidas, ha vivido también el debut o la consagración internacional de algunas de sus directoras de cine. A los nombres de Zhang Yimou, Jia Zhangke, se les unen el de un grupo de directoras de cine como Ann Hui, Xu Jinglei o Vivian Qu, que, en los últimos 20 años, han ofrecido su mirada de la realidad china (tanto histórica como contemporánea) a través del cine.

En “China: 5 miradas de mujer” el Cineclub ofrecerá cinco largometrajes, algunos inéditos en nuestro país, dirigidos por mujeres chinas; las sesiones contarán también con una breve presentación y con un cine-fórum posterior a la proyección con el público asistente.

El ciclo se abrirá el 22 de mayo de 2019 con la presentación del libro “Historia del cine chino” (Editorial Berenice-Almuzara, 2019) con la participación de Ricard Planas, autor del libro, Quim Crusellas, director del Festival Nits de cinema oriental de Vic, y Gloria Fernández, directora de CineAsia. Ya os comentamos nuestras impresiones del mismo en entradas anteriores de Asiateca.

Las películas del ciclo estarán presentadas por Gloria Fernández y Enrique Garcelán, CineAsia, y Ricard Planas, profesor del departamento de Humanidades de la Universitat Pompeu Fabra. La entrada gratuita previa inscripción, que podéis formalizar en la web del Institut Confuci.

Miércoles 29 de mayo de 2019, 18:30

Buddha Mountain 观音山
Directora: Li Yu. Año: 2010. Duración: 105 min
Género: Drama / Mayores de 7 años.

En Chengdu, China, una retirada cantante de ópera, la señora Zhang, acoge como inquilinos a un trío de jóvenes, una cantante de rock y dos camareros, que han huido de casa tras dejar los estudios. Ellos tendrán que compartir casa tratando de encontrar el amor en sus desesperadas y caóticas vidas. (2010. Mejor Película en la primera edición del Casa Asia Film Week)

Miércoles 5 de junio de 2019, 18:30

Una vida sencilla 桃姐
Directora: Ann Hui. Año: 2011 Duración: 117 min
Género: Drama / Mayores de 15 años.

Chun Tao-Chung ha trabajado como sirvienta para la familia Leung durante sesenta años. Ahora cuida de Roger, el único miembro de la familia Leung que aún vive en Hong Kong. Un día, al volver del trabajo, Roger descubre que Tao ha sufrido un derrame cerebral y la lleva al hospital. Cuando ella le dice que quiere dejar su trabajo y marcharse a una residencia, él le encuentra una habitación en un centro dirigido por un viejo amigo. A fuerza de dedicarle tiempo y atención a las necesidades y antojos de Tao, Roger descubre cuánto significa para él la vieja criada. (2011: Festival de Venecia: Copa Volpi a la Mejor actriz (Deanie Yip)

Miércoles 12 de junio de 2019, 18:30

So Young 致我们终将逝去的青春
Directora: Zhao Wei. Año: 2013 Duración: 117 min
Género: Drama / Mayores de 15 años.

La película muestra las vivencias de un grupo de jóvenes estudiantes de universidad. Situada la historia en la China de los años 90’s, es un reflejo de lo que es el amor y la amistad en contraposición con la ambición, las omisiones y los sueños rotos. (2013. Mejor Dirección Novel en los Golden Roster Awards)

Miércoles 19 de junio de 2019, 18:30

Ella, una joven china 中国姑娘
Directora: Guo Xiaolu. Año: 2009 Duración: 98 min
Género: Drama / Mayores de 15 años.

Mei es una joven china que decide abandonar su monótona vida en un pueblo por el ajetreo de Chongqing, la ciudad más cercana. Pero nada sale como esperaba. Después de ser despedida de la fábrica donde trabaja, se enamora de Spikey, un asesino a sueldo cuyo pasado no tarda en pasarle factura. Sin pensárselo dos veces, se marcha a Londres, donde se casa con un hombre mayor, el Sr. Hunt.

Miércoles 26 de junio de 2019, 18:30

Love education 相爱相亲
Directora: Sylvia Chang. Año: 2017 Duración: 120 min
Género: Drama / Mayores de 15 años.

Sensible drama generacional acerca del amor a través de tres mujeres que representan el ayer, el hoy y el mañana de China. Su hija, Hui Ying, decide trasladar la tumba de su padre de su ciudad natal a la tumba de su madre. Sin embargo, su primera esposa, que ha cuidado la tumba durante años, no lo aprueba, y su desacuerdo termina convirtiéndose en un problema para toda la ciudad. (2019: 9 Nominaciones a los Hong Kong Film Awards entre los que destacan el de mejor película, director, guion, actor y actriz)

Fundació Institut Confuci de Barcelona
Sala Polivalente
c. Elisabets 10, -interior- | 08001 Barcelona (mapa)
<M> Catalunya L1, L3.

Este viernes día 18 comienza una nueva edición del Imagineindia International Film Festival en Madrid, un festival especializado en el cine indio pero que apunta a cines poco conocidos en nuestro país dentro de la zona euroasíatica y el subcontinente indio. Según la propia organización del festival “Imagineindia International Film Festival está sobre todo dedicado a promocionar la amistad y la colaboración entre el Subcontinente Indio, Asia, Australia y España. Su principal objetivo es presentar y llamar atención sobre los filmes y demás expresiones artísticas de estos países, para contribuir a una mejor comprensión de los mismos“. Entre sus muchas secciones se incluye una variada programación con películas de India, Indonesia, Turquía, Rusia, Hong Kon, Irán, o Vietnam entre otros. Además de su sección oficial, que os presentamos a continuación, el festival incluye programaciones paralelas donde podemos encontrar documentales, cortometrajes, una retrospectiva dedicada a los cines de Kerala -uno de los estados del sur de la India-, otra dedicada a la cineasta rusa Marina Rasbezhina, y una última sobre algunas obras del indio Buddhadeb Dasgupta -cuya programación también os acercamos hoy en esta entrada-. Por si esto fuera poco también podéis encontrar una interesante programación en las secciones permanentes Vidas y Migraciones, además de diversas proyecciones especiales. Un programa completo y curioso que podéis consultar deforma integra en la web del evento.

SECCIÓN OFICIAL

Black Kite
Tarique Qayumi
Afganistan. 88 min. 2017

Cinco décadas de agitación política en Afganistán se ven a través de los ojos de un desafortunado fabricante de cometas, la generación joven de una dinastía condenada.

Arian ama las cometas, pero un Afganistán cambiante se interpone en su camino. Cuando los talibanes toman el poder y prohíben volar cometas, él casi abandona su pasión. Sin embargo, para darle a su hija Seema un sentido de la infancia que una vez tuvo, Arian arriesga su vida para encontrar y volar cometas.

Refugiado afgano que emigró a Canadá antes de estudiar cine en UCLA, el escritor y director Tarique Qayumi retoma el tumultuoso pasado reciente de su país con Black Kite. El segundo largometraje de Qayumi, que se estrena mundialmente en Toronto, es un drama familiar íntimo que se enfrenta a un lienzo histórico. Está protagonizado por uno de los actores más conocidos de Afganistán, Haji Gul, y rodó en Kabul en un estilo casi guerrillero para evitar atraer la atención de las facciones islamistas que aún dominan en algunas partes del país.

The Delegation
Bujar Alimani
Albania. 77 min. 2018

En 1990, en un área remota de Albania, un preso político es trasladado de la noche a la mañana sin saber dónde o por qué. El coche que lo transportaba se rompe en el corazón de las montañas. El prisionero se familiariza con sus dos guardias, oficiales dedicados al Partido Comunista de Albania. Sus historias personales se entrelazan, las tensiones estallan, al igual que la historia de un país en crisis.

Octubre de 1990. Los reclusos de una prisión política remota en Albania están viendo las noticias de la noche en la televisión. Siguen con gran interés la llegada, en Tirana, la capital, de una delegación europea que supervisará la implementación de las reformas prometidas por el gobierno, un requisito previo importante para que el país sea admitido en la OSCE. Tienen grandes esperanzas de que haya llegado el momento de su liberación. La presión de las partes interesadas internacionales sobre el gobierno albanés para impulsar una mayor reforma sigue siendo alta, especialmente en materia de derechos humanos, que se consideran una prueba decisiva para los miembros de Albania.

