“Tras una década, un viernes de cada dos, los programas dobles de “cinéma bis” se han convertido en una cine ineludible para los amantes de las serie B y Z, continuando atrayendo la curiosidad de los espectadores atraídos por las películas fuera de lo común, extrañas y excéntricas, exhumadas del olvido por las nuevas generaciones de cinéfilos.” Image may be NSFW. Clik here to view.
Así se presenta el proyecto más alocado de la Cinémathèque française, que parece ser que tiene una mente mucho más abierta que la inmensa mayoría (quizás todas) de las filmotecas mundiales. Bajo la dirección de Jean-François Rauger, como ellos mismos dicen, llevan más de diez años acercando a los espectadores, en rigurosa sesión doble, el cine que no se nos muestra fácilmente. El verdadero cine invisible. Y su trabajo es impecable. Tienen la extraña habilidad de ser capaces de encontrar algo más donde parece que ya no quedaba nada. Porque, esa es otra, no se dedican a poner los clásicos de estos géneros olvidados, sino que se preocupan de rebuscar mejor en los cajones y sorprendernos.
¿Qué pretende ser esta retrospectiva? Pues una traslación literal de aquel Cinéma bis francés. De cuando en cuando iré traduciendo los textos que acompañan a estos programas dobles. No es un trabajo especialmente sencillo, pero es gratificante. Espero que lo disfrutéis como lo disfrutaré yo. (Silien)
Sirva esta pequeña presentación a modo de recopilatorio, cuando se vayan publicando nuevas entregas iré actualizando este hilo para que quede todo ordenado y concentrado.
Considerado por algunos como un genio, Chusei Sonees sin duda el autor más incomprendido del Roman Porno y aquel más merecedor de ser revaluado. Culpa de las circunstancias históricas que llevaron al cineasta a retirarse definitivamente del mundo del cine a finales de los años ochenta, tras un fracaso comercial (Flying). Nacido en 1937 y diplomado en Historia del Arte por la Universidad de Tohoku, entra en la Nikkatsu en el 62 y se convierte, notablemente, en el asistente de Seijun Suzuki (Youth of the beast ,Tokyo drifter), que tendrá sobre él una influencia determinante. Con el fin de completar su escaso salario de asistente, colabora como guionista con el cineasta pink Koji Wakamatsu (Sex Jack, Ecstasy of the angels) con el seudónimo de Yoshiaki Otani; colectivo bajo el cual trabajan igualmente Atsushi Yamatova y Yozo Tanaka, dos brillantes guionistas que se convertirán en sus principales colaboradores (Showa onnamichi: Rashomon, la serie A!! Hana no oendan), y con los cuales integra el Hachiro Guryu (el Grupo de los Ocho), el famoso equipo de guionistas formado alrededor de Seijun Suzuki y autor de la cultísima Branded to kill(1967).
Dotado de un sentido único de la dirección, Sone es junto a Masaru Konuma (Sasurai no koibito: memai) el cineasta más extremo del género y aquel que estará llamado a exprimir mejor su creatividad a través del Roman Porno. Director de éxito (33 Roman Porno del 71 al 86) destaca por su sentido de la parodia rozando a menudo lo grotesco. Por otra parte, su importancia va más allá del Roman Porno, ya que rodó para el Art Theatre Guild (Furenzoku satsujin jiken), fundó su propia productora (Film Workers), y la Nikkatsu le confió la dirección películas “normales”, como la serie A!! Hana no oendan, comedia desenfrenada sobre la cultura de las animadoras universitarias, que se convirtió en Japón en un gran suceso de público. Es también reconocido por sus adaptaciones de mangas, entre ellas la serie Angel Guts, dibujada y escrita por Takashi Ishii, de la que supo trasladar con una rara intensidad el universo erótico y violento (High School Coed , Red Classroom).
