El próximo día 11 de Noviembre comienza la tercera edición del Casa Asia Film Week, el festival de cine asiático de Barcelona organizado por Casa Asia y Cinemes Girona. Este año se proyectan 52 películas de casi todos los países asiáticas, incluyendo filmografías tan minoritarias y desconocidas como Bangladesh o Camboya. El festival se estructura en tres apartados: la sección Oficial a concurso en la que competirán 18 películas de los años 2014 y 2015; la sección Panorama, que programará 18 cintas representativas de las mejores producciones asiáticas de 2013, 2014 y 2015, y la sección Especial que con 15 títulos recogerá una selección del cine más emergente. La película inaugural será “The Golden Era” de Ann Hui, premier en España.

En esta edición el leitmotiv del CAFW es cartografiar un continente a través de las cinematografías locales y exhibir los autorretratos cambiantes que cada sociedad hace de sí misma en la actualidad, cosa que sinceramente no tengo muy claro que implica. Lo que si es cierto es que un primer vistazo a la programación nos hará ver repetida la palabra “Drama” hasta casi cansarnos de ella. Bien es cierto que una película implica mucho más que un simple adjetivo, y que a veces se aplica este “Drama” a cosas muy dispares y diferentes, que contiene comedias, thrillers o ciencia ficción. Pero también lo es que parece que la variedad en género es menor de lo que hubiera sido deseable, más si no se investiga un poco en torno a las películas. No se porqué siempre quise que el CAFW fuera más en la línea del Far East Film Festival de Udine, salvando las distancias claro, con cine más popular y cercano, y quizás menos en la línea de festivales más de autor. Pero esta reflexión no quita que en esta programación se escondan joyas que uno no debe perderse, y os animo a todos a que las descubráis.

Sesión Inaugural

HUANG JIN SHI DAI, THE GOLDEN ERA (Hong Kong/China)
Dir.: Ann Hui
Año: 2014
Duración: 172′
Género: Drama
Interpretes: Wei Tang, Shaofeng Feng, Zhiwen Wang

Con guión de Li Qiang, la directora Ann Hui se adentra en la vida de dos escritores chinos de los años 30, Xiao Hong y Ding Ling. La edad de oro a la que se hace referencia aquí corresponde a una época turbulenta, en la que las circunstancias no eran fáciles para quienes adoptaban posturas contra el régimen. La recreación de ambientes que forman parte de un pasado en muchos casos aún vigentes y que las generaciones actuales no han conocido, pone en circulación fragmentos de una historia que no se puede soslayar y que forma parte de las vidas de sus protagonistas.

Sección Oficial a concurso

A FEW CUBIC METERS OF LOVE (Afganistán)
Dir.: Jamshid Mahmoudi
Año: 2014
Duración: 90′
Idiomas: Lengua original/Subtítulos: Persa/VOS (inglés)
Género: Romance / Drama
Interpretes: Hasiba Ebrahimi, Nader Fallah, Masoud Mirtaheri

En algún lugar de las afueras de Teherán (Irán), una empresa utiliza ilegalmente a inmigrantes afganos que viven con sus familias en los vertederos y en las chabolas de las barriadas cercanas. En este contexto, Saber, un joven trabajador iraní, se reúne en secreto con Marona, hija de Abdolsalam, un trabajador afgano. Entre ambos surgirá una historia de amor con un desenlace imprevisible.

THE LAST REEL (Camboya)
Dir.: Sotho Kulikar
Año: 2014
Duración: 106′
Idiomas: Khmer/VOSI
Género: Drama
Interpretes: Mony , Rous Mony, Ma Rynet

En la ciudad de Phnom Penh, Camboya, Sophoun – la hija de un coronel de la línea dura- vive la vida al límite y exhibe su rebeldía formando parte de una banda local. Un día su padre regresa a casa con una propuesta de matrimonio, y Sophoun huye. Asumiendo las consecuencias de la decisión que ha tomado, busca un lugar alternativo donde refugiarse y acaba en un cine abandonado. Allí, para su sorpresa, asistirá al visionado de un melodrama inacabable de los años 70 decubriendo que se trata de una película protagonizada por su propia madre, ahora enferma, y que muestra a una mujer joven y glamurosa.

POET ON A BUSINESS TRIP (China)
Dir.: Ju AnQi
Año: 2014
Duración: 103′
Idiomas: Mandarín
Género: Drama/ Road Movie
Interpretes: Shu

Shu es un poeta que debe hacer un viaje de negocios a Xinjiang, en la región Uigur. Durante el viaje, Shu escribe 16 poemas mientras pasa por montañas, bosques y lagos en el área más desolada y despoblada de China.

HAEMOO, NIEBLA (Corea del Sur)
Dir.: Sung-bo Shim
Año: 2014
Duración: 111′
Idiomas: Coreano
Género: Drama
Interpretes: Kim Yoon-seok, Park Yoo-chun, Ye-ri Han, Seong-kun Mun, Sang-ho Kim, Hee-jun Lee

Los intentos de un barco pesquero surcoreano por transportar inmigrantes ilegales de China a Corea, terminan en una catástrofe que llevará a la tripulación a la locura. Durante la travesía de regreso a la costa coreana el plan del capitán se va a pique cuando, perseguidos por una patrullera marítima, un desgraciado accidente cambiará el curso de los acontecimientos. Ante tal situación, el capitán ordenará a su tripulación llevar a cabo un desconcertante y macabro plan.

MADONNA (Corea del Sur)
Dir.: Shin Su-Won
Año: 2015
Duración: 121′
Idiomas: Coreano
Género: Drama
Interpretes: SEO Young-hee, KWON So-hyun, KIM Young-min

Una mujer de 35 años consigue trabajo en un hospital, al cuidado de un paciente VIP, al que intenta mantener con vida su hijo y así obtener su riqueza, practicando sucesivos transplantes de corazón. Cuando el hijo presenta un nuevo candidato a donante, la doctora deberá decidir si seguir la voluntad del hijo, o salvar a la mujer candidata a donante, que tiene a sus espaldas un pasado de abusos, además de estar embarazada.

BWAYA, CROCODILE (Filipinas)
Dir.: Francis Xavier Pasion
Año: 2014
Duración: 83′
Género: Drama
Interpretes: Angeli Bayani, Karl Medina, RS Francisco

La familia de Divina lleva una vida tranquila vendiendo el pescado que pesca su marido Rex. Sus hijos son su orgullo. Divina está inmersa en los preparativos de la celebración del decimotercer cumpleaños de su hija Rowena. Sin embargo, su sueño se ve interrumpido cuando le anuncian una trágica noticia: su hija ha sido atacada por un cocodrilo y no han conseguido encontrar su cuerpo. Mientras Divina emprende la búsqueda del cuerpo de Rowena en los pantanos de Agusan del Sur, aprende una lección aún más trágica que su propio destino: no todos los depredadores viven bajo el agua.

COURT (India)
Dir.: Chaitanya Tamhane
Año: 2014
Duración: 116′
Idiomas: Marathi, Hindi, Gujarati, English
Género: Drama
Interpretes: Vira Sathidar, Vivek Gomber, Geetanjali Kulkarni, Pradeep Joshi,Usha Bane,Shirish Pawar

La película denuncia los procesos judiciales en India a partir de la historia de Narayan Kamble, un profesor y cantautor activista acusado de incitar el suicidio de un trabajador del gobierno.

MARGARITA WITH A STRAW (India)
Dir.: Shonali Bose, Nilesh Maniyar
Año: 2014
Duración: 100′
Idiomas: VOSE
Género: Drama
Interpretes: Kalki Koechlin, Revathy, Sayani Gupta

Una joven estudiante de Nueva Delhi con parálisis cerebral consigue una plaza en la Universidad de Nueva York y, junto con su madre, deja la India y se embarca en un emocionante viaje de auto-descubrimiento. Allí conocerá a una apasionada activista, Khanum, que le hará replantearse su vida, su creatividad y, sí, finalmente, su orientación sexual. El amor florece con fuerza entre ellas dos en una historia apasionante y conmovedora.

CAHAYA DARI TIMUR: BETA MALUKU (Indonesia)
Dir.: Angga Dwimas Sasongko
Año: 2014
Duración: 151′
Idiomas: Marathi con subtítulos en inglés
Género: Drama
Interpretes: Abdurrahman Arif, Aufa Assagaf, Glenn Fredly, Ridho Hafiedz

Sani Tawainella quiere salvar a los niños de un pueblo dominado por un conflicto religioso en Ambon, a través del fútbol. En medio de las dificultades de la vida,​​Sani es asignado para llevar a su equipo a representar a las Molucas en el campeonato nacional. Pero su decisión de mezclar niños de diferentes religiones en un solo equipo no le ayudará a conseguir su objetivo.

NIGHT SHIFT (Irán)
Dir.: Niki Karimi
Año: 2015
Duración: 92′
Idiomas: Persa
Género: Drama
Interpretes: Leila Zare, Mohammadreza Foroutan, Amir Arman, Amir Aghaii

Nahid es una ama de casa que vive en Teherán preocupada por su rutina diaria: limpiar, cocinar, cuidar de su hija y mirar la televisión. Está tan abstraída que le cuesta darse cuenta del comportamiento errático de su marido, que empieza a llegar tarde a casa y a guardar secretos. Finalmente,se acaba dando de que ha estado viviendo en la oscuridad durante toda su vida.

SHARING (Japón)
Dir.: Makoto Shinozaki
Año: 2014
Duración: 94′
Género: Drama/Social
Interpretes: Kinuo Yamada, Hinoi Asuka, Ryudai Takahashi, Tomoki Kimura, Kumi Hyodo, Takuji Suzuki

Eiko se siente fascinada cuando uno de sus estudiantes la informa de que ha tenido un sueño donde predecía el terremoto de Fukushima y el desastre nuclear. Eiko, que ha perdido a su marido Kiysohi en la catástrofe, sueña con que aún sigue vivo. Comienza a investigar estos sueños precognitivos, que hasta ahora había considerado como falsos recuerdos. Una joven estudiante, Kaoru, comunica a Eiko que ha tenido un sueño precognitivo en el que ve cómo Eiko pierde un hijo.

MISS HOKUSAI (Japón)
Dir.: Keiichi Hara
Año: 2015
Duración: 90′
Idiomas: Japanese
Género: Animación
Interpretes: Sayogoromo, Ikeda Zenjirô, Utagawa Kuninao,Katsushika Hokusai,Koto

Nos encontramos en el año 1814, en Edo, (actualmente Tokio). Una de las ciudades más pobladas del mundo con campesinos, samuráis, comerciantes, nobles, artistas, cortesanas y quizás también algunos elementos sobrenaturales. Tetsuzo es un artista de unos 50 años muy dotado para su tiempo. La tercera de sus cuatro hijas ha heredado su talento, y la obstinación también. A menudo pinta en nombre de su padre, aunque sin llevarse ningún reconocimiento.

WALNUT FREE (Kazajstán)
Dir.: Yerlan Nurmukhambetov
Año: 2015
Duración: 81′
Género: Drama
Interpretes: Rustem Zhaniamanov ,Balnur Asyl

Gabit y Aisulu están enamorados y quieren casarse pero los padres de Aisulu no están de acuerdo con este matrimonio. Según la tradición local el novio deberá robar a su amada. Una historia de amor, contada con dramatismo y humor, de una joven pareja de Kazajstán que deberá decidir entre la familia y el amor.

PEREEZD, THE MOVE (Kirguistán)
Dir.: Marat Sarulu
Año: 2014
Duración: 178′
Idiomas: VOSI
Género: Drama
Interpretes: Sagyndyk Makekadyrov, Perizat Ermanbaeva, Ainazik Damirbekova

En un pueblo cerca del río, vive un anciano con su nieta en una pequeña casa. Llevan una vida simple y en armonía con la naturaleza que les rodea. Un día, su hija les pide que vendan la casa y se vayan a vivir con ella. Cuando el abuelo y su nieta llegan a la ciudad, descubren que la hija está endeudada y no tienen donde dormir.

KING OF MAHJONG (Malasia | Singapur)
Dir.: Adrian Teh
Año: 2015
Duración: 110′
Género: Drama

Dos jugadores legendarios de Mahjong que estudiaron con el mismo maestro, se reúnen al cabo de los años. Uno de ellos reta a un duelo al otro, ya retirado, que vive como cocinero con su hija.

THE DARK HORSE (Nueva Zelanda)
Dir.: James Napier Robertson
Año: 2014
Duración: 124′
Idiomas: Inglés
Género: Drama
Interpretes: Cliff Curtis, James Rolleston, Kirk Torrance, Miriama McDowell, James Napier Robertson, Barry Te Hira

The Dark Horse está basada en la historia real de la vida de Potini, un brillante jugador de ajedrez nacido en Nueva Zelanda que sufre un trastorno bipolar severo. A pesar de los obstáculos que irán surgiendo, Potini sigue adelante en su propósito de trasladar todo su saber a la siguiente generación de ajedrecistas.

VANISHING POINT (Tailandia)
Dir.: Jakrawal Nilthamrong
Año: 2015
Duración: 100′
Idiomas: VOSI
Género: Drama familiar
Interpretes: Ongart Cheamcharoenpornkul, Drunphob Suriyawong, Chalee Choueyai

Es la historia de dos hombres muy diferentes: un periodista desencantado y el dueño de un hotel que se siente aislado en su propia familia. Un accidente de tráfico horrible, y un crimen cometido en el bosque, cambia sus vidas.

GENTLE (Vietnam)
Dir.: Le-Van Kiet
Año: 2014
Duración: 100′
Idiomas: VOSI
Género: Thriller
Interpretes: Dustin Nguyen

Es una historia basada en una novela corta de Fyodor Dostoyevsky, trasladada desde la Rusia del siglo XIX al Vietnam de hoy. Thien se sienta junto al cuerpo de su joven esposa Linh, que acaba de suicidarse, al tiempo que rememora su relación. Linh es una joven sensible que creció en una casa en la que no era feliz. Thien decidió casarse con ella para poder darle una vida mejor. Fueron felices al principio pero con el paso del tiempo, la brusquedad y la falta de sentimientos les fueron distanciando.

En esta segunda entrega en torno al Casa Asia Film Week 2015 nos centraremos en las películas que componen la sección Panorama, formada por 18 títulos de un variado elenco de países.

PIPRA BIDYA, ANT STORY (Bangladesh)
Dir.: Mostofa Sarwar Farooki
Año: 2013
Duración: 93′
Género: Drama
Interpretes: Noor Imran Mithu, Sheena Chohan, Sabbir Hasan Likhon

Cada día, al volver a su casa Mithu, un joven estudiante, mira Dhaka, una ciudad rica, brillante y lejana. Queriendo formar parte de ese mundo, Mithu inicia un viaje tejiendo a su alrededor una red de mentiras para poder sobrevivir y ver sus sueños hechos realidad.

RUIN (Camboya)
Dir.: Amiel Courtin-Wilson & Michael Cody
Año: 2013
Duración: 90′
Idiomas: Khmer
Género: Drama
Interpretes: Mony , Rous Mony, Ma Rynet

Phirun y Sovanna son dos jóvenes amantes que siguen inexplicablemente juntos, después de escapar de un brutal y opresivo mundo de crimen y violencia en la actual Camboya. Tras un asesinato, huyen de Phnom Penh, adentrándose en la jungla. Mientras su amor vulnerable cae y fluye durante su viaje, despiertan del trauma de su pasado y desatan su furia contra el mundo. Amor y muerte se entremezclan, mientras caen en el abismo.

RIVER (China)
Dir.: Sonthar Gyal
Año: 2015
Duración: 94′
Idiomas: Tibetano
Género: Drama
Interpretes: Yangchan Lhamo,Regzin Drolma,Guru Tsedan,Kheydrup

A través de los ojos de la pequeña Yangchan, podemos contemplar el drama entre generaciones en el seno de una familia tibetana. Su progenitor no quiere visitar al abuelo enfermo, que vive en una cueva y es respetado por la gente de la aldea donde viven como un santo y un sabio. Pero él dice tener razones de peso para no reconciliarse con su padre. Por esta razón, los habitantes de la aldea le consideran una mala persona y la familia tiene que acabar mudándose.

ATA (China)
Dir.: Chakme Rinpoche
Año: 2014
Duración: 92′
Idiomas: Mandarín
Género: Drama
Interpretes: Wang Ning, Jiao Gang, Meng Tianyu , Tian Liang, Chen Minghao,Xu Chao, Zhang Ting

Tianyu, hijo de madre soltera, se entrena para ser campeón de Ping-pong con los ojos vendados, y consigue llegar al campeonato nacional. Su madre, que trabaja como repartidora, cuenta con el apoyo de un hombre de negocios del pueblo, el cual paga al entrenador del chico. Tianyu no soporta la presión, se pelea con su madre y desaparece. La madre, devastada por la desaparición de su hijo, reflexionará sobre su comportamiento e intentara comprender mejor a Tianyu.

CART (Corea del Sur)
Dir.: Boo Ji-young
Año: 2014
Duración: 102′
Género: Drama
Interpretes: Yum Jung-Ah, Moon Jeong-Hee, Kim Young-Ae

Esta película surcoreana trata el drama de los empleados de un supermercado minorista que se unen en defensa de unos trabajadores que reciben injustamente el despido. Sun Hee, una cajera veterana y madre de dos hijos, trabaja junto a Hye Mi, una madre soltera. La señora de la limpieza, Soo Rye, está a punto de jubilarse, y todas son trabajadoras temporales. Cuando la empresa les comunica el despido, se organizan para declarar una huelga.

JAYUEUI ONDUK, HILL OF FREEDOM (Corea del Sur)
Dir.: Hong Sang-soo
Año: 2014
Duración: 66′
Idiomas: Inglés/Coreano
Género: Drama
Interpretes: Ryo Kase, Moon Soo-ri, Seo Young-hwa, Youn Yuh-jung

Mori llega a Corea del Sur desde Japón para reencontrarse con una antigua amante. No obstante, le resulta muy complicado contactar con ella, quizá porque las señas de las que dispone ya no son correctas. Mientras tanto inicia un affaire con Kwon, la propietaria de la cafetería que frecuenta todos los días.

1000 RUPEE NOTE (India)
Dir.: Shrihari Sathe
Año: 2014
Duración: 89′
Idiomas: Marathi con subtítulos en inglés
Interpretes: Devendra Gaikwad, Usha Naik, Pooja Nayak, Sandeep Pathak, Ganesh Yadav,Shrikant Yadav

Budhi es una madre anciana que perdió a su hijo granjero debido a su endeudamiento. El líder local que se presenta a la reelección le da unos billetes de 1000 rupias. Este acontecimiento va a cambiar su vida para siempre.

A TALE OF LOVE (Irán)
Dir.: Ahmad Ramezan Zadeh
Año: 2015
Duración: 90′
Género: Drama/Love
Interpretes: Bahram Radan, Shilan Rahmani, Shwan Atuf, Bahman Zarrinpoue

Durante la guerra en Irán, Saddam atacó Halabja, una ciudad entre Irak y Kurdistán. Después del bombardeo químico de Halabja, un fotógrafo iraní es el primero en entrar en la ciudad. Allí conoce a una mujer e inicia una historia de amor.

THE LONG FAREWELL (Irán)
Dir.: Farzad Motamen
Año: 2015
Duración: 90′
Idiomas: Persa
Género: Drama
Interpretes: Saeed Aghakhani, Sareh Bayat, Mitra Hajjar

El protagonista es un hombre solitario que vive al margen de la sociedad. Su relación con dos mujeres fascinantes (su esposa fallecida y una joven trabajadora de una fábrica) hace que el drama interior del personaje se magnifique y que éste luche por salir a la luz. Es un film que se debate entre el lado soñador y el lado cruelmente realista.

TODAY // EMROUZ (Irán)
Dir.: Reza Mirkarimi
Año: 2014
Duración: 88′
Idiomas: Persa
Género: Drama
Interpretes: Parviz Parastui, Soheila Golestani, Shabnam Moghadami

Un taxista lleva a una mujer joven a un pequeño hosptial en Irán. Tan pronto como llegan allí, el protagonista deberá tomar una decisión crucial que cambiará su vida.

THE LIGHT SHINES ONLY THERE (Japón)
Dir.: Mipo Oh
Año: 2014
Duración: 120′
Género: Drama
Interpretes: Go Ayano, Chizuru Ikewaki, Masaki Suda, Kazuya Takahashi, Shohei Hino, Hiroko Isayama, Tajiro Tamura

En una ciudad portuaria japonesa, Tatsuo Sato, un hombre traumatizado por el pasado, pasa los días vagando sin rumbo y las noches bebiendo hasta la inconsciencia. Mientras mata el tiempo en una sala recreativa, conoce a Takuji Ohshiro, un joven en libertad condicional que, de manera impulsiva, le invita a su chabola en las afueras de la ciudad. Una vez allí, Tatsuo conoce al padre de Takuji, que no puede levantarse de la cama, a su cruel madre y a su hermana mayor, Chinatsu, una joven castigada por la vida.