Identity
Samuel Thivierge
Canada. 93 min. 2018

Atrapado entre el vicio, la lujuria y el amor, Christopher Begin comienza a abrirse camino a través de la edad adulta, viviendo en la vía rápida llena de mentiras y engaños. Dirigido por su deseo de proteger a su madre, Chris conoce a su mentor Roger, un estafador magistral que guiará a su protegido hacia los rincones más oscuros de la naturaleza humana, hasta el día en que el camino de Chris cruza el de Roger. De repente, las consecuencias de las elecciones hechas por Chris pueden ser sentidas por aquellos a quienes más atesora. Inspirado por una historia real, descubre el destino de un joven de una buena familia que se convierte en un estafador efectivo y seductor, aplastando los sueños de personas inocentes a su paso.

In The Shadows
Dipesh Jain
India. 117 min. 2017

Un comerciante solitario pasa su vida aislado del mundo exterior, interactuando en su hogar en Old Delhi únicamente a través de cámaras ocultas de circuito cerrado. Mientras tanto, un niño lucha por proteger a su madre y a su hermano menor de las manos de su padre. Cuando el comerciante oye este abuso, debe liberarse de su prisión autoimpuesta para ayudar al niño, descubriendo una verdad impactante en el camino.

3 Storeys
Arjun Mukherjee
India. 100 min. 2018

En “3 Storeys” de Arjun Mukherjee, una película ambientada en un barrio de Bombay, las vidas de los residentes se entrecruzan y chocan de varias maneras inesperadas.

Mayanagar es un barrio de Bombay. Flory Mendonca, una viuda católica, quiere vender su casa, pero no tiene compradores debido a su alto precio. Finalmente, Vilas, que está ansioso por tener una casa cerca de la estación, la compra. Mientras que en el mismo edificio, Varsha se enfrenta a los abusos diarios por parte de su esposo desempleado y alcohólico. Por otro lado, ella todavía tiene sentimientos por su novio anterior, Shankar, y se relaciona bien con su vecina y cuida a su pequeño hijo. Suahil y Malini se enamoran pero son de diferentes religiones que disgusta mucho a sus padres. En la planta baja se encuentra el glamour de Leela, quien envía vibraciones seductoras hacia el hombre. La vida de las personas que viven en Mayanagar no parece ser lo que es. Son secretos ocultos.

Kia and Cosmos
Sudipto Roy
India. 123 min. 2018

Kia es una niña autista de 15 años que vive con su madre Diya, en el sur de Calcuta, puesto que su padre falleció hace algunos años a causa de un infarto. Un día, Cosmos, un gato del vecindario, fallece repentinamente algo que despierta la curiosidad de Kia por saber cuál fue la causa. Diya intenta persuadir a su hija para que olvide la muerte de Cosmos sin éxito. Durante una investigación en su propia casa, Kia encuentra unas cartas en las que figura su nombre escrito. Eran de su padre y Diya había ocultado la verdad a su hija durante todos estos años. Su padre está vivo y Kia está decida a buscarlo. Así que se dispone a superar todos los obstáculos para desvelar el misterio detrás de la desaparición de su padre. Una dirección postal es todo lo que tiene. ¿Por qué los dejó su padre? ¿Encontrará a su padre?

Kaamyaab
Hardik Mehta
India. 105 min. 2018

El drama se basa en un actor secundario que ha actuado en 499 filmes y decide salir de la jubilación y comienza la búsqueda de un papel de cualquier tipo para llegar al número 500, por el cual será recordado para siempre entrando en el libro de los récords.

Kedara
Indraadip Dasgupta
India. 110 min. 2018

Kedara cuenta la historia de un hombre de mediana edad con la inocencia de un niño para quien la vida es una travesura, construye un mundo de fantasías y encuentra alegría en ciertos descubrimientos acerca de los propios.

Dasgupta ha elegido un tema excepcional y cuenta su historia de un modo surrealista. El ventrílocuo Narasingha (Kaushik Ganguly) vive solo en una casa llena de viejos recuerdos, máscaras y antigüedades. Que él es un ventrílocuo se revela de la manera más inesperada. Narasingha no solo imita sonidos o voces; las voces tienen sus propias entidades para él y viven con él, son su familia.

Los holgazanes de la localidad se burlan de la profesión de Narasingha y su aspecto aparentemente anormal. Su sirvienta no pierde la oportunidad para burlarse de él. Uno de sus vecinos lo visita solo para recordarle que es un fracaso.

Narasingha soporta todo en silencio. A veces culpa a su falta de trabajo. Hay una habitación cerrada en su casa que nadie más puede abrir. La habitación cerrada casi demuestra ser el protector de su modo de vida, el núcleo de todas sus fantasías.

Bhayanakam
Jayaraj
India. 125 min. 2018

Cuando comienza la Segunda Guerra Mundial, un nuevo cartero se hace cargo de Kuttanad. La guerra se intensifica y el cartero a quien la gente consideraba un presagio de buenas noticias resulta ser el mensajero de la muerte.

Recordando la famosa frase de Winston Churchil durante la Segunda Guerra Mundial, “No tengo nada que ofrecer más que sangre, trabajo, lágrimas y sudor”, el cartero es un ex soldado, es una reliquia de la primera guerra que ofrece nada más que recuerdos llenos de lágrimas. Para la gente de Kuttanad, él no tiene nada que ofrecer aparte de noticias de muerte. Para ellos, el cartero que una vez fue el símbolo de la positividad y un buen presagio se convierte en un mensajero de la muerte y su bolsa lleva la carga de la guerra en forma de telegramas que rompen incontables corazones y hogares.

Lima
Harvan Agustriansyah, Lola Amaria, Adriyanto Dewo,
Tika Pramesti, Shalahuddin Siregar, Agha Fahriansyah
Indonesia. 110 min. 2018

Fara, Aryo y Adi acaban de despedir a su madre, Maryam, tras una discusión sobre el funeral de la difunta entre los tres hijos, recordando que ésta era musulmana. Aunque el conflicto parece tener solución, hay algunos problemas que no. Fara, que es un entrenador de natación, siempre escoge a los atletas que se destinan para el entrenamiento nacional. Sin embargo, no puede hacerlo sin verse obligado a responder a los desafíos del dueño del club. A pesar de que sus alumnos nunca cuestionaron el color de su piel, Adi, que a menudo es acosado por sus compañeros de clase, presencia un evento inhumano. Aryo, por su parte, debe liderar el tema de la herencia por ser el primogénito y Jjah se ve obligado a regresar a casa para exigir que se haga justicia.

Appendix
Hosein Namazi
Irán. 84 min. 2017

Debido al dolor abdominal intenso, Zari y su esposo, Reza, van al hospital. Sin embargo, la identificación del seguro de Zari ha caducado y Reza se ve obligado a pedir prestada la identificación de su amiga Leila Attarod. Finalmente, se somete a una apendicectomía con la identificación de Leila y el personal del hospital sospechoso sobre este asunto. Debido a esto, se ven obligados a cambiar los roles ante el personal del hospital. Sin embargo, muchos eventos desafortunados tienen lugar en el proceso …

Orange Days
Arash Lahooti
Iran. 102 min. 2018

Rauda, Alban está caminando a través de una exuberante plantación verde, inspeccionando a sus trabajadoras mientras recogen la cosecha. La asertiva mujer de cuarenta y tantos años ha estado involucrada en el negocio de la naranja dominada por los hombres durante años. Ella emplea a un grupo de trabajadoras de temporada para cosechar naranjos en el norte de Irán. Este año ha recibido el pedido más grande en la región, un hecho que no es bien aceptado por sus competidores masculinos. Tan pronto como comienza la recolección, también lo hace el sabotaje al trabajo de Alban y se ve obligada a lidiar con las numerosas consecuencias: la recolección se está haciendo lenta, el dinero se está agotando y la motivación de sus trabajadoras está disminuyendo. Para colmo, su marido Majid hace las maletas y la deja. El director Arash Lahooti organiza la batalla de una mujer valiente en imágenes hermosas y ricas en colores y muestra un lado de Irán que rara vez aparece en los medios de comunicación occidentales.

Daha
Onur Saylak
Turquía. 115 min. 2017

Una película sobre un niño de 14 años ayudando a su padre a trabajar en un puesto rural en el mar, probablemente presentaría paisajes hermosos pero no necesariamente sería una historia interesante. Pero Gaza, el protagonista del drama turco More (Daha), no es un adolescente cualquiera, y su padre, involucrado en el contrabando de personas del Medio Oriente devastado por la guerra a la cercana Grecia. El actor turco Onur Saylak hace aquí un auspicioso debut como director, convirtiendo la novela negra de Hakan Gunday en una película.