En Delinquent Girl, película juvenil paródica, el cineasta retoma el personaje de joven ingenua interpretado por la actriz Yuko Katagirien Secret chronicle: prostitution market (1972), para narrar la depravación en un Tokio contemporáneo. Deconstruye el guión y le aporta una dimensión absurda, reescribiendo el final inicialmente previsto. Por el contrario, Shinjuku, Messy District es una película atípica, que no pertenece a ningún género. Obra de culto, le debe mucho a la personalidad de su talentoso guionista, Haruhiko Arai(The Woman with Red Hair), que firma aquí su primer Roman Porno. Bajo la forma de una autoficción que narra las aventuras de un aspirante a guionista, la película describir con vivacidad la efervescencia del barrio de Golden Gai, algo así como el Greenwich Village de Tokio.
La reputación de la Nikkatsu reposa sobre un cierto número de factores: el empleo de grandes autores (Kenji Mizoguchi en sus comienzos, Yuzo Kawashima, Shohei Imamura), sobre una apertura a la modernidad a finales de los años cincuenta, sobre una cierta manera de reinventar los films de gangsters (Koreyoshi Kurahra,Seijun Suzuki), sobre la invención, finalmente, del Roman Porno, categoría autónoma nacida al principio de los años setenta para evitar la quiebra del estudio. Las películas de monstruos (kaiju eiga) por el contrario no se asociaron jamás con la Nikkatsu. Es la Toho, tras el éxito de Godzilla en 1954 y Rodan en 1956, la que se hizo especialista en el género, produciendo intensivamente, durante más de dos décadas, obras que ponían en escena a gigantescas criaturas destruyendo Tokio y algunas grandes ciudades. El primitivismo de los efectos especiales (un figurante vestido con un pesado traje de caucho rodeado de maquetas) no impedía una cierta inventiva poética.
Otros estudios intentaron competir con la Toho en su propio terreno, como la Shochiku, que inventó a Itoka, el monstruo de las galaxias, la Toeiy sus Monstruos del apocalipsis, la Daiei, que creó la tortuga a reacción Gamera y, claro está, la Nikkatsu, con ese efímero Daykioju Gappa, dirigido en 1967 por Haruyasu Noguchi, cineasta de la casa que firmará seis películas entre 1965 y 1967. Un grupo de científicos descubre un huevo gigantesco del que nace un monstruito que sus padres quieren recuperar. La particularidad de “Gappa”, más allá del sentido familiar, es la de poder desplazarse tanto por la tierra, como por el aire o bajo el mar. Entre los actores contamos con Tatsuya Fuji, que fue el protagonista, ocho años más tarde, de El imperio de los sentidos, de Nagisa Oshima. El fracaso comercial disuadirá a la Nikkatsu de continuar en el género. Daykioju Gappa se estrenó en Francia en 1970, tres años más tarde de su producción, con el fantasioso título de Gappa, el hijo de Godzilla.
Como complemento de la sesión doble, en forma de contrapunto dialéctico, proponemos una producción representativa de la Toho rodada en 1974 por los 20 años de la creación del personaje, Godzilla vs MechaGodzilla, de Jun Fukuda. La película, tras el fracaso comercial de Godzilla vs Megalon, logra relanzar una figura agotada por el infantilismo y lo cómico. Desembarazado de todo tipo de florituras inútiles que congestionaban las producciones precedentes, el guión hace que se enfrente el célebre lagarto gigante con su doble mecánico, enviado por los malvados extraterrestres. Godzilla vs MechaGodzilla fue dirigido por Jun Fukuda, autor de varias entregas de la serie.
El próximo domingo día 1 de Junio dará comienzo el Festival de Granada – Cines del Sur, uno de mis festivales favoritos. Este es un festival pequeñito, pero con una calidad increíble, donde he visto grandisimas películas en alguna de las mejores secciones oficiales de todos los festivales españoles (y no exagero en nada), un festival que este año recupera una de las cosas que no he podido vivir en persona, las pantallas abiertas, con cine al aire libre en los marcos incomparables de Granada. Este año no podré asistir, pero tendremos enviado especial, nuestro compañero y amigo Jose Luis, que nos dará cumplida cuenta de todo lo que de de sí el evento asiáticamente hablando, programación específica que repasamos hoy aquí de forma rápida..