TENT (Kazajstán)
Dir.: Kenjebek Shaikakov
Año: 2014
Duración: 105′
Género: Drama
Interpretes: Zinat Kydyrmaeva , Almat Esimov

La policía local castiga a un joven llamado Sapar por haber robado unos pollos y deberá pasar todo un verano en el campo cuidando ovejas. Durante sus tareas en el campo conoce a una chica, Aichurek, con quien come y bebe té en una tienda. Durante el verano ellos harán de esa tienda un verdadero hogar.

MEN WHO SAVE THE WORLD (Malasia)
Dir.: Liew Seng Tat
Año: 2014
Duración: 93′
Idiomas: VOSI
Género: Comedia
Interpretes: Jamal Ahmed, Harun Salim Bachik, Muhammad Farhan, Bin Mohamad Nizam

Comedia en la que un inmigrante africano que vive como “okupa” en una casa en ruinas es confundido con un fantasma por los vecinos.

SECOND LIFE OF THIEVES (Malasia)
Dir.: Ming Jin Woo
Año: 2014
Duración: 87′
Género: Drama
Interpretes: Azman Hassan, Chung Kok Keong, Berg Lee

Tan descubre que su mujer y su amigo de la infancia, Lai, eran amantes en secreto y que se han fugado juntos. Derrotado y con el corazón destrozado, se queda con la melancólica hija de Lai, Sandy. La cinta explora las complejas relaciones entre estos cuatro personajes y cómo han ido cambiando durante 30 años.

DUKHTAR, Daughter (Pakistán)
Dir.: Afia Nathaniel
Año: 2014
Duración: 93′
Idiomas: VOSI
Género: Drama
Interpretes: Samiya Mumtaz, Mohib Mirza, Saleha Aref

Narra la historia de una mujer que escapa de su marido para mantener a su hija de 10 años a salvo y alejarla del matrimonio y la explotación infantil. Su audaz fuga desencadena una cacería implacable. A medida que sus perseguidores se ciernen sobre ellas, madre e hija se unen a un conductor de camión que les ofrece la esperanza de escapar. El trío de protagonistas se embarca en un viaje épico a través del impresionante paisaje de Pakistán, donde la búsqueda del amor y la libertad tienen un precio.

MY BELOVED DEAREST (Pakistán)
Dir.: Sanif Olek
Año: 2013
Duración: 86′
Género: Drama
Interpretes: Rahim Razali, Asnida Daud, Hashimah Hamidon

La cinta muestra la relación que establecen Murni, un indonesio obligado a emigrar y que siente una gran nostalgia por su país y el hombre al que cuida, Park Harun. Park, que a causa de su vejez debe moverse en silla de ruedas, permanece cada día mirando por la ventana esperando a alguien. Park no habla más de lo necesario con Murni, salvo para quejarse de la comida que le sirven un plato tradicional nusantara, llamado Sambal Goreng.

ONTHAKAN, THE BLUE HOUR (Tailandia)
Dir.: Anucha Boonyawatana
Año: 2015
Duración: 97′
Idiomas: Thai
Género: Drama
Interpretes: Atthaphan Poonsawas, Oabnithi Wiwattanawarang, Djuangjai Hirunsri

Tam es un chico solitario que sufre acoso en su colegio. En casa, su padre, que trabaja en el ejército, siempre le maltrata, su madre y su hermano no confían en él. Un día, Tam conoce por internet a Phum, un misterioso chico y decide citarse con él en en una piscina abandonada. Allí mantienen relaciones sexuales y empiezan a salir. Una relación que lleva a Tam a cometer el mayor crimen de su vida.

THE INSEMINATOR (Vietnam)
Dir.: Kim Quy Bui
Año: 2014
Duración: 87′
Idiomas: VOSI
Género: Drama
Interpretes: Viet Son Le, Thu Trang Nguyen, Trung Kien Nguyen

El cabeza de familia exige a su hijo minusválido engendrar un heredero para poder continuar la línea familiar. Su hija, en edad de casarse, espera en vano su turno. En esta curiosa película, la magia y la realidad se mezclan con las costumbres de los pueblos que habitan en las montañas de Vietnam; aunque no deja de establecerse una comparación con la idiosincrasia del arte moderno.

Terminamos nuestro repaso a la programación del Casa Asia Film Week 2015 centrándonos en la Sección Especial, con un variado número de títulos, desde animación japonesa hasta thrilers neozelandeses. El primo día 11 comenzará el evento y durante unos días nuestra enviada especial Sabrina Vaquerizo estará cubriéndolo in situ. Os acercaremos sus crónicas y opiniones durante y tras el festival.

GAYBY BABY (Australia)
Dir.: Maya Newell
Año: 2015
Duración: 85′
Idiomas: Inglés
Género: Documental
Interpretes: Gus,Ebony,Graham,Matt

En una Australia dividida por la discusión sobre permitir o no el matrimonio entre personas del mismo sexo, este documental nos muestra la vida de cuatro niños Gus, Ebony, Matt y Graham, cuyos padres son parejas homosexuales. El documental explora su infancia y adolescencia, y si de alguna manera crecer como “gayby” les ha afectado. Esta cinta se rodó durante tres años y medio, y responde a la inquietud que los debates políticos sobre esta cuestión han causado en la directora, quien se dio cuenta de que nadie habla con los niños. Gayby Baby fue producida gracias al crowdfunding, y se ha convertido en emblema de la campaña para promover la tolerancia a la diversidad en las familias

BEFORE THE FALL (Bangladesh)
Dir.: Ian White
Año: 2014
Duración: 98′
Idiomas: VOSI
Género: Thriller, guerra
Interpretes: Ian Virgo, Nicolas Berthery, Pauline Cammal

Este thriller transcurre en 1975, durante la caída de Phnom Penh en manos de los Jemeres Rojos. Narra la historia de una bella cantante que intenta escapar de la capital, mientras un antiguo amante francés la sigue buscando para retenerla.Temas políticos y económicos se entremezclan con una historia de amor que cobra con estas interferencias realidad y verosimilitud.

THE SACRED ARROW (China)
Dir.: Pema Tseden
Año: 2014
Duración: 97′
Idiomas: Mandarín
Género: Drama
Interpretes: Renqing Dunzhu, Sonam Nyima, Dekyid, Dobskyab, Lobsang Chopel

En el tradicional concurso de tiro con arco entre dos pueblos, Nyima de Damo se sobrepone a Dradon Lhalong. Es el segundo año consecutivo en el que el pueblo Damo gana el concurso. Dradon, furioso, tras perder y ser acusado de avergonzar a su aldea, encuentra a su hermana con Nyima en un bosque de noche. Dradon lo desafía para que vuelvan a competir, con la condición de que si Nyima pierde no podrá casarse con ella.

THE ANCESTRAL HALL (China)
Dir.: Xiaojiang Li
Año: 2015
Duración: 80′
Género: Documental
Interpretes: Yangchan Lhamo,Regzin Drolma,Guru Tsedan,Kheydrup

La historia transcurre en Wu’ao, un pequeño pueblo de la provincia de Zhejiang. La sala de los ancestros es el núcleo del pueblo, ya que sus miembros se sienten unidos por ser de un mismo clan. Actualmente, la irrupción de la economía de mercado hace que la sociedad patriarcal tradicional no pueda mantenerse estática. La trama se inicia cuando el señor Feng cree que su hijo, víctima mortal de la guerra sino-vietnamita, debería tener un reconocimiento en la sala de los ancestros. Como director de la Sociedad de Veteranos de Wu’ao, Wu Qinzheng se niega a incluir al hijo del señor Feng, con el pretexto de que este puesto o reconocimiento sólo corresponde a los que pueden preservar la memoria de la etnia. De pronto, un empresario decide organizar una reunión en esta respetable sala y la armonía de la sociedad tradicional que la mantiene viva se ve perturbada por completo.

SONATA (Filipinas)
Dir.: Peque Gallaga y Lore Reyes
Año: 2013
Duración: 110′
Género: Drama
Interpretes: Cherie Gil, Chart motus, Joshua Pineda,Chino Jalandoni, Madie Gallaga

La película trata de una artista que se ha rendido a los obstáculos que se interponen entre ella y su carrera profesional, hasta que un día aparece un joven y su destino parece seguir otro rumbo. Sonata es la historia de una mujer cuya vida entera es el arte. Es su vida, su pasión; y cuando lo pierde, todo su mundo se desvanece.

LAURIANA (Filipinas)
Dir.: Mel Chionglo
Año: 2013
Duración: 120′
Género: Drama
Interpretes: Allen Dizon, Victor Basa, Adrian Cabida and Bangs Gracia

En 1955, los residentes de un pequeño e idílico pueblo en Quezon son sacudidos por el descubrimiento del oscuro y perturbante secreto de un soldado y su concubina. El incomprensible suceso flota por la ciudad con culpa y recriminación.

ANO ANG KULAY NG MGA NAKALIMUTANG PANGARAP? (Filipinas)
Dir.: Jose Javier Reyes
Año: 2013
Duración: 95′
Género: Drama
Interpretes: Ryan Agoncillo, Jackie Lou Blanco, Bobby Andrews, Chynna Ortaleza

Se trata de un retrato de Teresa, una mujer que ha dedicado sesenta años de su vida a servir a una familia de clase media a expensas de su propia felicidad y de su realización. Ahora que la matriarca de la familia ha muerto, los niños que estuvieron bajo su cuidado han regresado desde el extranjero para enterrar a su madre y decidir el destino de su niñera. Una historia trágica donde el pragmatismo descarta el sentido de la obligación y el sentimentalismo. Esta cinta es una mirada triste hacia las elecciones que se toman en el transcurso de la vida y las consecuencias que tienen para aquellos que las asumen.

THE RAINBOW ISLAND // JAZIREH-YE RANGIN (Irán)
Dir.: Khosrow Sinai
Año: 2015
Duración: 103′
Género: Arte/Sociedad
Interpretes: Mehdi Ahmadi, Tayyebeh Dehghan Manshadi, Narges Hormozi, Mostafa Shab Tari, Abdolrasoul Daryapeyma, Mohammad Slamati

Hay 50 colores diferentes en la tierra de las Islas de Hormuz. Un artista ecologista viaja a la isla para enseñar a sus habitantes cómo crear elegantes trabajos con los colores de la tierra, y mostrar que son las mujeres las que participan con más entusiasmo en esta actividad.

KAWAKI, THE WORLD OF KANAKO (Japón)
Dir.: Tetsuya Nakashima
Año: 2014
Duración: 118′
Idiomas: Japanese
Género: Drama/Thriller
Interpretes: Kôji Yakusho, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Jô Odagiri, Fumi Nikaidô, Miki Nakatani, Ai Hashimoto, Jun Kunimura, Asuka Kurosawa

Cuando Kanako, hija pródiga y alumna intachable, desaparece, su madre no duda en llamar a su exmarido, un policía poco ortodoxo. A medida que la investigación avanza, la imagen idealizada de Kanako se va resquebrajando, dejando entrever que, bajo la excelencia, la chica esconde otra vida, más oscura y secreta.

GHOST IN THE SHELL (Japón)
Dir.: Kazuchika Kise
Año: 2014-2015
Duración: 55′
Idiomas: Japanese
Género: Ciencia ficción
Interpretes: Motoko Kusanagi , Daisuke Aramaki, Batou , Togusa, Paz

Ambientada en el siglo XXI, Ghost in the Shell se presenta en una primera lectura como un thriller futurista de espionaje, al narrar las misiones de Motoko Kusanagi, especializada en crímenes tecnológicos. La misma Kusanagi es un cyborg, que no solo posee un cuerpo artificial, sino que también ha reemplazado la totalidad de su cerebro, pudiendo así realizar hazañas sobrehumanas especialmente requeridas por su labor.

LUPIN III VS DETECTIU CONAN (Japón)
Dir.: Hajime Kamegaki
Año: 2013
Duración: 102′
Idiomas: VOSE
Género: Animación/Ciencia ficción
Interpretes: Kanichi Kurita, Minami Takayama, Wakana Yamazaki, Kiyoshi Kobayashi, Megumi Hayashibara

La película mezcla imágenes de las series Lupin III y Detective Conan. La trama se centra en el intento por parte del detective Conan de detener al criminal Arsene Lupin III, sospechoso de haber robado una joya llamada Cherry Sapphire.

THE VOICE OF THE STEPPE (Kazajstán)
Dir.: Ermek Shinarbaev
Año: 2014
Duración: 90′
Género: Drama
Interpretes: Gerard Depardieu, Aitzhanov Berik, Natalie Dessay

Un niño llamado Anatole vive durante los años 60 en la estepa de Kazajstán con sus padres que son arqueólogos. Pierde a su hermano en un accidente y este hecho le traumatiza tanto que pierde la capacidad de hablar.

HOUSEBOUND (Nueva Zelanda)
Dir.: Gerard Johnstone
Año: 2014
Duración: 107′
Idiomas: Inglés
Género: Horror/ Thriller/ Comedy
Interpretes: Morgana O’Reilly, Rima Te Wiata,Glen-Paul Waru

Si uno descubriera que la casa donde vive está encantada, su primer impulso sería mudarse. Pero, ¿qué ocurre si la ley te impide abandonar el hogar? Eso es lo que le sucede a Kylie, una delincuente temperamental que cumple su sentencia en arresto domiciliario, compartiendo penurias, escalofríos y risas con su madre y con un espíritu inquietante.

THE DEAD LANDS (Nueva Zelanda)
Dir.: Toa Fraser
Año: 2014
Duración: 108′
Idiomas: Inglés
Género: Acción / Aventuras
Interpretes: James Rolleston, Lawrence Makoare, Te Kohe Tuhaka, Xavier Horan, Raukura Turei, George Henare, Rena Owen, Pana Hema Taylor, Calvin Tuteao, Jamus Webster, Bianca Hyslop, Isabella Rakete

Tras presenciar cómo su familia es masacrada, Hongi deberá atravesar la Tierra Muerta, un área poblada supuestamente de espíritus malignos. Allí conocerá a un guerrero que se convertirá en su mentor y con el que emprenderá una venganza por sus seres queridos.

03-FLATS (Singapur)
Dir.: Lei Yuan Bin
Año: 2014
Duración: 90′
Idiomas: VOSI
Género: Documental

El gobierno de Singapur construyó y sigue construyendo viviendas de protección oficial en las que vive casi un 83% de la población. Junto con estos edificios se proyectaron también las promesas de una mejor calidad de vida, seguridad y una comunidad más cercana para animar a la población a incrementar la fertilidad en el país. Rodada durante nueve meses, la cinta analiza las ambiciones gubernamentales con las rutinas diarias de la gente que habita en estas viviendas.

Llegamos al ecuador de nuestro paso por el Sitges Film Festival 2015 con tres películas de lo más variado. Una drama bélico japonés crudo y sobrecogedor, una cinta coreana de espías y acción y una de terror indio fueron nuestro ecléctico sexto día asiático en el festival.

Fires on the plain
Japón, Shinya Tsukamoto, 2014
Intérpretes: Shinya Tsukamoto, Lily Franky, Tatsuya Nakamura

Fires on the Plain es una novela de Shohei Ooka editada en 1951 y que narra las desventuras del soldado Tamura, inmerso en la campaña japonesa en las filipinas durante la Segunda Guerra Mundial. En plena selva, acosados por el ejercito americano y la propia guerrilla filipina, los soldados japoneses, entre ellos Tamura, tendrán que lidiar con los horrores de la guerra, el hambre, su propia mortalidad y la supervivencia.

Shinya Tsukamoto adapta y protagoniza esta película que ya en 1959 versionó el conocido director Kon Ichikawa en una cinta muy similar a la que hoy nos ocupa. Muchos de los que verán esta no vieron aquella, entonces el debate no les afecta pero… ¿Que necesidad hay de adaptar algo que ya esta hecho?. La comparación entre ambas es inevitable, ya que cuentan la misma historia, con planos muy similares y un desarrollo también muy parecido -no se han tomado muchas licencias que las hagan diferenciarse en el aspecto histórico-.

Ambas películas saben recoger de forma magistral el fondo de la novela, el enfrentamiento de un hombre al horror de la guerra, a la hostilidad de todo cuanto le rodea, enfrentando su deber a su propia supervivencia, tanto física como mental. Lo que diferencia en parte ambas películas es su acercamiento. Tsukamoto crea una película plástica, en donde se le da una enorme importancia a la fotografía y el color. Es impresionante y sobrecogedor ver esa selva verde hasta casi la saturación, el lecho de un río de blancas piedras en su centro y que aparezca Tamura, sucio, oscuro-azulado, en pleno contraste con la dura naturaleza que lo rodea, como un muerto viviente totalmente fuera de lugar. Esta sensación plástica se ahonda con una reducción en los diálogos, una banda sonora muy sobria y un gran uso del sonido ambiente. Además Tsukamoto interpreta a Tamura de una forma bastante espartana, muy estática y con poca expresividad, lo cual acentúa esa sensación de irrealidad visual. Pero si algo me hizo pensar en la película durante estos días fue su final.

Atención spoilers.

La película parece ir perdiendo coherencia conforme avanza. Lo que es el afán de supervivencia se transforma en horror a la guerra y llega a la categoría de infierno -durante el ataque nocturno por ejemplo-. El realismo parece ir perdiéndose dando paso a un delirio, y eso es lo que Tsukamoto hace con el final, transformar los hechos en memorias, lo sucesos en recuerdos de una mente desquiciada y traumatizada. Hasta que punto lo que hemos visto es lo que sucedió o las perversiones de una mente que esta en shock por todo lo que ha vivido. Esa es la nueva manera en que Tsukamoto nos propone ver este relato.

Fin del spolier.

En fin, la película en si funciona de una manera brutal, aunque muchos pensarán que es innecesaria, superior, o inferior, a la adaptación de Kon Ichikawa. Para mi ambas son válidas, muy similares pero que aportan acercamientos ligeramente diferentes.

Assassination
Corea, Choi Don-won, 2015
Intérpretes: Gianna Jun, Lee Jung-jae, Ha Jung-woo

Nuestra segunda película del día era la vuelta la ruedo del director coreano Choi Don-won, un realizador del que he visto todas su películas y que me encanta. De sus manos han salido cosas como Tazza, Woochi o The Thieves, todas magnificas cintas que mezclan drama, comedia y acción, con un excepcional acabado técnico -si bien alguna de ellas peca de no cerrar bien sus finales-.

En este caso nos trasladamos a la ocupación japonesa de Corea a principios de la década de 1930. Un grupo de revolucionarios planea dar un golpe a Japón asesinando a un comandante local, pero dentro de sus planes su mejor baza es una asesina que esta actualmente entre rejas. Sin dudarlo se forma un grupo para rescatarla, pero antes de poner en marcha el plan se iniciará un juego de traiciones y balas.

Su larga duración me hacia pensar que esta cinta podía tener sus más y sus menos, pero cuan equivocada estaba. La película no da demasiada tregua, al comienzo ofreciéndonos una historia interesante compuesta por una serie de personajes que terminarán encontrándose de una forma u otra, y ese juego de intereses cruzados y traiciones, después con una parte media y final llena de acción que intenta parecerse al Heroic Bloodsheed hongkonés, con unos magníficos y espectaculares tiroteos. El conjunto tiene un gran equilibrio entre diferentes géneros, lo que la hace fácil de ver y puramente divertida, además tiene un acabado técnico y puesta en escena sobresaliente, usando muchos efectos visuales reales y aparcando un poco el CGI. Es muy muy estimulante y divertido ver como los coches explotan de verdad, y no por ordenador, que quieras o no siempre canta un poco. A todo esto hay que sumar un gran elenco actoral y unas interpretaciones muy homogéneas al resultado final.

En definitiva, esta es una película muy divertida, y con grandes momentos, que se pasa volando.

Ludo
India, Q, Nikon, 2015
Intérpretes: Kamalika Banerjee, Joyraj Bhattacharya, Soumendra Bhattacharya

La última película asiática a la que nos enfrentábamos el día de hoy era una de las que tenia ganas de ver. No todos los días el Festival de Sitges proyecta una película india (Bengalí) de terror, y encima con unas muy buenas palabras de Ángel Sala, director del certamen, hacia ella. El cine de terror indio suele ser muy psicotrónico, casi una comedia a ojos occidentales, pero esta prometía mucho estilo y algo interesante si que nos ofreció.

Ludo comienza con unos jóvenes que quieren irse de fiesta y liarla una noche cualquiera. La noche es joven, están cachondos y no tienen un duro. La solución es pasar el fin de fiesta en un centro comercial que ya ha cerrado sus puertas. Pero no estarán solos, y una pareja de ancianos harán acto de presencia.

En un comienzo ya fue interesante ver ese punto de vista juvenil en su introducción, con buenos planos, un estilo que no es el típico en el cine mainstream de la india, y todo ello acompañado de una gran banda sonora. La fiesta estaba en el ambiente. Conforme pasaban los minutos la cosa no avanzaba mal, y así llegamos al centro comercial, donde hará acto de presencia un poco de terror, nada excepcional pero si muy visual. La cinta de divide en dos partes, una la que ya os he comentado, y otra centrada en un pasado donde vemos como la pareja de ancianos se han convertido en lo que son hoy día. Quizás esa parte me gusto algo menos, aunque el conjunto general lo vi interesante, algo ingenuo pero con mucho estilo, sobre todo en su primera mitad.