Ahad es un hombre pesado que explota las oportunidades donde las ve y que espera la lealtad incuestionable del puñado de personas con las que trabaja, incluida su ayuda más leal, Gaza, su hijo. El adolescente, con ojos vívidos y alertas y una actitud de aprender que probablemente esté más enraizada en su relativa inocencia que en su carácter, siente curiosidad por el mundo y es un buen estudiante. Ha estado probando en secreto para una buena escuela en la lejana Estambul, aunque papá no está muy interesado en sus resultados académicos.

The Third Wife
Ash Mayfair
Vietnam. 96 min. 2018

En el Vietnam rural del siglo XIX, la joven May, de 14 años, se convierte en la tercera esposa del adinerado hacendado Hung. Pronto aprenderá que solo puede mejorar su posición reafirmándose como una mujer capaz de dar a luz a un varón. Cuando se queda embarazada, las esperanzas que tiene May de ascender en la escala social se convierten en una tentadora posibilidad. Enfrentada al amor prohibido y a sus devastadoras consecuencias, May finalmente comienza a aceptar la brutal verdad: sus opciones son escasas y limitadas.

RETROSPECTIVA DE BUDDHADEB DASGUPTA

Buddhadeb Dasgupta es bien conocido en Calcuta como poeta y algo menos conocido allí como novelista. Él es sobre todo bien conocido, en toda la India e internacionalmente, como un cineasta. Sus películas han ganado renombre en la mayoría de los principales festivales de cine del mundo, y las retrospectivas de su trabajo se han organizado en muchas ciudades de Asia, Europa, América del Norte y Sudamérica.

Aunque es fácil identificar a Dasgupta como un cineasta indio y, más específicamente, uno bengalí, no es tan simple certificar una definición a su trabajo. Se puede decir que sus películas pertenecen
al cine alternativo indio, a diferencia del popular o cine comercial lo que ha llegado a ser internacionalmente conocido como Bollywood. El cine alternativo o de autor no está obligado por los tipos de preocupaciones comerciales, lo que les permite a aquellos que lo hacen una libertad que ha llegado a resultar en una gran diversidad de películas artísticas (muchas de las cuales comercialmente exitosas), pero también militando contra el surgimiento de cualquier “movimiento” cinematográfico indio distintivo.

La libertad artística individual es algo que las luminarias del cine serio han apreciado celosamente.
No ha habido ningún gigante del cine de quien muchos o incluso algunos difieren. Se puede decir que el cine alternativo indio tiene una base regional distintiva. Sin embargo, incluso dentro de una misma región, la diversidad entre los cineastas tiende a hacer tales distinciones poco más que cosméticas.

Dasgupta tiene una deuda aparente con tres importantes pioneros del cine de autor de la India. Su trabajo muy obviamente evita el sentimiento de la obra de Ritwick Ghatak y es mucho mejor diseñado, con una mucha más cuidada preocupación por la precisión perceptual y la economía de expresión. Dasgupta nunca ha compartido lo mismo que Satyajit Ray, la deuda con la literatura, en el sentido que Ray representó mucho la literatura como cine, ni ha experimentado una necesidad similar de dar a la narrativa la importancia detallada que lo tiene en la mayoría de las películas de Ray. También lo que falta en su trabajo es la “relevancia” social provocativa y la intensidad del drama que caracteriza gran parte del trabajo de Mrinal Sen.

Dasgupta es posiblemente uno de los más llamativos cineastas individuales en India. El diálogo en sus películas es muy escaso, mientras que lo visual como agente de la comunicación se eleva mucho más de lo que es el caso de la mayoría de los otros cineastas indios.

The Flight
Buddhadeb Dasgupta
India. 82 min. 2018

Bachchu Mondal es un mecánico de automóviles, pero lo más importante es que es un soñador. Su sueño es simple, solo quiere volar, una aspiración que comparte con su esposa, pero sobre todo su hijo, que en realidad disfruta de la actitud de su padre, ya que Bachchu se comporta como un niño con bastante frecuencia. Eventualmente, Bachchu descubre el lugar donde se estrelló un avión japonés de la Segunda Guerra Mundial y decide reconstruirlo, sin tener ninguna pista sobre cómo lograrlo. Además, el lugar donde se encuentra el avión es “habitado” por fantasmas, que tienen la tendencia a compartir sus historias de la vida con nuestro protagonista. Si bien su deseo lo lleva a Calcuta en busca de partes de aviones, las autoridades también comienzan a investigarlo mientras una serie de sucesos extraños que amenazan la vida conspiran.

Ciertamente, está muy lejos de la barbarie y la violenta de su filme más famoso, Luchadores (Uttara), que le valieron la mejor distinción en el Festival de Venecia en 2000. Aquí, la violencia está en el corazón de las personas que no pueden decir no. sus inútiles y peligrosos deseos, a pesar de que están destruyendo su felicidad.

The Bait
Buddhadeb Dasgupta
India. 87 min. 2016

En lo profundo de la Bengala rural, el aristócrata excéntrico Raja vive en un esplendor palaciego con su voluptuosa amante Rekha. Pero su relación está claramente a la baja. Mientras él baila al ritmo de viejas canciones en un tocadisco de vinilo vintage, ella sueña con nadar en tierras lejanas con personajes misteriosos. Ambos parecen varados en las versiones antiguas de fantasía de la India, por lo que es un leve shock cuando un equipo de filmación moderno llega desde Calcuta con sus ordenadores portátiles y cámaras digitales, pidiendo a Raja para que les ayude a localizar un tigre para un proyecto documental.

Mientras tanto, no muy lejos, el ex cartero Goja aparentemente perdió la cabeza y se reinventó a sí mismo como un adivino y como habitante de los árboles, reuniendo pistas suficientes del correo robado para ofrecer profecías que suenan plausibles a sus clientes crédulos. Y Munni es una niña nómada preadolescente que se gana una vida pobre para sus empobrecidos padres de casta inferior con sus deslumbrantes exhibiciones públicas de caminar sobre la cuerda floja.

The Bait se basa en un cuento negro de Narayan Bandyopadhyay, que Dasgupta adaptó hace una década, pero que inicialmente resultó ser demasiado directo para su estilo realista mágico. La película retiene el sorprendente toque final de Bandyopadhyay, que cristaliza uno de los muchos significados posibles del título, pero también presenta su texto con caracteres adicionales y subtramas.

Sniffer
Buddhadeb Dasgupta
India. 137 min. 2013

Anwar es un detective privado que trabaja para una sórdida agencia especializada en cazar esposos que hacen trampas y examinar posibles parejas para familias de clase media y alta. Es su trabajo vigilar a los futuros prometidos y avisar a los padres si este es adecuado (la mayoría de las veces no lo es). Sin embargo, Anwar tiene un problema, es el corazón grande y palpitante en su pecho el que no parece desconectarse de su trabajo cuando está encubierto. Instintivamente quiere proteger el amor verdadero del hostigamiento de un matrimonio arreglado, y esto no es bueno para los negocios. A medida que va profundizando cada vez más en los casos, termina descubriendo que las intenciones de sus clientes son menos que nobles y termina en un viaje para descubrir su propio pasado.

La estrella del cine chino de la década de 1930 que el público quería y adoraba bajo el nombre de Jin Yan 金焰, era un coreano de nombre Kim Duk-lin 金德麟 (pronunciado Jin Delin en mandarín), nacido en Seul el 7 de abril de 1910, siendo el tercer hijo de un conocido médico. En plena ocupación de Corea por Japón, el Dr. Kim, conocido en el ambiente clandestino bajo el seudónimo de “Golden Flame”, cuyos caracteres chinos serían 金焰, fue uno de los fundadores del movimiento coreano de liberación nacional, y su familia al completo estuvo muy implicada en el mismo.

