“Save the Green Planet” es una de las películas coreanas de culto que los aficionados españoles mejor conocen. Su director, Jang Joon-hwan, presento la pasada edición del Festival de Sitges su nueva película, “Hwayi, A Monster Boy”, habiendo pasado ya 10 años de la producción de aquella, pero más en forma que nunca, para mostrarnos un thriller mucho más serio pero a la vez personal y lleno del estilo del director.

Gloria Fernández de Cineasia y yo mismo tuvimos el enorme placer de entrevistar a Jang Joon-hwan y preguntarle por sus dos películas hasta la fecha, sus futuros proyectos y su visión del cine coreano actual.

Asiateca: ¿Como es que después de recibir tantos premios con “Save the Green Planet” en 2003 y 2004, en Rotterdam, Puchon, Pusan, Bruselas… ha tardado 10 años en dirigir su siguiente película? ¿Es por que aunque recibió muy buenas críticas, no fue tan bien en la taquilla coreana?

Jang Joon-hwan: Probablemente sea así. La película “Save the Green Planet” tuvo muy buenas críticas pero sin embargo el fracaso comercial fue estrepitoso. Tras esto creo que los productores coreanos pensaban que hacia buenas películas, pero que debía cambiar para acercarme al público, que si hacia una nueva película debía modificar ciertas cosas para que fuera más comercial. Sin embargo, yo quería hacer algo similar a mi anterior trabajo, incluso quería hacer una película aún más loca, pero también que fuera mejor cinematográficamente. Dentro de mí tenía este conflicto. Durante estos diez años he tenido varios proyectos pero ninguno salió adelante por esto que comento, por eso cuando recibí el guión de “Hwayi” vi claramente este punto en el que se podía armonizar estas dos visiones que quería llevar a cabo. “Hwayi” es una historia que tiene puntos conflictivos, pero que al mismo tiempo podía tener mucho éxito comercial. En ese momento pensé que este guión me permitiría trasmitir los mensajes que quería exponer y las preguntas que quería hacer. Era un poco ambicioso, pero creo que más o menos lo conseguí.

Asiateca: Si parece que lo consiguió, porque ha tenido unos dos millones y medio de espectadores en cines y eso si es un éxito. Además, ¿Ese tono más dramático en su parte de thriller es para sumarse un poco a toda la moda que se ve en estos momentos en Corea?

JJH: Creo que la mayoría de las películas coreanas que consiguen el éxito comercial tratan historias más suaves. Aunque si que hay algunas que son más duras, pero lo general es así. Para acercarse a los espectadores coreanos el drama tiene que ser realista y en consecuencia lacrimógeno, eso es lo que en general gusta al público. No se como se evalúa el cine coreano desde el exterior, igual la visión cambia un poco.

Asiateca: ¿Cual es el punto de partida de Hwayi? ¿Como nace este proyecto? El guión no es suyo pero parece que algo tiene usted que ver ahí… comentemos.

JJH: Digamos que el punto de partida es cuando me encuentro con el guión, un guión que ya tenía muchos toques de género pero que, como director, creí que podría añadir otro punto de partida, las preguntas que quería trasmitir: ¿Por qué estamos en este mundo? ¿Por qué a veces tenemos una vida tan triste y a veces tan hermosa?, este tipo de cuestiones. Básicamente la película era una cinta de género, pero conforme fui revisando el guión tenia que añadir la emoción, las preguntas que quería compartir con el público.

Asiateca: Tanto en “Save the Green Planet” como en “Hwayi” vemos que le gusta mezclar mucho los géneros. La primera es algo difícil de describir, tiene comedia, drama, ciencia ficción… Hwayi es una película mucho más de género, más thriller, pero también tiene unas buenas escenas de acción, toques de comedia. ¿Es una especie de marca de la casa que los directores coreanos gustan de esta mezcla de géneros?

JJH: Creo que mis películas, hablando cinematográficamente, son bastante diferentes. “Save the Green Planet” es una especie de juego cinematográfico, saltaba de género a género. “Hwayi” quería que fuera una historia que contuviera mis verdaderos sentimientos, por eso tenia que optar por dos estilos diferentes. En “Save the Green Planet” utilizaba la continuidad, sin embargo en “Hwayi” uso las “Escenas Master” para explorar las emociones de los protagonistas y el sentimiento de la historia en sí. No tengo muy claro como puedo evaluar el resultado, por ejemplo, lo que me gusta de la historia de “Hwayi” es que aparece un monstruo, tiene un componente fantástico, creo que por eso me atrajo esta historia. Por supuesto dos películas del mismo director han de parecerse en algo.

Con respecto a esto que comentas sobre la mezcla de géneros en el cine coreano, no estoy demasiado de acuerdo con eso. Creo que no hay realmente tantas películas que mezclen géneros en Corea, a mi me gustaría que fueran muchas más. Lo que sucede es que cuando se programa un festival como Sitges seguramente se vean películas muy específicas que si que realizan estas mezclas, pero dentro del mainstream coreano no se dan tanto.

Asiateca: Algo que vemos en común en sus dos películas son esos personajes torturados, la locura del personaje principal, ese monstruo interior. El protagonista de “Save the Green Planet” estaba completamente loco, y en cierto modo “Hwayi” también tiene ese punto de locura. ¿Le gusta tratar con ese tipo de personajes psicológicamente complejos?

JJH: No se si has visto primer corto, mi debut, titulado “2001 Imagine”. El protagonista de este corto es también un loco que piensa que es la reencarnación de John Lennon… Y ahora, con esta pregunta, me he dado cuenta que si que me gustan estos locos, pero realmente a lo que le doy importancia es como un individuo se vuelve loco por una circunstancia social. A través de mis películas quiero reflejar la presión, la agresividad de la sociedad… una observación microscópica de la influencia social. Digamos que quiero poner un espejo en el que se refleje la sociedad. Además tratando con este tipo de personajes la historia se vuelve más dramática e interesante.

Asiateca: Para ser su segunda película el reparto actoral de “Hwayi” es absolutamente impresionarte. Todos los actores tienen una larga carrera a sus espaldas, incluido el joven Yeo Jin-gu dando vida a Hwayi. ¿Como consiguió este reparto de tan alto nivel?

JJH: A mi me gustaría contar siempre con buenos actores, creo que eso le sucede a cualquier director, y para “Hwayi” los actores eran una de las partes más importantes. Quizás suene a algo muy básico, pero a través de los actores tenia que establecer una relación con el público, por ello el casting era tan importante. Para el papel de “Hwayi” hice tantísimas entrevistas que creo que he visto a todos los actores coreanos entre 18 y ventipico años. Kim Yun-seok ya es un actor con experiencia y muy conocido, y desde el principio del proyecto ya quería trabajar en él. En el caso de Park Yong-woo, aquí tiene un papel secundario a pesar de que él suele ser protagonista en la mayoría de sus películas. Creo que el casting fue muy ambicioso y al final tuve mucha suerte, a los actores les gustó el guión desde el principio y todo fue bastante bien, sin ellos seguramente no hubiera podido hacer la película, por lo que se lo agradezco muchísimo.

Asiateca: Usted escribe guiones, quizás en este caso no enteramente pero si en “Save the Green Planet”, también dirige… ¿Le gusta controlar enteramente el proceso de creación de sus películas? ¿En que rol se siente más cómodo?

JJH: Ambos papeles son duros y al mismo tiempo divertidos, sino no los haría, pero digamos que el más duro es escribir el guión porque básicamente es el proceso de creación de la esencia de la película. A través del guión tu decides que historia quieres contar, que mensaje quieres compartir con el público, es muy difícil pero a la vez muy satisfactorio. En cuanto a la dirección, durante un rodaje hay muchas interacciones con los actores, pero cuando ves la perspectiva que quieres trasmitir plasmada en la cámara eso te da una satisfacción enorme. Realmente no podría decir que rol me gusta más o menos, ambos procesos son dolorosos pero al mismo tiempo gratificantes.

Asiateca: Vemos muchos personajes masculinos en sus películas, los personajes femeninos son secundarios con poco peso. ¿No controla el universo femenino como el director de “New World”, que el año pasado nos comentaba que aun no se atrevía con las mujeres?

JJH: Solo he hecho dos largometrajes, no me encasilles de esta manera (jajaja). No se, a lo mejor no trabajo demasiado con las actrices porque mi mujer es actriz (jajaja). La verdad es que no pienso que los personajes femeninos sean menos dramáticos que los masculinos o no me interesen demasiado, simplemente cuando escribo me salen los personajes, no las. Sinceramente me gustaría trabajar más con actrices, pero hay rumores entre los directores que dicen que si en una película salen muchas actrices es muy difícil, porque tienes que preocuparte de cada una de forma igualitaria, creo que puede ser muy duro (jajaja).

Asiateca: Y teniendo en casa a Moon So-ri, una actriz absolutamente impresionante… para nosotros una de las mejores de Corea. ¿Para cuando trabajar juntos en una película?

JJH: Esto tiene relación con lo que he comentado antes. La relación entre la actriz y el director es una relación difícil de definir, es un poco como el amor, nos queremos mucho pero al mismo tiempo nos hacemos la vida imposible y nos molestamos. A mi me gustaría trabajar con mi mujer, me gusta mucho como actriz, no como esposa… bueno como esposa también (jajaja). Pero aun no estoy muy seguro por este miedo, Si trabajara como director con mi mujer, ¿Podría dirigirla? ¿Podría exigirle todo lo que yo quisiera? Eso es la gran pregunta. Lo más importante para un cineasta es hacer una buena película, por lo tanto si en mi próximo guión hay un papel muy adecuado para ella, seguramente lo haríamos. Una vez conversamos sobre este tema y dijimos que cuando seamos mucho más mayores y ya nadie nos busque, entonces podríamos hacer una película sin ninguna presión (jajaja).

Asiateca: No se si sabe que “Save the Green Planet” se editó en España, una película que para el fan del cine coreano se ha convertido en una cinta de culto, que mucha gente sigue buscando para comprarla a pesar de estar ya descatalogada. Al aficionado le gustaría saber de donde sale esta película tan absolutamente irreverente y loca.

JJH: “Save the Green Planet” fue mi primer largometraje, mi debut, y yo era como un volcán, estaba apunto de erupción y quería hacer muchas cosas, decir mucho y hacerlo de forma intensa, además quería tener un encuentro divertido con el público. A mi me gusta la comedia e incluir toques gore a nivel cinematográfico, aunque no puedo ver películas gore porque me dan mucho miedo (jajaja). También hay muchas películas que me han influido y en este debut hay varios homenajes y parodias de ellas. Pero mi argumento principal era sobre la Tierra, es decir, nosotros somos seres humanos que amamos y nos sentimos amados, pero a la vez nos hacemos daño entre nosotros. Quería hacer un retrato de nosotros mismos, pero al mismo tiempo dar una visión a cierta distancia. Toda esta mezcla de ideas fue lo que dio una película tan rara y extraña.

Asiateca: “Hwayi” ha funcionado muy bien en taquilla, también ha recibido muy buena crítica tanto nacional como internacional. Esperamos que no habrá que esperar 10 años más para su siguiente proyecto.

JJH: La diferencia entre aquella época y ésta es que ahora estoy casado y tengo una hija, por lo tanto debería hacer más películas (jajaja). Creo que a todos los directores les gustaría hacer muchas películas y respirar junto con el público a través de ellas. Quiero establecer muchos encuentros con los espectadores y por lo tanto si que espero que la próxima película llegue pronto.

Ahora tengo dos cosas en la cabeza: la primera de ellas es una película de ciencia ficción, y la segunda es una historia sobre superhéroes, una cosa que quiero hacer desde hace mucho tiempo.

Asiateca: Entonces lo veremos seguro en Sitges…

JJH: (jajaja) Solo si la hago bien…

Asiateca: Una pregunta obligada que solemos hacer a los directores coreanos. ¿Como ve la industria del cine en su país? Ese cine comercial, generalmente comedia romántica o melodramas, que arrasa en las salas y deja poco espacio a otro tipo de películas…

JJH: El 2003 fue un año tremendo para el cine en Corea: “Oldboy”, “2 Hermanas”, “Oasis”, “Memories of Murder”… fue impresionante, salieron muchas películas con estilos diferentes. A partir de aquí el cine coreano se industrializó mucho más, con presupuestos mucho más altos. La cosa es que ya se ven menos las películas con puntos conflictivos, los productores apuestan por películas más redondas, más suaves y sin riesgo, películas que aseguran un cierto éxito comercial. A esto hay que sumarle que a los espectadores les gustan las historias cómodas. Digamos que el grueso del cine comercial coreano es así.

Por otra parte existe un cine independiente y de autor, y lo importante es que estos intentos perduran y continúan. Creo que la esperanza del cine coreano está aquí, y el reto es encontrar un equilibrio entre estos dos tipos de cine de una forma sana y natural. A mi me gustaría conseguir esta diversidad cinematográfica porque yo también soy un espectador, y como espectador también me gustaría ver todo tipo de películas.

Asiateca: ¿Que opina de la película más taquillera de la historia del cine coreano “Roaring Currents”?

JJH: Como espectador no puedo opinar porque no la he visto (jajaja), pero hablando desde el punto de vista de la expansión industrial seguro que algo bueno tiene. Lo que me preocupa realmente es el monopolio del cine coreano, en donde unas cuantas empresas controlan toda la producción y distribución. Por ejemplo, en un multicine hay 10 salas pero en 9 de ellas exhiben esta película, eso mata la diversidad que antes comentaba, no es sano para la industria. Esta película ha superado los 17 millones de espectadores, eso quiere decir que básicamente todos los adultos coreanos la han visto y esto debemos verlo como un fenómeno social, hay que interpretarlo desde una perspectiva multidimensional. A mi me da un poco de miedo la verdad (jajaja).

Asiateca: Para terminar solo preguntarle que tal en Sitges, ¿Que le ha parecido el ambiente y el festival?

JJH: Me lo estoy pasando muy bien y ahora entiendo por qué tantos directores coreanos me recomendaron que viniera a Sitges. Es una ciudad muy bonita, un festival maravilloso sobre todo el público, que si bien no entiendo el idioma si que veo como afrontan las proyecciones y veo que conversan sobre cine y comentan las películas, y eso a mi me parece genial.

Nosotros estamos encantados de haber podido conversar con Jang Joon-hwan y de haber podido disfrutar de su película. Esperemos que no nos haga esperar tanto para la siguiente.

Por Gloria Fernández (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca)

Chūgoku no chōjin (1998)
Director: Takashi Miike
Guión: Masa Nakamura (basado en la novela de Makoto Shiina)
Actores: Masahiro Motoki, Renji Ishibashi, Mako, Li Li Wang
Productora: Excellent Film, Sedic
Director de fotografía: Hideo Yamamoto
Editor: Yasushi Shimamura
Música: Kōji Endō

En 1998 Miike haría un impasse en su carrera para regalarnos la joya de sus primeros años como director: The Bird People in China. Si hasta ahora todo lo que habíamos visto era acción, violencia, yakuza-eiga, cine negro y comedia, el director iba a volver a sacar su cámara fuera de Japón para demostrar que podía estar a la altura con el reto que significaba la obra de Makoto Shiina.

The Bird People in China cuenta como Wada, un joven ejecutivo, y Ujīe, un yakuza se ven forzados a viajar juntos a una zona rural de China con la intención de encontrar una mina de jade. La experiencia, sin embargo, les cambiará la vida y deberán tomar dos decisiones cruciales: la de volver a Japón o quedarse para siempre y la de dar a conocer o no sus hallazgos en la aldea.

El montaje nos ofrece tres partes claras. En primer lugar, un montaje más radical típico de Miike, referido por muchos críticos como montaje outrage al que ya estamos más acostumbrados. Un primer plano en zoom gradual a un pictograma en una cueva de una figura humana con alas acompañado de una música misteriosa —acorde con el misterio de la vida humana— y unos latidos de corazón —que simbolizan la pulsión de la civilización—. Seguidamente un plano corto de un hombre pájaro en traje de ejecutivo en la azotea de un rascacielos. Luego un plano de un cielo nublado, el medio natural en el que conviven los hombres pájaro, ya sean con alas prefabricadas o con aviones. Este plano sintetiza perfectamente esa idea, las alas del hombre pájaro surcando el cielo con la música extradiegética de un avión, y en el siguiente plano el avión de Wada aterrizando en China.

Pasamos al fundido en negro, para permitir al espectador que respire y tome aire y pueda asimilar el montaje posterior. La voz en off de Wada (Masahiro Motoki) narra: «Desde que nací, he dormido más de 10.000 veces. Pero nunca he soñado con ser capaz de volar como un pájaro». El siguiente plano que seguirá es un asombroso plano de las montañas de Yunnan con el sonido de los pájaros, sobre el que se superpone el título de la película. La siguiente escena nos revelará mucho sobre Wada. El plano de inserto de su grabadora nos indica lo importante que es para él, que viaja en un tren de camino a la ciudad a las entrañas de China vestido con su traje mientras graba sus experiencias en su diario. Un hombre mecánico, ordenado, que piensa en todo, preocupado por su salud al extremo de grabar que la comida china contiene muchas grasas. Wada nos contará como ha acabado en este tren y los planos sosegados de él nadando o en el gimnasio —el tiempo que dedica a sí mismo— y las fotos de la China rural, contrastarán con las escenas en su trabajo, o en el taxi, o por las ciudades con el tráfico y las luces, todo escenas en cámara rápida. Aquí ya tenemos la primera reflexión, la alienación que se produce por el ritmo rápido de las grandes ciudades que hace que incluso el protagonista desee que el avión vuele más despacio. Los pasajeros del tren que le agasajan con una canción japonesa y el surrealismo en el que se torna la escena son lo antagónico a su estilo de vida.

La segunda parte de la película es la que describe el viaje de Wada y Ujīe (Renji Ishibashi) a la aldea en lo profundo de las montañas de Yunnan. Aquí el montaje confía más en planos largos y cámaras de mano que se vuelven inestables e incómodas o en las cámaras fijas de la furgoneta que se va desintegrando progresivamente y que dan al espectador cuenta de los baches del camino. El engorroso viaje no sólo sirve como metáfora de las vicisitudes físicas y espirituales que debe vivir el ser humano para hacer un viaje introspectivo, sino para forjar una camaradería entre los dos personajes que no podrían ser más diferentes, aunque a ambos los hayan escogido por gustarles la comida china. Mientras el ejecutivo duerme con un dosel para ahuyentar los mosquitos, el yakuza tiene violentas pesadillas. Sin embargo, y a pesar de la actitud de matón del yakuza, mientras Ujīe defeca en mitad del campo bajo la lluvia, Wada le refugiará con un paraguas cursi. A Miike le encantan este tipo de metáforas de la vida: escenas profundamente cotidianas que descubren las relaciones entre los personajes. Mucho más adelante, una vez ya en la aldea de jade —que sirve de macguffin—, Wada y Ujīe defecarán juntos en perfecta comunión.

Cuando hacen noche en la ciudad de Dali, oyen de manos de otro viajero japonés que las leyendas como la de Hagoromo también se oyen en las montañas de Yunnan, un lugar a donde los extranjeros no pueden llegar y donde los ancianos ni siquiera han oído a hablar de Mao Zedong ni entienden mandarín. Aquí el diálogo de los personajes nos presentan la aldea de jade como un lugar místico, que ha evitado el contacto con el exterior al punto que ni siquiera ha llegado la revolución de Mao. La verdadera cuna de la civilización —puesto que en Yunnan se encuentran los restos más antiguos de la civilización humana— en estado puro, inmaculado, al que tendrán que llegar con una balsa arrastrada por tortugas gigantes, detalle que automáticamente nos conecta con el mundo mágico en las profundidades del mar de la leyenda de Urashima Tarō. La parte baja del río es una zona especialmente ascético, tal y como advierte el monje: «arriba del río es donde las cosas nacen, abajo del río es donde las cosas mueren». Durante el viaje, Yamamoto se deleitará con planos de las etnias minoritarias chinas, con el largo y tortuoso camino, con el imponente paisaje, pero también con una de las temibles realidades de la China rural: el río Nujiang desbordado por las lluvias torrenciales.

En el viaje, Shen (Mako) no sólo se revelará como un perfecto guía turístico, sino como un verdadero intérprete entre las diferentes dualidades: la cultura china y la cultura japonesa, el yakuza y el ejecutivo, la modernidad y la tradición. Miike usará la arquitectura visual durante el trayecto para mostrarnos la distancia entre los personajes, figuras triangulares que ya usaba en Rainy Dog (1997) que poco a poco Shen irá rompiendo con su «love and peace». Sus setas psicotrópicas acabarán de afianzar los lazos de amistad entre los dos hombres y abrirá sus mentes para lo que están a punto de vivir en la aldea.

Al tener el accidente Shen, la película entrará en la tercera fase con un montaje diferente al de las partes anteriores. Un ritmo mucho más pausado, a veces incluso un montaje rítmico al son de la canción escocesa “Annie Laurie”, planos más largos que hacen hincapié en la naturaleza, y una paleta de colores diferente a causa del filtro amarillo que usa Yamamoto. El filtro no sólo le da un toque mágico al paisaje sino que enfatiza el verde de la naturaleza, revelando el verdadero tesoro de jade (MES, 2006).

No puedo dejar de sentir dos claras influencias en la novela de Shiina: por un lado, la Literatura de las Raíces china de los ochenta con su ruralismo y su realismo mágico; y por otro lado, la novela Meiji japonesa de los edokko, en concreto de Izumi Kyōka. Cada una de estas influencias está encarnada por cada uno de los dos protagonistas. Ujīe hará un viaje en busca de sus raíces y Wada hará un viaje simbólico al estilo de Kyōka.

La literatura de las Raíces es un movimiento temático chino muy potente que además ha estado muy vinculado al cine chino. No es un movimiento literario per se ya que son diferentes escritores de diferentes estilos los que incorporan reflexiones identitarias a sus obras; autores que retornan a la tradición cultural, a las costumbres locales, a las minorías étnicas, a la vida rural para buscar su propia identidad, siempre priorizando la estética en sus obras. En este sentido la obra de Shiina encaja perfectamente, ya que el viaje de Wada y Ujīe a Yunnan no es sólo un viaje a las raíces de la cultural japonesa sino a las raíces de la civilización. La estética es realmente importante en esta tercera parte, por eso la cámara se recrea en las escenas de la naturaleza y en las costumbres de la aldea, invitando al espectador a reflexionar sobre la ecología, la modernidad, la tradición, etc. «La ciudad pronto tendrá un aeropuerto, y eso significa más turistas y más trajes étnicos», dice Shen. ¿A eso se reducen nuestras raíces? ¿El precio de la modernidad es nuestra naturaleza, nuestra tradición? En la aldea de jade, el yakuza encontrará su paz de espíritu. El romántico Ujīe que desea al viajero japonés que encuentre a la mujer del cielo pero que lleva una pistola siempre encima, encontrará en las gentes de la aldea y en la armonía de la naturaleza otro yo más consciente de los peligros de la modernidad y decidirá dedicar su vida a proteger la aldea de jade del avance inexorable de los nuevos tiempos.