Quizás soy muy magnánimo porque estamos hablando de una cinematografía tan peculiar como la Bengalí, y porque realmente la herencia del cine de terror clásico indio esta siempre en el ambiente de esta producción. Creo que se deja ver, y los comentarios sobre el bajo presupuesto de la misma y como intentaron hacer un producto decente, procedentes de uno de sus directores (que estuvo presente en un coloquio tras la película), me hicieron apreciarla un poco más.

El próximo día 18 de Noviembre dará comienzo la edición número 25 del FANCINE, el Festival de Cine Fantástico organizado por la Universidad de Málaga y quizás uno de los únicos eventos de este tipo que nace del ámbito educativo. Este es uno de esos festivales pequeños con encanto y buen ambiente, y una gran oportunidad de disfrutar del cine de género en el Sur de España, que no prodiga muchos festivales temáticos de este tipo. Como siempre nosotros extraemos lo más asiático de su programación y puedo decir que hay cosas muy interesantes y divertidas, además de recuperar clásicos del género como The Ring de Hideo Nakata o Zatoichi de Takeshi Kitano. Será un lujo ver eso en pantalla grande. Sin más os dejo con nuestro extracto de la programación.

Películas a Concurso

Office
Corea del Sur, 2015
Dirección: Hong Won-Chan
Reparto: Ko A-sung, Park Sung-woong, Bae Seong-woo,
Duración: 111 minutos

Un hombre que supuestamente mató a su familia se esconde en su lugar de trabajo y comienza a asesinar a sus compañeros uno por uno.

TAG
Japón, 2015
Dirección: Shion Sono
Reparto: Reina Triendl, Mariko Shinoda, Erina Mano

No hay hombres a la vista, solo mujeres… y algo inconcebible: ¡chicas matando a chicas!. ¡Esto es lo mejor y lo más loco de Shion Son! Una película que representa la fragilidad y la peligrosa turbulencia emocional de las chicas jóvenes y su temor a ser perseguidas por lo desconocido.

The Assassin
China, Taiwan, Hong Kong, Francia, 2015
Reparto: Shu Qi, Chang Chen, Satoshi Tsumabuki, Ethan Ruan, Nikki Hsieh, Ni Dahong, Zhang Shijun, Michael Chang

La película está ambientada en el periodo de la historia de China de la dinastía Tang. Nie Yinniang regresa con su familia después de varios años de exilio. Su misión es eliminar la tiranía de los Gobernadores que evitan la autoridad del emperador . Ahora tendrá que elegir entre sacrificar al hombre que ama o romper definitivamente con la “Orden de los Asesinos”.

Sección Informativa

Over your Dead Body
Japón, 2014
Dirección: Takashi Miike
Reparto: Kou Shibasaki, Ebizô Ichikawa, Hitomi Katayama,Ikkô Furuya, Hideaki Itô, Toshie Negishi, Hiroshi Katsuno, Miho Nakanishi

Una actriz, Miyuki Goto, interpreta a Oiwa, la protagonista de una nueva obra teatral basada en la famosa historia de fantasmas japonesa Yotsuya Kaidan. Utiliza sus influencias para que su amante actúe en la obra, aunque es un actor relativamente desconocido. Mientras tanto, otros actores desean a Miyuki. Atrapados entre la realidad y la ficción, los sentimientos del elenco se multiplican. Cuando el amor dentro y fuera del escenario empieza a perjudicarles, se convierte en rencor y cruza la difusa línea entre realidad y fantasía.

Sunrise
India-Francia, 2014
Dirección: Partho Sen-Gupta
Reparto: Adil Hussain, Tannishtha Chatterjee

Joshi, inspector de policía, busca a Aruna, su hija secuestrada hace años, cuando tenía 6 años. Tiene un sueño recurrente en el que persigue una sombra que le lleva a ‘Paradise’, un club nocturno donde bailan adolescentes ante un público de depravados. Está convencido de que encontrará a Aruna y promete llevarla de vuelta con Leela, su destrozada esposa.

Anima Zone

The Boy and The Beast
Japón, 2015
Dirección: Mamoru Hosoda

Historia protagonizada por Kyuta, que vive en Shibuya, y Kumatetsu, una bestia solitaria de Jutengai, un mundo imaginario. Un día, Kyuta incurre en este mundo imaginario y, mientras intenta volver, conoce a Kumatetsu, que se convertirá en su guía espiritual. Este encuentro les llevará a numerosas aventuras.

Sing or Die

Zatoichi
Japón, 2003
Dirección: Takeshi Kitano
Reparto: Takeshi Kitano, Tadanobu Asano, Michiyo Ôkusu, Gadarukanaru Taka, Daigorô Tachibana, Yûko Daike

Zatoichi es un ciego que se gana la vida con el juego y dando masajes. Pero detrás de su humilde fachada, es un maestro de la espada, capaz de dar golpes veloces y de increíble precisión. Zatoichi mendiga en una ciudad a cargo de bandas siniestras y un poderoso samurái. Está destinado a enfrentamientos violentos cuando se encuentra con dos hermosas geishas dispuestas a vengar el asesinato de sus padres.

25 Aniversario

The Ring
Japón, 1998
Dirección: Hideo Nakata
Reparto: Nanako Matsushima, Miki Nakatani, Hiroyuki Sanada, Yuko Takeuchi, Hitomi Sato,Yoichi Numata

Tras la muerte de su prima Tomoko, la periodista Reiko oye historias sobre una cinta de vídeo que mata a todo el que la ve justo una semana después de verla. Al principio no hace caso de los rumores, pero cuando se entera de que el amigo de Tomoko (que vio el video con ella) murió exactamente al mismo tiempo, comienza a investigar. Después de ver la cinta, comienzan a suceder cosas extrañas, por lo que se une a su ex marido para tratar de detener el reloj de la muerte que ya se ha puesto en marcha.

Insólitos/Indómitos

TRAP
Corea del Sur, 2014
Dirección: Bong Man-dae
Reparto: Yoo Ha-joon, Han Je-in, Na Sang-gyoo, Lee Sa-gang, Kang Yong-gyoo

Jeong-min es un escritor abandonado recientemente por su novia que lo dejó por otro hombre. Para olvidarse de todo y concentrarse, Jeong-min se queda en una pequeña posada en un pueblo remoto. Allí conoce a una atractiva adolescente, Yoo-mi, que vive con el misterioso propietario. Día tras día Yoo-mi seduce a Jeong-min y cuando finalmente se enamora de ella, ella le pide matar al propietario.

Haemoo (SECCIÓN OFICIAL)
Corea del Sur, Sung-bo Shim, 2014
Intérpretes: Yun-seok Kim, Yoo-chun Park, Ye-ri Han

Haemoo (Niebla) es la adaptación de una obra de teatro de Kim Min-Jung (2007) que, a su vez, está basada en la tragedia de 25 inmigrantes ilegales chino-coreanos que encontraron la muerte accidentalmente el 7 de octubre de 2001 en la bodega del buque Taechangcho. Ante el pánico de ser descubiertos, la tripulación decidió tirar sus cuerpos al mar del sudeste de Yeosu.

La cinta es la ópera prima como director de Sung-bo Shim, conocido por ser el guionista de la premiada Crónica de un asesino en serie (2004) con la que ganó el Premio de la Audiencia al Mejor Guión en el Festival Internacional de Torino en 2003. Sung-bo Shim salta a la dirección con Haemoo y adapta de manera muy ingeniosa un guión cinematográfico que comienza como un drama y acaba como un thriller.

Empezar el festival con la que luego sería la flamante ganadora fue todo un lujo. Haemoo empieza con una serie de escenas cortas dirigidas a que el espectador simpatice con la dura vida de los marineros: el frío, la dureza del trabajo, el peligro, la pesca escasa. La cámara nos muestra al capitán Kang Chul-joo (un genial Yun-seok Kim) derrotado. Su mujer le es infiel con otros hombres, su casa y su restaurante están hipotecados, y no tiene dinero para arreglar su viejo barco que da cobijo y alimenta a cinco tripulantes que considera su verdadera familia. El espectador empatiza con el capitán hasta que la situación le supera y se le va todo de las manos. Lo que empezó siendo una razón noble, se convierte en un dogma que lastra sus acciones. Creo que este mensaje subliminal no me gustó nada: un hombre demasiado apegado a la tradición, al que le es imposible aceptar los nuevos tiempos. No hay duda de que Corea del Sur vira por completo a la modernidad.

Lo cierto es que la tragedia de los inmigrantes ilegales muertos en la bodega hubiera sido simplemente un docudrama si Sung-bo Shim no hubiera incluido una historia de amor entre la única superviviente y el componente de la tripulación más joven e ingenuo, provocando un thriller sangriento y absoluto. A partir de ahí, la música, la niebla y la tormenta aumentarán la tensión entre los personajes que lucharán algunos por sobrevivir, otros por salvar el barco y lo que representa y otros por dar rienda suelta a sus pasiones más bajas. El guión del thriller está lleno de clichés, uno tras otro, pero el giro final y la impecable fotografía lo compensan todo. Haemoo fue nominada a la Mejor Película del Festival de San Sebastián 2014 y ganó el premio a la Narrativa del Festival Internacional de Cine de Hawaii 2014. La cinta ganadora se estrena en cines este jueves 20 de noviembre.

The Last Reel (SECCIÓN OFICIAL)
Camboya, Sotho Kulikar, 2014
Intérpretes: Rous Mony, Ma Rynet, Dy Saveth, Hun Sophy, Sok Sothun

The Last Reel con un guión genial del británico Ian Masters cuenta la historia de una bella adolescente, Sophone, que se rebela constantemente contra su padre militar y las convenciones sociales que este le impone. Un día, en una de sus huídas, se refugia en un viejo cine donde descubre una película rodada antes de la caída de Nom Pen en manos de los Jemeres Rojos. Sophone se ve atrapada entre su necesidad de ser una mujer libre e independiente y el matrimonio concertado al que quiere obligarle su padre que viene con un manual de comportamiento para la perfecta esposa. Por eso, se deja capturar en seguida por la historia de amor que protagonizó su madre y decide filmar otra vez el final, perdido durante el ataque a la ciudad, para recordarle a su madre ahora enferma y sumisa quien fue una vez y los sueños que defendía.

Kulikar dirige actualmente la productora de documentales y largometrajes Hanuman Films y debuta con The Last Reel como directora en esta película que es uno de los pocos largometrajes camboyanos dirigidos por una mujer. Además, ha sido seleccionada por Camboya para representar al país en la carrera por el Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa.

The Last Reel era mi apuesta personal, no lo voy a negar. No sólo porque el guión y la ejecución de Kulikar son perfectos, sino porque si lo que pretendía Casa Asia adoptando como formato principal el drama era «presentar un panorama representativo de imágenes que narran escenas de la vida cotidiana y conflictos sociales que son comunes a las sociedades asiáticas y occidentales» que mejor opción que un film que reconcilia de forma magistral dos generaciones a la vez que acerca el genocidio de Pol Pot a la audiencia occidental. El caso de los cineastas, actores y actrices asesinados durante la dictadura de Pot no es una excepción en la historia del cine, claro está, pero me gusta particularmente cómo teje la historia de la vieja película olvidada en un cine en ruinas, cómo Sophone se pasea literalmente por el pasado de sus padres, cómo media entre los Jemeres Rojos que creyeron en la revolución comunista de Pot y fueron traicionados y las víctimas del genocidio. Le deseo la mejor de las suertes a Kulikar.

Before the Fall (SECCIÓN ESPECIAL)
Camboya, Ian White, 2014
Intérpretes: Ian Virgo, Nicolas Berthery, Pauline Cammal

Mete en una coctelera la trama raíz de Casablanca, el buen ritmo de la banda de pop-rock The Cambodian Space Project, grandes dosis de autocrítica anticolonialista y añade color, mucho color. ¿Cuál es el resultado? Una pieza de neo-noir ecléctica y explosiva con una damisela en apuros que más quisiera Mata Hari.

Conocido por el documental Junkie Monastery (2012), Ian White es un director australiano afincado en el sudeste asiático que ha dirigido y producido dramas y documentales para la BBC World y la CNN entre otros, y ha participado en numerosos festivales cinematográficos. En el guión cinematográfico de Before the Fall, inspirada en los días previos a la caída de Nom Pen en manos de los Jemeres Rojos, White crea una hipertextualidad con Casablanca desde el principio. Un francés, Luc, logra robar a unos hombres del ejército de Lon Nol una bolsa con una gran cantidad de dinero. En seguida piensa en ir a buscar a su ex amante, la bella Liya, y huir con ella del país antes de que explote una guerra en Nom Pen. Pero la chica ha rehecho su vida con el dueño de un club nocturno americano, Sonny, quien a su vez tiene conexiones con los mismos soldado del ejército a los que Luc ha robado. Mientras intentan aclarar a quien ama Liya, Sonny se hace con unos papeles para salir del país. Pero Liya no está dispuesta a dejar que un americano fanfarrón y un francés soñador arruinen su única salida y hará lo que sea por sobrevivir.

Before the Fall es un thriller de guerra inteligente y divertido que hace una gran crítica a las potencias occidentales y, de paso, actualiza un gran clásico. Por cierto, ¡la música de The Cambodian Space Project es genial!

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)

Hoy mismo comienza el Festival Internacional de Cine de Gijón, FICXixon 2015, que lleva ya años dedicando un espacio muy interesante al cine asiático. Si la pasada edición rendían homenaje, con libro y retrospectiva incluidos, al filipino Brillante Mendoza, este año le toca el turno al tailandés Apichatpong Weerasethakul, que contará con su respectivo libro y una retrospectiva por gran parte de su obra, incluyendo cortometrajes y actividades paralelas. Pero en las diferentes secciones del festival la presencia asiática también es selecta, incluyendo nombres como el mencionado Brillante Mendoza, Hong Sang-soo, Mamoru Hosoda o la última producción del estudio de animación Ghibli, “When Marnie Was There”. A continuación repasamos la programación más asiática del festival.

Right Now, Wrong Then (Sección Oficial)
Corea del Sur, 2015, Hong Sang-soo
Guión: Hong Sang-soo
Fotografía: Park Hong-yeol
Música: Jeong Yong-jin
Intérpretes:Jeong Jae-yeong (Ham Cheon-soo), Kim Min-hee (Yoon Hee-jeong), Yoon Yeo-jeong (Kang Deok-soo), Ki Joo-bong (Kim Won-ho), Choi Hwa-Jeong (Bang Soo-yeong), Seo Young-hwa (Joo Yeong-sil), Ko Ah-seong (Yeom Bo-ra), Yoo Joon-sang (Ahn Seong-gook)

Un director de cine independiente llega a su destino un día antes por error. Aprovechando el exceso de tiempo libre, entra en un palacio restaurado donde conoce a una joven artista, con la que pasa el resto del día: visitando su estudio, conociendo su obra, cenando, tomando algo juntos… hasta que ella plantea una pregunta cuya respuesta lo cambia todo. Es probable que si el día volviera a comenzar ambos se comportarían de forma diferente, pero eso ya no se podrá saber ¿o tal vez sí?

Right Now, Wrong Then se alzó, entre otros, con el premio a la mejor película y a mejor actor en el festival de Locarno. Ahora, continuando el idilio de Hong Sang-Soo con el FICX, vuelve a formar parte de la sección oficial por tercer año consecutivo.

Taklub (Sección Oficial)
Filipinas, 2015, Brillante Ma. Mendoza
Guión: Mary Honeylyn Joy Alipio
Fotografía: Odyssey Flores
Música: Addiss Tabong, Andrew Milallos
Intérpretes: Nora Aunor (Bebeth), Julio Díaz (Larry), Aaron Rivera (Enwin), Rome Mallari (Marlon), Shine Santos (Angela), Lou Veloso (Renato), Ruby Ruiz (Kagawad Duke)

En noviembre de 2013 el tifón Yolanda golpeó brutalmente las costas filipinas, dejando más de 6000 víctimas mortales en lo que fue una de las catástrofes naturales más devastadoras del país. Meses después, el Departamento de Medio Ambiente y Recursos Naturales tagalo pidió a Brillante Mendoza que realizase un documental; pero el cineasta consideró que una ficción que abordase el problema del cambio climático tendría mayor impacto. Taklub significa trampa. Un título harto significativo el de este filme cuya trama sigue las consecuencias del paso del tifón por Filipinas; sobremanera, las extremas condiciones de supervivencia de los habitantes de Tacloban, quienes procuran no enloquecer y salvaguardar la poca esperanza restante. Bajo un estilo próximo al documental, Bebeth busca a sus tres hijos desaparecidos, Larry se refugia en el fervor religioso tras quedar viudo, y Erwin oculta a su hermana pequeña la muerte de los padres con la ayuda del hermano mayor. La narración sigue sus pasos, la muerte y la vida equiparan sus destinos.

Masaan (Sección Oficial)
India, Francia, 2015, Neeraj Ghaywan
Guión: Varun Grover
Fotografía: Avinash Arun Dhaware
Música: Bruno Coulais
Intérpretes Richa Chadda (Devi Pathak), Vicky Kaushal (Deepak Chaudhary), Sanjay Mishra (Vidyadhar Pathak), Nikhil Sahni (Jhonta), Shweta Tripathi (Shaalu Gupta)

Un día como otro cualquiera en Benarés, ciudad santa a orillas del no menos sagrado río Ganges, donde no hay piedad para los que osan desafiar a sus seculares normas morales. A contracorriente de las desfasadas reglas imperantes, la estudiante Devi tiene sexo prematrimonial con su novio, quien, al verse sorprendidos por la policía, prefiere suicidarse antes que afrontar la “vergüenza” de la situación; entonces ella queda destrozada y su padre sufre el chantaje económico del agente encargado del caso para evitar el escándalo público. Los asuntos del corazón también dan tormento a Dheepak, joven de los barrios pobres enamorado de Shaalu, muchacha de buena posición, un amor correspondido pero imposible, dada la diferencia de castas. Por su parte, el niño Jhonta busca una familia… En el seno de la rígida ciudad hindú las vidas y sus destinos se entrecruzan, como en cualquier otra jornada. Lejos de los clichés sobre la India, muy alejada del evasivo estilo Bollywood, esta ópera prima opta por un elaborado realismo social atento al problemático choque entre tradición y modernidad.

Umrika (Sección Oficial)
India, 2015, Prashant Nair
Guión: Prashant Nair
Fotografía: Petra Korner
Música: Dustin O’Halloran
Intérpretes: Suraj Sharma (Ramakant), Tony Revolori (Lalu), Smita Tambe (madre de Ramakant), Adil Hussain (agente Patel), Rajesh Tailang (cartero), Prateik Babbar (Udai)

La vida de un pequeño y tranquilo pueblo de la India, a mediados de la década de los 80 del siglo pasado, cambia radicalmente cuando Udai,uno de sus habitantes más jóvenes parta hacia América (Umrika), en busca de fortuna. Pronto, sus cartas llenan de ilusión y esperanza a su familia y amigos, pero cuando estas se interrumpen bruscamente sin explicación, su hermano pequeño Rama decide seguir sus pasos, junto a Lalu, su mejor amigo. Naturalmente, el viaje se convertirá en una verdadera aventura iniciática, que les llevará por caminos insospechados, alejándoles del “sueño americano” para descubrir sus propios sueños.

Segundo largometraje del director de Delhi in a Day, premiado por el público en el Festival de Sundance, una comedia sutil e inteligente sobre los tópicos, estereotipos y equívocos entre culturas y países distintos y distantes.

When Marnie Was There (Animaficx)
Japón, 2014, Hiromasa Yonebayashi
Guión: Keiko Niwa, Masashi Ando, Hiromasa Yonebayashi, basado en una novela de Joan G. Robinson
Música: Takatsugu Muramatsu
Intérpretes: Sara Takatsuki, Kasumi Arimura, Nanako Matsushima, Susumu Terajima , Toshie Negishi, Ryoko Moriyama, Kazuko Yoshiyuki, Hitomi Kuroki

Muchas fueron las voces que lamentaron el hiato en la producción del Studio Ghibli a raíz de la retirada, aparentemente definitiva, de su alma mater, Hayao Miyazaki. Un punto y seguido (esperamos) que cerraba una época dorada, abierta por Nausicaä del valle del viento (Kaze no Tani no Naushika, Hayao Miyazaki 1984) y cerrada por la película que nos ocupa, When Marnie was there (Omoide no Marnie, Hiromasa Yonebayashi 2014). La película de Yonebayashi, adaptación de la novela homónima de Joan G. Robinson, vuelve a incidir en algunos de los elementos clásicos de las películas de Ghibli: el protagonismo femenino, el uso de la imaginación como antídoto de una realidad de la que se pretende huir, etc. Una pieza, en definitiva, ya histórica, no sólo por ser el cierre de una época gloriosa de la animación japonesa, sino por las propias virtudes que esbozan su singularidad.