Cuando las autoridades ordenaron el arresto del Dr. Kim en 1912 por sus actividades subversivas, la familia se dirigió al norte, atravesaron el río Yalu y huyeron al exilio en China, estableciéndose finalmente en Tianjin. La familia prosperó hasta la muerte del padre en 1919, según parece envenenado por un agente japonés infiltrado en su clínica. Dado que había invertido casi todo su capital en financiar la resistencia coreana, su empobrecida viuda, incapaz de mantener a sus hijos sola, encontró diversos hogares para ellos con familiares que vivían en el este de China. El pequeño Duk-lin fue acogido por una tía que vivía en Shanghai y posteriormente en Tianjin. Paso una buena infancia, creció sano y fuerte, y fue un destacado atleta en la escuela. En 1927, después de graduarse en la secundaria, y solo 15 años después de huir de Corea, tomo un barco de vapor para volver a Shanghai y encontró trabajo como técnico aprendiz en Xinmin, uno de los estudios más pequeños del momento en la meca del cine chino. Pero no pasó mucho tiempo hasta que su buena apariencia, personalidad y disposición para el trabajo duro lo sacaron de detrás de las cámaras.

Su primera aparición en una película fue un papel sin acreditar como un joven soldado en la versión de Hou Yao de 1928 de Mulan Joins the Army (花木蘭從軍), protagonizada por Li Dandan como la mítica luchadora china, pero no consiguió un contrato tras su finalización. Con la recomendación de otro director, Wan Laitian, se unió a la Southern Film and Dramatic Society del dramaturgo Tian Han y comenzó su formación como actor. Bajo la tutela de Tian Han sobresalió en exitosas producciones teatrales como “Salomé” y “Carmen”. Años después, cuando Jin Yan recordaba esa época comentaba que “Tian Han fue mi primer maestro”.

Después de que la Southern Society se trasladara a Guangzhou en 1929, Jin Yan permanece en Shanghai y vuelve a adentrarse en la industria cinematográfica. Mientras trabajaba como cámara para la Star Film Company, el director Sun Yu le dió el papel principal en la película Romantic Swordsman (风流剑客), un típico melodrama de artes marciales de los que tanto se prodigaban en ese momento, donde comparte pantalla con la actriz Gao Qianping. Este fue el verdadero comienzo de su carrera cinematográfica y por ese motivo Kim Duk-lin decidió cambiar oficialmente su nombre artístico por el nombre en clave revolucionario de su padre: Jin Yan.

Cuando se fundó la Lianhua Film Company en 1930 atrajo a un considerable talento de otros estudios, especialmente a artistas jóvenes que se sentían listos para pasar de papeles secundarios a protagonistas. Entre estos nuevos reclutas dos nombres se convertirían en los más conocidos y taquilleros en los próximos años -y casi en su generación-: Jin Yan y Ruan Lingyu.

Su primera aparición en pantalla juntos fue en Wild Flowers Among the Weeds (野草闲花), dirigida por Sun Yu. En ella se relata la historia de dos jóvenes amantes, el hijo de una familia adinerada y una vendedora de flores, que luchan contra la oposición de la familia, y la propia sociedad, a su romance. Según su escritor y director estuvo muy influenciado por otras dos películas anteriores, “Tea Picking Girl” de 1924 y la producción estadounidense de 1927 “Seventh Heaven”. Wild Flowers Among the Weeds fue un gran éxito, especialmente entre los jóvenes urbanos chinos, y los dos prometedores co-protagonistas pronto fueron considerados ídolos. Así, durante 1931 ambos protagonizarían Love and Duty (戀愛與義務), otra obra romántica sobre la rotura de las tradiciones, A Spray of Plum Blossoms (一剪梅), adaptación libre de The Two Gentlemen of Verona de  William Shakespeare, y The Peach Girl (桃花泣血記), sobre una inocente chica de campo que es seducida por el hijo de un señor feudal, todas ellas dirigidas por Bu Wancang.

El 1 de mayo de 1932 se publicó en los medios locales la campaña “Las diez mejores estrellas de cine de China”. Los candidatos fueron nominados por las más de 100 compañías cinematográficas de Shanghai en ese momento (las tres compañías cinematográficas más fuertes eran “Stars”, “Tianyi” y “Lianhua”). Cada pocos días se lanzaban las votaciones entre los lectores. En otoño de 1933, se anunciaron los resultados: Hu Die (13,582 votos), Ruan Lingyu (13490 votos) y Jin Yan (13,157 votos) ganaron los tres primeros puestos. Jin Yan fue el actor que con más votos, llevándose  los títulos de “la estrella masculina más popular de la audiencia”, “la estrella masculina más atractiva” y “la estrella masculina de la que querrías ser amigo”. Ahí se convirtió en parte de la historia de China. El primer “Emperador del cine” tenía en ese momento 23 años. Un joven inmigrante coreano, con solo 7 yuanes en el bolsillo, había llegado a la cima del mundo cinematográfico chino.

Entre 1931 y 1932 Jin Yan interpretó el papel principal en 10 películas, retratando a una amplia gama de personajes, desde jóvenes ricos y estudiantes universitarios, hasta granjeros y marineros. Su constitución atlética y buena presencia, combinadas con su sincera naturalidad en pantalla, lo convirtieron en una apuesta segura para interpretar a jóvenes viriles. En una de sus películas como protagonista, Two Stars in the Milky Way (銀漢雙星) de 1931, Jin Yan conoció a Wang Renmei, una joven actriz que debutó en la gran pantalla en un papel secundario. Ya era una estrella prominente en los escenarios musicales de China y durante los próximos años, tanto sus carreras como su relación personal fue floreciendo. El día de Año Nuevo de 1934, en una fiesta organizada por el estudio, la pareja anunció su compromiso.

Ese mismo año, después de contraer matrimonio, la pareja se muda y terminan siendo vecinos del director Sun Yu. Este llevaba tiempo hablando con Jin Yan de la película The Big Road (大路), basada en la reparación de infraestructuras locales para la lucha contra el enemigo japonés. Finalmente terminaría co-protagonizando la película con la prominente estrella Li Lili, que venia de protagonizar el drama deportivo “Queen of Sports”, también bajo las ordenes del director. La cinta se estrenó durante el festival de primavera de 1935 y sería un éxito sin precedentes, convirtiéndose en una de las grandes películas de la historia del cine chino -no obstante el Hong Kong Film Festival la incluyo en su lista de las 30 mejores películas jamas rodadas en idioma chino-. Incluso su música, compuesta por Nie Er, uno de los más conocidos compositores chinos, y cuyos temas principales cantaba el propio Jin Yan, fue la más popular del momento en el país.

El año después del estreno de The Big Road la escalada de tensión con Japón aumenta, invadiendo este las provincias del norte de China. Sobre este hecho el director Wu Yonggang decide producir Top Gun (Soaring Aspirations, 壯志凌雲), un drama revolucionario que finalmente tuvo que ser modificado para situar la lucha lejos del norte de China y las tropas japonesas. Protagonizada por Jin Yan y Wang Renmei, esta sería una de esas películas que desatan el sentir de un pueblo, y sería determinante para que la Xinhua Film Company comenzará a realizar películas de izquierdas muy criticas con la situación actual del momento.

Cuando estalló la guerra a gran escala con Japón, Jin y Wang quedaron varados en la “Isla Huerfana” de Shanghai, conocida así por ser el único lugar de producción cinematográfica del territorio ocupado. Con su país adoptivo en tal crisis, el actor decidió dejar de actuar, lo que provocó que las autoridades de ocupación japonesas lo pusieran en una “lista negra” de personas bajo sospecha. Para ganarse la vida se mudó a una parte remota de la ciudad, donde él y su esposa vivían recluidos, y se dedico al diseño de mobiliario, interesándose por la arquitectura. Pero su reputación como el “Emperador” no lo dejaría vivir en paz: las autoridades de la ocupación lo acosaron, enviando repetidamente agentes japoneses o colaboradores chinos para que se uniese a su plan de hacer películas sobre la “cooperación chino-japonesa”. Ambos se mantuvieron firmes en su negativa. La presión aumentó a tal punto de peligrar sus vidas y en el otoño de 1938 la pareja decidió huir. Su amigo, el director Wu Yonggang, sugirió una táctica de “intercambio”, y encontraron la colaboración de una actriz llamada Hu Jia y su esposo Chen Weiguang. Chen trabajaba para una compañía de seguros extranjera y era libre de hacer viajes de negocios regulares a Hong Kong, por lo que cuando comunicó que planeaba llevar a su esposa en su próximo viaje nadie dijo nada al respecto. Cuando llegó el momento de partir, fueron Jin Yan y Wang Renmei quienes lo hicieron, dejando así Shanghai.