Inauguración
KÖKSÜZ (NOBODY’S HOME)
Turquía. 2013. 81min.
Director: Deniz Akçay
Intérpretes: Ahu Türkpençe (Feride), Lale Başar (Nurcan), Savaş Alp Başar (İlker), Melis Ebeler (Özge)
Tras la desaparición de su marido, Nurcan se queda a cargo de su hija mayor, Feride, y sus dos hijos adolescentes, İlker y Özge. Nurcan se casó muy joven, antes de haber desarrollado su propia personalidad. Sus años de matrimonio con un marido dominante la llevan a adoptar el papel de víctima desamparada. En su ausencia, Nurcan obliga a Feride a asumir más responsabilidades, al tiempo que se olvida obstinadamente del trauma de sus dos hijos menores. Consciente de los defectos de su madre, la joven Feride se ve en la necesidad de erigirse como cabeza de familia. Sin embargo, ya tiene la carga de ser la hija mayor de una familia disfuncional y, con esta responsabilidad añadida, Feride está cada vez más alienada.
Nobody’s Home es la historia de cuatro personajes con dificultades para volver a ser una familia tras una gran pérdida, los cuales acaban por destruirse ellos mismos día tras día.
CHILLA (40 DAYS OF SILENCE)
Uzbekistán, Alemania, Francia, Holanda. 2013. 88min.
Director: Saodat Ismailova.
Intérpretes: Rukhshona Sattarova (Bibicha), Barohat Shukurova (Khamida), Saodat Rahimova (Bibi Saodat), Farida Olimova (Sharifa).
En un pueblo aislado, rodeado por altas montañas, viven cuatro mujeres de diferentes generaciones bajo un mismo techo, unidas por una joven llamada Bibicha. Perseguida por su pasado, con un futuro desconocido y un presente angustioso, Bibicha decide hacer un voto de silencio. Ninguna conoce sus motivos pero todas deciden apoyarla en su viaje interior hacia la madurez.
Retrato cuasi etnográfico de la vida cotidiana en las montañas uzbekas, 40 Days of Silence nos ofrece un relato sobre una tradición mantenida y liderada por mujeres en la que, inevitablemente, los hombres marcan su constante presencia a pesar de estar ausentes físicamente. Onírico y hermoso, el film de la directora uzbeka Saodat Ismailova nos propone una reflexión sobre las tensiones entre la tradición y la modernidad.
BING DU (ICE POISON)
Taiwán, Myanmar. 2014. 95min.
Director Midi Z
Intérpretes: Ke-Xi Wu (Sanmei), Shin-Hong Wang (conductor), Cai Chang Zhou (padre), Shu Lan Yang (madre de Sanmei), Shang Da Li (tío del conductor).
En el norte de Myanmar, en el estado de Shan, un joven agricultor y su padre apenas pueden sobrevivir con su escasa cosecha de maíz, de modo que tienen que bajar de las montañas al pueblo para pedir dinero prestado a sus familiares que trabajan en las minas de jade o en plantaciones de opio. Sin embargo, estos también se ven arruinados a causa de una serie de documentos extraviados, de engaños y de corrupción. Finalmente, el padre acaba empeñando su vaca por una motocicleta para que su hijo pueda ganarse la vida como taxista. Su primera clienta es Sanmei, que ha vuelto a Myanmar para enterrar a su abuelo. Cuando Sanmei acepta un trabajo como contrabandista de drogas, convence al joven granjero para que sea su conductor.
Con sensibilidad, un humor sutil y un estilo majestuoso y minimalista al mismo tiempo, Ice Poison examina discretamente los sentimientos de alienación de estos dos jóvenes, así como sus miedos a perder el modo de vida que llevan.