The Boy and the Beast (Animaficx)
Japón, 2015, Mamoru Hosoda
Guión: Mamoru Hosoda
Música: Masakatsu Takagi
Intérpretes: Koji Yakusho, Aoi Miyazaki, Shota Sometani, Suzu Hirose, Masahiko Tsugawa

La última película del director japonés Mamoru Hosoda, The Boy and the beast, nos presenta a Kyuta, un niño solitario de Tokyo que acaba encontrando accidentalmente el paso a un mundo repleto de criaturas sobrenaturales. En ese fantástico mundo entabla una relación especial con Kumatetsu, una de las poderosas bestias que lo moran, que acaba aceptándolo como aprendiz y convirtiéndose en su entrenador y guía espiritual a pesar de que allí los humanos no están demasiado bien considerados. Una decisión que acabará cambiando, y marcando para siempre, tanto al maestro como al alumno.

Con todas las claves del cine de Hosoda (la importancia de la familia, la irrupción del elemento fantástico en el mundo real…) que le han convertido en uno de los nombres esenciales del cine japonés contemporáneo, The boy and the beast ha sido la primera película de animación en competir por la Concha de Oro en el Festival de cine de San Sebastián.

Underground Fragrance (Rellumes)
Francia, China, 2015, Song Pei Fei
Guión: Isabelle Mayor
Fotografía: Shu Chou
Música: Jean-Christophe Onno
Intérpretes: Ze Ying (Xiaoyun), Wenjie Luo (Yongle), Fuyu Zhao (Laojin), Xiaohui Li (Sra Laojin)

China ha sufrido un proceso de desarrollo industrial sin parangón entre los países occidentales en las últimas décadas. Esa mezcla de comunismo en lo político y capitalismo en lo económico ha generado una serie de tensiones sociales que algunos de los cineastas más destacados del país han reflejado en su obra con gran acierto, pensemos por ejemplo en Jia Zhangke en lo dramático o Wang Bing en lo documental. Song Pengfei es el último nombre que se ha sumado a esta lista gracias a su película Underground fragrance. En esta su ópera prima viajamos a las ruinas y al subsuelo, a un mundo oculto donde los sentimientos han sido aplastados por las construcciones ciclópeas, donde la China tradicional subsiste precariamente arrinconada por la voracidad de un sistema injusto. Una crónica de mundos en colisión que le ha servido para obtener el Premio a la mejor película en la sección Venice Days del reciente Festival de Venecia y que ahora el FICX ofrece en premiere nacional al público gijonés.

I Am Diego Maradona (Rellumes)
Irán, 2015, Bahram Tavakoli
Guión: Bahram Tavakoli
Fotografía: Hooman Behmanesh
Música: Hamed Sabet
Intérpretes: Golab Adineh, Saied Aghakhani, Hooman Seyedi, Vishka Asayesh

Un expresidiario trastornado amenaza por teléfono a un escritor. Lo acusa de haberle robado una buena historia, Yo soy Diego Maradona, basada en un asesino que conoció en la cárcel y que acabó loco creyéndose el mítico futbolista argentino. En apenas unas horas, Farhad, el escritor, debe compensar a su agraviado acosador telefónico con una nueva historia que aquel publicará como propia. Si no, algo grave podría ocurrir. Ese es el trato. Entonces Farhad, cuya fuente de inspiración es su vehemente familia, comienza a escribir un relato donde la rotura de los cristales de una ventana con una piedra desencadena un intrincado conflicto familiar a varias bandas, en el que los unos culpan a los otros. Para inquietud de Farhad, las fronteras que separan la ficción de la realidad parecen disolverse, pues su cuento cobra vida real entre el drama surrealista imprevisible y la comedia non stop de humor (muy) negro. Mientras tanto, el airado exconvicto demente no cesa de telefonear pidiéndole cuentas en medio de tal jaleo. De todo lo sucedido será finalmente responsable Diego Armando Maradona.

Iraqi Odyssey (Docuficx)
Suiza, Alemania, Emiratos Árabes Unidos, 2014, Sami
Guión: Sami
Fotografía: Lukas Strebel, Pierre Mennel, Yuri Burak, John Kelleran, Kirill Gerra, Samir
Música: Maciej Sledziecki
Intérpretes: Samira Jamal Aldin, Sabah Jamal Aldin, Souhair Jamal Aldin, Jamal Al Tahir, Tanya Uldin, Samir

Narrar la historia de un país a través de las vicisitudes de una familia, reflejar lo universal en lo personal, esto es lo que pretende el director Samir en su documental Iraqi odissey, una crónica de los agitados 40 últimos años de la vida en Irak. De los años del paternalismo inherente a la tutela colonial británica a la Guerra del Golfo y sus terribles y anárquicas consecuencias, pasando por los años de la dominación del partido Baaz de Sadam Husein. Samir huye de la amargura y de los aspectos derrotistas que podrían condenar su película al rencor y a la amargura del exiliado para dotar a su obra de un humanismo vitalista. Con su trabajo descubrimos que, pese a todas las trabas (humanas, sociales, políticas) que podamos encontrar en nuestro camino, al final la vida y el amor siempre se abren camino. Iraqi odisseyes, en definitiva, un pequeño canto a la esperanza en medio de tiempos oscuros.

Apichatpong Weerasethakul: el arte de la creación

A pesar de que la producción de cine tailandesa ha sido constante a lo largo de la historia no sería hasta 1997 que ésta no sería visible en los circuitos internacionales. La selección de Las lágrimas del tigre negro de Wisit Sasanatieng en el Festival de cine de Cannes, o la irrupción de Fun Bar Karaoke de Pen-Ek Ratanaruang en el Festival de cine de Berlín, significó un antes y un después para la industria del Siam. Esta nueva ola de realizadores tailandeses que proceden del mundo televisivo o de la ilustración y del diseño gráfico, encontraría unos años más tarde, en 2004, en la figura de un licenciado de arquitectura, y master en Bellas Artes por la Escuela de Arte de Chicago, a uno de sus representantes más vanguardistas: Apichatpong Weerasethakul.

El año, 2004, en el que Apichatpong Weerasethakul recibe el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes por su cuarta película, Tropical Malady, el realizador contaba treinta y cuatro años de edad. Han pasado sólo once años desde aquel día y se han escrito miles de líneas entorno a la obra del director: acerca de su mirada minimalista, del arte de la creación o sobre las oposiciones dicotómicas de su obra y, sin embargo, son sus propias palabras, referidas en una entrevista tras la proyección de Uncle Boonmee Who Recalls His Past Lives, Palma de Oro en Cannes en 2010, las que reflejan de un modo más claro el sentido de su obra: “Al principio, mis primeras películas pudieron generar cierta confusión pues el público no me conocía y no sabía qué estaba haciendo. Ni yo mismo lo sabía porque necesitaba encontrar mi propia expresión también. Es como conocer a una persona, eso te lleva tiempo”.

La retrospectiva que el Festival de Cine de Gijón dedica este año a Apichatpong Weerasethakul más allá de catalogar al director dentro de una tendencia, busca ofrecer una mirada acerca de su persona y de su forma de entender el proceso de creación. Entender o, al menos, intentar acercarnos a la mirada de ese joven arquitecto criado en el noroeste de Tailandia y fundador de la compañía de producción Kick the Machine, dedicada al fomento del cine experimental e independiente. ¿Cineasta? ¿Creador? ¿Artista? La obra de Apichatpong (tanto sus películas como su vídeo-arte y sus instalaciones y perfomances) no se define de forma aislada, se entiende como si se tratara de un conjunto de recipientes comunicados por su parte inferior (o interior, según se mire) y que contienen un líquido homogéneo. Una mirada, más documental, presente en su ópera prima como director, Mysterious Object at Noon, puede reencontrarse en su última producción hasta la fecha, Cemetery of Splendour. Al profundizar en su obra descubriremos que las historias no pertenecen al rígido esqueleto de una producción: así descubriremos que el tío Boonmee ya existe (dentro de uno de los pasajes de Tropical Malady) mucho antes de que existiera la película… y así sucesivamente en toda la obra creativa del realizador.

Como en la religión budista, hay un concepto reiterativo a lo largo de la producción de Apichatpong: el concepto del “universo” como un todo, como un global, como que al final todos formamos parte de ese mismo ‘todo’: humanos, animales, naturaleza… todos somos parte de ese “universo”, y nuestras acciones tendrán que ver con el devenir de ese todo global. Descubrir por unos días esa otra mirada de hacer cine es motivo más que suficiente para rendir homenaje a un realizador honesto, al que hay que aprender a conocer. No hay una lógica o una fórmula matemática que te lleve a eso. Simplemente hay que dejar de lado las expectativas acerca de lo que es el cine, de lo que es el sistema y de cómo funciona. Hay que contemplar las películas de Apichatpong como si fueras a hacer un viaje, como cuando vas a un país extranjero, no cuestionar nada, no esperar nada, simplemente pasear, mirar, ver.

Mysterious Object at Noon
Tailandia, 2000, Apichatpong Weerasethakul
Fotografía: Apichatpong Weerasethakul, Prasong Klinborrom
Música: Teekadetch Watcharatanin, Sirote Tulsook Paisit Phanpruksachat, Adhinan Adulayasis
Intérpretes: Somsri Pinyopol, duangjai Hiransri, To Hanudomlapr, Kannikar Narong, Duangjai Hiransri

De norte a sur recorremos Tailandia y junto al equipo de rodaje iremos conociendo distintos rostros y sus diferentes vidas… Hasta aquí todo bien, un documental al uso pensaréis… Pero Weerasethakul, ya en su primera película nos avisa de que no podía ser todo tan fácil. Además de pasearnos por los rincones de su país, el director nos invita a reconstruir una historia inventada a través de las voces de las personas que vamos conociendo en el camino: la de una profesora y su alumno paralítico. Una historia de ficción, actuada por actores no profesionales, inventada a cada paso por los mismos protagonistas de la película, y que interaccionará con el documental que el espectador está viendo. Con este film, Apichatpong ya dejaba claro que iba a marcar un antes y un después dentro del cine tailandés.

Blissfully Yours
Tailandia, Francia, 2002, Apichatpong Weerasethakul
Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom
Música: Nadia, Zentrady
Intérpretes: Kanokporn Tongaram, Min Oo, Jenjira Jansuda, Sa-gnad Chaiyapan, Kanitpat Premkij, Jaruwan Techasatiern, Duangjai Hiransri Mee Maadman, Suchada Sirithanawuddhi, Wibool Boonrak
Compañía productora Kick the Machine Films

Situada en la frontera entre Tailandia y Birmania (la actual Myanmar), seguimos los pasos de dos mujeres tailandesas al cuidado de un inmigrante ilegal, Min, aquejado de un extraño sarpullido en la piel, y al cual le hacen falta papeles legales para poder trabajar. Mientras Orn, la mayor de las mujeres, quiere tener desesperadamente un hijo y mantiene un affair con un compañero de oficina de su marido, la más joven, Roong, inicia junto con el joven y atractivo extranjero un bucólico y romántico día de vacaciones. Para ello se internan en el bosque, a la búsqueda de un lugar idílico donde hacer un buen picnic y dejarse llevar por la sensualidad, el calor y los sonidos de la naturaleza. Segundo largometraje del director tailandés, premiado en el Festival de Cannes de 2002.

Tropical Malady
Tailandia, Francia, Alemania, Italia, 2004, Apichatpong Weerasethakul
Guión: Apichatpong Weerasethakul
Fotografía: Vichit Thanapanich, Jarin Pengpanich, Jean Louis Vialard
Música: Akritchalerm Kalayanamitr
Intérpretes: Sakda Kaewbuadee, Banlop Lomnoi, Siriwej Jareornchon, Udom Promma, Saritpong Boonyadison, Arna Rattapan, Donruedee Chana, Huay Deesom

El soldado Keng está a punto de terminar sus días como soldado, así que es el momento perfecto para, quizá, sentar la cabeza y empezar una relación seria con Tong, un joven agricultor y analfabeto, pero con una familia amable y un hogar apacible en el campo. Sus paseos por la ciudad, conversaciones, sus notas a escondidas, sus viajes en moto… Todo indica que ambos tienen el mismo sueño. Pero algo pasa en el campo, algo siniestro, una bestia comentan, ha atacado a las vacas de las granjas colindantes al bosque… Y aquí precisamente, en este punto, comienza la historia de un soldado que se internará en lo más profundo de la jungla para atrapar al monstruo. Una jungla donde dicen que los mitos y leyendas pueden llegar a convertirse en reales.

Syndromes and a Century
Tailandia, Austria, Francia, 2006, Apichatpong Weerasethakul
Guión: Apichatpong Weerasethakul
Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom
Música: Kantee Anantagant
Intérpretes: Jaruchai Lamaram, Jenjira Pongpas, Nantarat Sawaddikul, Sophon Pukanok

En un hospital de provincias, la doctora Toey entrevista a Nohng, un médico del ejército que va a empezar a trabajar allí. Poco después, la seguimos a su consulta donde practica sus rutinarias visitas a los habitantes del lugar y, algo más tarde, también en sus recuerdos sobre un amor frustrado con un cultivador de plantas. Y como si nos trasladáramos en una misteriosa máquina del tiempo, en un moderno hospital de ciudad la doctora Toey entrevista al nuevo médico de la plantilla, el Dr. Nohng, quien, una vez finalizada la ronda de preguntas, visitará a un viejo amigo en el área de traumatología situada en los sótanos del lugar. Presentada en el Festival de Venecia de 2006, en Syndromes & a Century Apichatpong rinde homenaje a sus padres, ambos médicos de profesión, a la vez que plasma los recuerdos de su niñez.

El tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas
Reino Unido, Tailandia, Alemania, Francia, España, 2010, Apichatpong Weerasethakul
Guión: Apichatpong Weerasethakul
Montaje: Lee Chatametikool
Fotografía: Yukontorn Mingmongkon, Sayombhu Mukdeeprom
Música: Akritchalerm Kalayanamitr, Koichi Shimizu
Intérpretes: Natthakarn Aphaiwonk (Huay), Sakda Kaewbuadee (Tong), Geerasak Kulhong (Boonsong), Jenjira Pongpas (Jen), Thanapat Saisaymar (tio Boonmee)

Cuando el tío Boonmee, que vive en su plantación de tamarindos cerca de las montañas, se da cuenta de lo delicada que está su salud (sufre de una enfermedad renal) llama a sus familiares más cercanos para que le asistan y acompañen en sus últimos días de vida. Acudirán a su lado su cuñada Jen y su sobrino Tong… pero no serán los únicos. Sorprendentemente, durante una apacible velada donde todos están cenando alrededor de la mesa, aparece en una de las sillas Huay, la esposa fallecida de Boonmee, y también un misterioso ser, transformado en la figura de un mono, que dice ser Boonsong, hijo de ambos y desaparecido en la jungla 12 años atrás. Así pues, junto a sus seres más queridos, Boonmee comenzará su viaje iniciático hacia otra vida.

Mekong Hotel
Tailandia, Reino Unido, Francia, 2012, Apichatpong Weerasethakul
Guión: Apichatpong Weerasethakul
Fotografía: Apichatpong Weerasethakul
Música: Chai Bhatana
Intérpretes: Jenjira Pongpas, Maiyatan Techaparn, Sakda Kaewbuadee, Apichatpong Weerasethakul, Chai Bhatana, Chatchai Suban

Retrato de un hotel situado junto al río Mekong, al noroeste de Tailandia en su frontera con Laos, y los personajes que durante mayor o menor tiempo habitan sus distintas estancias: el fantasma de una madre, convertida en vampiro; la hija de ésta enamorada de un joven adolescente hijo de agricultores; o un joven músico y profesor de guitarra clásica cuyas interpretaciones al instrumento nos acompañarán durante prácticamente todo el metraje. En Mekong Hotel, premiada en el Festival de Cannes de 2012 y presentada también en el Festival de Gijón, Apichatpong Weerasethakul vuelve a recurrir a la mixtura entre realidad y ficción: los espíritus de las personas fallecidas se resisten a abandonar los vínculos afectivos y de proximidad que les unen a sus seres queridos todavía vivos.

Cemetery of Splendour
Tailandia, Reino Unido, Francia, Alemania, Malasia, 2015, Apichatpong Weerasethakul
Guión: Apichatpong Weerasethakul
Fotografía: Diego García
Música: Akritchalerm Kalayanamitr
Intérpretes: Jenjira Pongpas Widner (Jenjira), Banlop Lomnoi (Itt), Jarinpattra Rueangram (Keng)

En una casa de convalecencia, mitad clínica mitad lugar de reposo, varios soldados son trasladados de forma temporal, aquejados de una extraña enfermedad del sueño. Uno de ellos, Itt, un soldado bien parecido sin ninguna familia que lo cuide, entabla una relación de interdependencia con su cuidadora, una ama de casa ordinaria que realiza labores de voluntariado en el lugar llamada Jenjira. A través de sus paseos esporádicos cuando Itt se despierta, de los métodos varios (terapia del color, mediums que tratan de comunicar a vivos y dormidos…) utilizados por el personal del hospital para reactivar a los durmientes y del críptico diario de notas del propio Itt, Jen descubrirá que los alrededores de la clínica tienen algo mágico, algo mítico que los conecta con sus ocupantes.

Vapour
Tailandia, Corea, China, 2015, Apichatpong Weerasethakul
Fotografía: Chatchai Suban
Intérpretes: Kirssakorn Thinthupthai, Thanyarak Chakkrawan, Kasame Tidnaur, Pichaya Tidnaur, Wanla Chuenjee

Las nubes descienden hacia un pueblo y lo cubren todo durante un día. Tocan las tejas, las camas, las sillas, las alfombras, la hierba , y los cuerpos, inundándolo todo con una nube de vapor blanco.

Cahaya Dari Timur: Beta Maluku (SECCIÓN OFICIAL)
Indonesia, Angga Dwimas Sasongko, 2014
Intérpretes: Adurrahman Arif, Aufa Assagaf, Glenn Fredly

Cahaya Dari Timur: Beta Maluku nos acerca al conflicto religioso de las Islas Molucas sucedido entre 1999 y 2002 en el que las comunidades musulmanas y cristianas se enzarzaban en luchas encarnizadas. En este contexto, Sani Tawainella decide empezar a entrenar a unos niños para evitar que vayan a ver los disturbios y corran peligro. Con el tiempo, Sani se convertirá en el entrenador del equipo sub 15 de las Islas Molucas y tendrá que enseñar a los niños a superar el conflicto y a tolerar la religión del resto de compañeros.

El guión del film está basado en la historia real de Sani Tawainella, entrenador del equipo de fútbol de las Islas Molucas que consiguió conciliar a las diferentes comunidades religiosas gracias al deporte. La historia es muy emotiva y la fotografía de Roby Taswin resulta plástica y bella. Además la música y la interpretación de los niños hacen que el espectador entre en la historia y viva los partidos, pero los 151 minutos se hacen eternamente largos. Los puntos de giro del guión son demasiado tópicos y han sido suficientemente exploradores en numerosas películas.

The Light Shines Only There (SECCIÓN ESPECIAL)
Japón, Mipo Oh, 2014
Intérpretes: Gô Ayano, Chizuru Ikewaki, Masaki Suda

The Light Shines Only There narra el amor de dos almas atormentadas. Tatsuo Sato (Gô Ayano) conoce a Chinatsu (una impresionante Chizuru Ikewaki) y en seguida quiere sacarla de esa vida miserable que lleva. Pero Tatsuo no es ningún príncipe azul, sino un supervisor de una cantera que intenta superar la muerte accidental de uno de sus compañeros, y Chinatsu no vive en un mundo color de rosa, sino en una familia completamente desestructurada que sufre la más absoluta miseria.

El film está basado en la novela de 1989 Soko nomi nitte Hikari Kagayaku del escritor Yasushi Sato. Mipo Oh, directora y guionista conocida por Here Comes the Bride, My Mom! (2010), sitúa la novela de Sato en el Hokkaido actual y nos muestra una cara de la isla que no tiene nada que ver con lo que estamos acostumbrados a ver en pantalla. El sol nunca brilla para los protagonistas. Mientras las escenas de Tatsuo están llenas de luces de neón que contrastan con la oscuridad de sus pesadillas, las escenas de Chinatsu se ven matizadas casi siempre por el atardecer del mar exhalando una melancolía infinita. Tan sólo al final, el sol de la tarde iluminará la cara de Chinatsu.

Familias desestructuradas, personajes cuyos destinos parecen ligados al abismo, incapaces de avanzar… Son personajes muy socorridos en la literatura japonesa que muestran la cara más amarga de la modernidad. Oh sabe captar perfectamente en su guión ese punto acibarado sin caer en la lágrima fácil que le valió el premio al Mejor Director en el Festival Internacional de Cine Montreal (2014) y el de Mejor Director, Mejor Película y Mejor Guión en el Festival de Cine de Yokohama (2014).