Mientras se encontraban en Hong Kong, Sun Yu, ahora director de la Central Film Cinema, les ofrece participar en un nuevo proyecto. Así, en 1940, después de experimentar muchas dificultades y peligros, la pareja llegó a la capital china de la guerra en Chongqing para rodar The Vast Sky (长空万里), una película patriótica sobre aviadores chinos que presentaba en su reparto una gran cantidad de estrellas de entre los refugiados de la comunidad cinematográfica de Shanghai que habían llegado a Chongqing. La pareja llevaba casada varios años, había pasado numerosas penurias y su relación empezó a deteriorarse, sobre todo cuando volvieron a Hong Kong tras esta producción. Ambos eran personas de voluntad muy fuerte: Wang Renmei era franca y directa, una mujer que disfrutaba la vida social y las nuevas relaciones personales que ello conllevaba; Jin Yan se centró en sus viejas amistades, en su mayoría hombres que fueron colegas de la comunidad cinematográfica, además de ser más conservador que su esposa. Por si esto fuera poco Jin Yan creía que no estaba haciendo lo suficiente para la defensa nacional. Inspirado por su aparición en The Vast Sky, solicitó entrenamiento como piloto en la Fuerza Aérea China, pero fue rechazado por ser demasiado mayor. Para entonces Jin y Wang vivían en Kunming, donde ella había encontrado trabajo como mecanógrafa en inglés en la base aérea de los EE.UU., algo que tampoco ayudaba debido al tradicional concepto de matrimonio del actor. Cuando se ofreció a Jin Yan girar en el sudoeste de China con una compañía teatral patriótica, le pidió que lo acompañara. Cuando Wang Renmei se negó a dejar su trabajo y seguirlo, la relación terminó y se acordó un divorcio -las fuentes varían en cuál de ellos abordó el tema por primera vez-, y la pareja que había sido el matrimonio de ensueño de la comunidad cinematográfica china se separó en 1944.

Al final de la guerra, Jin Yan regresó a Shanghai y en 1947 se había enamorado y vuelto a casar con otra famosa actriz, Qin Yi. Los dos se conocieron en Chongqing en 1940 durante el rodaje de The Vast Sky. Tiempo después Qin Yi recordó haber estado asombrada con el “Emperador” y cuando él llamó a su puerta varios años después se sintió abrumada por su interés. Sin embargo, el actor parecía reacio a reconocer hasta donde quería llegar en la relación y pronto le confesó que había recibido una oferta para trabajar en Hollywood: “Si acepto su oferta, tendríamos que separarnos. Pero si me quedo, podríamos casarnos“. Para Qin Yi, fue la prueba de que Jin Yan era un hombre que antepondría el amor a su carrera. En el invierno de 1947, Qin Yi fue invitada a rodar en Hong Kong y Jin Yan la acompañó. Mientras estaban allí, el Yonghua Film Studio quiso ficharlos con contratos a largo plazo, pero la actriz estaba muy unida a su familia en Shanghai y quería regresar lo antes posible. El actor ya había abandonado la idea de Hollywood y, en un cambio de actitud desde su primer matrimonio, decidió seguirla de regreso a Shanghai. La víspera de su partida de Hong Kong, Jin Yan, de 37 años, y Qin Yi, de 25, se casaron. Poco después tuvieron un hijo al que llamaron Jin Jie.

Durante la posguerra más inmediata la carrera cinematográfica de Qin Yi floreció, mientras que Jin Yan nunca se acercó a las cotas que había disfrutado en la década de 1930. Apareció ocasionalmente en el escenario y actuó en algunas películas, incluida Lost Love (失去的爱情, 1949) junto a su esposa, pero la mayor parte de su tiempo lo dedicaba a sus aficiones: el tenis, el cultivo de flores, la caza y la crianza de perros. No tardó mucho en darse cuenta que este estilo de vida acomodado cada vez era menos satisfactorio y cayó en periodos de depresión, a veces buscando consuelo en el alcohol. Sin embargo, con la fundación de la República Popular en 1949, su carrera pareció resucitar cuando fue elegido en papeles protagonistas, o de cierta relevancia, en The World Bright Again (大地重光, 1950), The Great Beginning (伟大的起点 偉大的起點, 1954), Mother (母亲, 1956) y Eagles Brave the Storm (暴风中的雄鹰, 1957). Su interpretación de Lao Deng, un mártir comunista, en Mother fue probablemente el mejor papel de su carrera posterior, y el que la mayoría de los chinos recuerdan hoy en día.

Al rodar Eagles Brave the Storm en 1957, la salud del actor comenzó a resentirse. Jin interpretó a un cazador tibetano que ayuda a los soldados del Ejército Rojo durante la Gran Marcha, y las condiciones de filmación resultaron francamente duras: además de la altitud, la primavera llegó tarde al Tíbet ese año y el frío se hizo notar. Ese mismo verano, durante el rodaje en estudio, la cosa fue justo la contraría, con un tremendo calor acentuado por el recio vestuario. En aquel momento el actor bebía más que nunca y sufrió fuertes dolencias estomacales como resultado.

Tras dos papeles relativamente pequeños en películas menores en 1958, al año siguiente recibiría una oferta que le entusiasmó. La división cinematográfica del gobierno de Alemania del Este estaba planeando una película de ciencia ficción en torno a la exploración de Venus que tendría un elenco internacional. El proyecto, de nombre Der Schweigende Stern (First Spaceship on Venus) y dirigido por Kurt Maetzig, adaptaba la novela “El Astronauta” de Stanislaw Lem. Dado que el inglés sería el idioma común de los actores, los alemanes pidieron al Ministerio de Cultura chino que escogiera un actor adecuado, y ese fue Jin Yan. Viajó a Berlín lleno de entusiasmo, pero las repetidas revisiones de guión provocaron que tras casi dos meses aún no se conociera fecha de comienzo de rodaje. Jin decidió regresar a China y esperar noticias, pero en su segundo día en Beijing fue hospitalizado por una recaída de sus dolencias estomacales y finalmente se escogió otro actor para el papel.

A partir de este momento su salud no paró de empeorar. En 1962 se sometió a una operación para extirpar 1/3 de su estómago e implantarle un catéter. Después de la operación sufrió un ataque de parálisis que lo dejó postrado en cama durante la mayor parte de los próximos 20 años. Qin Yi se hizo cargo tanto de sustentar a la familia como de ser la enfermera de su esposo, pero las cosas empeoraron con la llegada de la Revolución Cultural: La actriz fue una de las muchas perseguidas y fue sentenciada a una pena de prisión de hasta dos años. En ese momento Jin Yan había desarrollado enfisema pulmonar, por lo que la sentencia de cárcel se convirtió en un programa de trabajos. Todos los días trabajaba en una fábrica y luego corría a casa para atender a su marido antes de regresar a prisión durante la noche. Después de su liberación, Qin Yi dedicó todo su tiempo a cuidar a su marido, ahora totalmente inválido, y retomó su papel de sostén familiar cuando se reanudó la producción cinematográfica en 1975.

El 27 de diciembre de 1983, Jin Yan, el emperador del cine chino, perdió la batalla contra sus múltiples problemas de salud a la edad de 73 años.

Filmografía:

Mulan Joins the Army / 花木蘭從軍, 1928.
Four Heroes of the Wang Family II / 王氏四俠-續集, 1929.
Romantic Swordsman / 風流劍客, 1929.
Wild Flowers Among the Weeds / 野草閒花, 1930.
Love and Duty / 戀愛與義務, 1931.
A Spray of Plum Blossoms / 一剪梅, 1931.
The Peach Girl / 桃花泣血記, 1931.
Two Galaxy Stars / 銀漢雙星, 1931.
Wild Roses / 野玫瑰, 1932.
Spring Dream in the Old Capital II / 续故都春梦, 1932.
Confront the National Crisis Together / 共赴國難, 1932.
Humanity / 人道, 1932.
A Music Teacher / 海外鵑魂, 1932.
Three Modern Women / 三個摩登女性, 1933.
Night in the City / 城市之夜, 1933.
The Light of Maternal Instinct / 母性之光,1933.
Golden Age / 黄金时代,1934.
The Big Road / 大路, 1935.
The New Peach Blossom Fan / 新桃花扇, 1935.
Top Gun / Soaring Aspiration / 壯志凌雲, 1936.
Waves Washing the Sand / 浪淘沙, 1936.
Return to Nature / 到自然去, 1936.
Unexpected Tears of Blood / 情天血淚, 1938.
Wu Song and Pan Jin Lian / 武鬆與潘金蓮, 1938.
Lin Chong, the Outlaw / 林沖雪夜殲仇記, 1939.
The Vast Sky / 长空万里, 1940.
Ideal Son-in-Law / 乘龍快婿, 1947.
Spring Melody / 迎春曲, 1947.
Lost Love / 失去的愛情, 1949.
The World Bright Again / 大地重光, 1950.
The Great Beginning / 偉大的起點, 1954.
Mother / 母親, 1956.
Brave Eagle in the Rainstorm / 暴風雨中的雄鷹, 1957.
Red Flag at the Sea / 海上紅旗, 1958.
Love the Factory as a Home / 愛廠如家, 1958.