Navid es un ciudadano kurdo-iraní que vive en Teherán. Durante las protestas que siguieron a las elecciones de 2009, conoce a Setareh. Los jóvenes continúan su activismo político en la universidad hasta que Navid es expulsado de la institución. Por si esto fuera poco, el padre de Setareh le pide que se mantenga alejado de ella, alegando que su precaria situación económica va a arruinar el futuro de su hija. Desesperado, Navid pide un periodo de gracia para encontrar un trabajo y un techo que ofrecerle a su pareja. Sin embargo, su búsqueda en la frenética Teherán solo le hará ser más consciente de los diferentes estratos sociales que cohabitan en la capital. A medida que pasa el tiempo, su frustración se va transformando en agresividad.
LIAR’S DICE
India. 2014. 103min.
Director Geetu Mohandas.
Intérpretes: Nawazuddin Siddiqui, Geetanjali Thapa, Manya Gupta.
Kamala vive con su hija Manya en Chitkul, un pueblo tranquilo cerca de la frontera indotibetana. Tras pasar varias semanas sin noticias de su marido Harud, la joven esposa y su hija emprenden un viaje en su busca. Durante su odisea, Kamala conoce a Jampa, un contrabandista de espíritu libre, originario del Tibet, que gana dinero fácil con el juego de apuestas “Los dados del mentiroso” (Liar’s Dice). Por motivos egoístas, Jampa acepta ayudar a Kamala y Manya a llegar a su destino.
Con esta narración, la realizadora Geetu Mohandas expresa cierto sentido de futilidad de la vida y su indignación con el sistema, al tiempo que explora las dinámicas en las relaciones entre hombres y mujeres. Liar’s Dice es una narración lineal de la historia de un viaje, con las alarmantes condiciones socio-políticas que vive la India actual como trasfondo.
TOKYO BITCH, I LOVE YOU
Japón. 2013. 70min.
Director: Kōki Yoshida.
Intérpretes: Yu Yanagi (Hatsue), Kenshi Takemoto (Yoshinori), Yoi Kojima (Tomoko),
Yūko Kageyama (Sakurako), Kōichi Ito (Ippei).
Hatsue es una trabajadora del sexo que tiene un affair con Yoshinori, un hombre al que inicialmente conoció como cliente. Yoshinori se siente reprimido en su vida conyugal y sus secretos encuentros amorosos con Hatsue le proporcionan paz y tranquilidad. Hatsue evita, por lo general, entablar acercamiento emocional alguno con los demás. Sin embargo, cuando está con Yoshinori, siente que tiene una relación sentimental como la de cualquier otra mujer. Un día, uno de los compañeros de trabajo de Yoshinori le pide que haga de avalista de un préstamo, hecho que lleva a su esposa a descubrir su relación con Hatsue.
Esta adaptación del clásico del bunraku (teatro japonés de marionetas), Los amantes suicidas de Sonezaki, de Chikamatsu Monzaemon, traslada la narración al Tokio contemporáneo.
Ambientada en el Singapur de 1997 durante la crisis financiera asiática, Ilo Ilo relata el drama cotidiano de la familia Lim: el problemático estudiantede primaria, Jiale, y sus estresados padres, Heck y Leng. La pareja, de clase media acomodada y con otro bebé de camino, contrata como criada y niñera interna a Teresa, una inmigrante filipina. Desde el principio, Teresa es una extraña tanto dentro de la familia como en Singapur, y sufre lidiando con las travesuras de Jiale e intentando integrarse en su nueva comunidad. Con el paso del tiempo, ambos llegan a formar fuertes lazos pero, justo cuando Teresa empieza a sentirse parte de la familia, se producen una serie de circunstancias imprevistas que volverán a suponer un reto a la ‘nueva normalidad’ alcanzada.
Kabir se acaba de comprometer con Natasha. Para su despedida de soltero quiere cumplir la promesa que hizo con sus dos mejores amigos de la infancia: hacer juntos un viaje de tres semanas recorriendo España por carretera. El problema es que el paso del tiempo y el trabajo han creado una gran distancia entre ellos. Kabir, Imraan y Arjun parten hacia Barcelona y se lanzan en una aventura que no solo les hará limar sus diferencias, sino que también hará que se enfrenten a sus miedos. A medida que van recorriendo diferentes ciudades de España, los tres amigos verán las cosas bajo una nueva perspectiva. Obligados a quitarse las máscaras y confesar las mentiras cotidianas con las que se han visto forzados a convivir, descubrirán que “solo se vive una vez”, tal y como reza el título del film.