Court (SECCIÓN OFICIAL)
India, Chaitanya Tamhane, 2014
Intérpretes: Usha Bane, Vivek Gomber, Pradeep Joshi

Court es un elegante examen al sistema judicial de la India en la que Tamhane, quien también ha firmado el guión, cuenta el caso de acoso legal que sufre un activista y cantante local, Sharmila Pawar. La crítica se centra en el ruido burocrático que ahoga la verdad.

El film fue premiado por el jurado joven del Casa Asia Film Week con el premio al Mejor Guión y recibió el premio a la Mejor Película en la categoría Horizontes en el Festival Internacional de Cine de Venecia (2014). Además Court es la apuesta India por el Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa en la próxima edición.

Lo que aporta Tamhane al género judicial con este film, no es sólo la autocrítica a un sistema legal que se jacta de ser democrático pero que tiene deficiencias flagrantes, sino el punto de vista. La cámara empieza mostrando a Pawar en la escuela dando clases a unos niños y luego en una de sus actuaciones que exaltan la libertad y los derechos de los seres humanos. Una vez empezado el juicio, la cámara seguirá a su abogado Narayan Kamble, hijo de una familia adinerada que se dedica a estudiar y defender casos como el suyo. Con Kamble aprenderemos la línea más idealista y proactiva de la nueva India, pero también la más irreal ya que su interés en la defensa va perdiendo fuerza poco a poco. Su mundo no es el de Pawar, definitivamente. Después la cámara se centrará en la fiscal de la acusación, una mujer que encarna la ironía de muchas mujeres indias que lucha por la igualdad de sus derechos pero que a la vez se agarran obcecadamente a unas leyes y costumbres obsoletas e inflexibles redactadas en la época colonial. Y por último, la cámara nos mostrará al juez que representa un poco el letargo del sistema legal. Es un padre de familia que intenta ser justo, pero su pasividad y excesiva confianza en sí mismo no ayudan a un proceso de modernización acorde con las necesidades de la población.

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)

Los Golden Rooster se crearon en 1981 avalados por la China Film Association, mientras que los Hundred Flowers Awards, se crearon en 1962 de la mano del Popular Cinema Magazine. Ambas galas separadas se unificaron en 1992 en el “National Film Festival” que conforma el festival más importante de toda la China continental, que este año se celebró en Septiembre. La concesión de estos premios es un poco extraña ya que un año se conceden los Golden Rooster y al siguiente los Hundred Flowers, en esta ocasión le tocaba a los primeros y aquí tenéis la lista de nominados y premiados.

Mejor Película

Wolf Totem
The Golden Era
The Taking of Tiger Mountain
Phurbu & Tenzin
Wolf Warrior

Mejor Director

Tsui Hark – The Taking of Tiger Mountain
Ann Hui – The Golden Era
Ba Yin – Nuori Jima
Fu Dongyu – Phurbu & Tenzin
Liang Ming – Flag

Mejor Director Novel

Chen Jianbin – A Fool
Peng Sanyuan – Lost and Love
Xie You – Qing Se Ri Ji
Xu Ang – 12 Citizens

Mejor película de bajo presupuesto

I’m Not Wang Mao
Nuori Jima
We Will Make It Righ
Yan Xiang

Mejor Guión original

Li Qiang – The Golden Era
A Lai – Phurbu & Tenzin
Qu Jiangtao – A Grandson from America
Xing Yuanping/Jia Ru – Tu Di Zhi
Zhang Ji – Dearest
Zhao Baohua – We Will Make It Righ

Mejor Guión adaptado

Chen Jianbin – A Fool
Dong Zhe/Jiang Guangyu/Zhai Junjie – Yi Hao Mu Biao
Li Yujiao/Dong Zhe/Xu Ang – 12 Citizens
Tsui Hark/Huang Xin/Li Yang/Wu Bing/Dong Zhe/Lin Qian – The Taking of Tiger Mountain
Zou Jingzhi – Coming Home

Mejor Actor

Zhang Hanyu – The Taking of Tiger Mountain
Andy Lau – Lost and Love
Chen Jianbin – A Fool
Sun Weimin – Yi Hao Mu Biao

Mejor Actriz

Badema – Nuori Jima
Lü Zhong – Red Amnesia
Tang Wei – The Golden Era
Xu Fan – When a Peking Family Meets Aupair
Zhao Wei – Dearest

Mejor Actor secundario

Zhang Yi – Dearest
Han Tongsheng – 12 Citizens
Jing Boran – Lost and Love
Wang Qianyuan – Brotherhodd of Blades
Wang Zhiwen – The Golden Era
Zhang Hui – Yan Xiang

Mejor Actriz secundaria

Deng Jiajia – Silent Witness
Chen Jin – A Noble Spirit
Ding Jiali – The Golden Era
Mei Ting – Blind Massage
Zhang Huiwen – Coming Home

Mejor Fotografía

Lost and Love – Li Pinbin
Nuori Jima- Ren Jiazhen
Phurbu & Tenzin – Zeng Jian
The Taking of Tiger Mountain – Cai Chonghui

Mejor Dirección Artística

The Golden Era – Zhao Hai
The Great Hypnotist – Luo Shunfu
The Taking of Tiger Mountain – Yi Zhenzhou
Tian Jiang Chang – Zhang Fan
Wolf Totem – Quan Rongzhe

Mejor Banda sonora

Ballet in the Flames of War – Lei Lei
Flag – Liu Sijun
Nuori Jima – Mori Jihu
Phurbu & Tenzin – Hao Weiya
The Taking of Tiger Mountain – Hu Weili

Mejor sonido

Coming Home – Tao Jing
Young Detective Dee: Rise of the Sea Dragon – Zeng Jingxiang
The Great Hypnotist – Zhao Nan/Yang Jiang
The Taking of Tiger Mountain – Wu Jingjing
Wolf Totem – Wang Gang

A principios de Noviembre se anunciaron los ganadores de los 35th Korean Association of Film Critics Awards, o lo que es lo mismo los premios de la crítica de Corea del Sur. En esta ocasión los premios más destacados han ido a parar a “The Throne” como mejor película, además de mejor guión y mejor banda sonora, y a Ryoo Seung-wan como mejor director por si divertidisima “Veteran“. Por lo demás todo ha estado muy repartido, la interpretación masculina ha ido a parar a Jung Jae-Young por “Right Now, Wrong Then” y la femenina ha sido para Kim Hye-Soo por su magnifico papel en “Coin Locker Girl“. “Assassination” se ha tenido que conformar con algunos premios técnicos por su excelente factura. A continuación tenéis la lista completa de premiados.

Mejor Película
The Throne

Mejor Director
Ryoo Seung-wan (“Veteran”)

Mejor Actor
Jung Jae-Young (“Right Now, Wrong Then”)

Mejor Actriz
Kim Hye-Soo (“Coin Locker Girl”)

Mejor Guión
Jo Chul-Hyun, Oh Seung-Hyun, Lee Song-Won (“The Throne”)

Mejor Fotografía
Kim Woo-Hyung (“Assassination”)

Mejor Banda Sonora
Bang Joon-Suk (“The Throne”)

Premio a la excelencia técnica
Ryoo Sung-Hee (“Assassination”)

Premio de la federación internacional de la crítica de Corea
Jang Kun-Jae (“A Midsummer’s Fantasia”)

Mejor Director novel
Kim Tae-Yong (“Set Me Free”)

Mejor Actor novel
Choi Woo-Sik (“Set Me Free”)

Mejor Actriz novel
Kwon So-Hyun (“Madonna”)

Premio a la carrera cinematográfica
Jung Jin-Woo

Premio honorífico
Ahn Sung-Ki

No nos olvidamos de neustras reseñas asiáticas del pasado Sitges Film Festival 2015, y hoy llegamos a nuestro séptimo día con otras tres películas de lo más interesantes. La primera de ellas es un drama hongkones en torno a un extraño crimen, la segunda una reinterpretación del cuento del Flautista de Hamelín a la coreana, y la tercera -una de mis películas más esperadas en el festival- un thriller psicológico indio.

Port of Call
Hong Kong, Philip Yung, 2015
Intérpretes: Aaron Kwok, Jessie Li, Michael Ning, Patrick Tam

Nos despertamos en este séptimo día de festival y vamos raudos al Teatro Prado a ver una película hongkonesa, “Port of Call”, producción que se basa en el hecho real, acaecido en 2008, del asesinato de una joven prostituta de 16 años cuyo cuerpo aparece descuartizado. La película comienza mostrándonos a la víctima, la joven Jiamei. Ella está muerta solo porque lo dice Chi-chung, un joven camionero que se entrega afirmando que la ha matado. El policía encargado del caso intentará desentrañar lo ocurrido.

En esta ocasión el director es Philip Yung, que lleva en la industria del cine desde finales de los noventa como productor y que como director ha firmado películas como “Glamorous” y “May We Chat”. Esta última película pudimos verla en el Far East Film Festival de Udine y construye un relato también basado en la juventud y el sórdido submundo de la prostitución y las drogas, en este caso centrándose en tres jóvenes que se conocen a través de un programa de chat y que se ayudan entre ellas en este ambiente de bajos fondos. Es fácil caer en el dramón con este tipo de guiones, pero Yung le da siempre algo que hace que sean algo más que simples dramas. En “May We Chat” lo sórdido de toda la ambientación el da mucho interés al desarrollo de la historia, en el caso de “Port of Call” el interés lo da la narrativa, construida de forma no lineal a base de flashback y saltos temporales que nos van dando información que tenemos que ir componiendo nosotros. No es que sea compleja de seguir, pero es cierto que según como la veas es posible que esta estructura canse un poco a base de fechas y saltos. Además la historia no se centra solo en el asesinato y sus protagonistas, sino que también lo hace en el policía que los investiga, magníficamente caracterizado por Aaron Kwok, mostrándonos también sus dramas y su pasado, que lo influencia también en su presente de forma determinante.

El conjunto en general es interesante, quizás con esos pequeños problemas narrativos derivados de su construcción y con un final que no me pareció del todo satisfactorio, pero si sabes que vas a ver un drama y no un thriller más convencional, la cosa funciona.

The Piper
Corea, Kim Gwang-Tae, 2015
Intérpretes: Ryu Seung-ryong, Lee Sung-min, Goo Seung-Hyun, Chun Woo-Hee

Allá por 2008 el director Yim Pil-sun presentaba en Sitges su película “Hansel y Gretel”, una oscura versión del cuento de los hermanos Grimm con toques de terror y violencia, que se convertiría en una de mis películas favoritas de aquella edición. Es inevitable que al ver el tráiler de “The Piper”, opera prima de Kim Gwang-Tae, uno sienta curiosidad de ver como se ha vuelto a tomar un relato clásico, en este caso “El flautista de Hamelín”, y se ha llevado a un terreno mucho más siniestro.

El guión nos traslada poco después de la guerra de Corea contra Japón, el flautista Woo-ryong y su hijo viajan a Seúl. Un día hacen una parada en una pequeña aldea oculta en medio del bosque. El pueblo está aislado e infestado de ratas, y el flautista hace un trato con el cabecilla del lugar para librarlos de la plaga. Pero una vez cumplida la misión Woo-ryong será traicionado.

La película comienza de una forma amena y agradable, muy luminosa, con humor y simpatía, una fotografía excepcional y una gran banda sonora, que combina la música ambiente con piezas de flauta. El flautista y su hijo nos hacen pasar un buen rato, pero conforme avance el metraje y la película adquiera un tono más siniestro todo ira oscureciéndose. La ambientación es muy buena, si bien parece que muchos momentos de sangre y violencia son forzados y están ahí para un público especifico, no porque la historia lo requiera. Se podría haber construido todo de una forma más natural, quizás con menos sangre pero más tensión, pero aún así es una película muy entretenida e interesante.

Sunrise
India, Partho Sen-Gupta, 2015
Intérpretes: Adil Hussain, Tannishtha Chatterjee

A estas alturas de festival plantearse ver una película que comienza pasadas las 5 de la madrugada como última de una maratón (que curiosamente estaba compuesta por dos comedias, esto solo pasa en Sitges) es algo bastante duro, me cuesta mucho aguantar hasta esas horas en plenas facultades mentales y físicas. Pero cuando uno tiene que cuadrar una de las películas que más ganas tenía de ver de todo el festival de Sitges pues hace el esfuerzo, y se ve recompensado.

Sunrise construye un thriller psicológico de los que a mi me gustan, intenso, duro, adentrándose en terrenos difíciles. Para empezar el Bombay que se nos muestra no es la colorida y exótica ciudad que todos podemos imaginar, sino una urbe sucia y oscura, donde la violencia está a punto de estallar en cada rincón. Es esta oscuridad la que define el film, casi totalmente rodado de noche y con una eterna lluvia que parece desdibujar la propia ciudad al igual que la realidad que rodea al relato, basado en el inspector de asuntos sociales Joshi -encarnado de forma contundente y austera por Adil Hussain-. Irónicamente este inspector ha vivido en primera persona el secuestro y desaparición de su hija y esto le ha afectado profundamente a nivel psicológico. Mientras que su mujer traumatizada parece vivir en el pasado, el se lanza a una búsqueda eterna de su hija, desdibujando en este proceso, tal como comentaba antes, la realidad con la propia visión del inspector, su propia mente. Gupta usa recursos muy interesantes, la propia oscuridad, una estructura de repetición que nos presenta escenas es una especie de gran ciclo que Joshi pretenderá romper… la ambientación es casi todo en esta producción, y esta muy bien conseguida.

He de reconocer que en el momento de escribir estas líneas tengo claras lagunas al pensar en la película, producto sin duda de la hora en que la vi -no creáis que me dormí viéndola, todo lo contrario, pero es difícil fijar algo en la mente en esas condiciones-. La cinta es altamente recomendable y yo estoy deseando verla de nuevo.

Hace nada que se conocieron los ganadores de la edición número 52 de los Taipei Golden Horse Awards, los principales premios concedidos en Taiwan y uno de los más prestigiosos de Asia. Casi 430 películas entre largos, documentales y cintas de animación, han competido por estar entre los nominados, lo cuyal supone un sensible incremento con respecto a la pasada edición. Entre los nominados destaca sin duda la última película de Hou Hsiao Hsien “The Assassin” que ha recibido 11 de ellas -además del reconocimiento a su director como realizador taiwanés del año-, le siguen de cerca “Thanatos, Drunk” con 10 nominaciones y “Port of Call” con 9. Además este año se recupera el premio a Mejor Película de Animación, que en ediciones pasadas quedaba desierto por falta de competidores.

Mejor Película

Thanatos, Drunk
Port of Call
The Assassin
Tharlo
Mountains May Depart

Mejor Documental

32 and 4
On the Rim of the Sky
The Verse of Us
Wansei Back Home
The Chinese Mayor

Mejor Película de Animación

Monkey King – Hero Is Back
McDull: Me & My Mum

Mejor Director

CHANG Tso-Chi (Thanatos, Drunk)
TSUI Hark (The Taking of Tiger Mountain 3D)
Hou Hsiao-hsien (The Assassin)
PEMA Tseden (Tharlo)
JIA Zhang-Ke (Mountains May Depart)

Mejor actor principal

LEE,HONG-CHI (Thanatos, Drunk)
Aaron KWOK (Port of Call)
FENG Xiao-Gang (Mr. Six)
DENG Chao (The Dead End)
DONG Zijian (De Lan)

Mejor actriz principal

Karena LAM (Zinnia Flower)
Sylvia CHANG (Office)
SUNG, Vivian (Our Times)
Shu Qi (The Assassin)
ZHAO Tao (Mountains May Depart)

Mejor actor de reparto

CHENG,JEN SHUO (Thanatos, Drunk)
Lawrence KO (Murmur of the Hearts)
Michael NING (Port of Call)
Michael CHANG (The Laundryman)
WANG Qianyuan (Saving Mr. Wu)

Mejor actriz de reparto

LU Xuefeng (Thanatos, Drunk)
Elaine JIN (Port of Call)
MA Sichun (The Left Ear)
Jian Man Shu (Maverick)
JIANG Wenli (The Master)

Mejor director novel

Alec SU (The Left Ear)
LEE Chung (The Laundryman)
Xiang Guoqiang (Young Love Lost)
BI Gan (Kaili Blues)
Yu Shan Chen (Our Times)

Mejor nuevo talento

LEE HONG-CHI (Thanatos, Drunk)
Jessie LI (Port of Call)
Michael NING (Port of Call)
Cecilia SO (She Remembers, He Forgets)
Ado· Kaliting ·Pacidal (Wawa No Cidal)

Mejor Guión original

CHANG Tso-Chi (Thanatos, Drunk)
Tom Shu-Yu LIN, LIU Wei-Jan (Zinnia Flower)
Philip YUNG (Port of Call)
GUAN Hu, DONG Runnian (Mr. Six)
JIA Zhang-Ke (Mountains May Depart)

Mejor Guión adaptado

Sylvia CHANG (Office)
Acheng, Chu Tien-Wen, Hsieh Hai-Meng (The Assassin)
XU Hao-Feng (The Master)
PEMA Tseden (Tharlo)
CHENG Yu-Chieh, Lekal Sumi Cilangason (Wawa No Cidal)

Mejor fotografía

HSU,CHIH-CHUN, CHANG,CHIH-TENG (Thanatos, Drunk)
Christopher DOYLE (Port of Call)
Mark Lee Ping-Bing (The Assassin)
Lu Songye (Tharlo)
YU Lik Wai (Mountains May Depart)

Mejores efectos visuales

Victor Wong, Bryan CHEUNG (Rise of the Legend)
GUO Jianquan, Christian RAJAUD (Wolf Totem)
Jason H. SNELL, Ellen POON, TANG Bingbing (Monster Hunt)
Wook Kim (The Taking of Tiger Mountain 3D)
Rick Sander, Christoph Zollinger (Gone With the Bullets)

Mejor dirección artística

Yohei TANEDA, LEE Kin-wai (Monster Hunt)
William CHANG, Alfred Yau (Office)
YI Zheng Zhou (The Taking of Tiger Mountain 3D)
Hwarng Wern-Ying (The Assassin)
Liu Qing (Gone With the Bullets)

Mejor maquillaje y vestuario

YEE Chung Man (Monster Hunt)
William CHANG, LUI Fung Shan (Office)
Hwarng Wern-Ying (The Assassin)
William Chang Suk Ping (Gone With the Bullets)
ZHAI Tao, Yuye Chen (De Lan)

Mejor coreografía de acción

Corey YUEN (Rise of the Legend)
LI Chung Chi (SPL2 – A Time For Consequences)
YUEN Bun (The Taking of Tiger Mountain 3D)
LIU Mingzhe (The Assassin)
XU Hao-Feng (The Master)

Mejor banda sonora

LIN Shangde, TSENG,YUN-FANG (Thanatos, Drunk)
KUNG Yu-Chi (A Gong – sodagreen) (Zinnia Flower)
Chen Yang (Murmur of the Hearts)
Lim Giong (The Assassin)
Yoshihiro HANNO (Mountains May Depart)

Mejor canción original

Darkness on the Sea
Lyric: Ke Ding  Composer: Ke Ding  Performer: Ke Ding
(Port of Call)
twist
Lyric: Luantan-Ascent  Composer: Luantan-Ascent  Performer: Luantan-Ascent
(The Laundryman)
HE BI NE
Lyric: LIN Xi  Composer: Dayu LO  Performer: Eason Chan
(Office)
A Little Happiness
Lyric: Shi-Chen Hsu, Hui-Fu Wu  Composer: JerryC  Performer: Hebe Tien
(Our Times)
Aka pisawad
Lyric: Suming．Rupi  Composer: Suming．Rupi  Performer: Suming．Rupi
(Wawa No Cidal)

Mejor edición

Zhong Renbo (The Verse of Us)
CHANG Tso-Chi (Thanatos, Drunk)
Chen Po-Wen (Murmur of the Hearts)
DING Sheng (Saving Mr. Wu)
LIAO Ching-Song (The Assassin)

Mejores efectos sonoros

KUO Li Chi (The Laundryman)
Kinson TSANG, LEE Yiu Keung, George, YIU Chun Hin (Monster Hunt)
Tu Duu-Chih, WU Shu-Yao, David Richardson (HKSE) (Office)
Tu Duu-Chih, Chu Shih-Yi, WU Shu-Yao (The Assassin)
ZHANG Yang (Mountains May Depart)

Filmmaker Taiwanés del Año

Hou Hsiao-hsien

Premio de la Audiencia

Mountains May Depart

Premio FIPRESCI

Kaili Blues

Premio a la carrera

Li Li Hua

El pasado día 20 de noviembre se fallaron los Daejong Film Awards, uno de los grandes premios del cine coreano auspiciados por el Ministerio de Cultura. En esta ocasión Los Grand Bell Awards, como también se les conoce, han estado copados por una poelícula pro encima de todas, Ode to My Father de Yoon Je-kyoon, que se ha llevado numerosos galardones, destacando mejor película, director y guión. A continuación tenéis la lista completa de premiados.