Este viaje, transformará sus vidas y ahí es donde se nota la clara influencia de la estructura de Kyōka: un joven inexperto que entra en una espacio sobrenatural en el que entra en contacto con una misteriosa figura femenina, y después de la experiencia retorna al mundo cotidiano transformado emocionalmente por la experiencia. Este es el viaje de Wada. Un joven ejecutivo tan apegado a su mundo urbanita que viaja a la china rural con un grabadora y un traductor automático. El conocer a Yan le cambia la vida, no sólo porque se enamora por primera vez sino porque es capaz de aprender a valorar la vida de otra manera y de dedicar su tiempo y sus habilidades por el bien de otra persona de forma altruista. Ver, sin embargo, a Yan con el chico sordomudo cantando, le hará entender que la aldea no es su sitio y que debe volver a su mundo y atesorar lo que ha aprendido; por eso intenta capturar ese instante con su grabadora. Pero las cosas mágicas no pueden capturarse con la modernidad.

Tanto en el caso de Wada como en el de Ujīe, es un viaje mágico. Shiina establece los márgenes entre el mundo real y el mundo sobrenatural a través de la geografía del paisaje igual que lo hiciera Kyōka, con un viaje tortuoso, un lugar de difícil acceso que implica un viaje psicológico. Miike nos hace partícipes de la espiritualidad de la zona en varias ocasiones, con los planos del avión del abuelo de Yan en forma de cruz que indican que es un lugar santo, con la escena del yakuza en la cima de una montaña iluminado por un exagerado trueno y después una tormenta torrencial, con la epifanía que lleva a Ujīe a un hipotético futuro mediante un falso raccord… Todo para adentrarnos en este mundo de la ensoñación poco a poco, aunque siempre manteniendo la duda razonable de si el hombre puede o no volar hasta el final.

La voz en off de Wada cerrará el film con sus conclusiones. El joven ejecutivo volverá a Tokio y olvidará cómo volar, pero no olvidará lo aprendido. Ujīe, por el contrario, volverá a la aldea a cambio de cortarse un dedo como un verdadero yakuza y ocupará el puesto del anciano de la aldea. Dos caminos y muchas reflexiones para una maravillosa fabula con una puesta en escena que invita a volar.

Bibliografía:
MES, Tom (2006). Agitator: The Cinema of Takashi Miike. UK: FBA Press, pp. 432

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)

Esta semana nuestro repaso a la programación asiática de la presente edición del Festival Internacional de Cinema Fastàstic de Catalunya, Cinema Sitges 2015, se centrará en Corea del Sur, con dos entregas donde os traigo todo lo que dará de si la presencia de aquel país asiático en el evento.

Empezamos este listado con The Treacherous, una película de época coreana del director Min kyu-dong, basada en un oscuro periodo de la historia del país, que mezcla erotismo, drama y acción. También veremos el drama criminal Coin Locker Girl, debut en la dirección de Ha Jun-he. Contando las desventuras de cuatro jóvenes Lee Sang-woo nos trae su primera película considerada comercial por presupuesto y producción, Speed. Y entre tanto drama y película de época resalta The Maidroid, que narra la historia de un hombre y su sirvienta cibernética. Para finalizar esta entrega nos vamos a la que será la película de clausura del festival, The Royal Tailor, que nos vuelve a trasladar al cine de época pero esta vez centrada en el mundo de la costura.

Y esto es todo por el momento, mañana la segunda entrega, que se nos echa el tiempo encima.

The Treacherous
Corea, Min Kyu-Dong, 2015

La ultima producción de Min kyu-dong (Memento Mori) se ambienta durante el reinado de Yeonsan en la época Joseon, considerado uno de los mayores tiranos de la historia de Corea. Según el propiodirector siempre ha estado muy interesado en la historia local y ha querido ofrecer unaperspectiva un tanto diferente de este reinado, centrándose en todos esos traidores que bajo la mascara de al adulación o la fidelidad realmente querían aprovecharse de la situación.

El propio Ángel Sala, director del festival, hablaba así de ella en la reciente entrevista de nuestros amigos de CineAsia: “Sí… A mí es un film que realmente me gusta, una película absolutamente extraña que no podemos decir a qué genero pertenece: medio erótica, medio histórica, medio de acción, medio de artes marciales… una rareza. Tendrá solo un pase el primer día del festival como algo especial, para abrir boca. Creo que somos el único festival del mundo donde se puede pasar este film (risas).”

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Coin Locker Girl
Corea, Ha Jun-he, 2015

Recién nacida, Il-young es abandonada en la consigna número 10 de una estación. Años más tarde, es vendida a la organización criminal Mom de Chinatown, donde tendrá que luchar para sobrevivir en un mundo violento y cruel. Uno de los debuts más impactantes de la temporada, ha sido definido como una mezcla entre la aterradora y perversa Queridísima mamá y el clásico El padrino. (Sitges)

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Speed
Corea, Lee Sang-woo, 2015

Lee Sang-woo debutó en la dirección con “Tropical Manila” (2008) que fue seleccionada para el Rotterdam International Film Festival, película a la que siguió “Mother Is A Whore” (2009), que captó la atención del Hong Kong International Film Festival. A partir de este momento su trabajo se ha caracterizado por retratar de forma cruda la vida y la sociedad en Corea, teniendo principalmente repercusión en festivales tanto internacionales como locales.

Este drama juvenil narra la vida de cuatro amigos del instituto que han alcanzado la veintena con más de un problema. Chuwon es atleta; Gurim es cool, siempre rodeado de mujeres hacia las que se muestra indiferente; Desung está enamorado de la madre de un amigo; y Seowon es un estudiante brillante enfermo de cáncer. (Sitges)

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The Maidroid
Corea, No Zin-Soo, 2015

Un día, Sang-soo recibe en su casa un paquete cuyo contenido resulta de lo más sorprendente: Pinky, un androide programado para realizar las tareas del hogar y que, además, resulta tremendamente atractiva. Ahora bien, el manual de instrucciones prohíbe explícitamente usarlo para placeres carnales. Una película tierna y picante a la vez, protagonizada por la estrella japonesa del cine para adultos Aino Kishi. (Sitges)

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The Royal Taylor
Corea, Lee Won-Suk, 2015

Este año la película de clausura de Sitges viaja a Corea, con esta segunda película del director Lee Won-Suk centrada en mundo de la costura de época. La película tuvo su premier internacional en festivales en el Udine Far East Film Festival, donde ganó el premio My Movie de la audiencia y quedó en segundo lugar en el premio de la audiencia durante el propio festival. Luego ha pasado por New York, el Fantasia canadiense y podrá verse en Busan casi a la misma vez que en Sitges.

Dol-suk y Kong-jin son los mejores sastres del reino Chosun. Uno es fiel al diseño clásico, el otro representa la innovación de la juventud. Sus diferencias son tan fuertes como su rivalidad por conseguir el favor de la realeza, que los lleva a urdir una competición repleta de intrigas y giros inesperados, desarrollada entre telas exquisitas y lujosos ornamentos. (Sitges)

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Seguimos con esta segunda entrega donde repasamos el cine coreano presente en el Festival Internacional de Cinema Fastàstic de Catalunya, Cinema Sitges 2015, en esta ocasión con muchos thrillers y películas muy esperadas.

Comenzamos por Assassination, la nueva propuesta del director de Woochi o The Thieves, Choi Don-won, y que promete ser una tremenda cinta de acción. También en esta línea de thriller de acción, pero añadiendo humor, se presenta Veteran del conocido Ryoo Seung-wan. Ya con un aspecto algo más noir, más sobrio, el director de A Dirty Carnival, Yoo Ha, nos trae Gangnam Blues, ambientada en el distrito de Seul popularizado por el cantante PSY y su Gangnam Style. Acercándonos a las lindes del terror y el suspense tenemos a dos directores debutantes. El primero de ellos es Hong Won-chan, que ha trabajado en guiones como The Chaser o The Yellow Sea, con su película Office. El segundo es Kim Gwang-Tae que nos ofrecerá con su The Piper una oscura versión del cuento del Flautista de Hamelin. La última película de este pequeño repaso es la obra animada The Crimson Whale, del también debutante Park Hye-mi.

Assassination
Corea, Choi Don-won, 2015

La última producción hasta la fecha de Choi Dong-Hoon es una de esas películas que espero con bastante animo, y es que no obstante he visto todas las películas del director, desde The Big Swindle hasta The Thieves, pasando por Tazza y Woochi, y todas me han gustado mucho, con ciertas salvedades como la excesiva duración de algunas o la falta de cerrar un final de forma más limpia en otras -aunque esto es achacable a parte del cine coreano en general-.

1933. Corea está ocupada por los japoneses. Un grupo de exiliados rebeldes planea matar a un comandante nipón, pero la única asesina que puede hacerse cargo de tan delicada tarea está en la cárcel. La resistencia se dispone a sacarla de prisión, cuando un espía alerta a los japoneses, acelerando un entramado de traiciones en esta trepidante cinta que combina suspense político con una acción que quita el aliento. (Sitges)

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Gangnam Blues
Corea, Yoo Ha, 2015

Yoo Ha es un conocido poeta metido a director de cine y guionista que ha demostrado ya con creces saber manejar el noir en su mejor forma con la magnifica A Dirty Carnival. Esta vez nos traslada al conocido distrito coreano de Gangnam, popularizado por el cantante PSY en su superéxito Gangnam Style.

En 1970 Gangnam, al sur de Seul, comenzó a transformarse en una zona urbanizada, lo cual atrajo inevitablemente a la corrupción política que predominaba en aquellos años. Los amigos de la infancia Jong-dae y Yong-ki intentan ganarse la vida hasta que unos matones derriban sus humildes casas. Entonces empezarán a introducirse en enfrentamientos violentos dentro de bandas corruptas. En una reyerta acabaran separándose, para reencontrarse años después en posiciones bien diferentes.

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Veteran
Corea, Ryoo Seung-wan, 2015

Esta es otra de las películas coreanas que más espero por varios motivos. El primero de ellos es su director, Ryoo Seung-wan, experto en thrillers de acción y que ha dirigido maravillas como Arahan, Crying Fist, The Unjust o The Berlin File. La segunda es su elenco actoral en el que destaca el conocido Hwang Jung-min, que ya vimos hace dos años en Sitges en la interesante New World y que ha trabajado con el propio Ryoo en la mencionada The Unjust. En esta ocasión han preparado un thriller de acción con toques de comedia que ha recibido buenas críticas y esta dentro del top10 de películas más taquilleras de la historia del cine coreano.

Do-cheol, un policía veterano, se ha fijado como objetivo llevar ante la justicia a Tae-oh, heredero de una megacorporación. El problema es que su jefe le ha impedido investigarlo. Cuando un antiguo colaborador del policía se convierta en víctima de Tae-oh, Do-cheol hará de la caza del magnate una auténtica guerra. (Sitges)

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Office
Corea, Hong Won-chan, 2015

Esta película de suspense y terror es el debut en la dirección de Hong Won-chan, que ya ha participado anteriormente en la elaboración de guiones de la talla de The Chaser o The Yellow Sea. Office se presentó en las medianoches de Cannes y he leído buenas críticas sobre la misma.

Al regresar a casa, un empleado modelo asesina a toda su familia y desaparece sin dejar rastro. En su oficina, la noticia causa una fuerte conmoción, y sus arribistas compañeros se inquietan por la posibilidad de que el asesino vuelva para ajustar cuentas con ellos. Nos llega de Corea la película que instaura definitivamente el lugar de trabajo como un espacio aterrador. (Sitges)

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The Piper
Corea, Kim Gwang-Tae, 2015

Otro director debutante, Kim Gwang-Tae, nos ofrece esta oscura variación del cuento del Flautista de Hamelin, al igual que hiciera Yim Pil-sun con su propia versión de Hansel y Gretel, que también pudimos ver en el festival hace ya unos añitos.

Poco después de la guerra de Corea, el flautista Woo-ryong y su hijo viajan a Seúl. Un día, hacen una parada en una pequeña aldea en medio del bosque. El pueblo está infestado de ratas, y el flautista hace un trato con el cabecilla del lugar para librarlos de la plaga. Pero una vez cumplida la misión, Woo-ryong será traicionado, y buscará venganza. (Sitges)

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The Crimson Whale
Corea, Park Hye-mi, 2014

La última película que veremos hoy es de otro director debutante, Park Hye-mi, pero en esta ocasión en formato animado, con un estilo muy alejado del anime japonés o de otras animaciones que nos han llegado de Corea en los últimos años.

Los terremotos y la actividad volcánica han devastado la Tierra. En esta catástrofe sobrevive Ha-jin, una huérfana que posee la habilidad de hablar con las ballenas y que debe drogarse para olvidar las pesadillas que la acechan por la noche. Un día, varios personajes a la búsqueda de la ballena carmesí se interesan por el don de Ha-jin… Una fábula amarga, animada con una técnica tan depurada como efectiva. (Sitges)

Continuando nuestro repaso al cine asiático presente en el Festival Internacional de Cinema Fastàstic de Catalunya, Cinema Sitges 2015, hoy vamos a centrarnos en las 3 películas Indias que se exhiben, completando esta entrada con Indonesia y Tailanda.

Ya es bien interesante que una cinematografía como la India este presente en secciones oficiales del festival, ya que casi todo lo de aquel país que hemos visto se proyectaba en Brigadoon, con excepciones como las magnas obras de Anurag Kashyap y alguna otra cosa puntual. En esta ocasión la India cuenta con tres películas a cada cual más interesante. La primera de ellas es el thriller de terror sangriento Ludo. La segunda la que es a fecha de hoy la película más cara de la historia del cine indio, la primera parte de la fantasía épica Baahubali. Y la tercera es un thriller psicológico con una pinta estupenda, Sunrise. Además de esto el festival proyecta la última obra del conocido Apichatpong Weerasethakul Cemetery of Splendour, y ya en Brigadoon podremos disfrutar del documental sobre cine indonesio de género Garuda Power: The Spirit Within.

Ludo
India, Q, Nikon, 2015

Para que voy a hablar yo de la película Bengalí de terror Ludo si puede hacerlo el propio Ángel Sala: “Ludo resulta visualmente espectacular, pues su director procede del mundo del vídeo-clip y de la publicidad. Se trata de un film muy depurado, donde la psicotronía que observamos en otras producciones de terror indias aquí se convierte en algo aterrador. Es un film típico de terror, aparentemente, que luego camina hacia otros derroteros muy originales: la típica reunión de jóvenes de la gran ciudad se convierte en algo siniestro.”

Cuatro adolescentes llegan a la gran ciudad con intención de desfase. La noche es joven, están cachondos y no tienen un duro. La solución es pasar el fin de fiesta en un centro comercial que ya ha cerrado sus puertas. Sin embargo, no están solos: una pareja aparece de la nada y se dispone a jugar. Su apariencia es inofensiva, pero su verdadera naturaleza está marcada por una terrible sed de venganza. (Sitges)

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Baahubali
India, S. S. Rajamouli, 2015

Lo aficionados al cine indio más gamberro recordaran la película Telugu “Eega”, que mezclaba romance, acción y fantasía -con una muy buena producción-, para mostrarnos como un hombre enamorado era capaz de hacer frente a su reencarnación en Mosca para ayudar a su amada (Si, se que suena muy extraño). En esta ocasión la cosa pinta de otra manera, y es que Baahubali es una historia de fantasía épica que se entrenará en dos partes (aquí veremos la primera porque la segunda ni siquiera está en rodaje) y que ya es la película más cara de la historia del cine indio.

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Sunrise
India, Partho Sen-Gupta, 2015

Si hay un tipo de cine indio que hemos ido viendo en años anteriores en el Festival de Sitges ese es el cine negro, un policíaco bien rodado y producido que se aleja del concepto más tradicional que se suele tener del cine local. La representación de esta edición de este tipo de películas, en esta ocasión en formato de thriller psicológico, es la segunda producción de Partho Sen-Gupta, “Sunrise”.

El inspector de Servicios Sociales Joshi se adentra en los bajos fondos de Bombay con el objetivo de encontrar a su hija, que ha sido secuestrada. La investigación lo lleva al Paradise, un club nocturno en el que Joshi comenzará a mezclar el recuerdo y la fantasía con la realidad. (sitges)

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Cemetery of Splendour
Tailandia, A. Weerasethakul, 2015

He de reconocer que no soy de Apichatpong, me aburre soberanamente y no puedo entrar en su tempo, en su universo contemplativo y sus estilismos. Es superior a mi. Pero oye, a quien le guste Sitges proyecta su última película, así que estupendo.

En una antigua escuela reconvertida en improvisado hospital, unos soldados son tratados de una extraña enfermedad que les produce una somnolencia constante. El lugar, además, tiene un pasado majestuoso, que emergerá de forma sorprendente. Uno de los filmes más evocadores de Apichatpong Weerasethakul, que resulta también un bello homenaje a su actriz fetiche Jenjira Pongpas Widner. (Sitges)

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Garuda Power: The Spirit Within
Indonesia, Bastian Meiresonne, 2014

La última película de este repaso es Garuda Power, un documental sobre el cine indonesio de género que se exhibirá en el espacio Brigadoon, después de haber tenido su premier en nuestro país en el Festival Nits de Cinema Oriental de Vic.

Un viaje por la historia del cine de género de Indonesia que arranca con las primeras imitaciones del cine mandarín en los años 30 y finaliza con la nueva generación de directores de acción, responsables de la saga The Raid. (Nits de Cinema Oriental)

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Nihon kuroshakai (1999)
Director: Takashi Miike
Guión: Ichiro Ryu
Actores: Kazuki Kitamura, Tomorowo Taguchi, Shō Aikawa, Samuel Pop Aning, Takeshi Caesar, Yukie Itou Michisuke Kashiwaya, Dan li, Ryuushi Mizukami, Ren Osugi, Naoto Takenaka, Kōji Tsukamoto, Hua Rong Weng
Productora: Daiei Motion Picture Company
Director de fotografía: Naosuke Imaizumi
Editor: Yasushi Shimamura
Música: Kōji Endō

Tom Mes comienza su crítica de esta película afirmando que es la quintaesencia del cine de Miike (Mes, 2006). No me atrevería yo a tanto, pues hablamos del año 99 y todavía le quedaba mucho por madurar como director y mucho cine por ofrecernos. Lo que sí que es cierto, es que Ley Lines reúne características de sus obras anteriores y las aglutina perfectamente a la vez que nos da una muestra de lo que va a ser su cine posterior.

Ley lines nos presenta a tres jóvenes japoneses de origen chino: Ryuichi, Chan y Shunrei. Cansados de una vida de humillación y racismo, deciden probar fortuna en Tokio donde conocerán a Anita, una prostituta china tan desgraciada como ellos. Tampoco en la ciudad tendrán suerte, ya que se verán involucrados con la mafia china que les oprime de igual manera que lo hace la sociedad japonesa. Así que los cuatro desdichados intentarán luchar contra la fatalidad y viajar a Brasil para echar por fin raíces.

En cuanto al estilo cinematográfico, se nota la presencia de Naosuke Imaizumi como director de fotografía por la cantidad de ángulos extremos que usa la cámara igual que ya ocurriera en Shinjuku Triad Society (1995). Hay que decir que aunque siguen siendo ángulos extremos no tienen la misma función que tenían en el film anterior. Allí servían para integrar al espectador, para hacerle partícipe y que experimentara desde diferentes ángulos. En Ley Lines, el espectador mira por un ángulo a hurtadillas, no hay participación alguna. También se nota la mano de Imaizumi por el uso del color, no sólo volvemos a ver un gran aprovechamiento de los claroscuros, sino que el color verde del campo se opone visceralmente al gris de la ciudad, y el rojo que enfatiza el peligro (Mes, 2006).

Además hay recursos cinematográficos aprovechados. El ángulo absurdo desde el interior de la vagina de Anita nos recuerda al plano de la vagina de Mika en Fudoh: The New Generation (1996). El montaje más outrage de las escenas de sexo de Anita con sus clientes se remonta a Shinjuku Triad Society. Volvemos a ver filtros como el amarillo de The Bird People in China (1998) pero esta vez va un paso más allá: rojo, amarillo y verde para las escenas rodadas en el pueblo natal de los chicos frente a las tonalidades oscuras y las sombras de la gran ciudad. De Rainy Dog (1997) hereda las escenas de sexo autocensuradas con luces azules eléctricas en los genitales y las escenas y planos largos en los que la cámara sigue a Anita por Kabukichō, recorriendo los estrechos callejones de la ciudad que la esclaviza; estos planos rodados como steadycam invitan al espectador a recorrer el mundo del hampa con ella, el mismo propósito que servían cuando seguían a Yūji. Incluso la escena en la que se nos presenta a Wong —el jefe de la mafia china—, la cámara viaja sola por un callejón gris en el que destaca el rojo del restaurante en el que este se encuentra.

Nos encontramos, no obstante, con algunos recursos nuevos. Primero, el primer plano del funcionario hablando a Ryuichi que parece que no acabar nunca y luego el del policía. Miike hace esperar incómodamente al espectador para ver el contraplano de Ryuichi, violentándolo y obligándole experimentar la realidad de la que el personaje no puede escapar (Gerow, 2009). Conectándonos directamente con él. También, la escena del principio con vetas da la sensación de grabación doméstica e indica que es un flashback que expone los abusos a los han sido sometidos los personajes. Y, por fin, un experimento social muy interesante. La escena de Anita después de haber sido violada que está rodada en las calles de Tokio donde la masa no se percata de la cámara pero sí de Anita y la rehúyen y la miran con una mezcla de incomodidad y curiosidad.

También recupera los medios de locomoción como promesa de futuro. Primero el tren ­­—ya utilizado en The Bird People in China— como elemento que enfatiza la condición errante de los personajes, nómadas en busca de una situación mejor; y luego la motocicleta —Rainy Dog—que no sólo resalta la cohesión del grupo que han formado los chicos y la prostituta sino que gracias a la música de acordeón de Kōji Endō exalta el idealismo. El tren además está unido al simbolismo de la canción que canta Ryuichi al inicio y al final de la película: «Las vías del tren se extienden más y más allá. A través del campo y más allá de la colina. Bajando el valle. A la ciudad lejana. Las vías del tren transportan nuestro sueño a la ciudad». Son las esperanzas y los sueños de los protagonistas puestas en ese tren que les llevará a otra ciudad en el que ya no serán ni marginados ni desarraigados, sino una gota más de agua. Así lo expresa la bellísima y lírica escena final de Ryuichi y Anita ensangrentados y remando en un bote en el océano en plano y contraplano, y luego en plano dúo cantando esta canción para luego pasar a un plano aéreo y perder el bote en la inmensidad del mar con la melancólica música de Endō de fondo —otra vez con filtro verde y amarillo—. Pero también las vías del tren como metáforas de las “ley lines”, las hipotéticas líneas que conectan lugares geográficos de interés y monumentos históricos por todo el mundo y que en el film conectaría a los protagonistas con su felicidad y sus sueños.