AJANTRIK (THE PATHETIC FALLACY)
India. 1958. 96min.
Director Ritwik Ghatak
Intérpretes: Kali Bannerjee (Bimal), Gangapada Basu (tío), Satindra Bhattacharya (sobrino)
En Ranchi, una pequeña ciudad industrial y minera situada en la frontera entre Bengala y Bihar, Bimal se gana la vida al volante de un taxi. Iracundo y excéntrico, el conductor mantiene una relación tan obsesiva con su coche, un Chevrolet de los años treinta, que casi parece amorosa. El vínculo es tan estrecho que llega incluso a poner un nombre: Jagaddal, que en bengalí significa “inamovible”.
Estructurada en ocho momentos diferentes de la vida de Bimal, The Pathetic Fallacy es una fábula poética y antimaterialista que mezcla drama e ironía a partes iguales.
MEGHE DHAKA TARA (THE CLOUD-CAPPED STAR)
India. 1960. 126min.
Director: Ritwik Ghatak.
Intérpretes: Supriya Choudhury (Neeta), Anil Chattopadhyay (Shankar), Bijon Bhattacharya (Vater), Gita De (madre_mother), Niranjan Ray (Sanat), Dwiju Bhawal (Mantu)
La joven Neeta y su familia, refugiados del este de Pakistán, viven en los suburbios de Calcuta. Siempre dispuesta a ayudar a los demás, su entorno se aprovecha constantemente de su bondad a pesar de que padece tuberculosis. Obligada a posponer su boda y convertida en el único apoyo económico de su familia, Neeta tiene que luchar por superar esta adversa situación mientras que su madre comienza a sugerir a su prometido que se case con la hija menor.
La innovación de los efectos sonoros y la magnífica plasmación de las emociones han convertido a esta primera parte de la llamada “Trilogía de la Partición” en un melodrama imprescindible, donde el director Ritwik Ghatak reflexiona sobre la pobreza, la desilusión y el exilio.
KOMAL GANDHAR (A SOFT NOTE ON A SHARP SCALE)
India. 1961. 134min.
Director: Ritwik Ghatak.
Intérpretes: Supriya Choudhury (Anasua), Abanish Banerjee (Rhringu), Anil Chatterjee (Rishi), Chitia Mandal (Jaya), Gita De (Shanta), Satindra Bhattacharya (Shibnath)
Segundo episodio de la “Trilogía de la Partición”, este film se llama Komal gandhar por un poema del célebre escritor Rabindranath Tagore que en español significa “Sí bemol”. Con fuertes tintes autobiográficos, la historia se centra en la rivalidad entre dos compañías de teatro pertenecientes al IPTA (Indian People’s Theatre Association). A través de la compleja relación amorosa entre Bhrigu, el taciturno líder de uno de los grupos, y de Anusuya, una actriz de la formación rival, Ritwik Ghatak ilustra los traumas de la Partición, la incertidumbre surgida tras la Independencia y una crítica abierta a las premisas radicales que tomaron forma entre los años cuarenta y cincuenta en el seno del IPTA.
RAMKINKAR BAIJ (RAMKINKAR BAIJ. A PERSONALITY STUDY)
India. 1975. 30min.
Director: Ritwik Ghatak.
Intérpretes: Ramkinkar Baij.
En julio de 1975, Ritwik Ghatak inició el rodaje de un documental sobre la vida y obra del escultor indio Ramkinkar Baij. Lamentablemente, el director murió antes de concluir el proyecto y de él solo han quedado para la posteridad un total de treinta minutos. A lo largo del metraje, Ghatak presenta no solo el lado más personal del artista sino que también subraya su posición de icono político. En una mezcla de vida, arte y reflexión política, Ramkinkar Baij explica ante la cámara los problemas a los que tuvo que hacer frente a lo largo de su trayectoria vital.