Mejor Película

Ode To My Father
Veteran
The Throne
Assassination
Northern Limit Line

Mejor Director

Yoon Je-kyoon – Ode to My Father
Choi Dong-hoon – Assassination
Kim Sung-ho – How to Steal a Dog
Lee Joon-ik – The Throne
Oh Seung-uk – The Shameless
Ryoo Seung-wan – Veteran

Mejor Actor

Hwang Jung-min – Ode to My Father
Ha Jung-woo – Assassination
Son Hyun-joo – The Chronicles of Evil
Yoo Ah-in – The Throne
Yoo Ah-in – Veteran

Mejor Actriz

Jun Ji-hyun – Assassination
Han Hyo-joo – The Beauty Inside
Kim Hye-soo – Coin Locker Girl
Yunjin Kim – Ode to My Father
Uhm Jung-hwa – Wonderful Nightmare

Mejor Actor de reparto

Oh Dal-su – Ode to My Father
Do Kyung-soo – Cart
Jin Goo – C’est Si Bon
Oh Dal-su – Assassination
Yoo Hae-jin – Veteran
Yoo Yeon-seok – The Royal Tailor

Mejor Actriz de reparto

Kim Hae-sook – The Throne
Jang Yoon-ju – Veteran
Kim Hye-ja – How to Steal a Dog
Kim Young-ae – Cart
Ra Mi-ran – Ode to My Father

Mejor Director Novel

Baik – The Beauty Inside
Cho Geun-hyun – Late Spring
Han Jun-hee – Coin Locker Girl
Kim Gwang-tae – The Piper
Lee Byeong-heon – Twenty

Mejor Actor Novel

Lee Min-ho – Gangnam Blues
Kang Ha-neul – Twenty
Lee Hyun-woo – Northern Limit Line
Park Seo-joon – The Chronicles of Evil
Yeo Jin-goo – Shoot Me in the Heart

Mejor Actriz Novel

Lee Yoo-young – Late Spring
Hong Ah-reum – Makgeolli Girls
Jang Yoon-ju – Veteran
Kim Seolhyun – Gangnam Blues
Lee Re – How to Steal a Dog
Park So-dam – The Silenced

Mejor Guión

Park Su-jin – Ode to My Father
Kim Seon-jeong, Park Jeong-ye – The Beauty Inside
Choi Dong-hoon, Lee Ki-cheol – Assassination
Kim Hak-soon – Northern Limit Line
Ryoo Seung-wan – Veteran

Mejor Fotografía

Choi Young-hwan – Ode to My Father
Choi Young-hwan – Veteran
Kim Ji-yong – The Royal Tailor
Kim Jung-won – Late Spring
Kim Woo-hyung – Assassination

Mejor Diseño Artístico

Chae Kyung-sun – The Royal Tailor
Kang Seung-yong – The Throne
Lee Tae-hun – The Treacherous
Ryu Seong-hee – Ode to My Father
Ryu Seong-hee – Assassination

Mejor Banda Sonora

Kim Jun-seong – The Tenor – Lirico Spinto
Bang Jun-seok – The Throne
Jang Young-gyu, Dalparan – Assassination
Lee Byung-hoon – C’est Si Bon
Lee Byung-woo – Ode to My Father

Mejor Edición

Lee Jin – Ode to My Father
Choi Min-yong – Northern Limit Line
Kim Sang-bum, Kim Jae-bum – Veteran
Shin Min-kyung – Assassination
Yang Jin-mo – The Beauty Inside

Mejor Vestuario

Jo Sang-gyeong – The Royal Tailor
Jo Sang-gyeong, Son Na-ri – Assassination
Kwon Yu-jin, Im Seung-hee – Ode to My Father
Lee Jin-hee – The Treacherous
Shim Hyun-sub – The Throne

Mejor Iluminación

Kim Min-jae – The Silenced
Kim Ho-seong – Ode to My Father
Kim Ho-seong – Veteran
Kim Seung-gyu – Assassination
Jo Kyu-young – The Royal Tailor

Premio a la Carrera

Chung Chang-hwa (Director)
Yoon Il-bong (Actor)

Gentle (SECCIÓN OFICIAL)
Vietnam, Le-Van Kiet, 2014
Intérpretes: Dustin Nguyen

Gentle está basado en una historia corta que escribió Fyodor Dostoyevsky en 1876 A Gentle Creature y explora las razones que hay detrás del suicidio de una bella joven que se casa con un prestamista para escapar de la pobreza. Dustin Nguyen encarna a Thien, el estricto prestador que se enamora de una huérfana unos veinte años más joven pero que en vez de conquistarla la ahoga con su severidad y su criterio absoluto.

Siguiendo el original de Dostoyevsky, la historia está narrada en flashbacks desde el momento en que Linh decide lanzarse al vacío desde la terraza de su casa. Este recurso permite al espectador centrarse más en la perspectiva íntima que interesa a Kiet, en el desgaste progresivo de la relación de pareja y el deterioro mental tanto para Linh como para Thien. Sin embargo, Kiet vuelve una y otra vez al momento en que Thien vela a su esposa fallecida finalizando con un montaje alterno, y estos constantes flashbacks y flashforwards se antojan un poco confusos.

Curiosamente, en el original de Dostoyevsky, Linh no se refugia en la amistad de un sacerdote y en su fe cristiana sino en un antiguo amigo del régimen de su marido. Este giro añade unas connotaciones morales mucho más fuertes que en la novela. Por un lado, la devota Linh no encuentra otra salida que suicidarse para liberar su alma y la de Thien, aunque el precio a pagar sea condenarlos a ambos eternamente. Por otro, la crítica de Dostoyevsky a la inercia de la existencia humana del hombre capitalista a lo material causando un aislamiento espiritual queda mucho más latente con este simple giro en la trama.

A Few Cubic Meters of Love (SECCIÓN OFICIAL)
Afganistán, Jamshid Mahmoudi, 2014
Intérpretes: Hasiba Ebrahimi, Nader Fallah, Masoud Mirtaheri

A Few Cubic Meters of Love cuenta la historia de amor entre un joven iraní de una fábrica en Teherán y la hija de uno de los trabajadores afganos ilegales. La cinta se alzó con el premio del jurado joven a la Mejor película y con una mención especial del jurado. La historia es el primer largometraje escrito y dirigido por Jamshid Mahmoudi, afgano de nacimiento con residencia en Irán; condición que seguro que ha hecho mella en la realización de este film que plasma el drama de la inmigración ilegal y la inflexibilidad cultural.

El ingenuo amor entre Saber (Saed Soheili) y Marona (Hasiba Ebrahimi) es ciego a todo el drama que les envuelve. Ambos jóvenes se citan a escondidas en un contenedor deteriorado en el que crean un universo casi hermético en el que su amor sí es posible y donde no importa de dónde sean. El contenedor se convierte así en una bellísima y cruel metáfora de su amor que ejerce como escudo protector ante la cruda realidad que les acecha y que, en el momento que colisionan ambos universos, actúa como sepulcro de dicho amor.

Sin duda un guión excelente pero lo que más destaca es el impecable aprovechamiento de los medios y el tratamiento el espacio.

Margarita with a Straw (SECCIÓN OFICIAL)
India, Shonali Bose & Nilesh Maniyar, 2014
Intérpretes: Kalki Koechlin, Revathy, Sayani Gupta

El jurado destacó los valores sociales y la autosuperación que promueve Margarita with a Straw que además se alzó con el Premio del Público, con una mención especial también del jurado para la elegante actuación de Kalki Koechlin.

Koechlin interpreta a Laila, una universitaria con parálisis cerebral que después de un desengaño amoroso decide viajar a Nueva York. El tópico del sueño americano cobra en manos de Bose y Maniyar un nuevo significado, pues Laila hará un viaje introspectivo en el que descubrirá un nuevo infinito de posibilidades y, sobre todo, lo que es capaz de lograr confiando en sí misma.

El film ha sido premiado en numerosos festivales por ese delicado toque humano cuando trata el día a día de una Laila capaz y moderna. Sin embargo, desde un punto de vista psicológico me hubiera parecido mucho más justificado e interesante que el viaje intimista de Laila tuviera lugar después de la pérdida de su madre con la consiguiente lucha por superarse a sí misma.

Kawaki – The World of Kanako (SECCIÓN ESPECIAL)
Japón, Tetsuya Nakashima, 2014
Intérpretes: Kôji Yakusho, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki

El último film de Tetsuya Nakashima está muy en la línea de su filmografía anterior. Se nota además, en el montaje agresivo y genial, que Nakashima repite editor con Yoshiyuki Koike, con quien ya había trabajado en Kamizake Girls (2004), Conociendo a Matsuko (2006) y la insuperable Confessions (2010).

Esta vez Nakashima retorna al género de suspense con un ritmo vertiginoso, y se basa en la novela Hateshinaki Kawaki (2005) de Akio Fukamachi. Un genial Koji Yakusho interpreta a Fujishima, un ex detective de mala reputación que investiga la desaparición de su hija Kanako (Nana Komatsu). Pero para averiguar qué le ha pasado a su hija, tendrá que llegar a conocer a la adolescente que hace más de diez años que no ha visto, descender a las profundidades de la perversión y tomar responsabilidades.

En el mundo de la ficción, y más específicamente en el del cine, la historia de los samuráis, el bushido y el icono de la espada se insertan en la tradición de un género. Naturalmente, las simplificaciones que se introducen con vistas a dar forma a un personaje de ficción, tanto si es a partir de un concepto general como de un personaje real, distorsionan gran parte del legado social y ético. Sin embargo, el hecho de que el samurái cinematográfico siga cronológicamente los pasos de la realidad social no impide que aquél reescriba la historia para adaptarla a las necesidades del carácter de ficción. El propósito aquí no es explorar la “exactitud” de las películas desde la perspectiva de la fidelidad a la historia como medida del mérito dramático. La cuestión, más bien, es la de cómo un tipo de películas identificadas con un país concreto recogen elementos tanto del pasado de esa nación como de sus otras modalidades de ficción para constituir un género con vitalidad propia.

Si las películas de samuráis posteriores a 1945 poseen una ecuación dramática para salvar esa distancia entre el objeto mítico y el espectador que sus predecesores en el cine, el arte y la leyenda no fueron capaces de sortear, el exponente clave de esa ecuación es la violencia. De hecho, cada vez con mayor frecuencia y detalles gráficos, la contemplación de la violencia se ha vuelto últimamente un factor decisivo en todas las películas, tanto de Oriente como de Occidente. El muy extenso interludio a la conclusión de The Wild Bunch (Grupo salvaje), salpicado de tomas a cámara lenta, surreales, se ha vuelto un arquetipo de la masacre en pantalla; sin embargo, gran parte de la orientación de Peckinpah hacia el asesinato como parte integral de los asuntos humanos y su estilización visual deriva de la obra de Akira Kurosawa, siendo el referente más evidente de The Wild Bunch los Siete samuráis (Shichinin no samurai, 1954) de Kurosawa. Para el cine japonés, igual que para la metafísica japonesa, las cualidades de la muerte y la violencia siempre han sido esenciales para la comprensión de la vida, de su trascendencia y de su destrucción.

Convenciones en la narrativa y personajes

El presupuesto básico del chambara (películas de espadas) es, evidentemente, el espadachín. Tanto si el personaje se desarrolla como héroe o bien como antihéroe, su presentación física en la escena y el modo como lo percibe el espectador en cuanto centro dramático en potencia son básicos en toda película de samuráis. Aunque su personaje no necesariamente ha de ser un verdadero samurái –los protagonistas de Los siete samuráis, por ejemplo, no son servidores de un clan, sino ronin–, sí que debe estar armado. De este modo, la espada puede considerarse el icono fundamental del chambara, y el género entero como una manifestación de ese ideal que consideraba el espadachín y su arma como un solo ser. En un sentido muy real, la mera visión del hombre con espada en su faja, incluso estando de pie, de espaldas a la cámara, contemplando un paisaje indefinido –como, por ejemplo, en la primera secuencia de Yojimbo (1961), de Kurosawa, o en Three Outlaw Samurai (Sanbiki no samurai) (1964), de Gosha–, es suficiente para identificar la película en su género. No es absurdo suponer que, para muchos espectadores, la mera espada evocaría la impresión de que está a punto de empezar una película de samuráis.

Hay, por supuesto, una amplia gama de expectativas subordinadas que generan tales imágenes iniciales. Los elementos principales son sencillos y pueden explicarse por comparación con un género occidental, el Western. La segunda mitad del siglo XIX en Japón fue (como los Estados Unidos de después de la Guerra de Secesión) un periodo de convulsiones sociales y políticas. En la reevaluación post-Tokugawa de los principios de gobierno y la transición del aislacionismo al imperialismo en sentido moderno, los daimyo feudales y los miembros de sus clanes intentaron sin éxito –como los terratenientes del monopolio del ganado en EE.UU.– mantener a raya al equivalente japonés de los colonos con la amenaza de una muerte violenta.

Como los cazadores de recompensas o asesinos a sueldo, el espadachín (sea un auténtico samurái o un mercenario vagabundo) podía alinearse junto a cualquiera de esas facciones. La misma figura puede ser buena o mala o ambivalente moralmente, dependiendo más de la caracterización individual que de la tipificación del género, ya que, como ocurre en el Western con los escrúpulos sobre no desenfundar primero o disparar por la espalda, el bushido no siempre va indefectiblemente adherido al héroe o al malvado. Como en el duelo de pistolas, un encuentro entre espadachines con frecuencia sirve como clímax de la película, el acontecimiento al cual se dirigen genotípicamente la mayor parte de la narrativa previa y el desarrollo de los personajes. Del mismo modo que un revólver puede desenfundarse y dispararse de diversos modos, el samurái dispone de una variedad de estilos y modos de empuñar la espada.

En la mayoría de películas hay una notable cantidad de juego preliminar con la espada en el que protagonista y antagonista pueden exhibir su destreza derrotando a un número de secundarios como preludio al duelo final. Aquí, dos oponentes cuya habilidad se ha mostrado como muy similar se encuentran, con el ceremonial correspondiente, para zanjar la cuestión de cuál es el mejor. Dado que la espada larga es tanto un arma que corta como una que pincha, y muchos de los métodos de lucha incorporaban cortes hacia abajo en la cabeza o los hombros y acometidas frontales para agujerear el pecho o el estómago, este duelo culminante entre maestros a menudo recibe un tratamiento visual muy particular y altamente estilizado. Lentes e iluminación inusuales, cámara lenta, filtros ópticos y toda suerte de otros efectos especiales se convierten en la coreografía común y precisa de un ballet mortal.

La analogía con el Western, desde luego, no es perfecta, pero, en términos sociológicos, es un recurso analítico intrigante, particularmente en casos como el de Los siete magníficos (1960, dirigida por John Sturges), una producción norteamericana derivada de Los siete samuráis de Kurosawa, o Por un puñado de dólares (1965, dirigida por Sergio Leone), un Western italiano adaptado de Yojimbo (también de Kurosawa). Incluso es aplicable al concepto de personalidades recurrentes como los Tres Mosqueteros, Rex Allen y Roy Rogers en las producciones estadounidenses de los años 1930 y 1940, que encuentran sus equivalentes saltando en el espacio y en el tiempo en forma de Crimson Bat, los Tres samuráis fuera de la ley (Three Outlaw Samurai), Zato-Ichi y Kyoshiro Nemuri en el Japón de los años 1950 y 1960.

Desde la guerra, las películas de samuráis han sufrido una significativa evolución estilística y temática, alejándose de los jidai-geki o simples películas históricas relativamente privadas de acción, ejemplificadas en ciertos films de Kenji Mizoguchi. (En Ugetsu [1953], la guerra civil está presente de forma incómoda, pero marginal; las pocas batallas en Tales from the Taira Clan [Shin Heike monogatari, 1955] terminan en seguida y, en la práctica, de forma casi incruenta). Los nuevos directores que trabajan en el género han formulado una versión diferente de la extensa historia feudal japonesa. Los guerreros de rostro empolvado de blanco y con peluca del drama Kabuki y los escenarios de tonos pastel y fuerte iluminación, en los que la acción más bien se relataba que retrataba, han dejado paso a un gran número de películas oscuras, nihilistas, que repintan el pasado del Japón en tonos más negros.

Aunque las audiencias occidentales, incluso una década después de su Yojimbo, siguen teniendo familiaridad sobre todo con las películas de Akira Kurosawa, muchos otros directores han seguido expandiendo los límites del cine de samuráis en el mismo periodo de tiempo. Sus nuevos héroes del género tienen cicatrices físicas o psicológicas, han sido condenados al ostracismo y sus colegas los han estigmatizado. Sus violentas respuestas, conscientes de la naturaleza intransigente del juicio social, son invariables y comprensibles tanto en cuanto construcciones genéricas como en cuanto actos simples y desesperados.

En el caso de Kurosawa, ya sea un cuerpo que cae a cámara lenta o bandidos que se retuercen de dolor en el fango mientras un grupo de pueblerinos caen sobre ellos con lanzas de bambú en los Siete samuráis, ya sea la fuente de sangre que emana del pecho del duelista derrotado al final de Sanjuro (1962), la visualización de la muerte se manipula más allá de las estrictas convenciones del realismo. No obstante, en estas películas y en Yojimbo Kurosawa contribuyó a llevar a su madurez el género, no sólo inyectándole un humor socarrón sino también dando forma a héroes más proclives al anonimato que a la gloria, más preocupados por ocultar sus habilidades marciales que por exhibirlas.

En la misma vena, Hara-kiri y Rebellion (Joi-Uchi, 1967) de Masaki Kobayashi son una manifestación de temas antifeudales en desarrollo. El extremo cinismo de ambas películas se centra en el concepto opresivo de la lealtad al clan, hasta el punto de que el ideal del bushido de una muerte noble (o, en términos occidentales, trágica) deviene imposible contextualmente. Todas las vidas y muertes en un orden social impersonal y sin sentido se vuelven inevitablemente igual de impersonales y sin sentido. El premio a la obediencia o a la rebelión es en último término el mismo, aniquilación indiscriminada. La desesperación de la acción que da título a Rebellion no niega la “rectitud” ética que la motiva, pero el determinismo desolador y aplastante de Kobayashi no permite que la “rebelión” alcance mayor significación que la personal; no permite que sus personajes lleguen a amenazar de veras el orden establecido.

Como Kurosawa, Kobayashi sigue siendo tradicional al ajustar sus puestas en escena a relativas constantes temáticas; derivan y a la vez bosquejan una visión del mundo consistente. Después de Yojimbo y Hara-Kiri, directores como Masahiro Shinoda, Hideo Gosha y Kihachi Okamoto han ido haciendo de la acción (es decir, la violencia) un componente cada vez más puramente expresivo en sus películas. En la medida en que sus personajes están sesgados de su entorno, la violencia funciona a la vez como afirmación existencial de su ser y como el método más directo para definir su relación de oprimidos con respecto a ese entorno.

Samurai Assassin (Samurai, 1964) y Sword of Doom (Daibosatsu toge, 1966), de Okamoto; Sword of the Beast (Kedemono no ken, 1965), Goyokin (1969) y Tenchu, de Gosha; y Assassin (Ansatsu, 1964) y Samurai Spy (Ibun sarutobi sasuke, 1965) de Shinoda, todas presentan las mismas propiedades “anárquicas”. Mediante efectos de sonido orquestados enervantes como el sonido del acero cortando la carne e imágenes de sangre chorreando que ensucia la ropa o (como sucede tanto en la sangrienta batalla que concluye Samurái Assassin como en el duelo final de Goyokin) que deja manchas oscuras, rojas, sobre la nieve fresca, se define un nuevo tipo de samurái: despiadado, obsesivo, tal vez más aislado que cualquier otro héroe de género.

Con la identificación de esta nueva estirpe de samuráis de ficción que no son exactamente nobles y que pueden tener manchas de óxido en sus armas tiempo atrás inmaculadas, esta estirpe de ronins menos incondicionales que los legendarios 47, se han ampliado los límites clásicos del género pero sin anularlos del todo. Tanto una por una como en conjunto, las películas de samuráis de postguerra pueden causar una impresión inquietante en el espectador occidental no sólo por su contenido violento y su estilo visceral sino también porque su franqueza va en la dirección contraria que esos clichés de ambigüedad y eufemismos que Occidente ha formulado para Oriente; porque la consistente exhibición e impotencia última de la violencia de estas películas son tan difíciles de aceptar como la idea de hombres contemplativos que son a la vez asesinos a sangre fría. (…)

Para algunos sería fácil concluir que esa creciente tolerancia hacia unos héroes no precisamente escrupulosos –y hacia el cinismo y violencia que culmina en las películas chambara de los primeros años 1970– son nuevos síntomas de la decadencia moral de la postguerra. Es precisamente porque los cineastas de los años 1960 utilizaron el género para atravesar la fachada tergivesada del bushido y denunciar el fraude del honor que atenazaba al samurái historico por lo que ha cambiado lo que los espectadores esperan del chambara, por lo que ahora esperan del nuevo héroe que manifieste su rechazo de esos falsos valores no sólo con sus palabras sino con sus actos. Si ese héroe es implacable es porque la supervivencia es el único valor que le queda.