El paraguas vuelve a diferenciar a los repudiados del resto de la sociedad, pero también el muro de la azotea les separa. La azotea se convierte en un espacio de reflexión desde donde miran el mundo y sueñan con pertenecer a él.

Como última entrega de la trilogía Kuroshakai, Ley Lines vuelve a tratar los mismos temas. Personajes transnacionales sin pasaporte y sin posibilidad de huir del mundo en el que viven —Chan ni siquiera pronuncia bien la “s” y utiliza constantemente anglicismos—. Personajes desarraigados y excluidos por la sociedad hasta tal punto que se ven arrastrados al mundo subterráneo del crimen y las mafias. Familias desestructuradas como demuestra la escasa relación de Ryuichi y Shunrei con sus padres. Igual que en Shinjuku Triad Society, Miike nos muestra un mundo criminal multicultural y plural, en el que se mezclan las culturas, como si los personajes transnacionales no tuvieran otras opciones. Cabe notar que se culpabiliza directamente a la sociedad que los excluye. Ya sea en la escena del comienzo de la película en la que vemos a los dos hermanos Ryuichi y Shunrei de niños siendo humillados por otros niños por ser de origen chino; en el experimento social con Anita; o en la escena del funcionario que duda sobre si Ryuichi es realmente japonés y le instiga: «si es japonés, siga las normas». También es la sociedad la causante de que exista un submundo. Los ciudadanos de a pié son los consumidores de tolueno y los clientes de Anita, incluso el señor masoquista que la viola es un ejecutivo con traje que mira por encima del hombre al proxeneta de Anita.

Finalmente, se nos muestran dos caras del sexo que se diferencian por el montaje. El montaje totalmente outrage del sexo de Anita con sus clientes y el montaje de largos planos de Anita con los chicos. El primer cliente la espera ya desnudo. Miike corta y nos muestra un plano detalle de un cliente del restaurante sorbiendo fideos —montaje de atracción completamente—. Provocado el asco, volvemos al hombre sudoroso queriendo quitarle la ropa, no espera ni a que esté húmeda y el siguiente plano subjetivo desde la posición de Anita alterna la bombilla con el ir y venir del cliente. Plano detalle de Anita y luego plano detalle de ella comiendo fideos. Y volvemos a la cámara subjetiva que alterna entre la posición de Anita y la del cliente. La escena del masoquista que viola a Anita es muchísimo más radical porque el montaje no pretende el asco sino el miedo. Nos puede recordar un poco a las escenas de sexo de Shinjuku Triad Society pero entonces Miike no nos mostró la violación de Ritsuko. A partir de aquí Miike ha pasado el umbral de la hiperviolencia con la mujer y sin la mujer, con el sexo y sin el sexo. Y el sadomasoquismo no será más algo oculto y sobreentendido, sino que nos los mostrará con todo detalle. El sexo con los chicos por el contrario se nos presenta en planos más largos y llenos de risas—de hecho la escena con Chan es un plano secuencia general de casi tres minutos—, y la situación no deja de tener un sentido del humor físico que nos muestra el sexo como algo placentero y divertido. Nada que ver con las otras dos secuencias. Dos caras de la moneda que coexisten en nuestra sociedad como las luces y las sombras, aunque queramos mirar para otro lado.

Bibliografía:
GEROW, Aaron (2009). «The Homelessness of Style and the Problems of Studying Miike Takahashi». En Canadian Journal of Film Studies, vol. 18, no. 1, pp. 24-43.
MES, Tom (2006). Agitator: The Cinema of Takashi Miike. UK: FBA Press, pp. 432

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)

Finalizamos nuestro repaso a lo más asiático del Festival Internacional de Cinema Fastàstic de Catalunya, Cinema Sitges 2015, con lo que nos falta, dos entregas dedicadas al cine japonés.

En la primera de estas entregas vamos a ver la versión live action del conocido manga I Am a Hero, que tendrá su premier en Sitges. También veremos la última película del director Sabu Chasuke’s Journey, la nueva, y curiosa, película de imagen “real del conocido animador Mamoru Oshii Nowhere Girl, Ryuzo and his Seven Henchmen, donde Takeshi Kitano nos propone una lucha de poder entre Yakuzas jubilados y Yakuzas jovenes, y la segunda película de Lisa Takeba Haruko’s Paranormal Laboratory, llena de cultura pop y el estilo tan personal de la directora. Por si esto fuera poco, y fuera de competición, podremos disfrutar de la última película del maestro de la animación Mamoru Hosoda The Boy and the Beast.

I Am a Hero
Japón, Shinsuke Sato, 2014

La primera película que comentamos hoy es la esperada adaptación del manga homónimo de Kengo Hanazawa, editado en España por Norma. En ella nos encontramos a Hideo, un dibujante de manga con una vida miserable que sueña con lanzar una obra de éxito. Un día, su novia lo echa de casa y, al cabo de unas horas, se reencuentra con él convertida en un agresivo zombie. Será la primera señal de que el mundo a su alrededor sufre una epidemia a la que deberá enfrentarse en primera persona.

Como comentaba Ángel Sala en una entrevista a Cineasia en torno al line-up asiático del festival hace unos días, esta es una obra atípica, no estrenada comercialmente es Japón y que tendrá su premier mundial en Sitges. El encargado de esta adaptación es nada menos que Shinsuke Sato, que ya realizara ambas partes de la adaptación live-action del manga Gantz, además de obras animadas como Oblivion Island: Haruka and the Magic Mirror.

Chasuke’s Journey
Japón, Sabu, 2015

A veces, Dios es injusto. Quizá por eso, los empleados del Todopoderoso que se dedican a escribir el destino de los mortales han decidido mandar a Chas a la tierra, para que intente salvar a Yuri de la muerte que se le ha asignado. (Sitges)

El conocido actor y director japonés Sabu nos ofrece esta historia, que mezcla comedia y drama, y que estuvo seleccionada en la sección oficial de la pasada edición del festival de Berlin.

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Nowhere Girl
Japón, Mamoru Oshii, 2015

Siempre que Mamoru Oshii se pone a dirigir a mi me da un escalofrío, y es que en su haber tiene desde obras maestras indiscutibles a verdaderos tostonazos pasados de vueltas psicológicas que no hay por donde cogerlos y que solo aportan tedio, aburrimiento y perdida de tiempo, todo desde mi humilde punto de vista claro está. En esta ocasión parece dejar de lado su vena de ciencia ficción, aunque no tengo claro si del todo, para ofrecernos este thriller que tras leer la sinopsis muchos asociareis a “Carrie” de Stephen King, por poner un ejemplo. Veremos a ver que tal el resultado final, que promete una recta final inesperada (y parece que sangrienta)

En un instituto de bellas artes, la joven Ai es ridiculizada por algunos compañeros y profesores, que rechazan por pura envidia unos trabajos de indudable talento. Una atmósfera férrea y opresiva acabará por sacar toda la rabia de Ai, que se tomará la justicia por su mano. (Sitges)

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Ryuzo and his Seven Henchmen
Japón, Takeshi Kitano, 2015

Takeshi kitano vuelve a los fueros de la comedia con una propuesta bien curiosa, una comedia de acción en la que destaca la presencia del mítico actor Tatsuya Fuji en uno de los papeles protagonistas. Aquí conoceremos a Ryuzo, un jefe de la yakuza retirado que se reúne con su antiguo clan y, tras unas cuantas copas, decide volver a poner en marcha el negocio, iniciando así una curiosa guerra entre los yakuzas más jóvenes y ellos mismos, todos en edad de jubilación.

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Haruko’s Paranormal Laboratory
Japón, Lisa Takeba, 2015

Esta es la segunda película de la joven realizadora Lisa Takeba, que ya presentó el pasado año en el festival su debut The Pinkie en donde demostró que es una realizadora imaginativa, colorista y cargada de cultura pop, a nivel visual, estilístico y musical. En su nueva película parece seguir esta misma línea.

Haruko ama a su televisor. Es viejo, analógico y… de repente tiene la capacidad de transformarse en un hombre. Al principio, Haruko decide dejar a su novio-televisión en casa, pero pronto decide sacarlo y normalizar así la relación. (Sitges)

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The Boy and the Beast
Japón, Mamoru Hosoda, 2015

Hace unos días que finalizaba el festival de San Sebastian y una de las grandes películas japonesas del momento, la primera vez que una película de animación de aquel país optaba a la Concha de Oro, era la nueva obra de Momoru Hosoda, The Boy and the Beast. Quizás por este motivo aquí en Sitges este en sección oficial pero fuera de competición. Hosoda es uno de los mejores animadores que actualmente nos llegan de Japón, todas sus películas se han presentado en Stiges y todas han ganado el premio a mejor película de animación en sus respectivas ediciones.

Un día, un chico solitario conoce a la bestia Kumatetsu y decide ir a vivir con ella, fuera del mundo humano, para hacerse más fuerte. Al principio discutirán por todo, pero a través del aprendizaje irán formando un vínculo tan fuerte como el que tendría un padre con un hijo. (Sitges)

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Cerramos hoy nuestro repaso por el cine asiático que podremos ver dentro de una semana en el Festival Internacional de Cinema Fastàstic de Catalunya, Cinema Sitges 2015, con la segunda entrega dedicada a Japón.

Hoy nos toca repasar lo que dará de si el ya clásico evento que esperamos los aficionados al cine japonés más extremo, la maratón Japan Madness, que este año se compone de 4 producciones, un corto y 3 largos, y que nos hará pasar una noche bien loca el mismo viernes de comienzo del festival, ¡¿Para qué esperar?!. Empezaremos la velada con el corto de luchadores de sumo en tono musical Sumo Road. Tras esto, y sin orden especifico, veremos el live action, basado en el manga de Yusei Matsui, Assassination Classroom, la última película del maestro de los efectos especiales Yosihiro Nishimura, Ninja War of Torakage, y la nueva película del dudoso Seiji Chiba, Ninja Hunter. Sitges también recuperara un clásico entre los clásicos de la animación, en su versión restaurada, Belladonna of Sadness. Y terminamos con dos producciones de Kiyoshi Kurosawa: la primera de ellas es su última película Journey to the Shore, y la segunda su clásico Cure, que podrá verse en Brigadoon.

Y hasta aquí hemos llegado en esta serie de repasos. Espero que os sean de utilidad a la hora de decidiros por una u otra película y recordad, ¡¡¡Nos vemos en Sitges!!!

Sumo Road – The Musical
Japón, Ken Ochiai, 2015

Las maratones Japan Madness, con lo más granado del splatter y las locuras venidas del país del sol naciente, son casi una institución para los aficionados en el festival del Sitges, y este año, al igual que el pasado, son prácticamente la inauguración de la locura el mismo viernes del festival. En esta edición no se como acabaremos dada la hora de comienzo y las películas que se proyectan, pero la primera, para abrir boca, es este “corto” de 25 minutos que ha aparecido en el programa de repente hace bien poquito. Musical con luchadores de sumo, y ya está…

Un estudiante con sobrepeso y sin amigos decide unirse al equipo de sumo de la universidad. Pero para poder entrar, deberá enfrentarse primero al líder del equipo en un combate. (Sitges)

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Assassination Classroom
Japón, Eiichiro Hasumi, 2014

Entramos en materia maratoniana con la adaptación del manga homónimo de Yusei Matsui. Assassination Classroom. El manga ha tenido bastante éxito y ha sido adaptado en una serie de animación este mismo año, cosa que ha propiciado esta adaptación de la mano del director Eiichiro Hasumi.

Un alienígena llega a la Tierra y ofrece un trato al gobierno: entrenará a una clase para que aprendan todas las formas posibles de acabar con él; si sus alumnos no resultan ser lo suficientemente “aplicados”, aniquilará el planeta en el plazo de unos meses. Eso sí, nadie esperaba que entre los estudiantes y el monstruoso profesor se pudiera establecer un vinculo tan… fuerte. (Sitges)

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Ninja War of Torakage
Japón, Yosihiro Nishimura, 2015

La segunda película de la maratón japonesa más loca es la nueva obra como director del incombustible, y mago de los efectos especiales gore, Yosihiro Nishimura, que deja un poco de lado su vena splatter más loca, como ya nos mostró en Tokyo Gore Police o Helldriver, para ofrecernos una película de época, algo más sobria pero llena de acción, un fuerte estilo manga y muchos toques del director.

Retirado de su trabajo como ninja, Torakage vive tranquilamente con su mujer y con su hijo. Cuando su niño sea secuestrado por su antiguo maestro, Torakage se verá forzado a volver a la acción: para recuperar a su familia, deberá hacerse con dos pergaminos de oro y de plata que juntos forman un tesoro único. (Sitges)

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Ninja Hunter
Japón, Seiji Chiba, 2014

La última película de esta maratón, y no las estoy nombrando en orden porque veremos a ver como nos las proyectan al final, es la última película de Seiji Chiba, director y guionista de dudosa calidad del que ya vimos en Sitges su Alien vs Ninja y personalmente me parecido como mínimo mediocre. A ver que tal…

Tao, un ninja del clan Iga, despierta en una húmeda cueva rodeado de cadáveres. Amnésico, no recuerda cómo ni por qué se encuentra allí, ni si ha sido él el autor de la masacre. A la vez que Tao trata de resolver este enigma, un rocambolesco entramado de traiciones se despliega ante nuestros ojos como un combinado explosivo. (Sitges)

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Belladonna of Sadness
Japón, Eiichi Yamamoto, 1973

Nos trasladamos ahora al Sitges Classics, que este año recupera una de esas maravillas de la animación de la década de 1970, Belladona of Sadness de Eiichi Yamamoto. Este animador fundó junto al mítico Osamu Tezuka la productora Mushi, y en ella realizaría, entre otros proyectos, la trilogía de animación para adultos Animerama, compuesta por A Thousand and One Nights, Cleopatra y esta misma Belladonna of Sadness.

Tras ser ultrajada por un señor feudal, Jeanne hace un pacto con el Diablo para obtener habilidades mágicas. Producida por Osamu Tezuka, Belladonna of Sadness es un anime de culto, con una imaginería erótica y fantástica indescriptible y con una estética entre la psicodelia y el art nouveau que adquiere un nuevo brillo en esta versión restaurada en 4K a partir del negativo original. (Sitges)

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Journey to the Shore
Japón, Kiyoshi Kurosawa, 2015

Kiyoshi Kurosawa siempre me ha gustado mucho por la forma que ha tenido de representar el mundo fantasmal en el terreno físico. Más allá de sus inquietantes primeras obras, obras maestras del terror psicológico japonés, Kurosawa siempre ha traído el mundo de los fantasmas al terrenal de una forma muy natural, ya sea en tono de terror o en otros más psicológicos. Aquí sigue en esta línea, explorando este mismo tema y alejándose ya del mundo del terror para adentrarse en el espiritual.

Mizuki perdió a su marido Yusuke en el mar. Años después, el fantasma de su compañero aparece ante sus ojos. No se trata de una visión terrorífica, sino de un retorno lleno de cotidianeidad. Tras el reencuentro, ambos iniciarán un viaje hacia la costa. Kiyoshi Kurosawa firma una de sus obras más pausadas, tiernas y espirituales, que le valió el premio a la mejor dirección en Un Certain Regard en Cannes (Sitges)

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Cure
Japón, Kiyoshi Kurosawa, 1997

La película que finaliza esta serie de repasos a la programación más asiática de esta edición del festival de Sitges es también de Kiyoshi Kurosawa, pero esta vez se trata de su clásico Cure, que se proyectará en el espacio Brigadoon.

Una serie de atroces asesinatos está asolando Tokio. En todos los escenarios, el asesino es hallado junto a la víctima, incapaz de recordar nada acerca del crimen. (Sitges)

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El pasado Festival de Sitges, tras haber pasado por otros eventos como el Udine Far East Film Festival italiano, se presentaba la última película del director hongkonés Pang Ho Cheung, “Aberdeen”. Este conocido director nos ha ofrecido otras producciones en el festival. Si ir más lejos vimos su “Vulgaria” en la edición de 2013 con una buena cantidad de risas por parte del público.

En esta ocasión, de buena mañana, Gloria Fernandez y yo mismo tuvimos la suerte de poder entrevistar a Pang Ho Cheung y Subi Liang, productora y pareja del director. Entrevista en donde hablamos de su última película pero también de su obra en conjunto y de sus más y sus menos con la censura local.

Asiateca: Sabemos que esta viviendo actualmente en Beijing, trabajando en guiones para series de televisión, y en esta película vuelve a Hong Kong. ¿Es una especie de retorno o siente que nunca lo ha dejado?

Pang Ho Cheung: De hecho dejé Hong Kong a nivel cinematográfico hace ya años, pero eso no quiere decir que no vaya a grabar nunca más películas allí, simplemente puedo trabajar con otros temas. Algunas veces tendré que hacer coproducciones porque no podré rodar en China, a veces podré hacer películas en China y a veces en Hong Kong.

Asiateca: ¿Responde “Aberdeen” a esa sensación de incertidumbre que esta viviendo la sociedad hongkonesa en su relación con China?

Pang Ho Cheung: No se centra exactamente en esa aversión hacia China, sino más bien en los problemas familiares que tiene la sociedad china, pero no en particular sobre esta problemática que tienen los habitantes de Hong Kong.

Asiateca: Esa es la conclusión que muchos hemos sacado tras ver la película, sobre todo por esa escena del cartel de “Todas Direcciones”, un poco como si Hong Kong no tuviera claro aún cual es el futuro a seguir, y nos parecía una buena lectura de su película.

PHC: Una de las partes de la película si se centra en la dirección que tenemos que tomar, pero en concreto los habitantes de Hong Kong, hacia donde deben ir, y ese es un tema principal del argumento.

Asiateca: Sabemos que, por ejemplo, la historia protagonizada por Louis Koo esta basada en un hecho real, que incluso se conoció aquí en España, aunque no con las mismas consecuencias. El resto de historias que aparecen en “Aberdeen” ¿También se basó en hechos reales? ¿Incluso la historia de la Bomba?

PHC: Muchas de las historias que vemos en la película están basadas en experiencias de amigos y familiares, o en historias reales. Incluso la historia de la bomba, todo eso es real. Cada año encuentran una o varias bombas en las calles de Hong Kong o en alguna parte de la isla. Esta película ocurre en una zona muy concreta de la ciudad, y algún tiempo después de haber estado rodando incluso encontraron una bomba bajo uno de los edificios donde estuvimos, y ese edificio lleva allí más de 40 años, simplemente nadie se la había descubierto hasta ahora. Hong Kong al fin y al cabo es un lugar muy pequeño y aún se siguen encontrando restos de la Segunda Guerra Mundial. Cada vez que veo esto en televisión me parece fascinante, y me hace pensar que cada familia, cada persona, tiene sus secretos, pero no necesariamente estan escondiéndolos, simplemente hay que saber encontrarlos.

De hecho cuando estrenamos la película encontraron dos bombas en la ciudad. Es más durante el rodaje encontramos también una ballena varada, era más pequeña de la que aparece en la película. La gente me dice que me lo invento pero no es así, podíamos haber grabado la real, habríamos ahorrado mucho dinero (jajaja).

Asiateca: “Men Suddenly in Black” es una comedia pero parecía una película de acción -y casi de espías-, “Dream Home” es un splatter en toda regla, “Love in a Puff” es una comedia romántica, “Vulgaria” es una sátira sobre el mundo del espectáculo y “Aberdeen” es un drama con toques fantásticos. ¿Le gusta jugar con lo géneros en sus diferentes películas? ¿En que género se siente más a gusto?

PHC: Cuando era pequeño mi madre me llevaba a un restaurante Buffet a comer y yo veía que había mucha comida y siempre lo mezclaba todo, mi madre me decía que no debía hacerlo y yo pensaba que “¿Por qué no?“. Realmente es algo que me gusta hacer, me gusta mezclar diferentes géneros para ver cual es el nuevo resultado de esa mezcla, crear un estilo propio. He rodado muchísimas comedias, pero también películas que tratan sobre la historia de una familia, por ejemplo “Aberdeen”. Aquí trabajo las relaciones familiares y es cierto que no lo había hecho antes, quizás porque era aún muy joven para tratar este tema (jajaja) y no estaba suficientemente preparado. Esta película para mi es muy importante porque he invertido muchos esfuerzos emocionales de mi propia familia.

Asiateca: Muchas de sus películas tienen un poco social, un intento de mostrar problemáticas de la sociedad actual. En “Dream Home”, por ejemplo, con la especulación inmobiliaria, en “Vulgaria” satiriza en cierto modo el tema de la financiación china del cine en Hong Kong. ¿Quiere realmente reflejar esos aspectos sociales en sus películas?

PHC: De hecho no lo hago a propósito, pero me doy cuenta que cuando estoy escribiendo una historia acabo incluyendo aspectos de mi propia vida. Por ejemplo en “Dream Home” me di cuenta de que no podía permitirme comprar una casa, y entonces me pregunté ¿Por qué?, que ocurre para que algunos de mis amigos no puedan comprarse una vivienda, pero otras personas si que podían. Me parece interesante mostrar cierta preocupación sobre aspectos sociales que te rodean. Al fin y al cabo, creo que quizás parte del público no se ha planteado estos problemas, pero cuando ven la película realmente son conscientes de ellos.

Asiateca: En “Vulgaria” el hecho de que el director se tenga que ir a China para buscar financiación para su película, ¿Es un reflejo de lo que está sucediendo actualmente en Hong Kong?

PHC: No me ha pasado a mi directamente pero si a muchas otras personas. Buscar financiación o tener que hacer el amor con un burro (jajaja) no es algo que haya tenido que hacer, pero si es una realidad, y a demás es un elemento interesante que incluir en una historia de estas características. Pero el argumento principal de esa película es sobre los cantonees, de hecho cuando hongkoneses y chinos deciden crear una coproducción, muchas veces no se centran en que están realizando una producción cantonesa. Es algo interesante que me ha sucedido a mi mismo, que no quiero realizar una película que no deseo hacer solo por tener financiación exterior.

En esta película estaba también muy implicado Chapman To, y fue a Chapman a quien le hice una propuesta muy interesante: vamos a hacer una película en donde estemos insultando en cantonés todo el tiempo, pero claro una película así no podríamos hacerla porque no superaría la censura. Si te fijas esa censura es algo irreal, porque los insultos están en nuestra vida diaria, entonces al final hice una película hongkonesa porque allí no hay la censura que en China. Al final podemos hacer los rodajes más divertidos de esta forma (jajaja).