Tan Lejos, Tan Cerca
BIR ZAMANLAR ANADOLU’DA (ÉRASE UNA VEZ EN ANATOLIA)
Turquía. 2011. 150min.
Director: Nuri Bilge Ceylan.
Intérpretes: Muhammet Uzuner (Cemal), Yilmaz Erdogan (Naci), Taner Birsel (Nusret), Ahmet Mumtaz Taylan (Arab Ali), Firat Tanis (Kenan), Ercan Kesal (Mukhtar), Erol Eraslan (Yaşar), Murat Kiliç (İzzet), Safak Karali (Abidin).
Una noche, en un recóndito paraje de la estepa de Anatolia, en el interior de Turquía, un presunto asesino guía a un grupo de policías, acompañados por el juez Nusret y el médico Cemal, hasta el lugar donde enterró a su víctima. Pero una vez allí, no encuentran el cuerpo. Es entonces cuando prosigue la búsqueda a través de carreteras infinitas y desiertas, en un viaje que hará que la culpa y la sospecha comiencen a diluirse entre ellos, y que conducirá a las verdaderas causas del crimen.
L’IMAGE MANQUANTE (LA IMAGEN PERDIDA)
Camboya, Francia, 2013. 96min.
Director: Rithy Panh.
Intérpretes: Randal Douc.
El documental más reciente del cineasta camboyano Rithy Panh refleja una búsqueda que ha llevado a cabo durante muchos años: la búsqueda de una fotografía tomada entre 1975 y 1979 por los Jemeres Rojos cuando gobernaban en Camboya. Una imagen perdida, desconocida, que ha intentado encontrar en vano en archivos, en viejos papeles, en las aldeas de Camboya.
Adaptación del libro La eliminación, co-escrito junto a Christophe Bataille, La imagen perdida reconstruye a través de inmóviles figuritas de barro la infancia del director, un infancia perdida y llena de muerte que fue compartida por todo el pueblo camboyano y silenciada por el gobierno.
METRO MANILA
Filipinas, Reino Unido. 2013. 114min.
Director: Sean Ellis.
Intérpretes: Jake Macapagal (Oscar), John Arcilla (Ong), Althea Vega (Mai), JM Rodríguez (Alfred Santos)
Oscar Ramirez vive con su esposa Mai y sus dos hijas en los arrozales de las montañas del norte de Filipinas, rodeados de miseria y escasez. Buscando un futuro mejor, deciden mudarse a la asfixiante ciudad de Manila, donde se verán abrumados por su bulliciosa población. Oscar encuentra un empleo estable en una compañía de camiones blindados, pero pronto descubre que es un trabajo peligroso con un alto índice de mortalidad. Sin embargo, necesita el dinero y tendrá que enfrentarse a nuevos problemas, tanto en su trabajo como en su vida.
El valor que prevalecerá será el amor por su familia: la familia por encima de la tentación a sucumbir a lo que Oscar sabe que está mal, la familia por encima de su propia persona.
Continuamos nuestro repaso asiático a todo lo que pudimos ver en nuestro viaje al Udine Far East Film Festival. Para no variar seguimos de forma cronológica con lo que pudimos ver el día 28 de abril, 4 películas dispares compuestas por una supuesta comedia negra e irónica sin gracia, una simpática aunque olvidable comedia Indonesia, la ganadora del Oso de Oro en el pasado festival de Berlin y una de las comedias más delirantes y picantes de la temporada. Aquí lo tenéis.
Esta edición del Far East Film Festival ha estado un poco marcada, al menos en nuestro periplo de visionados, por las comedias, o más bien por las supuestas comedias, ya que a cosas locas y divertidísimas como Golden Chickensss, 3D Naked Ambition, de la que os hablare en este mismo artículo, From Vegas to Macao o Pee Mak, se mezclaban con otras cosas, comedietas de medio pelo, supuestas comedias japonesas en las que nadie se ríe o curiosas mezclas de géneros con resultado no demasiado satisfactorio. Esta última descripción es la que se podría aplicar a la taiwanesa Sweet Alibis.