Referencias:

Don Marion, “The Emperor: Jin Yan”, The Chinese Miror, A Journal of Chinese Film History. [actualmente offline]
<http://www.chinesemirror.com/index/2007/10/the-emperor-jin.html>

Wikipedia. “金焰”. Wikipedia, The Free Encyclopedia [consultada el 16 de abril de 2019].
<https://zh.wikipedia.org/wiki/%E9%87%91%E7%84%B0>

Douban. “金焰 Yan Jin”. Douban [consultada el 16 de abril de 2019].
<https://movie.douban.com/celebrity/1003352/>

Hoy mismo comienza una nueva edición del Festival Internacional de Cine FILMADRID con un variado programa que pretende descubrir senderos inéditos y novedosos dentro del paisaje cinematográfico contemporáneo, promoviendo y exhibiendo un cine de marcado carácter autoral y fuera de los mercados más comerciales. Entre su programa oficial se esconden algunas interesantes propuestas asiáticas, que repasaremos a continuación. Para consultar los horarios y proyecciones os recomiendo visitar su página web.

Sección Oficial a competición

My Dear Friend
Yang Pingdao.
China, 2018. 106 min.

El viejo Zhongsheng sabe que tiene los días contados. Recuerda una visita con Shuimu cuando eran jóvenes a una aldea lejana, también el rumor sobre la masacre de una familia y un niño pequeño flotando río abajo. Zhongsheng cree que él era ese niño y que esa fue la aldea en la que nació. Viendo como la angustia crece en su amigo, Shuimu decide llevarlo hasta sus «raíces».Durante el viaje, los hombres se encontrarán con su propia infancia y juventud.

Las grandes sorpresas cinéfilas suelen venir de los márgenes. La ópera prima de Yang Pingdao, que pudo verse en una sección paralela del festival de cine de Busan, va enriqueciendo su sugestiva premisa inicial para lanzarse, a mitad de metraje, a una de las travesías, físicas y emocionales, más intensas e imprevisibles del cine reciente. Lo que empieza como uno de tantos desencuentros entre la cultura urbana y la rural –desencuentro de especial magnitud en la China contemporánea– se transforma progresivamente en una indagación primero misteriosa y más tarde melancólica en el pasado, los vínculos afectivos y la capacidad de erosión de la modernidad. La película va renunciando a sus primeros planteamientos narrativos e incluso a la mera semblanza realista para terminar componiendo un relato que se mueve entre lo onírico y lo alegórico sin por ello perder claridad discursiva. Yang construye para los personajes y la audiencia un engranaje de laberíntica fascinación en el que vale la pena perderse. GABRIEL DOMÉNECH

Pig
Mani Haghighi.
Irán, 2018. 108 min.

Hasan está lleno de rabia. Por figurar como director en una lista negra, no se le ha permitido hacer una película en años. Su actriz predilecta, Shiva, está impaciente y quiere trabajar con otros directores. Su esposa Goli parece haber dejado de quererle. Su hija Alma ha crecido y es independiente. Su vieja y querida madre está perdiendo la cabeza lentamente. Si al menos pudiera hacer una película, consideraría contratar a su atractiva acosadora Annie.

Afilada hasta el extremo en su visión política y profundamente lúdica en su construcción, Pig, nueva genialidad de Mani Haghighi, observa la frágil posición social de los artistas en Irán mediante una trama delirante. Un asesino en serie está acabando con la vida de los cineastas más prestigiosos del país. Su protagonista, Hasan, realizador censurado y condenado al ostracismo por el gobierno, pasa de temer ser la siguiente víctima a sentir celos por no convertirse en uno de esos mártires. Pig lleva al extremo la comedia absurda para criticar la egolatría de los creadores en el contexto de una nación envuelta en una imparable paranoia alimentada por los medios de comunicación y las redes sociales. JAVIER H. ESTRADA

Orphan’s Blues
Riho Kudo,
Japón, 2018. 89 min.

Emma vive en un mundo donde hace mucho calor. Un día recibe un cuadro de Yang, un amigo de la infancia con el que creció y a quien ha perdido la pista. Emma y el hermano menor de Yang, Van, organizan un viaje para ir a buscarlo. A medida que encuentran gente que conoce a Yang, Emma cada vez se olvida de más cosas.

Entre las muchas particularidades que atesora la cinematografía japonesa, el subgénero del “seishun eiga”, la película de jóvenes, no ha sido el que más ha viajado fuera de las pantallas locales, quizá por atenerse a una serie de convenciones y vínculos con su contexto inmediato que no se perciben con igual nitidez en otros ámbitos culturales. No es el caso de la penetrante ópera prima de Riho Kudo, joven cineasta cuya Orphan’s Blues narra, con un sorprendente equilibrio tonal entre mesura y violencia contenida, el viaje físico y, sobre todo, emocional de un grupo de veinteañeros en busca de un asidero para sus precarias existencias. Tomando como hilo conductor a la desmemoriada Emma, personaje que en cierta forma recoge, para cuestionarlos, algunos tropos del “seishun eiga” –la protagonista frágil obcecada en alcanzar el afecto de la inaccesible contraparte masculina– , asistimos a un retablo de vidas huérfanas, inasequibles a la soledad o la marginación, retratadas desde la solidaridad y la empatía. GABRIEL DOMÉNECH

Sea of Lost Time
Gurvinder Singh.
India, 2018. 45 min.

Sea of Lost Time es una alegoría situada en un tiempo y espacio indefinido que evoca el realismo mágico de Gabriel García Márquez inspirándose en sus personajes de ficción. Un soldado regresa de la muerte a un pueblo costero. Rememora su pasado, el tiempo que ha perdido estando fuera, que parece un mar entre el pasado y un desmembrado presente.

La última película de Gurvinder Singh ofrece no pocos alicientes para incluirla en un hipotético catálogo que reuniese los mejores filmes «no finalizados» de la historia, si entendemos por ello todo producto cinematográfico cuyo acabado final o disponible, por las razones que sean, no coincide con el prefigurado o inicial. El director indio, asistido por un equipo de estudiantes del Instituto de Cine y Televisión de India en Pune, llevaba a cabo una versión libre del cuento homónimo de Gabriel García Márquez cuando el arbitrio de las autoridades locales paralizó el rodaje. Lo que ahora se proyecta es el montaje de los fragmentos que se han preservado de este largometraje arruinado. Su circunstancia, sin embargo, no es óbice para alcanzar la condición de obra maestra. Con una puesta en escena tan sobria como poderosa, la franqueza conmovedora de los relatos sencillos y su narración lírica del dolor y la regeneración de las víctimas, Sea of Lost Time demuestra que una película incompleta también puede ser una película perfecta. RAMÓN DEL BUEY

Winter’s Night
Jang Woo-Jin.
Corea del Sur, 2018. 93 min.

Eun-ju y Heung-ju, una pareja de mediana edad, visitan el templo Cheongpyeong de Chuncheon, donde pasaron su primera noche juntos hace 30 años. Volviendo del templo Eun-ju descubre que ha perdido su teléfono. Debido a imprevistos de última hora, un matrimonio coreano se ve obligado a permanecer una noche más en su destino, al norte del país.