Asiateca: Hablando de la censura. Cuando estrenó “Love in a Puff” seguimos toda la polémica que se generó al ser clasificada como CATIII en el rating de edades (Mayores de 18 años), y sabemos que se enfado muchísimo. Los que seguimos su carrera pensamos que “Vulgaria” fue una especie de rebelión contra eso, ahora me la vais a categorizar con razón.

PHC: Mmmmm… No exactamente (jajaja)… pero sigo pensando que “Love in a Puff” no es ni de lejos una película para estar en una CATIII, es una historia de amor. Otra de mis películas, “Exodus”, tiene insultos y lenguaje burdo y la mantuvieron en CAT2, y de hecho era la primera vez que pasaba con una película que contenía insultos, que generalmente estaban en CATIII. Esto muestra que en Hong Kong son bastante flexibles con este tipo de control. En “Exodus” se muestra un lenguaje así porque la gente esta muy enfadada y molesta en esas escenas. En el caso de “Love in a Puff” es muy diferente, usan los insultos de una forma cómica, cariñosa: “– Te quiero… – Que te den”, por lo tanto no es una cuestión de agresividad sino algo más cariñoso. Al final pensaba en decirles a los actores que cuando insultaran lo hicieran de manera agresiva y enfadada, pero es absurdo hacerlo así en esa película. La CATIII lo que significa es que los adolescentes no pueden ver esta película, pero al final pensé: ya está, estamos haciendo una CATIII aunque me parezca una locura, no le doy más vueltas y ya está, no importa el acercamiento o la temática, simplemente es CATIII, así es como lo ven ellos.

Luego haces una película y piensas que ni siquiera va a pasar la CATIII, porque ya sabes lo que sucede en “Vulgaria” con el burro, y creo que por el burro al final suavizamos un poco toda la historia alrededor, quedo un poco más adorable, y quizás por eso entró en CATIII, pero pensábamos que ni siquiera encajaría en esta categoría. Realmente todo el tema del burro fue complicado porque solo encontramos dos burros en las granjas estatales en China, y solo se podían usar con propósito educativo, no para rodar una película. Yo les decía que realmente necesitaba ese burro porque en el fondo el cine que hago tiene un propósito educativo, no hagáis guarrerías con los burros (jajaja), lo que quiero es educar a través de mi cine: “Don´t Fuck the Donkey” (jajaja).

Asiateca: Para terminar nos interesaría que nos hablase de su último proyecto, del que sabemos el nombre y poco más, “Women Who Flirt”.

PHC: La película no esta basada en una novela, sino en un manual taiwanés para enseñar a ligar. Lo vi en un show de tarde de televisión y me pareció muy interesante. En él básicamente mujeres enseñan a hombres a ligar, esos hombres necesitan aprender a amar, lo que lo convierte en una historia romántica sobre las mujeres en general. La estrenamos dentro de poco.

Mi próximo proyecto no es como director, sino que seré el actor principal en una comedia muy alocada que empezaremos a rodar tras el año nuevo chino.

Subi Liang: Si tengo que ser sincera no creo que sea un buen actor (jajaja).

PHC: El director será Jimmy Wan (Chi-man Wan), un guionista que conozco desde hace mucho tiempo y que trabajó conmigo en “Dream Home” e “Isabella”. Ha estado trabajando con Eric Tsan y tiene un nuevo proyecto sobre corazones rotos… yo nunca dije que quisiera ser actor en la película pero fue él quien insistió (jajaja).

Subi Liang: Va a ser un desastre (jajaja).

PHC: Le dije: “¿Estas seguro de esto?”, y el me dijo que si… (jajaja).

Asiateca: Quizás podamos ver “Women Who Flirt” en la próxima edición del Festival de Udine.

PHC: Si que es posible que esté en Udine, además seguro que es genial para Sitges ya que es una película que habla de fantasmas y tiene su toque de terror. Terror con humor (jajaja).

Así nos despedíamos de Pang Ho Cheung y Subi Liang, que tuvieron que irse casi corriendo a tomar el avión que los llevaba de vuelta a Hong Kong y que salía poco después. Esperaremos impacientes a ver ese papel protagonista.

Por Gloria Fernández (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca)

Fundación Japón y Filmoteca Española dedican una retrospectiva al maestro del cine japonés Kaneto Shindo (1912 – 2012), autor, entre otras, de películas tan emblemáticas del cine japonés como Onibaba (1964), La isla desnuda (1960) o Kuroneko (1968). Durante esta retrospectiva se proyectarán diecisiete de sus mejores trabajos, algunos de ellos inéditos en España. Cada título de esta selección se proyectará en dos ocasiones a lo largo de los meses de octubre y noviembre, aunque por el momento solo se conoce la programación de este mes. Para estar al tanto de todos los detalles de las programaciones os recomendamos visitéis la Web de la Filmoteca Española.

Genbaku no ko / Children of Hiroshima (Kaneto Shindo, 1952).
Int.: Nobuko Otowa, Chikako Hosokawa, Masao Shimizu. Japón. 35mm. VOSI/E*. 96′.
Primer pase: Sabado 3 de octubre a las 21.40h.

Con esta obra, la protagonista, que era una profesora de guardería durante la guerra, visita a sus exalumnos después de siete años. En vez de hacer una descripción espantosa de la bomba atómica, Shindo concentra sus esfuerzos en los años de reconstrucción, en los cuales la ciudad y la gente se esfuerzan por vivir sus vidas lo más normalmente posible. Sin embargo, el daño físico y la pena emocional siguen siendo lo más presente. Esta película tuvo mucho reconocimiento en Japón y en el extranjero, como la primera película japonesa que se enfrenta a la realidad de la destrucción.

Shukuzu / Epitome (Kaneto Shindo, 1953).
Int.: Nobuko Otowa, Jukichi Uno, Tanie Kitabayashi. Japón. 16mm. VOSI/E*. 130′.
Primer pase: Miércoles 7 de octubre a las 21:10h.

Hecho en parte para protestar por la legalización de la prostitución, la película a menudo se carga con su mensaje social, pero el realismo duro de Shindo y el uso de un montaje dinámico y ángulos de la cámara oblicuos dan a la película una frescura que raramente se encuentra en películas de estudio. Nobuko Otowa, encasillada en papeles de muchacha inocente, comenzó a trabajar con Shindo para aceptar papeles más agresivos.

Dobu / The Ditch (Taisuke Ito, Kaneto Shindo, 1954).
Int.: Nobuko Otowa, Jukichi Uno. Japón. 35mm. VOSI/E*. 112′.
Primer pase: Sábado 10 de octubre a las 19:00h.

Tsuru, una mujer con problemas mentales, es protegida por Toku y Pinchan, dos hombres que viven en una villa de emergencia, en una zanja al costado de las vías del ferrocarril. La fábrica en la cual trabajaban ha sido cerrada por una huelga, por lo que ambos hombres gastan tiempo y dinero apostando en las carreras de bicicletas. Tsuru trabajaba en una fábrica textil, pero un grupo de jóvenes robó todo el dinero de su indemnización. La particular comunidad de la zanja incluye a Chu, un actor que también está un poco loco, y Hiromi, quien viste siempre un traje elegante y de quien se dice es la amante de un hombre poderoso.

Hadaka no sima / La isla desnuda (Kaneto Shindo, 1960).
Int.: Nobuko Otowa, Taiji Tonoyama, Shinji Tanaka. Japón. 35mm. VOSE. 95′.
Primer pase: Sábado 10 de octubre a las 19:00h.

“En una isla donde el invierno da pocas pistas, es difícil retratar su llegada -salvo con la dureza de la tierra, tal vez-, por lo que Shindo prefiere hacer soplar un viento helado que sólo es audible. El tipo de soluciones que proporciona el sonido. En cambio, la presencia de la primavera es pura imaginería, y de una dicha imparable, como cuando las niñas hacen malabares entre los cerezos.” (Gabriel Lara)

Haha / Mother (Kaneto Shindo, 1963).
Int.: Nobuko Otowa, Haruko Sugimura, Takeshi Katô. Japón. 35mm. VOSI/E*. 101′.
Primer pase: Domingo 11 de octubre a las 20:00h.

Tamiko es una madre soltera. Su hijo Toshio se está quedando ciego; le han diagnosticado un tumor cerebral. Ella no tiene dinero para la cirugía y se lo pide a Yoshie, su madre. Yoshie se niega pero acuerda un matrimonio con otro pariente soltero, Tajima, a condición de que él se haga cargo del pago de la operación.

Onibaba (Kaneto Shindo, 1964).
Int.: Nobuko Otowa, Jukichi Uno, Jitsuko Yoshimura. Japón. 35mm. VOSI/E*. 103′.
Primer pase: Martes 13 de octubre a las 19:25h.

“Onibaba transmite la misma sensación de miedo y desamparo que se tiene al abrir una puerta tras la que se esconde la oscuridad absoluta. Invoca el terror más elemental y primigenio.” (Javier Pulido)

Hadaka no Jukyu-sai / Live Today, Die Tomorrow! (Kaneto Shindo, 1970).
Int.: Nobuko Otowa, Daijirô Harada, Keiko Torii. Japón. 35mm. 120′.
Primer pase: Miércoles 14 de octubre a las 21:20h.

Michio Yamada, recién graduado del colegio, es mandado a Tokio para trabajar como empaquetador de fruta en unos grandes almacenes como parte de un programa gubernamental. Roba un arma de una base americana y la usa para matar a varias personas. De repente volvemos a la infancia de Yamada, hijo de un alcohólico y una mujer débil que desde niño sufre la pobreza extrema.

Chikuzan hitori tabi / The Life of Chikuzan (Kaneto Shindo, 1977).
Int.: Nobuko Otowa, Ryûzô Hayashi, Mitsuko Baishô. Japón. 35mm. VOSI/E*. 124′.
Primer pase: Viernes 16 de octubre a las 17:30h.

Adoptando la nueva técnica de mezclar documental con ficción, Kaneto Shindo dirigió esta película sobre la juventud del maestro del Shamisen, Chikuzan, un vagabundo ciego que ha deambulado por el país durante 50 años y que de repente en los años setenta, se convirtió en un mito musical.

Sakura-tai Chiru / Sakuratai 8.6 (Kaneto Shindo, 1988).
Documental. Japón. 35mm. VOSI/E*. 110′.
Primer pase: Domingo 18 de octubre a las 17:30h.

En 1988 Kaneto Shindo dedicó un documental, utilizando imágenes de archivo y entrevistas, al grupo de teatro Sakura-tai Chiru, que tuvo la mala fortuna de ir a Hiroshima a representar una obra justo cuando iba a ser bombardeada. Muchos actores murieron pero el grupo se reconstruyó.

Rakuyôju / Deciduous Tree (Kaneto Shindo, 1986).
Int.: Nobuko Otowa, Keiju Kobayashi, Kazuki Yamanaka. Japón. 16mm. VOSI/E*. 105′.
Primer pase: Viernes 23 de octubre a las 21:35h.

Rakuyoju es una meditación elegantemente compuesta, contemplativa, discreta y tranquila sobre la mortalidad, lealtad y herencia personal. Usando imágenes de rituales cotidianos y desplegando metafóras contra el cambio constante de estaciones, Kaneto Shindo refleja la transitoriedad y lo cíclico de la existencia humana. Rodando en blanco y negro y usando composiciones estilizadas, sensuales y alusivas, Shindo ilustra la sobriedad de la memoria, la perspectiva de introspección y nostalgia de los ancianos, que subconscientemente recuerdan sólo imágenes evocadoras, abstractas. Inevitablemente, en esta memoria imperfecta, y retocada de una familia desintegrada que traiciona el dolor de su propia alma desarraigada y frustrada vemos ciertos rasgos autiobiográficos de Shindo: una fruta agridulce y extraña de oportunidades perdidas y deseos inarticulables.

Bokutô Kidan / The Strange Story of Oyuki (Kaneto Shindo, 1992).
Int.: Nobuko Otowa, Masahiko Tsugawa, Yuki Sumida. Japón. 35mm. VOSI/E*. 116′.
Primer pase: Sábado 24 de octubre a las 21:30h.

Tan melancólica como ferozmente sensual, Bokuto Kidan es un compendio íntimo, erótico y apasionado de los temas frecuentes de Shindo, dirigida con una frescura claramente juvenil y una estilización viva, que desmiente su edad.

Gogo no Yuigon-jo / A Last Note (Kaneto Shindo, 1995).
Int.: Nobuko Otowa, Haruko Sugimura, Hideo Kanze. Japón. 35mm. VOSI/E*. 112′.
Primer pase: Miércoles 28 de octubre a las 19:15h.

Dirigida por el cineasta entonces octogenario, Kaneto Shindo, y presentando un reparto lleno de nombres centrales del cine japonés clásico, desde la frecuente actriz de Naruse y Ozu, Haruko Sugimura hasta la perenne actriz y esposa de Shindo Nobuko Otowa, A Last Note es una excéntrica fábula tragicómica, divertida y conmovedora sobre el envejecimiento, las herencias personales y la mortalidad. Las obras de Anton Chejov que cita Shindo refuerzan el tono narrativo idiosincrásicamente cómico del autor: el histrionismo inquieto de actuar con torpeza; el entretejimiento surrealista de sueños y recuerdos recurrentes o el desfile carnavalesco continuo de los protagonistas.

Ikitai / Will to Live (Kaneto Shindo, 1999).
Int.: Rentaro Mikuni, Akira Emoto. Japón. 35mm. VOSI/E*. 119′.
Primer pase: Sábado 31 de octubre a las 19:20h.

La historia de abandonar a la gente anciana en las montañas se ha preservado en la prefectura de Nagano, en el centro de Japón. Pero un gran número de leyendas similares pueden encontrarse, a modo de cuentos locales, aquí y allá, así como poemas escritos sobre este tema hace cientos de años. ¿Cómo se adapta este concepto a un mundo contemporáneo? La película muestra cómo se afronta este elemento social en la actualidad, comparado con la antigüedad.

Cine Doré (Filmoteca Española)
C/ Santa Isabel, 3, 28012 Madrid

Desde el próximo viernes 9 hasta el domingo 11 de octubre Barcelona acogerá la primera edición del B-ANIME: Festival Anime de Barcelona. Esta es una iniciativa dirigida a preadolescentes y jóvenes de entre 8 y 18 años. Sin embargo, el festival atraerá a espectadores de todas las edades y a seguidores del anime en general. B-ANIME tiene como propósito dar visibilidad a estrenos de anime inéditos en Barcelona, producciones de calidad que por motivos comerciales no llegan a la gran pantalla de nuestra ciudad. De esta manera, el festival quiere potenciar el valor cultural de estas piezas y generar un espacio de intercambio y debate entre profesionales y seguidores, en donde la actualidad audiovisual del anime quede reflejada.

Por esta razón, además de la proyección de estrenos de cine, series y cortometrajes, también se organizarán numerosas actividades relacionadas con el anime y la cultura japonesa para todos los públicos. Durante los tres días del festival, diferentes espacios de la ciudad acogerán los diferentes eventos relacionados con el festival. Todas las actividades son gratuitas (excepto entrada en la Filmoteca de Cataluña).

Se proyectarán títulos tan significativos del género como “Madoka Rebelión“, “Giovanni ‘s Island“, “Stand by me Doraemon” o “Tamako Love Story“, se organizarán mesas redondas y talleres para todos los públicos (cocina, escritura, dibujo manga…), conciertos, karaoke, concurso de “cosplay”, exposiciones e, incluso, un casting para encontrar los mejores dobladores de la serie “El reino de los vampiros“. La programación completa se puede consultar en la web del festival www.b-anime.org.

A continuación os trasladamos alguno de los espacios y actividades más interesantes que podréis disfrutar en este festival.

HABITACIÓN 1418

Este espacio, punto de encuentro cultural para jóvenes de Barcelona, ​​será uno de los grandes dinamizadores y motores del B-Anime. Se celebrarán numerosas actividades y la exposición del género.

FILMOTECA NACIONAL DE CATALUÑA Y NFC (National Film Center Tokyo)

La sede de la Filmoteca acogerá programación del NFC. Películas antiguas de los inicios del anime como género, ademásde una presentación de Hiromichi Masuda (vicepresidente de la Asociación de Animaciones Japonesas).

SALÓN DEL MANGA

Concierto acústico de la banda Animizu (Auditorio del Convento)
Mesa redonda de dobladores de anime (Auditorio del Convento)
La película ganadora del festival B-Anime se proyectará durante los días de la celebración del Salón del Manga 2015 (29/10 a 01/11).

YOWU

Sábado 10 de octubre en el Auditorio Meier del MACBA, la distribuidora realizará un àudiocasting de dobladores para lanueva temporada de la serie “El reino de los vampiros”, además de un “simulcast” con Japón de un nuevo episodio de la serie.

ESCUELA DE COMIC JOSO

Master class de creación de personajes Anime (Domingo, 10 de octubre). Exposición del ilustrador Santi Casas.

ESPACIO DARUMA

Charla / coloquio sobre “Magical Girls” (Sábado, 10 de octubre)
Talleres japoneses en viñetas (niños de 5 a 12 años / mayores de 12 años)

RECETAS JAPONESAS

Talleres de cocina para público infantil cocinando mochis y dorayakis.

BRIGADA SOS

Concurso de “cosplay” (Sábado, 10 de octubre) y karaoke (Domingo, 11 de octubre) en la plaza Joan Coromines.
Ginkana temática Anime (Sábado 10 de octubre)
Trivial temático Anime (Sábado 10 de octubre Habitación 1418).

GENERACIÓN GHIBLI

Charla / coloquio sobre uno de los más reputados estudios de anime: el estudio Ghibli y su libro “Mi vecino Miyazaki”. (Domingo 11 de octubre)

ASOCIACIÓN KITSUNE

Dibujos Kawaii y talleres para los más pequeños (Sábado 10 de octubre y Domingo 11 de octubre en la plaza Joan Coromines).

Un año más termina el Sitges Film Festival y con él 10 días de empacho cinéfilo de todas las categorías, por mucho que se suponga que el género es el nexo en común. Y es que Sitges cada año es más ecléctico, y poco tiene que ver con esa visión de simple terror, gore o zombies que muchos tienen de él. Hoy toca recordar lo que hemos vivido ahora que aún esta cerca de nosotros, y en las próximas semanas os hablaremos de lo más asiático que hemos podido disfrutar en estos días.

Este año partía con la novedad de la desaparición del Focus Asia como sección propia (aunque si mantenía el premio propio), algo que no ha mermado la calidad, y sobre todo cantidad, de las películas de aquel continente. Y es que esa sección olía ya a viejo, a caduco, había quedado como un gueto donde meter todo aquello que no se sabia donde meter, con propuestas de menor nivel o interés que las presentes en Sección Oficial o el cine más de autor del Noves Visions. Ahora el asiático simplemente no se distingue del resto, no hace falta distinguirlo, y la presencia de países orientales ha sido mucho más prolífica e interesante que en la pasada edición. Otra novedad ha sido habilitar de nuevo la sala Tramuntana como espacio de proyección, además de centrarlo muchisimno en los pases dedicados a prensa. Esta sala, qua ya estuvo operativa en ediciones anteriores hace unos años, ha tenido, en mi opinión, un nivel aceptable, si bien con la pantalla pequeña (es imposible más grande por las características de la sala) los asientos eran cómodos y el audio más que correcto. Las cabezas molestaban porque no había inclinación, pero los subtítulos arriba paliaban en parte esta situación. En general creo que ha sido una decisión acertada, ha descongestionado mucho a ciertos sectores de prensa y a las otras salas, que este año tenian un gran margen de tiempo entre películas y eso ha evitado muchos retrasos, además de acercar debates sobre las películas con los propios directores a dentro de las salas de cine. Es un buen camino.

En cuanto a invitados asiáticos tuvimos el honor, la suerte y el placer de encontrarnos con el rostro mismo del cine hongkonés -de acción- de los últimos 25 años, Simon Yam. Me faltan calificativos para este hombre, simpático, apasionado… “Full of Love” como él mismo diría. Estuve emocionadísimo todo el rato que pudimos charlar con él e incluso le mostré un libro que había comprado en Hong Kong y en el que tenia un lugar destacado -al estar centrado en el cine de acción y crimen hongkonés contemporáneo- para que me lo firmara. No soy idolatra, es la primera vez que pido un autógrafo a una “celebritie”, pero es que es Simon Yam, era inevitable. También pudimos charlar un rato con el gran Sion Sono y esta conversación fue muy ilustrativa sobre su carrera en general y algunas de sus películas en particular, además estaba acompañado de su esposa, la también actriz Megumi Kagurazaka… mejor imposible.

Ha sido un nuevo Sitges de experiencias cinéfilas y personales, de encontrarse y charlar con mucha gente, y eso es lo que lo hace especial y lo que me entristece a la vez, que seguramente hasta el año que viene no vuelva a repetirse. Por el momento os dejo con el palmarés oficial del festival, con una buena dosis de asiático entre los premiados.

The Invitation, de Karyn Kusama, se ha llevado el Premio a la Mejor Película de la Secció Oficial Fantàstic de Sitges 2015. En la rueda de prensa de presentación del palmarés de este año, el jurado ha destacado el alto nivel de las películas presentadas y que ha sido una edición muy competitiva. La otra ganadora de esta 48ª edición es The Final Girls, de Todd Strauss-Schulson, producción que ha obtenido dos galardones: el Premio Especial del Jurado y el Premio al Mejor Guión. El Premio a la Mejor Dirección ha sido para S. Craig Zahler, por la película Bone Tomahawk. El jurado ha concedido el Premio a la Mejor Interpretación Femenina a Pili Grogne, por su papel en Le tout nouveau testament y el Premio a la Mejor Interpretación Masculina a Joel Edgerton, protagonista -y director- de The Gift.

Por otra parte, el jurado de la Secció Oficial Fantàstic Sitges 48 ha otorgado el Premio a los Mejores Efectos Especiales a la película I Am a Hero, de Shinsuke Sato. Demon, de Marcin Wrona, ha obtenido el Premio a la Mejor Fotografía y Turbo Kid, de Anouk Whissell, François Simard y Yoann-Karl Whissell, el Premio a la Mejor Música. El mejor corto de esta edición ha sido para They Will All Die in Space, de Javier Chillon, que ha ganado el Premio al Mejor Cortometraje.

Además, los asistentes a la 48ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya han decidido otorgar con sus votos el Gran Premio del Público – La Vanguardia a la película I Am a Hero, de Shinsuke Sato, y el Premio del Público de la Sección Panorama Fantàstic a El Eslabón Podrido, de Valentín Javier Diment.