Esta película empieza como un thriller policíaco, con un dúo protagonista compuesto por un policía solitario, despreocupado y algo desaliñado, y una policía que es la hija del jefe del distrito, novata pero muy entusiasta. Todo comienza con la muerte de un perro, caso que irá degenerando hasta implicarse en él desde una pareja de gemelos de lo más dispar, un turbulento triangulo amoroso o una pequeña mafia local. Ya sea por asesinato, tráfico de drogas o venganza, los acontecimientos nunca serán lo que parece.
Esta aparentemente atractiva sinopsis, que salvo la ridícula canción principal de la banda sonora, comienza de forma curiosa e interesante, para ir evolucionando de forma dispar, volviéndose algo ridicula, sin garra, y terminando de forma bastante mediocre. La gracia de la película es la mezcla de géneros, en donde el director rompe muchas reglas de los mismos para mezclarnos de forma en ocasiones bastante chula, en otras bastante ridícula, pero la cosa era esa, no saber muy bien como tomarse lo que estas viendo. Supongo que si entras en el juego bien, pero yo desde luego no entré y me pareció bastante mediocre y olvidable, es más me ha costado recordar detalles de la misma ahora que me he puesto ha escribir sobre ella.
Y ahora nos enfrentamos a otra de esas comedias con poca gracia, esta vez con la curiosidad de venir de Indonesia, una cinematografía no excesivamente vista en occidente. Raditya Dika, el actor principal y guionista de esta película, es un personaje muy conocido y querido en Indonesia debido a un blog que escribió contando sus vivencias mientras estudiaba en Australia, vivencias recopiladas en un Best-seller llamado Kambing Jantan que también se convirtió en película.
Basada en otro libro de Raditya Dika, el original es una colección de relatos cortos que recuerdan las experiencias amorosas del autor en el amor. En la película, estos cómicos episodios no son más que una premisa, condensada en un capítulo inicial que introduce al protagonista Dika, interpretado por el propio Raditya Dika, y como su desilusión por encontrar el amor lo lleva a escribir un libro sobre estos desencuentros. Después de una curiosa promoción es contactado por un productor, reconocido pro sus películas de terror, para adaptar al cine su libro, y entre tanto conoce a Jessica, la chica que puede convencerlo de cambiar sus opiniones sobre el amor.
Esta comedia con toques románticos y de situación no es realmente para reírse durante todo su metraje, es más bien una película simpática de bajo presupuesto, con algunos gags bastante graciosos pero en general plana y sin mucho que recordar una vez que se ha visto. Se pasa un rato entretenido, te ríes algo y poco más. Donde esconde algún punto interesante es en su visión satírica del cine comercial indonesio. Ese personaje del director Soe Lim, que quiere hacer dinero solo haciendo películas de terror que dan más risa que otra cosa, convirtiendo cualquier historia en algo que el cree que le dará dinero, es una extrapolación de la moda que ha asolado el sudeste asiático con subproductos de terror desde hace ya muchos años.
Nos encontramos ante la flamante ganadora del Oso de Oro de Berlin, y eso ya hacia que tuviese muchas ganas de verla. Si además su premisa nos muestra un thriller policíaco, más de ambientación que de acción, la cosa pintaba muy bien, y la verdad Diao Yinan no ha decepcionado y su película es presenta ciertas dosis de tensión y una gran ambientación.
La cosa, como no podía ser de otra manera, comienza con un asesinato. Ambientada en una zona rural del norte de China, un grupo de policías encuentra una parte humana en una planta de procesamiento de carbón, para descubrir luego otras repartidas por toda la región, quedando el caso sin resolver. Años más tarde uno de los policías de aquel caso, borracho y hastiado de la vida, conversa con un compañero que investiga otro caso de asesinato, estando involucrada una mujer que también había estado relacionada con ese primer caso años atrás. Mientras investiga a la mujer y descubre una serie de sospechosos relacionados con el caso, este policía irá poco a poco enamorándose de la chica.