Debido a imprevistos de última hora, un matrimonio coreano se ve obligado a permanecer una noche más en su destino, al norte del país. Treinta años antes visitaban ese mismo lugar como dos jóvenes enamorados, pero ahora afrontan estas horas extra desde un amor cansado y que se resquebraja como el hielo. El director coreano Jang Woo-Jing se sirve del ambiente nocturno para transformar la expresividad del paisaje y sus sonidos, insuflándoles un aura mágica, irreal. Esa noche los tiempos pasado y presente parecen disolverse para que mujer y esposo encuentren su personal espejo y puedan reevaluar el camino andado. En algún momento, la presencia del soju podrá hacer pensar en Hong Sang-soo, pero la reflexión sobre las grietas afectivas causadas por el paso del tiempo remite a la extraordinaria Copia certificada (Abbas Kiarostami, 2010), aunque aquí la melancolía tenga un delicado poso de invierno y noche. ANDREA MORÁN

Sesiones Especiales

Season of the Devil
Lav Diaz.
Filipinas, 2018. 234 min.

A finales de los setenta, grupos paramilitares aterrorizan un pueblo remoto en Filipinas. El terror infligido en los ciudadanos no solo es corporal, sino intensamente psicológico. De manera constante alimentan rumores falsos acerca del líder de la zona. Una minoría resiste y se niega a abandonar. El poeta, profesor y activista Hugo Haniway busca con desesperación la verdad acerca de la desaparición de su esposa.

Lav Diaz ha definido Season of the Devil como un “antimusical” y una “ópera rock”. El gran autor filipino sitúa su historia a finales de los 70, periodo especialmente cruento de la dictadura de Ferdinand Marcos, tomando como base las actuaciones de las milicias populares que pretendían erradicar cualquier rastro de comunismo. Cada uno de los personajes expone sus pensamientos y emociones por medio de canciones tan cargadas de lirismo como despojadas de adornos, estableciendo un espejo inequívoco con la realidad actual de Filipinas bajo el mandato autoritario de Rodrigo Duterte. Diaz dinamita los códigos del género para desarrollar un imparable discurso por la libertad, todo ello con su cruda y deslumbrante composición del blanco y negro, y un tiempo que se expande hasta alcanzar la más profunda representación de la brutalidad y la inquietud del ser humano. JAVIER H. ESTRADA

Vanguardias Live

Memento Stella
Takashi Makino.
Japón, Hong Kong, 2018. 60 min.

Memento Stella es el segundo mediometraje, nueva obra maestra de Takashi Makino, terminada en 2018. Esta película (luz), que ha sido rodada en muchos países y terminada en Hong Kong, se devuelve al mundo de nuevo. La banda sonora original está realizada por el músico holandés Reiner Van Houdt, pero en esta ocasión tendremos una proyección especial en la que el propio Makino creará la música en directo. Esta experiencia se realizó en enero de 2018 en la galería URANO (Tokyo), pero únicamente con las dos primeras partes de la película. En la Casa Encendida podrá escucharse, por primera vez, la performance sonora durante todo el metraje. Con el sonido en directo, Makino genera una nueva vida y una nueva interpretación de estas imágenes profundas, orgánicas y casi eternas.

Los adolescentes indios que crecieron en la década de 1970 y 1980 a menudo sufrían pesadillas y se despertaban entre gritos en mitad de la noche. No se trataba de ningún trauma, tan solo eran fieles consumidores de las ofertas cinematográficas de los Ramsay Brothers. Mucho antes de que el director Yash Chopra ganara el epíteto “rey del romance” por redefinir el género romántico en Bollywood, los hermanos Ramsay hicieron suyo el género del terror en el cine hindi. De hecho, lo que Manmohan Desai era para el cine convencional, Tulsi Ramsay -junto con su hermano Shyam- era para las películas de terror. En aquella época la mención de los Ramsay transportaría a los cinéfilos a noches oscuras donde los fantasmas con uñas y dientes excesivamente grandes acechaban a sensuales chicas mientras los murciélagos volaban.

Si retrocedemos en el tiempo, Mahal, lanzada en 1949, fue el primer thriller de reencarnación de la India que asustó al público de forma masiva, pero no sería una película de terror propiamente dicha. Bees Saal Baad en 1962, basada en The Hound of the Baskervilles de Sir Arthur Conan Doyle, fue un éxito comercial y preparó el camino para muchos thrillers espeluznantes que encajarían en el género del terror. Tres años después Gumnaam, adaptación de la obra de Agatha Christie And Then There Were None, y Bhoot Bungla (Haunted Bungalow) irrumpieron en la taquilla con relativo éxito. Sin embargo, los Ramsay Brothers fueron los pioneros del horror en la industria cinematográfica india.

Hijos del cineasta Fatehchand U. Ramsinghani (a.k.a. F.U. Ramsay), la familia Ramsay se mudó a India desde Karachi, ahora en Pakistán. El patriarca tenía un negocio de radios y electrónica, pero más tarde se adentró en el mundo de la producción cinematográfica. Mientras realizaba películas F.U. Ramsay y sus hijos observaron que las escenas que provocaban miedo y tensión intrigaban al público, ahí es cuando F.U. decidió producir una cinta de terror de pleno derecho, y para ello nadie mejor que sus propios hijos.

Así, los hermanos Shyam y Tulsi Ramsay realizarían las tareas de dirección; Kumar escribiría los guiones, Gangu sería el encargado del rodaje y la fotografía, ayudado generalmente por Keshu, quien también dirigió películas fuera del género del terror. Kiran estaba generalmente a cargo del sonido y la postproducción, mientras que Arjun se encargaba de la edición. Dado que la ejecución del género del terror es minuciosa y sus fondos eran limitados, adoptaron una fórmula simple, no trabajaban con grandes estrellas. Con actores jóvenes y relativamente nuevos como Puneet Issar, Anil Dhawan, Arti Gupta, Mohnish Bahl y Hemant Birje reclutados en los papeles clave, sus películas se dirigieron a audiencias de perfil bajo. De hecho, los actores eran meros accesorios destinados a hacer avanzar la historia, y debían seguir el ritmo de grabación y producción de los hermanos. Por cierto, en una industria que adora a sus héroes, Surendra Kumar, el héroe de Do Gaz Zameen Ke Neeche, nunca volvería a tomar este rol en solitario.

Las películas de los Ramsay eran simplemente películas de los Ramsay, y eran vendidas y aceptadas en consecuencia. Su música era aceptable, su tecnología vulgar, el diálogo mediocre, pero el público rara vez se quejaba, venían a ver la sangre fluir de los ojos y boca de un fantasma; Llegaban a sentir cierta emoción al ver a la heroína asustada, ligera de ropa, corriendo o gritando por su vida cuando se enfrentaba a un monstruo; Aplaudían cuando un fantasma se levantaba de su tumba o un monstruo acechaba detrás de una puerta, llevándose una o dos canciones de regalo. No esperaban la luz del sol, solo horror y una extraña noche. Los Ramsay les dieron todo esto y, quizás, un poco más. Los hermanos tuvieron cero competencia, En el cine hindi, el horror significaba Ramsay. Sus películas, ya fueran Do Gaz Zameen Ke Neeche o éxitos posteriores como Purana Mandir (1984), Tahkhana (1986), Veerana (1988), Purani Haveli (1989) o Bandh Darwaza (1990), tenían la misma estructura. Sea con un fantasma acechador, un monstruo aterrador o incluso un cráneo volador, los Ramsay sobresalieron en su género predilecto.

Cuando se estrenó Do Gaz Zameen Ke Neeche y se convirtió en un éxito de taquilla, los espectadores se sorprendieron. Llegó en un momento en que la locura de Rajesh Khanna estaba en su apogeo e ir al cine significaba ver una película romántica, sin embargo, los hermanos Ramsay se hicieron un hueco por sí mismos. Rajesh Khanna, con sus descaradas estructuras románticas, atrajo a las audiencias urbanas. Amitabh Bachchan se convertiría más tarde en el héroe de culto de los inmigrantes urbanos. Los Ramsay se dirigieron a los cines B-town, cines de ciudades secundarias y de bajo caché, donde a menudo se tardaba meses en estrenar una película hindi comercial después de su primera proyección en Mumbai o Delhi. Los Ramsay no tuvieron ningún problema en mostrar sus películas en ciudades más pequeñas tan solo un par de semanas después del estreno en las grandes ciudades, donde se les miraba con un sentimiento de condescendencia. Los cines en el centro de las grandes ciudades rara vez programaban una película Ramsay; Los diarios ingleses casi nunca abrieron sus reseñas cinematográficas con una película Ramsay. En Chitrahaar, el enormemente popular programa de música y baile de Doordarshan, las canciones Ramsay rara vez se reproducían. Para audiencias más cosmopolitas, los Ramsay eran los primos pobres de los que fingían no haber oído hablar nunca.