PALMARÉS

Secció Oficial Fantàstic Sitges 48

Premio Mejor Película: ‘The Invitation’ de Karyn Kusama
Premio Especial del Jurado: ‘The Final Girls’ de Todd Strauss-Schulson
Premio Mejor Dirección (patrocinado por Gas Natural Fenosa): S. Craig Zahler por ‘Bone Tomahawk’
Premio Mejor Interpretación Femenina: Pili Grogne por ‘Le tout nouveau testamento’
Premio Mejor Interpretación Masculina (patrocinado por Autolica – Mercedes Benz): Joel Edgerton por ‘The Gift’
Premio Mejor Guión: M. A. Fortin, Joshua John Miller por ‘The Final Girls’ de Todd Strauss-Schulson
Premio Mejores Efectos Especiales: Makoto Kamiya por ‘I Am a Hero’ de Shinsuke Sato
Premio Mejor Fotografía: Pawel Flis por ‘Demon’ de Marcin Wrona
Premio Mejor Música: Jean-Philippe Bernier, Jean-Nicolas Leupi, Le Matos por ‘Turbo Kid’ de Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell
Premio Mejor Cortometraje (patrocinado por Fotogramas): ‘They Will All Die in Space’ de Javier Chillon
Gran Premio del Público (patrocinado por La Vanguardia): ‘I Am a Hero’, de Shinsuke Sato
Premio José Luis Guarner: ‘Bone Tomahawk’ de S. Craig Zahler
Premio Citizen Kane al Mejor Director Novel: Stephen Fingleton por ‘The Survivalist’
Premio Jurado Carnet Jove Mejor Película: ‘Turbo Kid’ de Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell

Secció Oficial Fantàstic Òrbita

Premio Mejor Película: ‘SPL2: A Time for Consequences’ de Soi Cheang
Premio Mejor Dirección: John Maclean por ‘Slow West’
Premio Especial del Jurado: ‘The Taking of Tiger Mountain’ de Tsui Hark

Panorama Fantàstic

Premio Mejor Película Panorama Documenta: ‘Lost Soul – The Doomed Journey of Richard Stanley’ s Island of Dr. Moreu’ de David Gregory
Premio del Público: ‘El Eslabón Podrido’ de Valentín Javier Diment.

Noves Visions

Premio Mejor Película Noves Visions One: ‘Anomalisa’ de Charlie Kaufman, Duke Johnson
Mención especial Noves Visions One: ‘Men & Chicken’ de Anders Thomas Jensen
Premio Mejor Cortometraje Noves Visions: ‘Disco Inferno’ de Alice Waddington ex aequo con ‘Formas de jugar’ de Gemma Blasco
Premio Mejor Película Noves Visions Plus: ‘Anabel’ de Antonio Trashorras
Mención especial: ‘Lovemilla’ de Teemu Nikki

Focus Àsia

Premio Mejor Película: ‘Veteran’ de Ryoo Seung-wan

Anima’t

Premio Mejor Película: ‘Miss Hokusai’ de Keiichi Hara
Premio Mejor Cortometraje: ‘Voltaire’ de Jan Snoekx
Mención especial Cortometraje: ‘The Orchestra’ de Mikey Hill

Midnight X-Treme

Premio Mejor Película: ‘Bound to Vengeance’ de José Manuel Cravioto

Méliès d’Argent

Premio Mejor Película Europea S.O.F. Sitges 48: ‘Le Tout Nouveau Testament’ de Jaco Van Dormael
Premio Mejor Cortometraje Europeo S.O.F. Sitges 48: ‘Graffiti’ de Lluís Quílez

Blood Window

Premio Mejor Película Blood Window: ‘Los parecidos’ de Isaac Ezban

Brigadoon

Premio Mejor Cortometraje Brigadoon – Paul Naschy: ‘Caradecaballo’ de Marc Martínez Jordan

Phonetastic

Premio Mejor Cortometraje: ‘Blackout’ de Sylvain Certain

Sitges Cine365 Film

Premio Sitges Cine365 Film: ‘Caradecaballo’ de Marc Martínez Jordan ex aequo con ‘Zero’ de David Victori

Entrevistando a Simon Yam

Sion Sono y Megumi Kagurazaka

Ōdishon (1999)
Director: Takashi Miike
Guión: Daisuke Tengan (basado en la novela de Ryū Murakami)
Actores: Ryo Ishibashi, Eihi Shiina, Tetsu Sawaki, Jun Kunimura, Renshi Ishibashi, Miyuki Matsuda, Toshie Negishi,Ren Ōsugi
Productora: Basara Pictures, Creators Company Connection, Omega Project
Director de fotografía: Hideo Yamamoto
Editor: Yasushi Shimamura
Music: Kōji Edō

Si hay un film por el que Takashi Miike será venerado eternamente en Occidente ese es Audition. Si Fudoh: The New Generation había abierto las puertas del mercado internacional al director, Audition iba a entregarle un abono completo e irrevocable a los festivales de cine internacionales. Miike ya gozaba de cierta reputación, las ediciones de 1999 de FanTasia y el Vancouver International Film Fest ya habían contado con su trabajo y el Courmayeur Noir in Festival en Italia le había dedicado su primera retrospectiva. Pero Audition iba a hacer que a partir de ahora entrara en los festivales de cine por la puerta grande.

Audition es una adaptación de la novela de Ryū Murakami de 1997, un escritor fundamental en el panorama literario contemporáneo japonés pero prácticamente desconocido en nuestro país. Es un escritor que representa muy bien las contradicciones de los autores de su generación que, en contraposición a generaciones anteriores, se niegan a comprometerse política y socialmente en sus obras. Es una generación tachada de “generación vacía” que el gran Kenzaburō Ōe ha llegado a lamentar públicamente. Sin embargo, la ausencia de compromiso en sus trabajos es en sí un posicionamiento y Murakami es el ejemplo estrella. Si escarbamos en el sexo, las drogas, el surrealismo y la violencia de sus novelas —que son muescas del vacío de su generación— podemos sacar a la luz una crítica a la sociedad conservadora muy destilada: la situación de la juventud japonesa, el influjo de Occidente en Japón, el proceso de modernización, el desarrollo social, la desilusión individual y la consiguiente venganza contra la sociedad, el impacto de la música y el cine americanos en la cultura japonesa, el férreo sistema educativo japonés…

El argumento de Audition nos descubre la vida de Aoyama, un productor de documentales que tiene su propia empresa y que ha tenido que criar solo a su hijo Shige desde que su mujer Ryoko muriera hace siete años. Habiéndose dedicado plenamente a su hijo y a su empresa los últimos años, Shige le pregunta por qué no busca una nueva esposa. La pregunta reconcome a Aoyama, quien comienza a sentirse sólo y decide casarse. Pero no tiene tiempo para un omiai, con lo que su amigo Yoshikawa, quien trabaja en el mundo del cine, le convence para hacer una audición para una película que no existe. A Aoyama le hace sentir un poco mal la idea, pero el poder conocer a muchas mujeres a la vez, establecer los requisitos y observarlas con tiempo antes de decidir es exactamente lo que necesita. Sin embargo, antes de empezar la audición, ya se ha decidido por una de las participantes: Asami Yamazaki. Después de la audición, Aoyama contacta con ella y poco a poco comienzan una relación hasta que van a pasar un fin de semana juntos a un hotel y a la mañana siguiente ella ha desaparecido. Aoyama le sigue la pista desesperadamente sin suerte. Es Asami quien le encuentra decidida a mutilarle y matarle por todas sus mentiras.

Como ya viene siendo una característica habitual en muchas de sus películas, el lenguaje cinematográfico marca dos partes diferenciadas. La primera parte es cronológica y de ritmo lento: desde la muerte de Ryoko, obviando los siete años que padre e hijo han pasado sin ella, hasta la noche de pasión de Asami y Aoyama en el hotel. Miike y Yamamoto se deleitan usando la narrativa visual en esta parte para hacernos empatizar con el personaje. Aoyama es un padre que ni siquiera sabe como consolar a su hijo cuando muere su esposa, un hombre solitario que ha pasado los últimos siete años cuidando de su hijo. Si el plano con el título de la película nos muestra a padre e hijo andando juntos por el mismo camino en la vida, la siguiente escena nos muestra la gran barrera generacional entre ellos: padre e hijo pescan cada uno en una piedra con considerable distancia entre ellos. Ahora que Shige es adolescente no tiene tanto tiempo para pasar con su padre, que suele cenar sólo y beber hasta altas horas. En el trabajo, tampoco parece confraternizar demasiado, aunque sí se noten los sentimientos de su secretaria hacia él. Cuando Aoyama comparte plano con otro personaje o bien estos están en movimientos contrarios, como en la escena con Rie-san o bien hay una barrera arquitectónica en el plano como en la escena con su secretaria, o simplemente aparece solo y encajonado. Incluso la cámara se aleja de él, ofreciéndonos los picados completamente perpendiculares con los que tanto disfruta Miike. Todo para recalcar la sensación de soledad, se fatalidad. Sólo con su editor en una escena del principio y luego con Yoshikawa, con quienes comenta su soledad. Con Yoshikawa bebe codo a codo y es quien mejor entiende y comparte este encierro. Ni siquiera el chico de la barra entiende sus comentarios sexistas y el por qué un omiai no es una buena elección y una audición sí.

Cuando llega el día de la audición y vemos por primera vez la sala, el plano general de la silla vacía en la inmensa habitación llena de luz natural insinúa precisamente eso: el gran vacío y la gran absurdidad que supone la audición. Vemos pasar a diferentes chicas, todas exageradamente fuera de lugar hasta que llega Asami. Siempre vestida de blanco, con el pelo suelto, la silla está colocada incluso más cerca de la mesa de Aoyama y Yoshikawa que con el resto de candidatas. Incluso, las persianas están bajadas y la silla queda entre dos persianas, resultando en un cuadro entre blancos y negros con su lado derecho bañado por luz y el izquierdo por oscuridad, como sus dos caras. Cuando Aoyama se sienta en la silla, el cuadro que resulta es sensiblemente diferente por la posición de las persianas pero también está compuesto por blancos y negros. Esto nos indica que él también tiene dos caras. El espectador conoce el secreto de Asami y eso ayuda a Miike a crear justo la emoción que necesita, sin pensar demasiado en las mentiras de Aoyama.

En las citas de Aoyama y Asami, Miike los sentará en restaurantes poco bulliciosos y separados del resto de mesas, incluso drásticamente cuando utilice la biga del techo: es Asami que ha conseguido traspasar las barreras de Aoyama y ahora están en su micro-mundo. La Asami que vemos pasear por la misma calle por la que siete años antes paseaban padre e hijo, pisa fuerte y el abrigo rojo que cubre su vestido de mujer perfecta advierte del peligro. La música melancólica acompañará a menudo la voz de Asami cuando hable de sí misma y en la primera cita Miike utilizará la cámara subjetiva en la dialéctica plano – contraplano cuando esté en la posición de Asami para que el espectador sienta las mentiras de Aoyama. En la segunda, la poética visual irá más lejos y al mentirle Aoyama sobra la película, lo aparatará de ella encuadrándolo como en una pecera de mentiras. Una vez afianzada la relación entre los dos, Miike volverá al plano medio corto de frente de los dos personajes que había utilizado sólo para los encuentros de Aoyama con Yoshikawa, equiparando la importancia de Asami en la vida del protagonista.

En la secuencia de Asami y Aoyama en el hotel, el director jugará con las tonalidades. Las tonalidades cálidas bañaran la silueta de Asami en la playa porque por fin parece que la luz ha entrado en su vida, mientras que Aoyama continúa en la oscuridad. En la secuencia de la cama también, una tenue luz azul baña a Asami envuelta del blanco de las sábanas. Ese blanco de pureza de las sábanas, contrasta con Aoyama aún vestido con traje oscuro y en la oscuridad de la habitación. No es que ella le haya contado todo, claro, pero le ha contado todo lo que le puede contar. Él sin embargo, sigue ocultando la existencia de Shige. Cuando Aoyama jure amarla sólo a ella y Asami se abalance sobre él, el estilo cinematográfico cambiará radicalmente.

En la segunda parte del film, ya no habrá más poética visual. La cámara se volverá más inestable para transmitirnos el estado de nervios de Aoyama y el montaje dejará de ser cronológico. Los planos reales yuxtapuestos —gracias a falsos raccords— con planos extraídos de la imaginación y los deseos de Aoyama y flashbacks de sus citas en los que intentará rebuscar para comprender por primera vez a Asami. El montaje nos confundirá induciéndonos en su mismo estado de embriaguez y drogas. La escena de la tortura es la más larga de todas, teñida por la influencia del ero-guro japonés que se haría a partir de entonces más inevitable en su filmografía. El equilibrio entre lo erótico y lo grotesco es la clave. La bella Asami con su vestido blanco y su delantal de carnicera de cuero negro, su kiri-kiri cínico mientras clava las agujas en los ojos de Aoyama, su sonrisa de loca mientras le corta el pié. No hay música, sólo el diálogo y el sonido de los utensilios de Asami que contrasta con los quejidos de dolor de Aoyama. Miike no escatima en planos holandeses, primeros planos e incluso planos detalle para hacer la escena más grotesca.

En cuanto a la interpretación del film, la crítica se divide. Hay quien ve una venganza de la sociedad patriarcal y hay quien ve un simple malentendido entre dos personas. Sin embargo, si leemos la novela de Murakami la crítica a la sociedad japonesa es más que evidente. No es un ataque tanto a la sociedad patriarcal sino a la familia conservadora en la que el papel de la mujer es el de la “buen madre, buena esposa”. Es una crítica generacional. La generación de Aoyama no comprende a las mujeres modernas, sino que se embuten en sus trajes de ejecutivos respetables y escogen esposas educadas y sumisas, a la vez que regentan clubes nocturnos. No es que Asami sea una vengadora feminista, es un producto de la sociedad hipócrita y sexista, que la propia sociedad no ha sabido manejar ni comprender. Shige sin conocerla sí la entiende perfectamente. No comprende como tanto sufrimiento se puede borrar sólo con el ballet y advierte a su padre. Murakami confía en que la siguiente generación solucione la distancia entre hombres y mujeres y lo demuestra el orgullo de Aoyama por su hijo durante toda la novela. Miike centra el mensaje en el dolor de Asami, y cómo Aoyama al ser torturado y sentir dolor físico, es capaz de comprender su dolor. La diferencia entre la generación de Aoyama y la generación de Shige se hace más sutil pero es definitiva cuando Shige salva a su padre y mata a Asami.

Audition se proyectó por primera vez en el Festival Internacional de Cine de Róterdam en 2000 donde ganó el premio de la crítica, marcando el inicio del culto a Miike. Además, es la primera película del director que se estrenó comercialmente fuera de Japón recaudando sólo en España 63.000 euros, lo suficiente para que la crítica decidiera seguirle los pasos y ver crecer su culto.

Bibliografía:
HANTKE, Steffen (2006). «Japanese Horror under Western Eyes: Social Class and Global Culture in Miike Takashi’s Audition». En: Japanese Horror Cinema. Edinburgh: Edinburgh University Press, pp. 240.
MES, Tom (2006). Agitator: The Cinema of Takashi Miike. UK: FBA Press, pp. 432
Takashi Miike: La provocación que llegó de Oriente (2013). Ángel Sala (coordinador) y Desirée de Fez (coordinador) [et al.]. Madrid: Calamar ediciones, pp. 143.

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)

La edición número 48 del Sitges Film Festival ha llegado a su fin y después de más de 30 películas asiáticas vistas en el mismo nos toca hacer un poco de balance de cada una de ellas y de lo que fue nuestra experiencia personal en este imprescindible evento. Este año construiré estas crónicas por días, a medio camino entre la crónica de ambiente festivalero y el comentario de cada película, de una forma algo más distendida, con un estilo más “Sitges”. Esta primera crónica he decidido llamarla “con Sitges y a lo loco” ya que nos metimos un buen puñado de películas en un comienzo de festival moratiniano. No digo más, que esto será un poco largo.

Haruko’s Paranormal Laboratory
Japón, Lisa Takeba, 2015
Intérpretes: Aoi Nakamura, Moeka Nozaki

El viernes día 9 de Octubre dio comienzo nuestro periplo festivalero con una sesión doble cuya primera propuesta era esta Haruko Paranormal Laboratory, segunda película de la joven directora japonesa Lisa Takeba. Quien viera el pasado año en Sitges su primera producción The Pinkie ya sabe un poco que esperar de Takeba, que llena sus producciones de una imaginación arrolladora, mucha cultura pop, colorido, humor y una buena dosis de locura, en el sentido más juvenil de la palabra. The Pinkie llego a ganar el gran premio en el Yubari International Fantastic Film Festival, el principal festival japones dedicado al género, y ha permitido a Takeba financiar esta película, escrita y dirigida por ella misma.

Haruko es una joven que pasa sus ratos haciendo zapping en su viejo televisor analógico mientras critica todo lo que ve en él, ya sean noticias, películas o cualquier cosa. De pequeña siempre soñó con encontrar un autentico suceso paranormal, y la cosa se desmadrará cuando en cierto momento su televisor cobre vida y la reprenda por este comportamiento, el de criticarlo todo. A partir de este momento se sucederán las situaciones extravagantes relacionadas con el televisor y el hecho de ir por ahí como si tal cosa, todo ello con ese estilo que ya he comentado, humor, un toque de romance, mucho pop en vestuario y sobre todo a nivel musical. La película decae un poco en ciertos momentos pero no pierde su esencia en ningún momento.

Una película amena, entretenida, sin mucho más que decir.

The Maidroid
Corea, No Zin-Soo, 2015
Intérpretes: Yeong Geon, Aino Kishi

La segunda película de esta sesión doble con la que iniciamos el festival era The Maidroid, película de la que no conocíamos demasiado a priori salvo lo que habíamos leído en la web de Sitges. Resulta que esta es la séptima película del director, que tiene como obras destacadas Da Capo y Norwegian Woods, que se proyecto en el festival de Bucheon y en el de Yubari, ambos centrados en el fantástico. Además una de sus protagonistas era la famosa actriz para adultos japonesa Aino Kishi, lo cual ya era una declaración de intenciones.

En Maidroid nos encontramos a un hombre anodino y pusilánime que trabaja de recepcionista en un Karaoke. Su vida va del trabajo a su casa y de su casa al trabajo, sin mucho más. Un día recibirá un paquete que contiene una chica, un robot domestico que ha ganado en un concurso y que se supone que hará todo lo que le pida. Pero en el manual hay una norma muy clara, nada de sexo con el robot.

Y lo que os imagináis es lo que pasa, una película donde veremos a Aino desnuda buena parte del metraje, y donde el sexo estará más que presente, siendo casi lo único con lo que quedarse de la misma. El drama es mínimo, centrado sobre todo en el enamoramiento que tiene este hombre con una de las chicas de compañía del Karaoke donde trabaja y en como la presencia del robot hace evolucionar en parte su carácter, pero no os creáis que esto es interesante porque no lo es, es algo nimio, vacío. Ni su corta duración da interés a una historia que, si bien tiene ciertos giros, es plana y con poco interés, dejándonos solo los pechos y el humor de ciertas situaciones.

The Taking of Tiger Mountain 3D
China, Tsui Hark, 2014
Intérpretes: Zhang Hanyu, Lin Gengxin, Tony Leung Ka Fai

Después de un comienzo de festival más bien mediocre tocaba enfrentarse a la última gran superproducción del eterno Tsui Hark, avalada por estar dentro del Top 10 de películas más taquilleras de la historia de China.

En este caso Hark adapta la novela Tracks in the Snowy Forest del escritor Qu Bo, en donde un grupo de soldados revolucionarios comunistas deben lidiar con un feroz grupo de bandidos que amenazan las aldeas cercanas y que tiene su guarida en un antiguo fortín japonés en la montaña del Tigre. El propio Qu Bo participó activamente tanto en la guerra Chino-Japonesa como en la Guerra Civil por el bando comunista y su novela fue adaptada a una obra de la Opera de Pekín, cuyas imágenes podemos ver abriendo esta película, que ha sido elegida como una de las ocho operas revolucionarias más influyentes de la historia. Lo dicho hasta ahora es interesante porque esta película tiene una cierta carga local de propaganda comunista, de ese cine que se hacía en los 50 y que estaba tan influenciado por el estilo del bloque soviético. Es evidente que heredando una historia tan conocida en China como ésta algo de eso tenia que tener.

La película empieza como tenía que hacerlo para captar el interés y la atención, con unas escenas de acción bien rodadas y trepidantes, que sirven de escusa para ir dando a conocer esa situación inicial que comentábamos antes, ejércitos en retirada (Tanto japoneses como el Kuomintang gubernamental) y bloque comunista luchando por la libertad. Tras esto se nos presenta el grueso de la historia y a los personajes, es entonces cuando el ritmo decae un poco al estar todo narrado de una forma muy clásica, con esas reminiscencias que antes comentaba. Nos encontraremos con infiltrados, traiciones y la búsqueda de un mapa que dará ventaja a quien lo posea, y poco a poco iremos viendo todo el mosaico que se nos presenta, nada complejo y muy clásico, pero bien narrado. El toque Tsui Hark vendrá a partir del segundo tercio de la película, donde la acción empezará a tomar el control de toda la película, una acción bélica general que bebe mucho de los blocbusters de acción estadounidenses, pero que a nivel más cercano también lo hacen del cine de acción local, con tiroteos que recuerda más al Heroic Bloodsheed que a otra cosa. Además Hark se desmelena al final de una forma increíble, para dar esa guinda que a todos nos gustó.

En el nivel técnico el acabado es sobresaliente, tanto a nivel de vestuarios, localizaciones y efectos especiales. Además he de hacer una mención especial al 3D que es brutal, sigo diciendo que el mejor 3D que he visto nunca ha sido en películas chinas, que dan una profundidad y ambientación increible, no solo el efectismo que suele verse en otro tipo de cines en este formato.

En definitiva, una película entretenida que me gusto bastante, si bien puede costar entrar en ella durante su primera mitad por como está construida.

The Treacherous
Corea, Min Kyu-Dong, 2015
Intérpretes: Ju Ji-hoon, Kim Kang-woo

Recuerdo cuando el año pasado en el festival se nos vendía el Pinku lésbico humorístico The Torture Club como una de las películas polémicas del evento, pues este año se ha superado con creces. Ya hemos tenido una buena ración de desnudos y morbo con The Maidroid, a pesar de ser una película mediocre, pero ahora lo tendremos mucho más con estas The Treacherous, del director de Memento Mori Min Kyu-Dong.

Nos trasladamos a la Corea del año 1500 para conocer a un personaje histórico real, considerado el mayor tirano de la historia del país, el rey Yeonsan-gun. Siguiendo su loca y libertina forma de ser, encargará a Im Soong-jae -quien ya se ha ocupado de influenciarlo- que recorra el país buscando mujeres para entrenarlas y que compitan para satisfacer su lujuria. Entre ellas destacaran dos, una antigua prostituta que quiere el poder y una joven espadachina con intenciones ocultas.