De acuerdo con ello, Itto Ogami, el antiguo kaishaku, tras decidir abandonar su posición privilegiada en Sword of Vengeance I (Kozure ohkami, 1972, dirigida por Kenji Misumi), ofrece a su hijo chiquitín que elija entre una pelota y una espada, planeando un “asesinato de compasión” en caso de que el niño escoja mal. Si a un héroe tal se le llama “monstruo” o “bestia” es porque las realidades del periodo han impuesto esa etiqueta sobre él. (…) Itto Ogami no disfruta de su odisea, sino que más bien cree que ha “penetrado en el camino hacia el Hades“. Tras acabar de matar a docenas de hombres con lo que sarcásticamente denomina su “estilo gaviota” de esgrima –en el que puede saltar muy alto en el aire para cortar en la cabeza desde arriba o incluso arrojar su arma para vencer–, Itto, al final de Sword of Vengeance II, se vuelve hacia un maestro de la espada cuyo empleador ya ha fallecido. Después de asestarle el golpe fatal a su oponente, Itto le pregunta: “Morir con él, ¿era eso el camino del samurái?” En contestación, el perdedor le dice: “explícame tú el verdadero camino del samurái“. Como Bokuden –convencido de que seguirá venciendo porque no tiene importancia si lo hace o no–, como Nemuri, como Sanjuro o Tsugumo, como Tange Sazen o Gennosuke, como todas esas figuras marginadas que sobreviven o perecen en las películas de samuráis, Itto sonríe con ironía y pronuncia la respuesta final: “Vivir dispuesto a morir“.

Plebeyos
Kyokaku (espadachines) que no son miembros de la clase samurái

Los ambiciosos (que buscan progresar socialmente gracias a su destreza con la espada)

Título: Tenchu
Título V.O: Hitokiri
Director: Hideo Gosha
Año/País: 1969 / Japón

Título: Red Lion
Título V.O: Akage
Director: Kihachi Okamoto
Año/País: 1969 / Japón

Título: Destiny’s Son
Título V.O: Kiru
Director: Kenji Misumi
Año/País: 1962 / Japón

Título: Samurai 1: Musashi Miyamoto
Título V.O: Miyamoto Musashi
Director: Hiroshi Inagaki
Año/País: 1954 / Japón

Título: Samurai 2: Duel at Ichijoji Temple
Título V.O: Zoku Miyamoto Musashi: Ichijoji no ketto
Director: Hiroshi Inagaki
Año/País: 1955 / Japón

Título: Samurai III: Duel on Ganryu Island
Título V.O: Miyamoto Musashi kanketsuhen: ketto Ganryujima
Director: Hiroshi Inagaki
Año/País: 1956 / Japón

Título: Miyamoto Musashi
Título V.O: Miyamoto Musashi
Director: Tomu Uchida
Año/País: 1961 / Japón

Allzine +

Título: Swords of Fury
Título V.O: Miyamoto Musashi
Director: Tai Kato
Año/País: 1973 / Japón

Asesinos (que matan por motivos políticos o económicos)

Título: The Assassination
Título V.O: Ansatsu
Director: Masahiro Shinoda
Año/País: 1964 / Japón

Título: Samurai Assassin
Título V.O: Samurai
Director: Kihachi Okamoto
Año/País: 1965 / Japón

Título: Sword for Hire
Título V.O: Sengoku burai
Director: Hiroshi Inagaki
Año/País: 1952 / Japón

Perros descarriados (espadachines itinerantes que a menudo encuentran trabajo temporal como asesinos o guardaespaldas)

Título: Three Outlaw Samurai
Título V.O: Sanbiki no samurai
Director: Hideo Gosha
Año/País: 1964 / Japón

Título: Samurai Wolf I
Título V.O: Kiba okaminosuke
Director: Hideo Gosha
Año/País: 1966 / Japón

Título: Samurai Wolf II
Título V.O: Kiba okaminosuke jigoku giri
Director: Hideo Gosha
Año/País: 1967 / Japón

Título: Incident at Blood Pass
Título V.O: Machibuse
Director: Hiroshi Inagaki
Año/País: 1970 / Japón

Título: Lone Wolf and Cub 1: Sword of vengeance
Título V.O: Kozure Ôkami: Kowokashi udekashi tsukamatsuru
Director: Kenji Misumi
Año/País: 1972 / Japón

Título: Sleepy Eyes of Death: The Chinese Jade
Título V.O: Nemuri Kyoshiro 1: Sappocho
Director: Tokuzo Tanaka
Año/País: 1963 / Japón

Título: Yojimbo
Título V.O: Yojimbo
Director: Akira Kurosawa
Año/País: 1961 / Japón

Título: Sanjuro
Título V.O: Tsubaki Sanjûrô
Director: Akira Kurosawa
Año/País: 1962 / Japón

Allzine +

Título: Hoodlum Priest and the Gold Mint
Título V.O: Zoku yakuza bozu
Director: Kazuo Ikehiro
Año/País: 1968 / Japón

Marginados, bandidos, jugadores.
Miembros de la subcultura de los hinin (no-hombres)

Título: Rashomon
Título V.O: Rashomon
Director: Akira Kurosawa
Año/País: 1950 / Japón

Título: The Gambler’s Code
Título V.O: Kutsukake Tokijiro
Director: Kazuo Ikehiro
Año/País: 1961 / Japón

Título: Inn of Evil
Título V.O: Inochi bô ni furô
Director: Masaki Kobayashi
Año/País: 1971 / Japón

Título: The Scandalous Adventures of Buraikan
Título V.O: Buraikan
Director: Masahiro Shinoda
Año/País: 1970 / Japón

Título: The Tale of Zatoichi
Título V.O: Zatôichi monogatari
Director: Kenji Misumi
Año/País: 1962 / Japón

Allzine +

Título: Jirocho Fuji.
Título V.O: Jirocho Fuji.
Director: Kazuo Mori
Año/País: 1959 / Japón

Título: Ishimatsu The One-Eyed Avenger
Título V.O: Hibari no mori no ishimatsu
Director: Tadashi Sawashima
Año/País: 1960 / Japón

Título: Bandits vs Samurai Squadron
Título V.O: Kumokiri Nizaemon
Director: Hideo Gosha
Año/País: 1978 / Japón

Ninjas (“espías”)
Figuras vestidas de negro con habilidades cuasi-mágicas

Título: Yagyu Secret Scrolls 1
Título V.O: Yagyu bugeicho
Director: Hiroshi Inagaki
Año/País: 1957 / Japón

Título: Yagyu Secret Scrolls 2
Título V.O: Yagyu bugeicho – Ninjitsu
Director: Hiroshi Inagaki
Año/País: 1958 / Japón

Título: Ninja 9 – Mission Iron Castle
Título V.O: Shinobi no shu 9
Director: Kazuo Mori
Año/País: 1970 / Japón

Allzine +

Título: Band of Assassins
Título V.O: Shinobi No Mono
Director: Satsuo Yamamoto
Año/País: 1962 / Japón

Título: Samurai Spy
Título V.O: Ibun Sarutobi Sasuke
Director: Masahiro Shinoda
Año/País: 1965 / Japón

Título: Samurai Spies
Título V.O: Ninja Hicho Fukuro no Shiro
Director: Eiichi Kudo
Año/País: 1963 / Japón

Título: Shadow Hunters
Título V.O: Kage gari
Director: Toshio Masuda
Año/País: 1972 / Japón

Mujeres y niños

Título: Quick-Draw Okatsu
Título V.O: Yoen dokufuden: Hitokiri okatsu
Director: Nobuo Nakagawa
Año/País: 1969 / Japón

Título: Red Peony Gambler
Título V.O: Hibotan bakuto
Director: Kosaku Yamashita
Año/País: 1968 / Japón

Título: The Blind Swordswoman
Título V.O: Mekura no Oichi monogatari: Makkana nagaradori
Director: Sadatsugu Matsuda
Año/País: 1969 / Japón

Título: Watari The Ninja Boy
Título V.O: Daininjutsu eiga Watari
Director: Sadao Funatoko
Año/País: 1966 / Japón

Título: Lone Wolf and Cub 1: Sword of vengeance
Título V.O: Kozure Ôkami: Kowokashi udekashi tsukamatsuru
Director: Kenji Misumi
Año/País: 1972 / Japón

Allzine +

Título: Lady Sazen and the Drenched Shallow Sword
Título V.O: Onna Sazen – Nuretsubame Katate Giri
Director: Kimiyoshi Yasuda
Año/País: 1969 / Japón

Título: Lady Snowblood
Título V.O: Shurayukihime
Director: Toshiya Fujita
Año/País: 1973 / Japón

Título: Sex And Fury
Título V.O: Furyô anego den: Inoshika Ochô
Director: Norifumi Suzuki
Año/País: 1973 / Japón

El pasado mes de Septiembre se concedieron los premios de la academia filipina de las artes, los Filipino Academy of Movie Arts and Sciences Award, FAMAS 2015, a lo mejor de la producción local del pasado año. Entre las películas ganadoras de esta 63 edición destaca sin duda “Bonifacio: The Firs President“, un drama de acción histórico en torno a la figura del revolucionario Andrés Bonifacio, que se ha llevado el premio a mejor película y mejor director entre otros. A continuación tenéis la lista completa de nominados y premiados.

Mejor Película

Asintado
Bonifacio: Ang Unang Pangulo 
Feng Shui
Hustisya
Kamkam
Magkakabaung
Magnum Muslim .357
She’s Dating The Gangster
Starting Over Again
The Trial

Mejor Director

Cathy Garcia-Molina (She’s Dating The Gangster)
Chito Roño (Feng Shui)
Chito Roño (The Trial)
Enzo Williams (Bonifacio: Ang Unang Pangulo)
Francis Posadas (Magnum Muslim .357)
Jason Paul Laxamana (Magkakabaung)
Joel Lamangan (Hustisya)
Joel Lamangan (Kamkam)
Luisito Ignacio (Asintado)
Olivia Lamasan (Starting Over Again)

Mejor Actor

Allen Dizon (Kamkam)
Allen Dizon (Magkakabaung)
Coco Martin (Feng Shui)
Daniel Padilla (She’s Dating The Gangster)
Derek Ramsay (English Only Please)
Jake Vargas (Asintado)
John Lloyd Cruz (The Trial)
Jorge Estregan (Magnum Muslim .357)
Piolo Pascual (Starting Over Again)
Robin Padilla (Bonifacio: Ang Unang Pangulo)
Rocco Nacino (Hustisya)

Mejor Actriz

Aiko Melendez (Asintado)
Gladys Reyes (Magkakabaung)
Gretchen Barretto (The Trial)
Jean Garcia (Kamkam)
Jennylyn Mercado (English Only Please)
Kathryn Bernardo (She’s Dating the Gangster)
Kris Aquino (Feng Shui)
Sam Pinto (Magnum Muslim .357)
Toni Gonzaga (Starting Over Again)
Vina Morales (Bonifacio: Ang Unang Pangulo)

Mejor actor de reparto

Emilio Garcia (Magkakabaung)
Gabby Eigenmann (Asintado)
Ian Veneracion (Feng Shui)
Jum Pebangco (Kamkam)
Lito Pimentel (Starting Over Again)
Richard Gomez (She’s Dating the Gangster)
Richard Gomez (The Trial)
Roi Vinzon (Magnum Muslim .357)
Romnick Sarmenta (Hustisya)

Mejor actriz de reparto

Carmi Martin (Feng Shui)
Chanel Latorre (Magkakabaung)
Dawn Zulueta (She’s Dating the Gangster)
Iza Calzado (Starting Over Again)
Jasmine Curtis Smith (Bonifacio: Ang Unang Pangulo)
Rita de Guzman (Asintado)
Rossana Roces (Hustisya)
Sunshine Dizon (Kamkam)
Sylvia Sanchez (The Trial)

Mejor interpretación infantil

Alonzo Muhlach (My Big Bossing)
Clarence Delgado (Muslim Magnum .357)
Felixia Crysten Dizon (Magkakabaung)
James “Bimby” Aquino-Yap (The Amazing Praybeyt Benjamin)
Miggs Cuaderno (Asintado)
Raikko Mateo (Feng Shui)
Ryzza Mae Dizon (My Big Bossing)

Mejor Fotografía

Carlo Mendoza (Bonifacio: Ang Unang Pangulo)
Dan Villegas (She’s Dating the Gangster)
Hermann Claravall (Starting Over Again)
Lee Briones Meily (Kamkam)
Luisito Ignacio (Asintado)
Manuel Teehankee (The Trial)
Nap Jamir 11 (Hustisya)
Neil Daza (Feng Shui)
Rain Yamson 11 (Magkakabaung)
Ricardo Buhay (Muslim Magnum .357)

Mejor Edición

Benjamin Tolentino (Bonifacio: Ang Unang Pangulo)
Carlo Francisco Manatad (Asintado)
Carlo Francisco Manatad (Feng Shui)
Carlo Francisco Manatad (The Trial)
Jason Paul Laxamana (Magkakabaung)
John Anthony Wong (Kamkam)
Marya Ignacio (She’s Dating the Gangster)
Marya Ignacio (Starting Over Again)
Melvin Quimosing (Bonifacio: Ang Unang Pangulo)
Vanessa De Leon (Hustisya)

Mejor Diseño de producción

Cyrus Khan (Asintado)
Cyrus Khan (Magkakabaung)
Edgar Martin Littaua (Hustisya)
Edgar Martin Littaua (Kamkam)
Roy Lachica y Joel Bilbao (Bonifacio: Ang Unang Pangulo)
Sharie Marie Montiague (She’s Dating the Gangster)
Sharie Marie Montiague (Starting Over Again)
Winston Acuyong (Feng Shui)
Winston Acuyong (The Trial)

Mejor Historia

Carmi Raymundo y Charlene Bernardo (She’s Dating the Gangster)
Carmi Raymundo, Anjeli Pessumal y Olivia Lamasan (Starting Over Again)
Cathy Camarillo (Muslim Magnum .357)
Enzo Williams, Carlo Obispo y Keiko Aquino (Bonifacio: Ang Unang Pangulo)
Ferdinand Lapuz y Jason Paul Laxamana (Magkakabaung)
Jerry Gracio (Kamkam)
Ricardo Lee, Enrico Santos y Kriz Gazmen (The Trial)
Ricardo Lee (Hustisya)
Roy Iglesias y Chito Roño (Feng Shui)
Socorro Villanueva (Asintado)

Mejor Guión

Socorro Villanueva (Asintado)
Enzo Williams y Keiko Aquino (Bonifacio: Ang Unang Pangulo)
Roy Iglesias y Chito Roño (Feng Shui)
Ricardo Lee (Hustisya)
Jerry Gracio (Kamkam)
Jason Paul Laxamana (Magkakabaung)
Cathy Camarilo (Magnum Muslim .357)
Carmi Raymundo y Olivia Lamasan (Starting Over Again)
Ricardo Lee, Enrico Santos y Kriz G. Guzman (The Trial)

Mejor Sonido

Addiss Tabong (Feng Shui)
Addiss Tabong (The Trial)
Albert Michael Idioma (Asintado)
Albert Michael Idioma (Bonifacio: Ang Unang Pangulo)
Aurel Claro Bilbao (She’s Dating the Gangster)
Aurel Claro Bilbao (Starting Over Again)
Junel Valencia (Magkakabaung)
Lamberto Casas Jr. (Hustisya)
Lamberto Casas Jr. (Kamkam)

Mejor Banda sonora

Carmina Cuya (Feng Shui)
Cesar Francis Concio (Starting Over Again)
Cesar Francis Concio (The Trial)
Danny Tan y Sherwin Castillo (Asintado)
Diwa De Leon (Magkakabaung)
Emerzon Texon (Hustisya)
Emerzon Texon (Kamkam)
Michael Abadam, John Angeles y Carlos Barcelona (She’s Dating the Gangster)
Michael Abadam y John Angeles (Starting Over Again)
Von De Guzman (Bonifacio: Ang Unang Pangulo)

Mejor Canción original

“Asintado” by Gloc 9 (Asintado)
“Hindi Pa Tapos” (Bonifacio: Ang Unang Pangulo)
“Kapayapaan” by Datu Khomeini Bansuan (Muslim Magnum .357)
“Wag Ka Nang Umiyak” (The Trial), Lyrics and Music by Ebe Dancel, Interpreted by KZ Tandingan

Mejores Efectos especiales

Aileen Cornejo- Castillo (Starting Over Again)
Dodge Ledesma (Feng Shui)
Dodge Ledesma (The Trial)
Erick Torrente (Magnum Muslim .357)
Orlean Joseph Tan (She’s Dating the Gangster)

Acompañando ya el final del año afrontamos ya la recta final de nuestras crónicas asiáticas del pasado Sitges Film Festival 2015, con un juego de palabras que da título a esta entrega, “The Boy and the Miike”, por una parte por la excepcional obra animada de Mamoru Hosoda, por otra por las dos películas de Takashi Miike que nos vimos en una mini-maratón nocturna. Vamos a por ello.

The Boy and the Beast
Japón, Mamoru Hosoda, 2015
Voces: Koji Yakusho, Aoi Miyazaki

Le tengo un especial cariño a Mamoru Hosoda, y no es porque he visto todos sus largometrajes (fuera de las adaptaciones de series como Digimon o One-Piece) y me parezcan una maravilla, sino porque “La chica que saltaba a través del tiempo” fue la primera película que vi en el festival de Sitges, casi por casualidad… ese fue el comienzo de mi vida festivalera. Desde entonces todas sus películas han pasado por el festival y todas han ganado el premio a mejor película de animación. “The Boy and the Beast” no tenia opción de ganar nada por estar fuera de competición, pero que más da eso…

La historia se centra en chico solitario que se tropieza con la bestia Kumatetsu. Por avatares del destino decidirá ir a vivir con él al mundo de las bestias y convertirse en su discípulo. Resulta que el joven y su maestro son más parecidos de lo que podrían imaginar, tercos, cabezotas y dados a las riñas, poco a poco irán forjando una relación en la que cada uno deberá aprender del otro.

Si hay alguien que puede considerarse uno de los mejores animadores de Japón ese es Hosoda, un director que no solo sabe dar acción y entretenimiento a sus películas, sino que juega de forma magistral con los sentimientos, a veces contenidos, a veces desatados. Se pueden ver muchas similitudes entre las últimas obras del director, siendo “The Boy and The Beast” una especie de mezcla de “Sammer Wars” y “Wolf Children”. Tiene de la primera esa mezcla de mundos, y de la segunda el hecho de que el crecimiento personal, acompañado del físico, es algo imprescindible en la vida, encontrar tu lugar junto a las personas que quieres. La introducción de estas tres películas es muy similar, llenándose de acción, sentimientos, espectaculares travellings y panorámicas acompañadas de una magnífica banda sonora. Luego el guión tira de sentimientos y humor, de desarrollo personal que suele conducir a finales apoteósicos y espectaculares, casi exagerados. Hosoda lleva haciendo uso de esta estructura mucho tiempo, y funciona a la perfección.

A pesar de tirar de similares bases conceptuales que “Wolf Children” ésta es un poco más infantil, un poco más cuento de hadas, y eso la deja algo por debajo de aquella. Pero es una magnifica obra de animación, de lo mejorcito del año y un Must See que no debéis perderos.

Yakuza Apocalypse: The Great War of the Underworld
Japón, Takashi Miike, 2015
Intérpretes: Hayato Ichihara, Yayan Ruhian

Que Takashi Miike es un tipo extremo eso nadie puede negarlo. A pesar de que en los últimos años ha sabido rodar películas de diversos géneros y factura, con una calidad técnica más que sobresaliente, siendo comedido y dramático cuando tenía que serlo, en el fondo de su corazón sorprender al público, hacer lo inesperado como medio de trasgresión, es algo que no puede evitar. Y en este caso se le ha dio de las manos, pero demasiado.

Seamos sinceros, ¿que podemos esperar cuando lo primero que se nos presenta es a un Jefe Yakuza vampiro? Pues algo sorprendente. La gracia de esto es que la película empieza de buena forma, con un guión bien hilado (loco pero bien narrado), una trama de Yakuzas en la que el hecho del vampirismo es casi circunstancial. Es Miike, se le pueden pasar a esos esclavos que sirven de comida vampírica haciendo ganchillo en su cautiverio, incluso ese asesino vestido de Friki que da vida el actor Yayan Ruhian y que viene acompañado de unas coreografías de acción tremendas. El jefe Kimura muerde a su ayudante Kageyama y le pasa sus poderes antes de morir en una violenta pelea, y el joven tendrá que aprender a usar sus nuevos poderes, convirtiendo a media ciudad en Vampiros Yakuza… y aquí la cosa se empieza a ir de madre hasta que llegamos a la clave de la locura, el hombre rana asesino, el surrealismo hecho personaje.

El problema de todo esto es que en su primera parte todo avanza de una forma más comedida, un film de Yakuzas raro pero que avanzaba de forma aceptable, con humor, acción y algo de locura… pero pareciera que en cierto punto se tirase el guión a un río y Miike empezara a improvisar y a poner en pantalla todo lo más inesperado y suerrealista que se le ocurriera, convirtiendo la película en una sucesión de locuras y escenas a lo bruto. Estas dos partes chocan una contra la otra y la película parece no funcionar en ambas, la primera por comparación con la segunda, la segunda por exceso.