Sin embargo, los Ramsay se rieron en la cara de estos prejuicios. No solo dieron una exitosa película tras otra sin el apoyo de actores populares, medios de comunicación o incluso grandes salas de cine, sino que también hicieron que su género cinematográfico fuera notablemente popular.

Producidas en tiempos reducidos y con presupuestos muy limitados, los títulos de los Ramsay Brothers se publicaban con una docena de copias en los cines menos glamurosos de Mumbai. Para la segunda semana, ese número bajaría a diez; para la tercera semana, solo una o dos copias permanecerían en circulación en la ciudad. Para entonces, sus películas ya se proyectaban en las zonas del interior. La lógica comercial sugiere que los Ramsay hicieron el 60 por ciento de sus negocios en zonas rurales, territorios donde los rendimientos son más lentos y están nublados por la confusión administrativa. Los números conocidos son solo la punta del iceberg ya que los medios no registraban adecuadamente las películas de serie B y C, en donde los productores buscaban sus artimañanas para obtener el máximo rendimiento fuera del conocimiento tributario. La relativa persistencia de este modelo de negocios mejoró la desconcertante opacidad en la empresa familiar. Sus películas, atrapadas en la brecha entre lo respetable y lo ridículo, lo legal y lo ilegal, a menudo tenían vidas comerciales realmente confusas. Los Ramsay sabían como hacer dinero en una sociedad como la india.

Con Darwaza (1978) y Andhera (1975), estuvieron verdaderamente en camino de establecerse como cineastas que podían hacer películas con un presupuesto limitado. Mucho antes de que Mithun Chakraborty, con gente como T.L.V. Prasad y Rajiv Babbar, empezaran a hacer películas que costaban alrededor de Rs.40 lakh en la década de 1990; los Ramsay las hicieron en la década de 1970 por alrededor de Rs.5 lakh, incluidos todos los gastos. De hecho, gastaron Rs.3.5 lakh en su primera película, llegándose a pedir a los actores que trajeran su propio vestuario y alquilando parte del equipo.

Aún tendrían que pasar 15 años para que producciones como Purana Mandir y Veerana llegaran a la gran pantalla, pero los Ramsay fueron respetados por su oficio, que dice mucho sobre las habilidades de director de Tulsi y Shyam, que tenían buen ojo para los detalles y el talento. En el momento en que Tulsi puso sus ojos en el actor Surendra Kumar, decidió al instante que Do Gaz Zameen Ke Neeche necesitaba un chico guapo; Cuando descubrió a Arti Gupta, supo que había encontrado a la protagonista de Purana Mandir. Lo mismo ocurre con la elección de Jasmin en Veerana. Tulsi sabía lo que quería de sus actores y quién encajaba en cada papel. Purana Mandir probablemente fue el único papel protagonista en solitario de Mohnish Bahl, aunque nunca volvió a trabajar con Tulsi. Jasmin no pudo reproducir el éxito de Veerana ni Surendra Kumar pudo repetir el de Do Gaz Zameen Ke Neeche. Tulsi tuvo una visión clara que tomaba siempre en cuenta la respuesta de una audiencia concreta a una escena concreta. Por supuesto, también trabajó con actores populares. Por ejemplo, eligió a Navin Nishchal en Saboot (1980) y Hotel (1981), y Shatrughan Sinha y Parveen Babi participaron en Sannata (1981), pero siempre creyó que las películas eran el medio del director y los actores simplemente la cara manifiesta de la visión del mismo.

En los anales de la realización cinematográfica, Tulsi siempre tendrá que compartir el crédito por su éxito con su hermano Shyam y la gran familia Ramsay, pero Tulsi fue el principal garante de la industria cinematográfica familiar, y posteriormente en su incursión en la televisión. Cuando los espectadores comenzaron a alejarse de los cines a comienzos de la década de 1990 hacia la televisión por satélite, los Ramsay crearon The Zee Horror Show. El espectáculo, dirigido de nuevo por Tulsi, se prolongó durante cinco años, demostrando que las audiencias volvían después de su primera experiencia aterradora. El espectáculo amplió el atractivo de los Ramsay: de ser los primos pobres ignorados de la gran industria cinematográfica, se convirtieron en nombres familiares. A la gente le encantó el espectáculo de terror. Si sus películas normalmente obtuvieron un certificado de “Sólo para adultos”, sus programas de televisión también se centraban en las sombras de la noche. The Zee Horror Show evocó gritos de miedo y terrores nocturnos.

Los Ramsay Brothers son miembros de una fraternidad transcontinental de cine de culto, posicionados a la altura de figuras como Mario Bava y Georges Franju, artesanos del horror otrora olvidados que han sido revitalizados por el enorme alcance y las capacidades de reciclaje de la globalización. Purana Mandir, que fue olvidada durante mucho tiempo hasta tal punto de ni siquiera estar disponible en los vendedores ambulantes, se está difundiendo como cine “basura” global, haciendo las delicias de no pocos aficionados a este tipo de productos. Pero el enfrentamiento crítico ante este tipo de películas se dio desde casi su estreno.

Filmfare, la revista de cine más vendida de la India, había nombrado a Purana Mandir en sus primeras semanas; En enero de 1985, sin embargo, como testimonio del éxito de taquilla de la película, la revista le dio a su crítico principal, Pritish Nandy, un total de dos páginas para revisarla en profundidad. Titulada “Indiana Jones regresa al Templo de la melancolía” (Filmfare, 1-15 de enero de 1985), la pieza de Nandy es un ejercicio de desprecio brutal. Sus observaciones suelen ser desagradables (“las paredes de cartón se están cayendo“), a veces perezosas (la repetida referencia al monstruo de la película como Shaitan; su nombre es Samri), y con frecuencia no verificables (“Los resultados son previsibles … Todos quieren dinero rápido mientras los ujieres se esconden debajo de las sillas”). Sin mencionar siquiera una vez que la película fue un éxito gigantesco a cualquier escala.

Seis meses después de la revisión de Nandy, otra crítica de Filmfare también recibió dos páginas para un artículo sobre los Ramsay. En “Love at First Bite” (Filmfare, 1-15 de agosto de 1985), Roscoe Mendonza expresó su esperanza de que una futura re-evaluación demostraría que los hermanos debían ser considerados verdaderos autores. El artículo de Mendonza es una refutación implícita, pero obvia, al anterior de Nandy:

Necesitamos tales películas. Puede estar bien que Mrinal Sen o Saeed Mirza pregonen las formas y los medios en que sus películas satisfacen las necesidades de la sociedad. Igualmente, los duques del cine comercial, que promocionan la necesidad de entretenimiento en una sociedad cansada. Pero, ¿Puede alguna de estas dos camarillas aportar a su filmación una verdadera comprensión de la psique de la India como lo han hecho los hermanos Ramsay? (Mendonza, 1985)

Purana Mandir, a medida que pasaba por el molino de la prensa, convirtió las páginas de Filmfare en una pequeña zona de guerra cultural. En retrospectiva, parece perversamente apropiado que los Ramsay alcanzaran la prominencia en los años 70, un período iluminado por las promesas de la Nueva Ola de la India y chamuscado por la ira de Amitabh Bachchan, y tuvieran sus mayores éxitos en los 80.

Virtuosos de los terrenos oscuros cinematográficos de aquellos años, los Ramsay Brothers desafiaron a los estudiosos del cine de Mumbay a echar un vistazo a su “basura”. Con el fallecimiento de Tulsi Ramsay el 14 de diciembre de 2018, las antiguas mansiones en ruinas, los templos abandonados y los cementerios olvidados pueden yacer en paz. Nunca habrá otro cineasta que use a los muertos para asustar a los vivos como él lo hizo.

Referencias:

Us Salam, Ziya. “Tulsi Ramsay, King of Horror”. Frontline, The Indian National Magazine. January 18, 2019.<https://frontline.thehindu.com/other/obituary/article25879704.ece>

Nair, Kartik. “Fear on Film: The Ramsay Brothers and Bombay’s Horror Cinema”. Sarai Reader 08: Fear. October 10, 2010.
<http://sarai.net/sarai-reader-08-fear/>

Pathbreakingwriter. “Ramsay Brothers: The Pioneers of Horror”. Sharukh Eruch Bamboat. September 19, 2016.<https://sharukheruchbamboat.wordpress.com/2016/09/19/ramsay-brothers-the-pioneers-of-horror/>