Ya decía Ángel Sala en la entrevista que los amigos de Cineasia le hicieron sobre la programación asiática antes del festival que esta película era difícil de clasificar, y en parte es cierto. Tendremos esa ambientación histórica, sin ser estrictamente reales los hechos que se narran, tendremos acción y artes marciales, tendremos drama palaciego… pero todo quedara un poco oculto por el erotismo, y quizás ese sea el problema de la misma. Como película de intrigas palaciegas a la coreana la película funciona, esta bien narrada y con el acabado impecable a nivel técnico que suele tener el cine coreano, pero tanto recurrir al erotismo o las escenas calientes, sobre todo en su última parte con un combate lésbico relativamente largo, al principio hace gracia pero después la vuelven un poco aburrida y hosca, el erotismo eclipsa otros elementos y… no se, si me apetece ponerme cachondo veo otras cosas y no una película de época coreana en Sitges… quizás soy yo el raro.

Ryuzo and his Seven Henchmen
Japón, Takeshi Kitano, 2015
Intérpretes: Tatsuya Fuji, Masaomi Kondo, Akira Nakao, Akira Onodera, Toru Shinagawa, Ben Hiura, Yoshizumi Ito, Ken Yoshizawa

Seguimos nuestro intenso primer día cinéfilo con el director japonés Takeshi Kitano y su nueva propuesta, Ryuzo and his Seven Henchmen. He de reconocer que no conocía esta producción de antemano y algunas de las informaciones que había leído en plan “Kitano vuelve al género de la Yakuza” eran más erróneas que otra cosa, porque esto es una comedia y de esas tan japonesas que a mi me gustan.

En este caso Beat Takesi no protagoniza el film sino que le deja el honor al conocido actor Tetsuya Fuji que interpreta a Ryuzo, un Yakuza jubilado que vive una vida tranquila con su hijo y su familia. Ryuzo sigue teniendo aún viejas costumbres y cierto renombre y su hijo se avergüenza de su pasado. Pero esta vida quizás es demasiado tranquila y el yakuza terminará reencontrándose con sus viejos compañeros, entre los que se incluyen actores como Masaomi Kondo, Akira Nakao, Akira Onodera, Ben Hiura o Toru Shinagawa, y decidirán crear una nueva familia.

La comedia japonesa más local suele tener sus propios cánones, y más si está metido alguien como Takeshi Kitano de por medio. Suelen ser comedias ligeras, muy situación. En ellas suele haber una base dramática, sea el hecho, como en este caso, de unos viejos fuera de lugar que han visto como su mundo ha cambiado con los años dejándolos a ellos atrás, sea la muerte de un compañero… estas bases dramáticas se trasforman enseguida en situaciones cómicas con total naturalidad, creando una comedia con toques negros que suele ridiculizar, o al menos reírse, de los clichés que todo el mundo espera y conoce, pero dándoles una vuelta cómica. Así es Ryuzo, en donde en un tiroteo de lo más trascendental uno puede no disparar una pistola porque le falta un dedo que se cortó antaño, provocando la risa del personal. Esto es lo que nos encontraremos. Lo que también tiene la comedia japonesa es que muchas veces a ojos occidentales es ingenua o tonta, con pedos de vez en cuando y cosas por el estilo, eso es marca de la casa.

Sin duda la película que más me gustó este primer día, porque a mi me gusta mucho este tipo de comedias, si bien puede no llegar a gustar al grueso de seguidores del director y puede pasar por una obra menor.

Sumo Road – The Musical
Japón, Ken Ochiai, 2015
Intérpretes: Lin Yu Chun, Ryusuke Komakine

No penséis que después de esta buena dosis cinéfila se terminaba nuestro reencuentro con Sitges, pasábamos ya al segundo día del festival, ya que era bien entrada la media noche, y nos preparamos para esa sesión que tanto nos gusta y que hemos disfrutado con placer durante los últimos años del festival, el Japan Madness y su ración de locuras y sangre, aunque este año eso de la sangre estaba un poco más suavizado ya que la moda por el splatter más bestia ya se ha pasado y ahora las propuestas son algo más Madness… o no, ya lo veremos.

Iniciamos la velada con un cortometraje de 25 minutos llamado Sumo Road, que nos presenta a un chico gordo que se ve discriminado hasta que encuentra su lugar en el mundo, el club de Sumo de su escuela. La gracia de todo esto es que, como su nombre indica, es un musical y a la mínima se ponen a cantar y bailar para delirio del personal. La película en si mantiene eso que decía cuando hablaba de Ryuzo, una comedia de situación, en este caso en forma de musical, construida sobre un poso de drama ligero, ese joven discriminado y su lucha por encajar en el mundo.

Esta es una propuesta muy divertida, que se agota rápido, es cierto, pero que tiene la duración justa para que te pases riendo unos buenos minutos.

Assassination Classroom
Japón, Eiichiro Hasumi, 2014
Intérpretes: Okuma Anmi, Wakana Aoi

Ya en materia maratoniana la primera película que nos esperaba era Assassination Classroom, adaptación en Live Action del manga homónimo de Yusei Matsui. El manga empezó a publicarse en tomos en 2012 y ha tenido muchísimo éxito, tanto que se ha serializado en animación con una serie de 22 capítulos de este mismo año, Bandai Namco desarrollo esta primavera un juego para 3DS y el personaje de Koro-sensei ha aparecido en diferentes juegos y plataformas a modo de cameo. Además ya se habla de una secuela de este live action para el próximo año. La película fue número uno en el Box Office japonés en su primer fin de semana en pantalla.

La premisa de la que se parte es bastante curiosa. En una escuela de alto nivel si tus notas descienden demasiado te “destierran” a la Clase E, la End Class, en donde eres discriminado y tienes muy pocas esperanzas de salir de ella. Este método mantiene a los demás estudiantes concentrados en sus estudios por miedo y los que acaban allí deben asumir su oscuro destino, ser rechazados. Un buen día la luna explota convirtiéndose en media luna, el responsable es un extraño ser con tentáculos que en secreto propone al gobierno ser el profesor de la Clase E para enseñar a sus alumnos a que lo asesinen antes de su graduación o destruirá la Tierra.

Cuando salíamos del cine escuche alguna conversación sobre lo raro o incoherente de esta historia, el profesor que quiere destruir la tierra y a la vez enseñar a sus alumnos… Creo que darle muchas vueltas a la lógica de historia es tontería, sobre todo sin haber leído el manga original. Lo que si he de decir es que nos encontramos ante una adaptación bien producida a nivel técnico, con un buen presupuesto invertido en los efectos digitales de Koro-sensei, el profesor, que me han parecido más que correctos. El resultado general tiene acción y mucho humor, si bien no os podría decir que tanto se parece al manga, si que estoy viendo el anime en estos momentos y aquel tiene más humor y sentimiento que la película, cambiando el papel de ciertos personajes, pero como adaptación (repito, con respecto al anime) hay escenas directamente iguales y me da la sensación que se parecerán bastante.

El resultado es entretenido y ameno, quizás un poco plano, nada desternillante o sobrecogedor, pero me vale para pasar un buen rato.

Ninja War of Torakage
Japón, Yosihiro Nishimura, 2015
Intérpretes: Takumi Saitoh, Yuria Haga, Eihi Shiina, Kanji Tsuda

Tras finalizar Assassination Classroom eran ya las… ¿3 de la madrugada? Quizás, y tocaba reencontrarnos con la nueva película del incombustible creador de efectos especiales Yosihiro Nishimura. Estaba previsto que presentara la maratón en su comienzo pero por problemas con el avión no lo hizo y el tío allí asomó, a las tantas de la madrugada, junto con el actor protagonista de la película Takumi Saitoh. Este hombre es un cachondo, o se había puesto fino a cerveza en el avión, pero al grito de “Buenas noches cabrones” se puso a comentar cosas en japonés que el propio Saitoh obviaba traducir al ingles. Entre el sueño, y vete tu a saber que más estaba, a tope pero como siempre fue muy divertido verlo sobre el escenario, este hombre es todo un showman.

Y con este panorama comenzamos la película, que se centra en la historia de Torakage, un ninja retirado que vive tranquilamente con su mujer, también ninja, y con su hijo. Cuando su niño es secuestrado por su antiguo maestro, Torakage se verá forzado a volver a la acción. Su encargo es recuperar dos pergaminos de oro y de plata que juntos forman un tesoro único.

Todos los aficionados al cine de serie B japones recordamos muy bien Tokyo Gore Police o la loquisima Helldriver, pero en esta ocasión la cosa va diferente. Esta película es más seria y contenida que las nombradas, intentando construir una historia algo más hilvanada, más desarrollada e importante. El toque gore está, como no, pero queda para momentos de acción más puntuales, más esperados, acción que no esta mal, aunque como suele ser normal es muy excesiva dándole un toque de caricatura. Pero es que el exceso es la marca de la casa de este tipo de producciones, y ya nos lo decía el propio Nishimura, el exceso es divertido. Aunque ya he dicho que la historia pretenda tener un toque de seriedad, la comedia en su forma más tonta aparecerá en muchas ocasiones, entre eso y el exceso antes comentado el aire general es ese, el de acción y diversión, pero de una forma mucho más contenida que en películas anteriores del director.

Y así terminamos este primer, e intenso, día en el Festival de Sitges, la última película de la maratón era Ninja Hunter del dudoso Seiji Chiba. Entre el sueño que tenia y que el director ya hizo un engendro como Alien vs Ninja grabado en la misma cueva, literalmente, no me quedaron ganas de intentar verla y me fui a la cama. Luego me comentaban que no estuvo nada mal, otra vez será.

Durante este verano se ha celebrado el 2º Festival Internacional de Cine Allzine organizado por dicha comunidad de cine asiático, y nuestra alma máter. Durante las semanas de su duración se han presentado una serie de películas y retrospectivas entre las que hoy rescato esta, “Narrativa y personajes típicos en el cine de samuráis de postguerra“, un trabajo de subeteorimono (retrospectiva, traducción texto introductorio e investigaciones detectivescas y lingüisticas) y silien (retrospectiva e idea), con la ayuda de Danyyyy y Pazguaton, basada en una selección de Alain Silver, «Samurai» Film Comment nº 5, 9-10/75, pp. 10-15. Este artículo está dividido en tres partes y al final de cada una de ellas tendréis una selección de películas a recuperar, tanto de la propia Film Comment como las aportaciones de los creadores de este iniciativa. Este será todo un viaje que no debéis perderos.

“Saltan llamas de sus espadas;
caen sobre ellos como lluvia las chispas de su propia furia.”
Zeami, Tsunemasa.

Para quien trata de comprender las bases culturales innatas del cine de samuráis, los problemas son muy semejantes a los que presentan las dramatizaciones de los más famosos guerreros griegos o romanos, los caballeros y cruzados europeos o el pistolero norteamericano. El samurái es una figura que se basa en una realidad histórica pero embellecida por las tradiciones orales, aislada diacrónicamente en un pasado poco conocido y elevada, a través de sus reiteradas representaciones artísticas, al nivel del mito.

Separar la realidad de las nieblas de la leyenda no es tarea fácil, si es que es posible. Como Aquiles y Eneas, Roldán y Arturo, Jesse James y Wyatt Earp, las crónicas de los heroicos bushi (guerreros) de Japón están abarrotadas de personajes esencialmente fuera de lo común. Además, los acontecimientos reales o fabulosos que retrata el arte tienen todos sus raíces en un código homogéneo e inviolable establecido a lo largo de más de un milenio, y en una inmovilidad sociopolítica que se mantuvo durante siglos, más allá de cualquier cosa occidental que pueda parecérsele. A resultas de ello, el samurái, como personaje de un tipo particular de cine, está ligado inextricablemente no sólo con el samurái tal como era cuando todavía seguía siendo una institución social viable, sino también con todas las percepciones de la sociedad japonesa, tanto antiguas como modernas, que han coloreado cada una de las imágenes ficticias de esa institución.

Históricamente, los primeros bushi derivan de la aristocracia japonesa, de forma muy similar a los primeros caballeros occidentales, pero los japoneses nunca llegaron a considerar al guerrero noble con una actitud puramente caballeresca. En los siglos fundacionales de Japón, el samurái per se no tuvo un gran papel. Los héroes eran príncipes y matadores de dragones, no duelistas u hombres célebres por sus combates con oponentes humanos. Cuando las intrigas políticas y los usurpadores empezaron a minar la autoridad absoluta del emperador, se desplazó la base del poder hacia la aristocracia. Los diversos clanes o familias de barones se unieron bajo daimyos (señores provinciales) y empezaron a competir por el control de lo que hasta entonces eran tierras públicas.

Cuando la posesión de tierras y la capacidad de cobrar impuestos a los siervos que las trabajaban eran el soporte económico de una clase dirigente improductiva, el modo de gobierno que evolucionó durante las eras Nara (650-793 AD) y Heian (794-1185) era el del clásico feudalismo. A cada sirviente (el significado original de la palabra “samurái” es justamente “sirviente” o “servidor”) lo investía su señor inmediatamente superior, al que juraba lealtad, dentro de un sistema jerárquico de feudos. A cambio de su servicio en la guardia personal de un daimyo, un caballero recibía alojamiento y provisiones. (El karoku o estipendio de los primeros samuráis no se pagaba en oro, sino en raciones de arroz). A medida que los hijos sustituían a sus padres en el séquito de un señor, los vínculos entre las familias y daimyos fueron convirtiéndose en parte de una herencia muy valorada.

Los periodos medievales de Japón –las eras Kamakura (1186-1336) y Ashikaga (1337-1573)– no tienen analogía directa con los de Occidente; pero, en términos de ficción cinematográfica, este lapso de tiempo, que culmina en una Guerra de los Cien Años oriental (las guerras Senkuko, de 1467 a 1574), se emplea como trasfondo con tan poca frecuencia como la Edad Oscura del medievo europeo. Aunque estas épocas marcaron el refinamiento de los métodos de la guerra, la organización de ejércitos cuasi-nacionales para rechazar dos incursiones de los mongoles y emprender una invasión de Corea, y una creciente marea subterránea de identificación con la nación en vez de con la provincia a cargo de un señor de clan, la imagen más común del samurái –el hombre de acción arquetípico, pero ligeramente anacrónico– casi siempre se asocia a la larga paz nacional de la muy represiva era Tokugawa (1600-1868).

Las razones por las que esta era es el escenario más habitual del cine de samuráis son complejas y diversas. Para comenzar, los héroes virtuosos, extramundanos, que se celebraban en los rollos de las sagas épicas de las guerras Minamoto-Taira de los siglos XI y XII, en los siglos que siguieron se desplazaron y elevaron hasta una posición mítica tan idealizada que llegaron a ser (por comparación con la sangrienta realidad de las incesantes guerras intestinas) tan irrelevantes funcionalmente para la vida cotidiana como los Don Quijotes. Cuando Yoshitsune condujo con éxito a los Minamoto contra los Taira en Dan-o-ura en 1185, aún era posible creer que, en una confrontación de dos valerosos rivales, el destino había premiado el mayor valor. Para cuando Ieyasu Tokugawa condujo la batalla de Sekigahara en 1600, era incontestablemente claro que la victoria ahora era el producto de la pura fuerza de las armas.

(Continuará.)

Nobles / Samuráis
Miembros por nacimiento de la clase dirigente

Librepensadores y revolucionarios contra el orden establecido

Título: Tales of the Taira Clan
Título V.O: Shin Heike Monogatari
Director: Kenji Mizoguchi
Año/País: 1955 / Japón

Título: Samurai Rebellion
Título V.O: Jôi-uchi: Hairyô tsuma shimatsu
Director: Masaki Kobayashi
Año/País: 1967 / Japón

Título: Date Masamune
Título V.O: Doku-ganryu Masamune
Director: Toshizaku Kono
Año/País: 1959 / Japón

Allzine +

Título: The rebel / The Christian revolt
Título V.O: Amakusa shiro tokisada
Director: Nagisa Oshima
Año/País: 1962 / Japón

Título: The Thirteen Assassins
Título V.O: Juusan-nin no shikaku
Director: Eiichi Kudo
Año/País: 1963 / Japón

Título: The Great Duel
Título V.O: Dai satsujin
Director: Eiichi Kudo
Año/País: 1964 / Japón

Título: Eleven Samurai
Título V.O: Ju-ichinin no Samurai
Director: Eiichi Kudo
Año/País: 1966 / Japón

…y en la Restauración Meiji (Bakumatsu)

Título: The Ambitious
Título V.O: Bakumatsu
Director: Daisuke Itô
Año/País: 1970 / Japón

Título: Shinsengumi
Título V.O: Shinsengumi
Director: Tadashi Sawashima
Año/País: 1969 / Japón

Título: Tenchu
Título V.O: Hitokiri
Director: Hideo Gosha
Año/País: 1969 / Japón

Los que abusan de sus privilegios

Título: Gate of hell / La puerta del infierno
Título V.O: Jigokumon
Director: Teinosuke Kinugasa
Año/País: 1953 / Japon

Título: Throne of blood / Trono de sangre
Título V.O: Kumonosu jô
Director: Akira Kurosawa
Año/País: 1957 / Japón

Título: Samurai Banners
Título V.O: Fuurin Kazan
Director: Hiroshi Inagaki
Año/País: 1969 / Japón

Título: Portrait of Hell
Título V.O: Jigokuhen
Director: Shirô Toyoda
Año/País: 1969 / Japón

Asesinos obsesivos

Título: The Sword of Doom
Título V.O: Dai-bosatsu tôge
Director: Kihachi Okamoto
Año/País: 1966 / Japón

Título: Satan’s Sword: Great Buddha Pass
Título V.O: Daibosatsu Tôge
Director: Kenji Misumi
Año/País: 1960 / Japón

Título: Illusion of Blood
Título V.O: Yotsuya kaidan
Director: Shirô Toyoda
Año/País: 1966 / Japón

Llegamos a nuestro tercer día en el Sitges Film Festival 2015… digo bien, tercer día, ya que el segundo día directamente no vimos ninguna película. Nos despertamos tarde después de la maratón del viernes y tras comer vinieron unos amigos y pasamos todo el día con ellos, eso y la imposibilidad de conseguir entradas para varias películas que queríamos ver durante la noche -Sitges estaba a tope y la Zombie Walk lo llenó todo- hicieron el resto.

Pinche aquí para ver el vídeo

Pero el Domingo día 11 nos resarcimos de esta sequía fílmica entrevistando de buena mañana al actor hongkonés Simon Yam, uno de esos rostros que definen una cinematografía, que representa todo un tipo de cine -en este caso los thrillers policiacos por encima de otros géneros-. No me considero muy idólatra, me hace muchísima ilusión haber entrevistado a figuras de la talla de Takashi Miike, Ryoo Seung-wan o Ching Siu-tung, pero tampoco es que me vuelva loco persiguiendo a famosos para conseguir un autógrafo, de echo no tengo ningún autógrafo de la gente a la que he entrevistado, hasta ahora… pero es que este es el maldito Simon Yam, prácticamente me he criado -cinematográficamente hablando- viéndolo en películas de John Woo o Ringo Lam, en agresivas locuras CATIII como “Dr. Lamb” o “Run and Kill”, en estilizados policiacos de Johnnie To. Además es un tipo cercano, amable, agradable, apasionado, es alguien que conoce su papel en la historia reciente del cine hongkonés pero que a la vez es humilde y trabajador. Vamos yo estaba tan nervioso como una colegiala pero fue un placer inmenso el rato que pasamos charlando.

Poco después de la entrevista que le hicimos se le concedía a Yam la María Honorífica por su carrera como actor y se presentaba el drama de acción “SPL 2”, donde el actor tiene un papel secundario pero destacado, en el Auditori. Mientras nosotros, por cuestiones de agenda, decidíamos estrenar la sala Tramuntana para ver la primera de las dos películas de Sion Sono que teníamos programadas para este día, “Love and Peace”.

Love and Peace
Japón, Sion Sono, 2015
Intérpretes: Hiroki Hasegawa, Kumiko Aso

Seamos sinceros, Sion Sono no es alguien asequible para el gran público, es un tipo que empezó en el cine experimental y que nunca ha dejado de buscar lenguajes y formatos diferentes. Cualquiera no sería capaz de realizar el musical hiphop que es Tokyo Tribe por poner un ejemplo cercano. Partiendo de esta base le director japonés intenta construir aquí una especie de fabula, de cuento de hadas cuasi navideño pero a su propio estilo.

La cosa empieza con el joven oficinista Ryoichi. Pusilanime y excluido, todos se ríen de él, hasta los tertulianos de la televisión que ve por las noches. En secreto sueña con ser estrella de rock y compone canciones que nadie escucha porque el mismo no se las muestra a nadie. Un día encuentra a la que se convertirá en su mejor amiga, una pequeña tortuga -pero avancemos un poco más-. Este hombre deposita sus sueños y deseos en la tortuga, fantaseando con que ella será su talismán para conseguir el éxito. Pero cuando sus compañeros de oficina descubran la tortuga los insultos y el menosprecio le harán tirarla por el retrete, para su propio arrepentimiento. Y en este punto descubriremos quien es el verdadero protagonista de la película, ya que seguiremos las aventuras de Pikadon -la tortuga- por las cloacas hasta llegar a una especie de refugio donde un vagabundo borrachín y con afán de padre rescata los juguetes y animales que han sido abandonados y desechados y les da un hogar, incluso les infunde vida.

Podríamos seguir contando más pero, como suele ser normal en Sono, las palabras no hacen justicia a las propias imágenes y hay que verla para creerla, para sentirla. Este cuento se desarrolla un poco a dos bandas, por una parte veremos la vida de este grupo de juguetes y mascotas desechados pro sus dueños, sus anhelos y miserias, por otro a Ryoichi y como la influencia de Pikadon lo hacen ir cumpliendo con sus sueños. Pero como se dice en la película, los sueños siempre crecen de forma desmesura. Esta película podrá verse como un cuento sobre la amistad, una crítica al consumismo, al valor que le damos a las cosas que poseemos y las propias personas que nos rodean, hasta donde somos capaces de llegar para conseguir el éxito. A su vez podemos tomárnosla a broma, como un cuento paródico, una fábula navideña. Ambas son visiones válidas y aceptables, yo solo se que me divertí mucho viéndola.

TAG
Japón, Sion Sono, 2015
Intérpretes: Reina Triendl, Mariko Shinoda, Erina Mano, Yuki Sakurai

La segunda película del día de Sion Sono sería algo mucho más duro que “Love And Peace”. Si en aquella muchos momentos de supuesta autoparodia podían verse realmente como toques surrealistas dentro de la propia historia hilvanada por el director, aquí directamente la frase estrella, que se repite varias veces en la cinta, es “la vida es surrealista, no dejes que te atrape”.

TAG comienza de una forma increíble y memorable. Dos autobuses de una escursión escolar viajan por la carretera con sus divertidos colegiales dentro. En un momento una joven se agacha a recoger su lápiz y al levantarse el viento a arrancado la parte de arriba del autobús, y la de todos sus compañeros. Ante esta masacre la chica intenta huir peor le viento la persigue asesinando a todo lo que se cruza en su camino. Pero en su huida la joven llega a su colegio y se reencuentra con sus compañeras que hace poco habían muerto… ¿Ha sido todo una horrible pesadilla?