No me entendáis mal, la película os va a dar risas, acción, diversión y un personaje inolvidable en esa rana asesina, pero es de esas que al final no terminas de recordar como especialmente buena, aunque te lo pasaras muy bien viéndola. Desde luego verla en Sitges fue un acierto, ya que el ambiente mejora mucho la experiencia.

As the God’s Will
Japón, Takashi Miike, 2015
Intérpretes: Sota Fukushi, Hironi Yamazaki

La segunda película de esta mini-maratón Miike que vimos nuestro penúltimo día en Sitges es la adaptación del manga “Kami-sama no Iu Toori”, escrito por Muneyuki Kaneshiro e ilustrado por Akeji Fujimura, de gran éxito en Japón. Según el propio Miike esta película pretende hacer ver a la sociedad japonesa, que vive en una especie de estado de bienestar que se da por sentado, que siempre puede ocurrir lo inesperado sin que lo veamos venir y trastocar nuestras vidas. Ambiciosas palabras del director.

La película empieza de una forma brutal e increíble. Una clase de jóvenes estudiantes están frente a la mesa de su profesor, ocupada por una cabeza Daruma que juega un juego con ellos: explotar las cabezas de los estudiantes a los que vea moverse. Un comienzo brutal y exagerado en el que solo unos pocos ganarán y pasaran a otra sección del colegio, donde les esperaran otro juegos similares. La cosa es que cada juego es más absurdo que el anterior, dejando esa supuesta tensión inicial en simple desconcierto por no saber porqué está pasando todo esto. El manga se supone de terror, pero aquí poco terror encontrareis, algo de violencia y dosis de humor negro, pero es una película adaptada para un publico más joven y por tanto deja fuera muchas cosas.

A pesar de su magnífico acabado técnico, lo que podía haber sido un ejercicio frenético en busca de la verdad, con muerte y violencia de por medio, se convierte en algo repetitivo, una serie de juegos infantiles protagonizados por muñequitos a cada cual mas tonto, con menos ritmo del esperado y un final poco satisfactorio.

Después de todo lo que he dicho pensaréis que es una película horrible, pero tampoco es así, a mi me entretuvo y después de la locura de Yakuza Apocalypse incluso me pareció bien ese ritmo más acorde a lo que se mostraba en pantalla, sin tantos excesos porque sí ni tantas locuras (a pesar de lo extraño de la premisa de esta película). Pero esta es una obra juvenil, sin mucha ambición de ir más allá, y como tal debe verse.

Hace unos días se han conocido los ganadores de la edición número 36 de los Blue Dragon Film Awards, premios populares organizados por el mayor grupo editorial coreano. Entre los nominados la película de acción de época “Assasination“ ha conseguido llevarse el premio a mejor película, mientras que otra película de acción, esta vez actual y en tono de comedia, “Veteran” se ha llevado el premio a mejor director para Ryoo Seung-wan, Curiosamente pocos premios más se han llevado estas películas, estando el resto de galardones muy repartidos, si bien el drama “Ode to May Father” y la película de época “The Throne” se repiten en varias categorías.  A continuación tenéis la lista completa de nominados y premiados de esta edición.

Mejor Película

Assassination
The Classified File
Ode to My Father
The Throne
Veteran

Mejor Director

Ryoo Seung-wan – Veteran
Choi Dong-hoon – Assassination
Kwak Kyung-taek – The Classified File
Lee Joon-ik – The Throne
Yoon Je-kyoon – Ode to My Father

Mejor Actor

Yoo Ah-in – The Throne
Hwang Jung-min – Veteran
Jung Jae-young – Right Now, Wrong Then
Lee Jung-jae – Assassination
Song Kang-ho – The Throne

Mejor Actriz

Lee Jung-hyun – Alice in Earnestland
Han Hyo-joo – The Beauty Inside
Jeon Do-yeon – The Shameless
Jun Ji-hyun – Assassination
Kim Hye-soo – Coin Locker Girl

Mejor Actor secundario

Oh Dal-su – Ode to My Father
Bae Sung-woo – Office
Cho Jin-woong – Assassination
Lee Geung-young – Minority Opinion
Yoo Hae-jin – Veteran

Mejor Actriz Secundaria

Jeon Hye-jin – The Throne
Jang Young-nam – The Classified File
Jin Kyung – Veteran
Moon Jung-hee – Cart
Ra Mi-ran – Ode to My Father

Mejor Director novel

Kim Tae-yong – Set Me Free
Han Jun-hee – Coin Locker Girl
Hong Seok-jae – Socialphobia
Kim Sung-je – Minority Opinion
Lee Byeong-heon – Twenty

Mejor Actor novel

Choi Woo-shik – Set Me Free
Byun Yo-han – Socialphobia
Kang Ha-neul – Twenty
Lee Min-ho – Gangnam Blues
Park Seo-joon – The Chronicles of Evil

Mejor Actriz novel

Lee Yoo-young – The Treacherous
Kim Seolhyun – Gangnam Blues
Kwon So-hyun – Madonna
Lee Yu-bi – Twenty
Park So-dam – The Silenced

Mejor Guión

Kim Sung-je, Son A-ram – Minority Opinion
Cho Chul-hyun, Oh Seung-hyeon, Lee Song-won – The Throne
Choi Dong-hoon, Lee Ki-cheol – Assassination
Kim Kyung-chan – Cart
Ryoo Seung-wan – Veteran

Mejor Fotografía

Kim Tae-gyeong – The Throne
Choi Young-hwan – Veteran
Kang Guk-hyun – The Shameless
Kim Tae-gyeong – The Beauty Inside
Kim Woo-hyung – Assassination

Mejor Diseño artístico

Ryu Seong-hee – Ode to My Father
Kang Seung-yong – The Throne
Lee Mok-won – Coin Locker Girl
Lee Tae-hun – The Treacherous
Ryu Seong-hee – Assassination

Mejor Edición

Yang Jin-mo – The Beauty Inside
Kim Sang-bum, Kim Jae-bum – The Throne
Kim Sang-bum, Kim Jae-bum – Veteran
Lee Jin – Ode to My Father
Shin Min-kyung – Assassination

Mejor Iluminación

Hong Seung-cheol – The Throne
Bae Il-hyeok – The Shameless
Hong Seung-cheol – The Beauty Inside
Kim Ho-seong – Veteran
Kim Seung-gyu – Assassination

Mejor Banda Sonora

Bang Jun-seok – The Throne
Bang Jun-seok – Veteran
Jang Young-gyu, Dalparan – Assassination
Jo Yeong-wook – The Beauty Inside
Lee Byung-woo – Ode to My Father

Premio Técnico

Jo Sang-gyeong, Son Na-ri – Assassination (Vestuario)
Han Tae-jeong, Son Seung-hyeon, Kim Dae-jun, Kim Jeong-su, Akira Kai – Ode to My Father (Efectos speciales)
Jung Doo-hong, Jung Yoon-heon – Veteran (Coreografías de acción)
Lee Jeon-hyeong, Lee Dong-hun – Assassination (Efectos especiales)
Shin Jae-myeong – Gangnam Blues (Coreografías de acción)

Premio a la popularidad

Kim Seolhyun – Gangnam Blues
Lee Min-ho – Gangnam Blues
Park Bo-young – The Silenced
Park Seo-joon – The Chronicles of Evil

Premio de la Audiencia

Ode to My Father

Y así llegamos a nuestro último día en el Sitges Film Festival 2015, nuestra novena dosis de buen, y mal, cine que completa así esta 48 edición del festival. Han sido muchas películas y muchos momentos, dormir poco e ir corriendo de un lado a otro, pero es que este tipo de eventos enganchan y mucho, y así repetimos experiencia un año tras otro. La nueva película de Dragon Ball Z, un thriller de acción con mucho humor y la tercera película de Sion Son en el festival cierran nuestro repaso asiático a todo lo que vimos el pasado mes de Octubre. ¡¡¡Hasta el año que viene!!!

Dragon Ball Z: Resurrection ‘F’
Japón, Tadayoshi Yamamuro, 2015

Hace un par de años vivimos en Sitges la vuelta del fenómeno Dragon Ball con el estreno, también en nuestro último día de festival, de Battle of Gods, en donde el dios de la destrucción Bills hacia acto de presencia buscando a los últimos Saiyan para enfrentarse a ellos, ya que la leyenda dice que si adquieren poder pueden transformarse en el temible Super Saiyan God. Aquella película ha tenido partidarios y detractores a partes iguales. Para muchos la película se regodeaba en los momentos de humor y tenía muy poca acción. Para otros, entre los que me incluyo, tuvo ese punto entrañable de volver a revisitar, aunque fuera solo por unos segundos y sin diálogos, a casi todos los personajes de la saga Dragon Ball clásica, incluyendo una pequeña subtrama con Pilaf y sus secuaces intentando robar las bolas de Dragón. Mucho más un homenaje a la saga al completo que una simple película de Dragon Ball, al menos para mi.

En esta ocasión si que nos encontramos ante el Dragon Ball Z más puro, ya que el gran enemigo de Goku y Vegeta sera nada menos que Freezer, resucitado en parte gracias a las bolas de Dragón y a los avances tecnológicos de su ejercito. Freezer volver lleno de ansias de venganza y entrenará duro para adquirir nuevos poderes y transformaciones.

Con un guión firmado por el propio Akira Toriyama, el espíritu más “Z” invade esta producción, que se llena de acción y deja a casi todo lo demás en un segundo plano. Quizás por eso también esta tenga detractores, ya que el equilibrio entre acción y humor esta tan descompensado como en Battle of Gods, quedando aquí el segundo solo en varios chistes relacionados con dulces mientras luchan nuestros protagonistas. Aún así esta es más entretenida que aquella, y volver a ver a Freezer siempre es agradable (sobre todo en su eterno castigo en el infierno xD)

Veteran
Corea, Ryoo Seung-wan, 2015
Intèrpretes: Hwang Jung-min, Yoo Ah-in

La siguiente película que vimos el sábado sería quizás la mejor de todo el festival, o al menos la más divertida y solvente. No se puede esperar menos de Ryoo Seung-wan, un director que me encanta y que ha demostrado en muchas ocasiones su saber hacer con los thrillers criminales y las cintas de acción. Veteran es una de las películas más taquilleras del año en Corea y ha ganado el Focus Asia en esta edición del festival de Sitges, además de varios premios a mejor director para Ryoo Seung-wan en su Corea natal.

El guión se centra en Do-cheol, un policía veterano con sus propios, e infalibles, métodos para arrestar a los mafiosos, y su equipo. A pesar de todo él es un policía integro y decidirá llevar ante la justicia al magnate Tao-oh por todos los medios, aunque chocará con la corrupción en su camino. Cuando un antiguo colaborador del policía se convierta en víctima de Tae-oh, Do-cheol tendrá su oportunidad.

El thriller de acción coreano puede ser de muchos tipos, más dramático, con historias más escabrosas u oscuras, o por el contrario tirar de cierto grado de humor y aventura para apelar más al entretenimiento puro y duro. En este caso el director ha decidido tirar por este segundo camino, creando un producto trepidante, divertido y muy disfrutable. El acabado es el acostumbrado en el cine coreano, magnifico en grabación, fotografía y aspecto en general, a esto lo acompaña una gran banda sonora, unas magníficas coreografías de acción y unas interpretaciones más que solventes, con un Hwang Jung-min, como el detective Do-cheol, carismático y “sobrado”, y un Yoo Ah-in como el malo malísimo. Es cierto que los personajes, sobre todo Tae-oh, están bastante estereotipados, pero la cinta no cae en la autoparodia o en la comedia más declarada, sabe mantenerse dentro del thriller de acción y se equilibra perfectamente.

En definitiva, un película divertida y entretenida a más no poder.

The Virgin Psychics
Japón, Sion Sono, 2015
Intérpretes: Shota Sometani, Elaiza Ikeda

Nuestra última película de este Sitges 2015 fue la tercera película del homenajeado Sion Sono que se proyectaba en el festival. Entrte estas tres propuestas quizás esta es la más loca, que no surrealista, de la tres, con permiso de Love and Peace. Una comedia con constantes referencias sexuales que esta bien, pero no es excepcional.

Imaginemonos el típico instituto japones donde estudia el típico chico joven, tímido y bastante salido, que se masturba fantaseando con una amiga suya bastante ruda y la típica princesita de clase que todos aman platónicamente. Mientras está en plena faena caen unos extraños rayos y pronto descubrirá que ha adquirido el poder de leer lamente. Otros también han adquirido diferentes poderes, todos vírgenes y siempre por estar masturbándose durante este suceso. La cosa se irá torciendo cuando una chica empieza a propagar la lujuria con su poder recién adquirido, y unos investigadores intentarán detenerla.

Este live-action, basado en el manga “Minna! Esupa Dayo!” y del que el propio Sono ha hecho una miniserie de 12 episodios previa a esta película, es la típica comedia japonesa con todos sus puntos buenos y sus puntos malos. Este tipo de películas tiene un alto componente cultural, y es que puede que a los japoneses los chistes sobre pechos o braguitas les hagan mucha gracia, pero quizás en occidente este tipo de bromas se agotan mucho más rápido, haciendo perder gracia a un producto que se base en ellas. Este es el caso que nos ocupa, que si bien es desternillante por momentos, tiene otros algo más flojos, más repetitivos, sobre todo en su parte intermedia.

Por lo demás la película parte de un concepto bastante original, pero la lastran la repetición y su falta de un argumento coherente. Es de esas comedias con las que te tienes que dejar llevar por la tontería y los chistes verdes y reírte todo lo que puedas. Algunos lo conseguirán y otros no.

Por “último cine iraní” se entiende el cine de las nuevas generaciones de cineastas que están marcando la aparición de una producción cinematográfica autóctona, donde se percibe la incorporación de narrativas que nos conciernen e innovaciones técnicas y formales propias de un cine que no ha dejado de experimentar los diferentes lenguajes a los que se presta la imagen en movimiento en la era de la velocidad.

La vida cotidiana y los conflictos domésticos que constituyen la mayoría de los nudos dramáticos de las diez películas de este ciclo, todas producidas entre 2014 y 2015, se presentan como registros abiertos de historias cerradas con un principio y un desenlace.

En la tercera edición del CAFW, Casa Asia Film Week (2015), el jurado de la “Sección Panorama” ha concedido el premio a la mejor película y al mejor guión, por unanimidad a A Tale of Love, de entre un total de 18 películas de diferentes países asiáticos. Esto sin duda ha supuesto un incentivo para realizar este ciclo, que comprende una selección de títulos a través de los cuales es posible valorar el gran potencial de este nuevo cine iraní, que traspasa las fronteras locales al abordar temas que son universales a partir de las experiencias individuales de sus protagonistas. El cine iraní es una marca y es un tópico en el buen sentido de la palabra, porque se identifica con una manera singular de entender y hacer cine, que no deja de intrigar a todos los que se interesan tanto por su historia reciente como por su actualidad.

PROGRAMACIÓN

Sábado, 5 de diciembre de 2015, 20.00 h

TRAGEDY
Azita Mogouie | 2014 | 95’ | VOSE

El protagonista de esta película vive junto con sus dos hijos y una mujer veinte años más joven que él. Éste se queda sin trabajo tras tener un accidente y lesionarse una mano. Su mujer con un afán de ahorrar dinero se volverá cada vez más tacaña, mientras que su hijo para poder mantener a su familia trabajará en negocios turbios y su hija intentará conseguir un pretendiente que la saque de una vez por todas de la pobreza. El protagonista pronto tramará una estrategia para poder ganar dinero y mantener a su familia.

Sábado, 12 de diciembre de 2015, 20.00 h

AZAR, SHAHDOKHT, PARVIZ & OTHERS
Bahrouz Afkhami | 2014 | 114’ | VOSE

Esta película narra la historia de un ama de casa que se convierte en una estrella de cine a raíz de su participación en una película junto con su marido, que es un actor consagrado. A causa de los celos que él siente al verse eclipsado por la repentina fama de su mujer, se marcha de casa abandonándola. Cuando explota este drama familiar, la hija de ambos regresará a Irán, después de haber vivido en el extranjero, teniendo que integrarse de nuevo en este medio.

Sábado, 19 de diciembre de 2015, 20.00 h

EMROUZ (TODAY)
Reza Mirkarimi | 2014 | 88’| VOSC

En uno de sus carreras un taxista debe llevar a una mujer joven a un pequeño hospital de Irán. Tan pronto como llega a su destino, el protagonista deberá tomar una decisión crucial que cambiará drásticamente su vida. Esta película fue galardonada en el año 2015 en el DC International Film Festival de Washington, recibiendo el premio por la humanidad que emana de ella, en un mundo cambiante, como en el que vivimos.

Sábado, 26 de diciembre de 2015, 20.00 h

THE PROMISE
Mohammad Ali Talebi| | 2014 | 75´ | VOSE

Pouria es un chico de 15 años muy amigo de su vecino Danial. Un día, Danial sufre un trágico infortunio, y  Pouria, que se siente culpable, decide no revelar lo sucedido a nadie. Tal y como dice el director de la cinta, The Promisees una película breve, pero con una poética que envuelve al espectador y lo transporta a un  drama cuyos protagonistas son dos adolescentes; y éste es un tema muy poco tratado en Irán.

Sábado, 2 de enero de 2016, 20.00 h

LADY/KHANOOM
Tina Pakravan | 2014 | 90’ | VOSE

Esta película muestra por episodios la vida de tres mujeres que pese a pertenecer a clases sociales distintas, tienen problemas personales similares. La cinta es un claro reflejo de cómo las mujeres de Teherán afrontan sus problemas y se sobreponen a ellos. La directora Tina Pakravan analiza minuciosamente la realidad a la que se enfrentan las mujeres de su país, contraponiendo diferentes situaciones, que viven las mujeres que integran la sociedad iraní.

Sábado, 9 de enero de 2016, 20.00 h

SENSITIVE FLOOR
Kamal Tabrizi | 2014 | 88’| VOSE

Después de organizar una lujosa ceremonia para el funeral de su mujer, Haj Kamali descubre que su cadáver está enterrado en una tumba que comparte junto con un extraño. Este es un hecho terrible para un hombre tan tradicional como el protagonista, que intentará por todos los medios posibles poner fin a esta desgracia, exhumando el cadáver del hombre, para que así de una vez por todas, su mujer pueda descansar en paz.

Sábado, 16 de enero de 2016, 20.00 h

NIGHT SHIFT
Niki Karimi | 2015 | 92´ | VOSE

Nahid es un ama de casa que vive en Teherán preocupada por su rutina diaria: limpiar, cocinar, cuidar de su hija y mirar la televisión. Mientas su marido es un hombre al que su trabajo consume gran parte del tiempo. Nahid está tan abstraída del mundo que le cuesta darse cuenta del comportamiento errático de éste, que empieza a llegar tarde a casa y a guardar secretos. Finalmente, se acaba dando cuenta de que ha estado viviendo en la ignorancia toda su vida.

Sábado, 23 de enero de 2016, 20.00 h

JAZIREH-YE RANGIN (THE RAINBOW ISLAND)
Khosrow Sinai | 2015 | 103´ | VOSC

Hay 50 colores diferentes en la tierra de las Islas de Hormuz. Esto servirá como inspiración a un artista ecologista, que enseñará a sus habitantes, especialmente a las mujeres, cómo crear elegantes representaciones artísticas con estos colores tan característicos. Este proyecto ayuda a mejorar la situación económica de todas aquellas artistas, que inspirándose en las raíces de la isla son capaces de captar su esencia y la atención de los turistas que valoran y compran sus creaciones.

Sábado, 30 de enero de 2016, 20.00 h

THE LONG FAREWELL
Farzad Motamen | 2015 | 90´| VOSE

El protagonista de esta película, Yahia es declarado inocente por un tribunal después de haber sido acusado injustamente, pero parece que nadie está interesado en ayudar a este hombre solitario que vive al margen de la sociedad; que le ha estigmatizado. Nadie muestra el más mínimo interés en él, salvo una mujer de la que está profundamente enamorado. Esta película muestra el lado soñador y el lado cruelmente realista de la vida basados en la historia de un hombre singular.

Sábado, 6 de febrero de 2016, 20.00 h

A TALE OF LOVE
Ahmad Ramezan Zadeh | 2015 | 90´ | VOSE

Durante la guerra en Irán, Saddam atacó Halabja, una ciudad entre Irak y Kurdistán. Después del bombardeo químico de Halabja, un fotógrafo iraní es el primero en entrar en la ciudad, y allí conocerá a una mujer con la cual iniciará una historia de amor. Esta película es un claro reflejo de la realidad tanto política como social de los últimos años y que aún perdura hoy en día.

Cinemes Girona
C/Girona, 175 (Barcelona)

Precio entrada: 3,5 euros / Abonados y socios de los Cinemes Girona: 2 euros