Surreal es la palabra que mejor define esta abrumadora obra de Sono, arrolladora por su comienzo, abrumadora por su final, quizás demasiado cargado de conceptos metafísicos y algo precipitado. En su parte central veremos una autentica carrera, literalmente, de varias jóvenes, porque no solo una de ellas es la protagonista, que luchan contra algo, contra los cliches, los convencionalismos sociales, lo que se espera de ellas. Esta película realmente esconde eso, es a la vez una critica y una parodia del papel de la mujer no solo en la cultura pop japonesa, sino también en la propia sociedad. Pero no solo del papel que el hombre ha dado a la mujer, sino, y casi más importante, del que la propia mujer se da a si misma -no obstante casi todos los personajes que aparecen en la película, tanto protagonistas como extras, son mujeres-. Una chica ha de ser una joven modelo en sus estudios, ha de casarse cuando le toca y no puede hacer según que cosas, las propias mujeres se imponen estos cliches y Sono ahonda sobre esto. Es cierto que lo hace con una coherencia menor y un ritmo más irregular que en otras obras, pero a mi me gusto bastante en su propia rareza.

Tras el término de esta película decidimos dejarnos el resto de la tarde libre ya que nuestros amigos de Cineasia presentaban en la carpa FNAC sus últimas colaboraciones, una gran oportunidad de acompañarlos y así descubrir detalles de las mismas.

Para empezar se presentaba el libro “FantAsia”, una colección de relatos de diverso género, desde ciencia ficción hasta policiaco, ambientados en diferentes países de Asia y en diferentes épocas históricas. Su relación con el cine y la literatura asiática es innegable y en la presentación se nos desgranó un poco la sinopsis de cada relato y como habían surgido las diferentes ideas. Este libro, coordinado por Cineasia y editado por la pequeña y joven editorial Edicions Xandri, esta compuesto por relatos de Enrique Garcelán, Oriol Estrada, Eduard Terrades Vicens, Mike Hostench y JR Armadàs. Además, y por segundo año consecutivo, Cineasia colabora con el estudio de diseño Suxinsu para crear una edición exclusiva de camisetas con temática cinéfila, este año combinando la icónica explosión del anime Akira con la imagen de las olimpiadas de Tokyo 1964 pero con la fecha de las próximas olimpiadas a celebrar en la capital nipona en 2020. A mi me gusta mucho como ha quedado. Por último la gran novedad presentada para este otoño es la colaboración permanente entre Cineasia y Phenomena para proyectar grandes clásicos de cine asiático dentro de la programación de este conocido cine barcelonés. El estreno de esta colaboración sera el miércoles 18 de noviembre con la película “Oldboy”, ¡¡¡a ver quien se la pierde!!!.

Pero nosotros debemos seguir hablando de cine, y en lo asiático nos esperaba un plato fuerte por la noche en el Auditorí, la maratón compuesta por las dos partes de la adaptación live action del manga “Attack on Titan”, menudo panorama.

Ataque a los Titanes (Partes 1 y 2)
Japón, Shinji Higuchi, 2015
Intérpretes: Haruma Miura, Kiko Mizuhara, Kanata Hongō, Mariko Shinoda

¿Quien no conoce el maga o el anime de Ataque a los Titanes?, una de las franquicias de más éxito de los último años en el mundillo, y no sin razón. No he leído el manga pero el anime es rápido, adrenalínico, deja poco descanso y esta plenamente cargado de acción, sangre y titanes. Además deja entrever una historia detrás, un misterio interesante que estamos esperando que se desarrolle en la segunda temporada de la serie de animación. Esta adaptación me ilusionaba y aterrorizaba a partes iguales, porque algo que crea tanta fama es muy fácil que no satisfaga las expectativas… y eso es en parte lo que sucedió.

Si alguien no sabe aún de que va el tema pongámonos en esta situación. La humanidad está casi extinta, recluida en un área rodeada de varias murallas gigantescas que los protegen en su interior. ¿De que los protegen? De unas criaturas gigantes llamadas titanes que parece que lo único para lo que viven es para saciar su hambre de comer humanos. La cosa empieza cuando aparece un titan gigantesco y abre un boquete en la muralla, dejando entrar a sus compañeros más pequeños.

Quizás lo que más haga adolecer esta adaptación sea el agravio comparativo con el manga original, ya que aquí no solo se toman licencias, sino que cambian tantas cosas que parece que estas viendo algo que nunca has visto. Hay titanes si, pero la ambientación cambia por completo -en el manga algo cuasi medieval, aquí post-apocalíptico-. Desconcierta mucho cuando al hacer una incursión las tropas utilizan camiones blindados en vez de caballos y carros como en el original, y eso cambia la sensación general del conjunto. Luego los personajes también son diferentes, se dejan algunos (muchos) fuera y otros tienen roles distintos. Esto no sería un problema si se explicaran las motivaciones de cada uno, pero eso se hace poco y mal… vamos que juegan a cambiar casi todo, pero a la vez casi no presentan a según que personajes porque se supone que ya los conoces, un juego a dos bandas que no funciona demasiado bien. Los efectos digitales me parecen correctos, y el primer ataque me gustó, si bien al llegar a la segunda película la cosa es tan diferente (se inventan directamente un final ya que la serie aun no tiene uno), que no engancha, todo es muy artificioso, vacío… con poco sentimiento.

El resultado general no es malo, y sino conoces la obra original incluso mejora la cosa, pero para un aficionado entre cambios y más cambios, aparte del irregular desarrollo y lo ajustado del guión general, la adaptación no funciona.

El más renombrado superviviente de Sekigahara fue Miyamoto Musashi, que renunció a todos sus juramentos de lealtad para crearse una reputación y fortuna a base exclusivamente de su destreza con la espada y su astucia. El ejemplo que estableció, obteniendo notoriedad y riqueza a través de una serie de duelos implacables con maestros de la espada, unido a la existencia de una economía nacional en la que se dedicaban fortunas a hacer la guerra pero se toleraban las frecuentes hambrunas, y en la que se intentaba inculcar el concepto de un privilegio de casta en la mente de los «desposeídos» desangrados por la guerra, inspiraron a numerosos ronin (espadachines sin señor) y samuráis de bajo rango a imitar la actitud mercenaria de Musashi.

Se cree también que Musashi fue el primer hombre de «dos espadas», que combatía con dos sables desenvainados y empuñados simultáneamente. El régimen Tokugawa ordenó que sólo los samuráis pudieran ser literalmente hombres de «dos espadas», prohibiendo que los hombres de clases inferiores llevasen más de un arma, y tan sólo de un tamaño limitado. Tal vez la más sorprendente prerrogativa de los samuráis en esa época fue el kirisutogomen. Bajo esta sanción, el espadachín tenía derecho a matar al instante y sin aviso a cualquier persona de baja casta que considerase que le había insultado: un derecho que, no hace falta decirlo, le distanciaba aún más de los que estaban por debajo de él en el sistema de castas de la sociedad japonesa.

Lo único que se interponía entre el samurái y el ejercicio indiscriminado de su poder eran dos cultos: el bushido o la «vía del guerrero» y el kendo o «vía de la espada». Aunque en tiempos recientes se ha escrito mucho en torno al bushido, este código ético japonés, como el concepto occidental del comportamiento caballeroso, era en esencia una ley común (common law).

En el periodo feudal, el bushido era una ley no escrita pero muy específica; intangible, pero siempre presente en la mente. Estructurado de este modo y reforzado por un orden de clases que elevaba a los samuráis a una cuasi-aristocracia, el bushido también puede compararse a la noción occidental del noblesse oblige. De hecho, en lo que se refiere a la rectitud moral, no hay nada de misterioso o único (en el sentido de ser desconocido en la historia occidental) en ninguno de los aspectos del bushido; y son esos aspectos que han resistido la codificación los que no forman parte de códigos legales formales en Oriente más de lo que lo hacen en Occidente.

Para un yojimbo o guardaespaldas de origen humilde como Izo Okada, en Tenchu (Hito-kiri, 1969), de Hideo Gosha, ser el propietario de una auténtica Masamune, una de las mejores y más famosas espadas largas en la historia de Japón, es fuente de la máxima autoestima. Las razones de su orgullo no son sólo la mera excelencia de la pericia artesanal que intervino en la creación de la espada (una de las ironías más sutiles de la película es que, en el curso de un asesinato, la Masamune de Okada desaparece robada), sino el complejo de tradiciones que confluyen para adherir el epíteto «alma del samurái» a la espada.

Para Okada, que es de origen humilde, el dominio y maestría de la espada representa poder y oportunidades de progreso; el renombre particular de su espada añade un nivel de prestigio del que él carece como persona, por más diestro que sea. Todo eso combinado le da literalmente un sentido a su existencia. Pero tanto Okada, el personaje ficticio, como Miyamoto Musashi, personaje histórico, progresan socialmente sin desafiar ni subvertir el sistema: al contrario, persiguen y adquieren los objetos y destrezas que la sociedad valora más. La cuestión de por qué la espada y, lo que es más significativo, por qué la maestría con la espada son tan valoradas por la cultura, es más compleja. Tan sólo se venera la espada; tan sólo el espadachín inspira esa peculiar combinación de miedo y adulación, tanto en la leyenda como en la realidad.

En el gran silogismo de la vida del samurái, el bushido gobierna su comportamiento y el gobierno manda sobre su espada; puesto que la última era expresión de él (el samurái), también tenía que expresar los principios de la caballería. No es ninguna exageración el que los servidores del clan en Hara-kiri (Seppuku, 1962), de Masaki Kobayashi, se horroricen al enterarse de que un ronin ha empeñado sus espadas para mantener a su hambrienta familia. Cuando cambia hojas de acero por otras de bambú, reduce su propia persona de forma análoga. Para ellos, el verdadero samurái sólo es tan resistente y sólido como lo sea su hoja: él es una espada. Al venderla, no sólo pierde su honor, sino su propio ser.

(Continuará.)

Ronin
Antiguos samuráis venidos a menos económica o políticamente

Rebeldes desencantados

Título: Goyokin
Título V.O: Goyokin
Director: Hideo Gosha
Año/País: 1969 / Japón

Título: Blood End
Título V.O: Tengu-to
Director: Satsuo Yamamoto
Año/País: 1969 / Japón

Título: Harakiri
Título V.O: Sepukku
Director: Masaki Kobayashi
Año/País: 1962 / Japón

Hombres traicionados por sus clanes o por sus cómplices

Título: Tange Sazen: El Secreto de la Urna
Título V.O: Tange Sazen: Hien Iaigiri
Director: Hideo Gosha
Año/País: 1966 / Japón

Título: Tange Sazen: The one eyed swordsman
Título V.O: Tange Sazen: zankoku no kawa
Director: Seiichiro Uchikawa
Año/País: 1963 / Japón

Título: Sword of the Beast
Título V.O: Kedamono no Ken
Director: Hideo Gosha
Año/País: 1965 / Japón

Título: Samurai Assassin
Título V.O: Samurai
Director: Kihachi Okamoto
Año/País: 1965 / Japón

Allzine +

Título: Tange Sazen: The Secret of the Golden Spell
Título V.O: Tange Sazen
Director: Matsuda Sadatsugu
Año/País: 1958 / Japón

Título: Tange Sazen: The Mysterious Sword
Título V.O: Tange Sazen: yoto nuretsubame
Director: Sadatsugu Matsuda
Año/País: 1960 / Japón

Título: The Betrayal
Título V.O: Daisatsujin Orochi
Director: Tokuzo Tanaka
Año/País: 1966 / Japón

Los idealistas / Los leales

Título: The seven samurai / Los siete samurais
Título V.O: Shichinin no Samurai
Director: Akira Kurosawa
Año/País: 1954 / Japón

Título: The Hidden Fortress
Título V.O: Kakushi-toride no san-akunin
Director: Akira Kurosawa
Año/País: 1958 / Japón

Título: The Men who Thread on the Tiger’s Tail / Los hombres que caminan sobre la cola del tigre
Título V.O: Tora no O wo Fumu Otokotachi
Director: Akira Kurosawa
Año/País: 1945 / Japón

Allzine +

Título: A Bloody Spear on Mount Fuji
Título V.O: Chiyari Fuji
Director: Tomu Uchida
Año/País: 1955 / Japón

Los que se consagran al kataka-uchi (“vendetta”)
por el asesinato de sus señores o camaradas del clan

Título: Samurai Vendetta
Título V.O: Hakuoki
Director: Kazuo Mori
Año/País: 1959 / Japón

Título: Revenge
Título V.O: Adauchi
Director: Tadashi Imai
Año/País: 1965 / Japón

Título: Sword of the Beast
Título V.O: Kedamono no Ken
Director: Hideo Gosha
Año/País: 1965 / Japón

Título: 47 Ronin
Título V.O: Chushingura
Director: Hiroshi Inagaki
Año/País: 1962 / Japón

Título: The Loyal 47 Ronin
Título V.O: Chushingura
Director: Kunio Watanabe
Año/País: 1958 / Japón

Título: Trail of Blood
Título V.O: Kiba wa Hiki Saita
Director: Kazuo Ikehiro
Año/País: 1972 / Japón

Allzine +

Título: Ako Roshi
Título V.O: Ako Roshi
Director: Matsuda Sadatsugu
Año/País: 1961 / Japón

Seguimos en el Sitges Film Festival 2015 y el lunes día 12 de Octubre teníamos una nueva cita de buena mañana, esta vez con el director japonés Sion Sono y su mujer, la actriz, Megumi Kagurazaka. Yo os he hablado de dos de las tres películas que Sion Sono presentaba este año en el festival, “Love and Peace” y “TAG”, que tienen en común su punto surrealista y casi experimental, de mezcla de géneros y conceptos. Sono es un director que empezó así, en el cine mas underground y experimental, desde entonces ha realizado películas como “Suicide Club”, “Noriko’s Dinner Table”, “Love Exposure”, “Cold Fish”, “Guilty of Romance”, “Himizu” o “Tokyo Tribe”, mezclando en ellas mucha cultura pop, clichés sociales, algo de locura y en ocasiones una brutal agresividad, sea a nivel de gore, sea a nivel conceptual. Pero en sus obras mucho de lo que vemos se basa en un fuerte componente de crítica social, digamos que muchas veces Sono toma convencionalismos sociales y los lleva al extremo para criticarlos de una forma irónica. De todo esto y mucho más charlamos con él, lo cual fue todo un placer para apreciar un poco más en su justa medida sus películas.

Chasuke’s Journey
Japón, Sabu, 2015
Intérpretes: Ken’ichi Matsuyama, Ito Ohno

Tras nuestra charla con Sion Sono nos tocaba encontrarnos con otro director japonés, Sabu, que dirige y escribe el guión, basado en una novela propia, de esta especie de cuento llamado “Chasuke’s Journey”. Y si a Sono le podemos achacar usar, y abusar, del surrealisma o lo “extraño” en sus películas, a esta le podemos poner más la etiqueta de poco coherente.

Como premisa tenemos a Chasuke, el encargado de servir Té a los escribas de dios, que narran los diferentes destinos de los humanos escribiéndolos en sus pergaminos. El escriba de la joven Yuri se sobresalta al ver que ha sido asesinada y el responsable es otro escriba al que Chasuke ha dado un consejo pero que no ha aplicado de la forma esperada. Sintiéndose responsable, y ante lo injusto de la situación, Chasuke termina en la tierra intentando salvar a la joven.

La película comienza bien, presentándonos a personajes e historias dispares en la voz y narración de Chasuke, de una forma muy amena y entretenida. La película tiene estilo, es divertida y aparecen toques románticos, pero a partir de su segunda mitad la cosa se vuelve irregular, extraña, aparece el drama, desaparece el humor, y el arco argumental se alarga demasiado, volviéndola un poco aburrida y falta de interés.

Miss Hokusai
Japón, Keiichi Hara, 2015

Ya después de comer veríamos la película de animación que más ganas tenia de ver en Sitges, con permiso de “The Boy and The Beast” de Mamoru Hosoda. Su director, Keiichi Hara, ya nos deleito con el duro relato que es “Colorful” hace unos años en el festival y su nueva obra, sin ir por aquellos derroteros, era muy esperada.

Hara adapta aquí un conocido manga del autor Hinako Sugiura que se centra en la vida de O-Ei, hija del conocido ilustrador de ukiyo-e y pintor Hokusai, uno de los más famosos de la historia de Japón. La película tiene casi una estructura capitular, presentándonos en un comienzo a O-Ei y la figura de su padre, discípulos y contemporáneos. A partir de aquí sucederán diferentes situaciones y diferentes encargos para con O-Ei o su padre y cada uno derivará, casi inexorablemente, en el trasfondo de una obra pictórica de la época, en torno a la cual se crea el relato. Cada uno de estos encargos desarrollan la película y componen esa estructura que antes comentaba, separada por fundidos a negro. Aquí se incluyen muchos elementos costumbristas, pero también una dosis de historia del arte japonés y mucha mitología y toques fantásticos, leyendas en torno a las cuales se desarrollan algunas de las obras.

El nivel de animación es excepcional, claro y limpio, lleno de detalles, pero quizás le falta sentimiento. Todo ocurre de una forma natural y costumbrista, pero no se apela a mucho más fuera de eso excepto en su final. Hay que entender que a ojos de un japonés la cosa es diferente, ellos conocen a Hokusai y su obra desde la escuela, entienden mejor las referencias no solo pictóricas sino también fantásticas, para un occidental la cosa puede parecer un poco más plana de lo que hubiera sido deseable. Aún así es una buena obra de animación que no obstante se llevó el premio a mejor película animada en el festival.

SPL 2: A Time for Consequences
Hong Komg, Soi Cheang, 2015
Intérpretes: Tony Jaa, Jing Wu, Simon Yam, Louis Koo, Zhang Jin

El lunes por la tarde nos reencontramos con el gran Simon Yam para ver  la película que al finalizar el festival se convertiría en el Premio del Jurado a Mejor Película en la sección Oficial Órbita, que este año aglutinaba mucho thriller de diferentes países, entre ellos Hong Kong. La presentación del actor en el Retiro fue increíble, Yam ha sabido encandilar al público de Sitges y ganarse su cariño. Al poco de empezar la película un corte general de luz nos dejo a oscuras durante y rato, y Yam, que se había quedado a ver la película, saltó a la palestra. En serio, no he visto ovaciones más largas y con más sentimiento que las que se ha llevado Simon Yam este año en Sitges.

Al leer “SPL2” los aficionados al cine de hongkonés pensarán, “Excelente, una secuela de SPL”… pues no amigos, esta película toma de aquella solo el nombre y una premisa parecida en el guión para componer una nueva película donde Wilson Yip esta vez ejerce la labor de productor, pasando la dirección a Soi Cheang, que ya ha demostrado con creces su valía con los thrillers de acción con películas como “Motorway”, “Accident”, “Shamo” o “Dog Bite Dog”. En el elenco destaca la presencia del experto en artes marciales tailandés Tony Jaa, acompañado de nombres locales como Jing Wu, Simon Yam, Zhang Jin y Louis Koo.

Esta producción es interesante ya a un nivel conceptual. En los inicios del Siglo XXI el cine de acción puso su foco en Tailandia con el éxito de películas como “Ong-Bak: El guerrero Muay Thai” (2003). En Hong Kong querían reivindicar su papel predominante en este tipo de cine y para ello surgieron algunas producciones como la nombrada “SPL” (2005), que tomaba a grandes clásicos del cine local (en este caso al veterano actor marcial Sammo Hung y a Simon Yam) y a luchadores jóvenes y muy de moda (Jacky Wu y Donnie Yen) en una producción dramática donde predominaba la acción en su forma más espectacular. 10 años después la historia parece repetirse pero esta vez para combatir la moda por el cine de acción indonesio tan bien representado en producciones como “The Raid”, y con la inclusión en el equipo del luchador que entonces había que combatir, Tony Jaa.

Kit es un agente hongkonés infiltrado en una banda que tras ser descubierto termina encerrado en una cárcel tailandesa bajo una identidad y un delito falsos. Su única escapatoria pasa por convencer a Chai, uno de los oficiales de la cárcel, un hombre sumido en su propia lucha contra la leucemia de su hija. Este guión funciona de una forma dramática pero con ese toque hongkonés, donde las situaciones a veces dan vueltas inesperadas, solo que aquí lo hace de una forma casi cómica en algunos momentos. Eso no quita efectividad a un desarrollo mejor narrado que en productos de simple acción local, ya que esto es un drama de acción, algo más elaborado.

Por lo demás nos encontraremos con mucha y buena acción, ejecutada magníficamente por Tony Jaa (el agente Chai) y Jing Wu (Kit el infiltrado), en contraposición con un malo malísimo, en el sentido dramático, al que da vida Louis Koo y otro malo malísimo, en el sentido de acción marcial, que encarna Zhang Jin. El resultado general es ese, un drama de acción muy entretenido y que funciona en muchos niveles, una película muy entretenida.

Nowhere Girl
Japón, Mamoru Oshii, 2015
Intérpretes: Nana Seino, Nobuaki Kaneko

Por la noche teníamos una gran duda, ver la nueva película de Mamoru Oshii o asistir a la fiesta que CineAsia y las Nits de Cinema Oriental celebraban cerca del Auditori y a la que acudirían muchos amigos y compañeros. Ganó Oshii y no sabéis cuanto me arrepiento de ello.

En “Nowhere Girl” conoceremos a Ai, una joven de un instituto de bellas artes de alto nivel que sufre algún tipo de síndrome de estrés pos-traumático. Ai es ridiculizada por algunos compañeros y profesores, que rechazan por pura envidia unos trabajos de indudable talento, además del trato especial que recibe la joven. Sobre esto Oshii despliega todo aquello por lo que gusta y no gusta, a parte iguales. Largos planos -demasiado para mí-, una fotografía simple -casi onírica-, uso de una banda sonora de musica clásica que parece estar puesta en replay durante toda la película, y un misterio que se nos desvela de forma escalonada, con detalles de los que tenemos que darnos cuenta, como efectos de sonido, cambios en los escenarios… Pero si no entras el ritmo es insufrible y toda esta parte se vuelve aburrida y monótona, casi desagradable.

Por otra parte la recta final explota con unas escenas de acción como pocas veces he visto en los últimos años, algo increíble que realza aún más el contraste con esa primera parte y el shock de esta nueva dirección. Pero la pena es que no son más que 10 o 15 minutos.

Cuando termina la película nos damos cuenta que todo esto está muy medido, que en este gran puzzle todo tiene un sentido, incluso detalles que nos parecen desagradables o extraños, que no nos cuadran durante la película, tienen su lógica y eso es loable. Pero yo no entré y para mi no merece la pena el mal rato que pase viéndola.

Tras el éxito de las 7 ediciones anteriores, el Centro Cultural Coreano perteneciente a la Embajada de la República de Corea, en colaboración con la Filmoteca Española y KOFIC (Korean Film Council), celebra la 8ª Muestra de Cine Coreano: un espacio para el diálogo y la muestra de la cultura coreana a través del cine. Este año la muestra contará con la presencia de la premiada directora de cine Yim Soon-rye y estará dividida en tres secciones: la primera dedicada a YIM SOON-RYE, la segunda al CINE COREANO ACTUAL, y por último la muestra ofrecerá una RETROSPECTIVA IM KWON-TAEK, en la que habrá dos películas dedicadas al Pansori (forma de canto narrativo de Corea), junto a actuaciones.

Desde el Centro Cultural Coreano se invita a la 8ª Muestra de Cine Coreano a todos los amantes del cine y a las personas que deseen conocer y profundizar en la cultura coreana. Este año 2015, tendrá lugar su inauguración en el cine Palafox, ubicado en la calle de Luchana nº 15, con el pase de Revivre (2014), última película del maestro Im Kwon-taek, de este modo con mayor número de butacas, la sala podrá albergar a un mayor número de espectadores. El resto de sesiones se proyectarán en el Cine Doré y en el Centro Cultural Coreano.

Se ha preparado una serie de invitaciones y concursos, para estar al tanto de todo ello, además de para poder consultar los horarios y lugares de proyección, podéis consultar la web del Centro Cultural Coreano.

INAUGURACIÓN EN EL CINE PALAFOX

REVIVRE (2014), IM Kwon-taek
Jueves, 5 de noviembre de 2015, 20.00h
Sala 1 / Cine Palafox (Calle de Luchana, 15)

CLAUSURA EN EL CENTRO CULTURAL COREANO

CHUN-HYANG (2000), IM Kwon-taek
Viernes, 27 de noviembre de 2015, 18.00h
Sala Multiusos del Centro Cultural Coreano (Paseo de la Castellana, 15)

Panorama Yim Soon-rye

Yim Soon-rye, una de las realizadoras más importantes del cine coreano reciente, será objeto de un homenaje y visitará España por la Muestra de Cine Coreano. Entre su extensa obra hemos seleccionado tres largometrajes que representan fielmente sus preocupaciones artísticas y temáticas, como las desigualdades sociales, la lucha por la justicia y el rol de la mujer en la Corea de hoy. Gracias al esfuerzo del Centro Cultural Coreano tendremos la oportunidad de compartir dos sesiones con la directora. El 20 de noviembre, tras de la proyección de Whistle Blower en el Cine Doré realizaremos una charla-coloquio, y el 23 de noviembre en el Centro Cultural Coreano albergaremos una Masterclass en la que Yim Soon-rye hablará sobre el proceso de creación de sus películas y sus motivaciones artísticas, respondiendo además a las preguntas de los asistentes.

Whistle Blower (2014)
VO coreano subt. en castellano
Director: Yim Soon-rye
Reparto: Park Hae-il, Lee Kyeong-young
Género: Drama
Duración: 113m

Min-cheol, el director de un programa televisivo de denuncia, recibe una llamada anónima. La llamada es acerca de la tesis del doctor Lee, primer fundador de células madre en el mundo, está manipulada y el doctor implicado en la compra ilegal de óvulos, pero no tiene ninguna prueba para demostrarlo. Sin embargo, con ese testimonio Min-cheol empieza investigar el caso de dicho doctor, quién recibe protestas del público y de la prensa, finalmente su programa deja de emitirse en televisión.

Fly, Penguin (2009)
VO coreano subt. en castellano
Director: Yim Soon-rye
Reparto: Moon So-ri, Choi Chan-suk
Género: Drama
Duración: 110m

Al terminar la escuela, Seung-yun es enviado por sus padres a varias academias. Ju-hun, nuevo empleado en una compañía, es vegetariano y no puede beber alcohol, así que su vida en la empresa se hace un tanto difícil. Su-hyeong envió a sus hijos junto a su esposa para estudiar en el extranjero, pero ya está cansado de estar solo en su casa vacía. La Sra. Song quiere ejercer su profesión en lugar de dedicarse a ser madre y esposa. “Fly, Penguin” es una película que trata ciertos aspectos de la actual sociedad coreana de una manera cercana y humorística.

Forever the Moment (2007)
VO coreano subt. en castellano
Director: Yim Soon-rye
Reparto: Moon So-ri, Kim Jeong-eun
Género: Drama
Duración: 124m

Mi-sook fue protagonista en la consecución de dos medallas de oro en los Juegos Olímpicos. Sin embargo, el equipo en el que ella juega se deshace, y no le queda más remedio que abandonar el balonmano para ganarse la vida trabajando en un supermercado. Hye-kyung vuelve a Corea desde Japón para entrenar al equipo nacional con el objetivo de retomar las sendas del triunfo, por lo que convoca de nuevo a Mi-sook y otras veteranas retiradas.

Cine Coreano actual

La industria cinematográfica coreana vive actualmente un momento de esplendor. En la sección Cine Coreano Actual se proyectarán dos películas inéditas en España que han obtenido un gran reconocimiento internacional tanto por la fuerza de sus imágenes como por la importancia social de sus temas. Además mostraremos un mediometraje y dos cortos en colaboración con el festival El Ojo Cojo.

Madonna (2014)
VO coreano subt. en castellano
Director: Shin Su-won
Reparto: Seo Yeong-hee, Kwon So-hyun
Género: Drama
Duración: 120m

Hye-rim, una auxiliar de enfermería, cuida a Chul-oh, un rico benefactor del hospital. Sang-woo, el hijo de Chul-oh, ha estado luchando por mantenerle con vida a base de diversas operaciones, que han acabado generándole graves insuficiencias cardíacas. Un día, ingresa un paciente en estado de muerte cerebral llamado Mi-na, y Sang-woo pide a Hye-rim que busque a la familia de Mi-na para conseguir que firmen el formulario de consentimiento de donación de órganos. Pero Hye-rim descubre una historia secreta acerca de Mi-na.

Cart (2014)
VO coreano subt. en castellano
Director: Bu Ji-young
Reparto: Yum Jung-ah, Moon Jeong-hae
Género: Drama
Duración: 104m

Sun-hee es madre de dos niños y ha trabajado en una tienda a tiempo parcial durante los últimos cinco años. Se le ha prometido numerosas veces que pronto ascendería a un puesto fijo. Hye-mi es una madre soltera y trabaja con el mismo contrato que Sun-hee. Soon-rye es conserje en la misma tienda. Un día, los empleados a tiempo parcial se enteran que van a ser despedidos, y entonces deciden unirse para luchar por sus derechos, lo que significa el comienzo de sus problemas con la dirección y los jefes de la tienda.

Retrospectiva Im Kwok-taek

A sus 80 años y con 102 películas realizadas, Im Kwon-taek es el gran maestro del cine coreano. En esta retrospectiva hemos seleccionado siete de sus trabajos más significativos que servirán para conocer mejor su estilo, entender su intenso humanismo y su constante voluntad de recuperar, y observar con una nueva mirada la historia y las tradiciones de Corea. Proyectaremos siete de sus películas, incluyendo obras clave en la historia de nuestro cine como Chunhyang, Ebrio de mujeres y pintura, y Revivre, su último film hasta la fecha, que inaugurará la muestra.

Revivre (2014)
VO coreano subt. en castellano
Director: Im Kwon-taek
Reparto: Ahn Sung-ki, Kim Kyu-ri
Género: Drama
Duración: 120m

El Sr. Oh es jefe de marketing en Adelaide, una importante firma de cosméticos. Es un hombre en lucha constante para mantener el equilibrio entre las exigencias de su trabajo y el cuidado de su mujer, que sufre una enfermedad terminal. Mientras tanto, siente una fijación erótica con una empleada mucho más joven, que le sirve como distracción mental del torbellino en que se encuentra su vida cotidiana.

Hanji (2011)
VO coreano subt. en castellano
Director: Im Kwon-taek
Reparto: Park Joong-hoon, Kang Soo-yeon
Género: Drama
Duración: 118m

Durante la invasión japonesa de Corea, los documentos de la dinastía Joseon fueron quemados. Esta película narra la historia de un grupo de personas que intentan encontrar datos sobre los incidentes de Jeonju. Pil-yong es un funcionario que quiere recuperar el registro de los acontecimientos en papel tradicional de Corea, al mismo tiempo que conoce a una directora de documentales, Jiwon. Entre ellos se generará una tensión emocional de la que la mujer de Pliyong termina dándose cuenta, percibiendo el cambio que se ha producido en su marido.

Beyond the Years (2007)
VO coreano subt. en castellano
Director: Im Kwon-taek
Reparto: Cho Jae-hyun, Oh Jung-hae
Género: Drama
Duración: 106m

Dong-ho vuelve a su pueblo tras años de ausencia, lo que estimula su memoria. Los pequeños Song-hwa y Dong-ho viajan con su padre, cantante ambulante de pansori, que los instruye en este arte tradicional. Al cabo de unos años, Dong-ho, harto de los maltratos de su padre, decide marcharse y buscarse la vida por su cuenta. Pero el recuerdo de Song-hwa –por quién siente un amor fraternal y romántico– lo acompañará siempre, y en diversas ocasiones tratará de localizarla, descubriendo su desgraciada vida.

Low Life (2004)
VO coreano subt. en castellano
Director: Im Kwon-taek
Reparto: Cho Sung-woo, Choi Tae-hwan
Género: Drama
Duración: 120m

Tae-woong se enfrenta al matón Seung-mun y acaba involucrado en un accidente. El padre de Seung-mun, Bakilwon, se presenta como candidato independiente a las elecciones, a las que también se presenta un gánster. La familia de Seung-mun se convierte en objetivo de la mafia. Tae-woong se verá involucrado en una guerra de bandas para proteger a su familia, al mismo tiempo que es arrastrado por la inestable situación de Corea en los años sesenta.

Ebrio de Mujeres y Pintura (2002)
VO coreano subt. en castellano
Director: Im Kwon-taek
Reparto: Choi Min-shik, Yoo Ho-jeong
Género: Drama
Duración: 106m

A mediados del siglo XIX, Kim Byung-moon salva al joven Seung-up de ser apaleado por unos vagabundos. Kim observa cuidadosamente un dibujo de Seung-up y percibe su extraordinario talento. Con el tiempo, habiendo adquirido cierta fama como pintor, Seung-up encuentra a una concubina llamada Mae-hyang, hija de una familia caída en desgracia. Se fija en un cuenco suyo, de un valor extraordinario, y suscita en él el deseo de encontrarse con el mundo ideal a través de esa obra. ¿Dónde existe ese mundo que tanto ansía alcanzar el pintor?

El Pansori a través del cine

Este otoño 2015, el Centro Cultural Coreano ha preparado varios programas sobre el Pansori. Primero, fue a través de la literatura coreana recorriendo una de sus obras principales, llamada “la Cancion de Chun-hiang”, y también a una novela que hace referencia al Pansori llamada “Canto del oeste coreano (Sopyonje)”. Ahora queremos dar a conocer el Pansori a través del cine, ya que los dos mismos títulos que se han tratado en el curso de literatura coreana fueron adaptados a películas por el director Im Kwon-taek, siendo ambas consideradas los trabajos más representativos de su filmografía. Por último, el Centro Cultural Coreano celebrará la “Semana de Patrimonio Inmaterial de Corea” del 24 al 27 de noviembre, en ella nos visitarán muchos maestros de Gugak (música tradicional coreana) e incluso un cantante de Pansori, así tendremos una gran oportunidad de escuchar este género musical en directo.

Están preparadas dos actividades especiales donde el cine y el Pansori se encontrarán juntos en una velada temática. El 25 de noviembre a las 19:00h en el Cine Doré, tras la proyección de “Sopyonje”, podrán disfrutar con una original actuación de Pansori; y el 27 de noviembre a las 18:00h en el Centro Cultural Coreano se proyectará la película “Chunhyang”, y a continuación tendrá lugar otro singular espectáculo de Pansori con el que clausuraremos la 8ª Muestra de Cine Coreano y la Semana de Patrimonio Inmaterial de Corea.

Sopyonje (1993)
VO coreano subt. en castellano
Director: Im Kwon-taek
Reparto: Kim Kyu-chul, Choi Chong-won
Género: Drama
Duración: 120m

Narra la historia de una familia coreana de cantantes tradicionales de pansori que tratan de adaptarse a la vida en el mundo moderno. Esta familia de clase baja trata de sobrevivir con su arte en medio de una sociedad que se ve invadida por las influencias extranjeras, especialmente desde Japón y Estados Unidos. Primera versión que el director Im filma basándose en el famoso canto tradicional de pansori, y que años más tarde revisaría con Beyond the Years.

Chunhyang (2000)
VO coreano subt. en castellano
Director: Im Kwon-taek
Reparto: Cho Seung-woo, Lee Hyo-jeong
Género: Drama
Duración: 134m

Mong-ryong se casa con la bella Chun-hyang sin decírselo a su padre, el gobernador de Namwon. Cuando a su padre lo trasladan a Seúl, Mong-ryong tiene que dejar a Chun-hyang y terminar sus exámenes. Chun-hyang, siendo la hija de una cortesana, es torturada y encarcelada cuando se niega a obedecer al nuevo gobernador Byun, ya que quiere ser fiel a su marido. Después de tres años, Mong-ryong, convertido en un emisario del rey, vuelve a Namwon.

Las casualidades de la vida hicieron que este año el Martes 13 cayera en pleno Sitges Film Festival 2015, un día que ni pintado para la mala suerte, sin embargo no tuvimos de esta a nivel cinematográfico. Ya nos hemos dejado de entrevistas y líos varios, no haríamos más en el resto del festival por motivos de agenda principalmente, por eso nos centramos en ver películas, que era lo que queríamos hacer. Hoy nos esperaban dos coreanas, una taiwanesa y una japonesa, que resultaría ser el pelotazo que todos esperamos ver en Sitges. Pero empecemos por el principio.

Gangnam Blues
Corea, Yoo Ha, 2015
Intèrpretes: Lee Min-ho, Kim Rae-won

Hoy en día mucha gente ha oído hablar Gangnam, aunque sea por la popular canción del cantante PSY Gangnam Style. Este distrito del sur de Seul es ahora uno de los más populares y exclusivos pero en la década de 1970 era una zona rural y chabolista que estaba a punto de experimentar una recalificación que lo convertiría en lo que es hoy. Pero siempre que hay política hay dinero y corrupción, si a eso le sumamos mafia para arreglar un poco las cosas nos encontramos con un coctel explosivo. En medio de todo esto nos encontramos a dos huérfanos, Long-Dae y Yong-ki, que viven en las chabolas y terminan siendo desalojados y separados en medio de una trifulca de bandas. Años después se reencuentran, cada cual en un bando distinto, y se verán inmersos en este juego de corrupción y traiciones.

El director Yoo Ha dirigió hace casi 10 años la excepcional “A Dirty Carnival”, película de mafia más sobria y dramática de lo que es normal en el cine coreano, dejando la acción para momentos clave, explosiones de violencia que impactan y se integran en la trama dramática. En este caso sigue esta misma línea, acompañándolo todo con un guión muy elaborado, denso, espeso, quizás demasiado… He de reconocer que me costó seguirlo todo ya que aparecen muchos personajes en muy poco tiempo, todos relacionados entre si, con sus propios intereses y rivalidades. Luego todos se llaman muy parecido, lo que sumado a una fotografía muy oscura -realmente buena y cruda, pero oscura- hacen que sea muy fácil no saber quien es quien o que esta pasando. Quizás este sea su mayor hándicap, es muy fácil perderse un poco y aburrirse al no entender que está pasando.

Pero a pesar de todo a mi me gustó y supongo que un segundo visionado aclarará lagunas en el argumento y se disfrutará más.

Coin Locker Girl
Corea, Ha Jun-he, 2015
Intérpretes: Kim Hye-soo, Kim Ko-eun

Tras “Gangnam Blues” nos esperaba otra película coreana, “Coin Locker Girl”, debut en la dirección de Ha Jun-he y que volvía sobre el género criminal pero de una forma muy diferente a otras cintas de su género que hemos visto este año en el festival.

Il-young es la “Coin Locker Girl” del título, un bebé abandonado en una taquilla del metro y que termina siendo criado por indigentes. Aún siendo niña es vendida a la organización de “Mamá” y esta la cría en el submundo, en esa Corea de bajos fondos, donde hay que ser duro, matar o morir. Mientras la joven siga siendo útil vivirá, sino morirá, ese es el trato. Mamá se dedica, entre otras cosas, a hacer prestamos y si no se pagan recuperar su dinero secuestrando al susodicho o algún familiar y vendiendo sus órganos en el mercado negro. Pero como es normal no todo sale como se espera y en cierto momento la joven no podrá cumplir con un trabajo.

En este caso Coin Locker Girl nos muestra un drama directo y crudo, una dura base -bebé abandonado, trafico de órganos, etc- que nos muestra esa Corea criminal que se vive con naturalidad, esa especie de familia entorno a Mamá, donde todos sus componentes son criminales despiadados y jóvenes huérfanos que morirán sino cumplen su cometido, pero donde a su vez hay cariño y confianza. Todos aquí tienen pecados y tarde o temprano les pasaran factura, cada cual ha de ser consecuente con sus actos, sean o no obligados, y todo gira en una especie de ciclo sin fin.

Digo “las” protagonistas porque realmente el peso del desarrollo de la película recae sin lugar a dudas en dos actrices, la veterana Kim Hye-Soo y la jovencísima Kim Go-Eun, que se enfrentan en pantalla de una forma brutal, con carisma y fuerza.

Este es un drama de una magnífica factura técnica, sobrio y duro en su desarrollo al igual que atrayente. Sin duda una gran película.

The Assassin
Taiwán, Hou Hsiao-hsien, 2015
Intérpretes: Shu Qi, Chang Chen

Siguen pasando los días y tenemos que encontrarnos sin más demora con “The Assassin” de Hou Hsiao-Hsien. Este director taiwanés estudió en la Taiwan National University of Arts y comenzó su carrera en el cine como asistente de dirección. Debutó a principios de los ochenta, perteneciendo a la nueva ola de directores taiwaneses, como Edward Yang o Chen Kunhou, que querían revitalizar el cine local desde un punto de vista más personal, con un cine natural, con un tempo lento, un fuerte estilo visual y mucho realismo. Películas como “A City of Sadness”, “The Puppet Master”, “Flowers of Shanghai” y “Millennium Mambo” son bien conocidas por los aficionados. “The Assassin” es la primera inmersión en el género Wuxia del director y venia precedida por haber ganado el premio a Mejor Director en la pasada edición del Festival de Cannes y unas críticas dispares en su paso por otros festivales.

Hoy en día se espera de un Wuxia fantasía, acción, drama e intrigas, un combinado de divertimento con algo de guión (en realidad el Wuxia en muchas épocas de la historia del cine de Hong Kong o Taiwán ha sido precisamente eso, cine de divertimento), pero aquí esto no lo vais a encontrar. Este Wuxia de autor va más por el terreno artístico, contemplativo. Las imágenes cobran una fuerza que supera con creces al guión, centrado en la figura de Nie Yinniang (la cada día más joven y guapa Shu Qi) y su encargo de asesinar a su primo -gobernador de la provincia de Weibo-, que queda en un segundo plano. Este guión no es nada complejo, pero si que se nos ofrece en dosis muy pequeñas, con lo cual la mayor parte del tiempo no tenemos claro que está pasando. Conforme avanza la película esa sensación de que las imágenes son lo principal por encima de otra cosa se intensifica, las escenas de acción aparecen en más de una ocasión como algo que sucede en un segundo plano, inmerso en un mosaico más amplio, en un bello cuadro general. Todo esto se acompaña con un gran uso del sonido y una banda sonora muy minimalista, pero integrada perfectamente en las propias imágenes.

Para unos esta será una bella obra maestra donde imágenes y audio confluyen en algo casi artístico que trasciende la simple narración para ofrecer sensaciones. Para otros esta es una tomadura de pelo realizada solo para occidentales y jurados de festivales que se creen más allá de la visión normal del cine. Que cada cual se adscriba al grupo que desee.

I am a Hero
Japón, Shinsuke Sato, 2014
Intérpretes: Yô Ôizumi, Kasumi Arimura

La última película que vimos este Martes 13 en Sitges resulto ser una de las más divertidas que hemos visto en todo el festival, no obstante terminó llevándose el Premio del Publico. Hablamos de la adaptación del conocido manga de Kengo Hanazawa, editado en España por Norma, “I Am a Hero”, dirigida por Shinsuke Sato, que ya realizó ambas partes de la adaptación live-action del manga “Gantz”, además de obras animadas como “Oblivion Island: Haruka and the Magic Mirror”, que pudo verse en Sitges.

Esta adaptación se centra en la figura de Hideo, un dibujante de manga con una vida miserable y pusilánime que sueña con lanzar una obra de éxito. Un día discute con su novia y esta lo echa de casa. Mientras tanto vemos indicios de que una extraña enfermedad esta empezando a producirse, y cuando Hideo intente volver con su novia a casa descubrirá que se ha convertido en una especie de zombie y todo quedará confirmado. La epidemia esta asolando la ciudad.

He de reconocer que tenia miedo de esta película. Su producción acabo hace ya un tiempo en Japón pero aún hoy no se ha publicado ningún tráiler ni imagen de rodaje, es más la primera imagen que se vio en internet es la que subió el propio festival a su web. Que la productora Toho quisiera que “I Am a Hero” fuera premier mundial en Sitges era una jugada curiosa y en parte extraña. ¿Que habrían hecho?. Muchas veces las adaptaciones de mangas tienen presupuestos limitados o producción ajustada, dando lugar a productos entretenidos pero sin llegar a cotas de película más “serias”, pero nada más lejos de la realidad.

La Toho ha echado los restos en esta película, creando un producto que funciona mucho más allá que la simple adaptación de un manga al cine. La producción es excelente, introduciendo muchos elementos de cámara, planos y multitud de efectos CGI de gran calidad, todo ello acompañado por una gran banda sonora. Conforme avanza la película te das cuenta de que se Sato intenta elegir los planos con mucho cuidado, introduciendo mucha narrativa en segundo plano, en radios, televisiones, carteles. Además se ha grabado en localizaciones abiertas, naturales, poco estudio y CGI abundante pero bien ajustado. Vamos que me ha sorprendido muchísimo la calidad general de todo lo que fui viendo.

En cuanto a la historia, no puedo opinar fielmente porque no he leído el manga, pero aquí se desarrolla de una forma excelente, combinando mucho humor con una parte dramática, y por supuesto usando y abusando de los “infectados/zombies”, sobre todo en su parte final, que quizás hasta se hace excesivo. Pero pese a todo esta película es puro divertimento, sobre todo en un festival como Sitges.