La película comienza como un film noir típico, con el descubrimiento de las partes humanas, una pequeña investigación e incluso un tiroteo. Es interesante ese primer tiroteo, grabado de una forma muy curiosa, con una naturalidad fría, mostrando a una policía que se cree invulnerable y que por tanto son descuidados y prepotentes, sufriendo las consecuencias de esta creencia. Hay quien ve crítica social hacia el sistema chino en la película de Yinan, yo realmente no se la veo, veo más bien una ambientación realista, que muestra lo que hay en China, no una crítica expresa hacia el sistema en si, peor este primer tiroteo me parece interesante ya que le propio director nos habló de este tema en el Talks del festival. Nos comentaba como en occidente la policía teóricamente servia a los ciudadanos mientras que en China la policía servia al gobierno. Algo que pude tenerse en la mente mientras se ve la película.
Pero retomemos el tema. No esperéis ver un film de acción y tiroteos, lleno de personajes carismáticos, femmes fatales o sangre y asesinatos, esto es más bien un thriller con toques de autor, con un guión no muy rebuscado pero bien plasmado en pantalla y una puesta en escena realmente sobresaliente. Su ritmo pausado, una fotografía oscura, decadente, con una ambientación que termina siendo el plato fuerte de la película, casi opresiva en si misma, y una fotografía realmente absorbente, es lo que nos mantendrá pegados en pantalla dejándonos llevar por la historia.
Esta es una película muy recomendable, para los que buscan un thriller distinto pero muy bien trabajado.
Ya os comentaba como las comedias fueron uno de nuestros platos fuertes del festival, y particularmente hemos tenido una buena ración de comedias eróticas, con la ya comentada Golden Chickensss y con esta 3D Naked Ambition, sin el 3D pero con un Chaman To desatado y una mezcla de humor y sexo divertidisima.
Nos trasladamos a Hong Kong para conocer a Wyman Chan, interpretado por Chapman To, un escritor de literatura erótica y guionista que ve como el pirateo e Internet están haciendo mella en el negocio del cine porno. Asociándose con sus amigos deciden viajar a Japón para grabar cine AV (Adult Video) y asi poder ganar dinero y exportarlo a Hong Kong. Pero al llegar todo se tuerce y Wyman terminará convirtiéndose en el actor porno más de moda en Japón realizando películas donde es un juguete sexual de las mujeres.
Y con este guión lo que se espera es lo que se encuentra, una comedia divertidisima que mantiene el ritmo durante toda la película, es más va in crescendo con una parte final delirante. Todo su metraje se llena de gags de humor absurdo y de situación, con un toque de comedia Mo Lei Tau (comedia de conversación absurda) muy hongkones, con unos diálogos si bien no ingeniosos si chispeantes, torciendo situaciones hacia derroteros casi absurdos y muy divertidos. Todo está lleno de referencias y guiños, desde el nombre artístico del protagonista Mario Ozawa, en referencia a una de las grandes pornstars japonesas Maria Ozawa, hasta la aparición de Sandra Ng como nuestra Golden Chicken favorita, incluyendo un cameo en la parte final de Louis Koo como el competidor del personaje de Chapman To, interesante porque el propio Koo es el protagonista de Naked Ambition, película de 2003 dirigida por Hing-Ka Chan y Dante Lam, en la que está inspirada esta. A todo esto hay que añadir muchas escenas eróticas y de ámbito sexual, casi todas ellas protagonizadas por Chapman To y actrices AV reales de la escena japonesa.
Pero si algo brilla en esta película es Chapman To, un actor con experiencia y cómico casi por vocación, que hemos visto en pequeños papeles en varias de las películas de esta edición de Udine, y que estando entre el público ya se dejaba ver con su humor y carisma.
En definitiva, una comedia terriblemente divertida y picantona que garantiza risas y diversión.
Durante la semana pasada se ha celebrado el Festival de Granada Cines del Sur, uno de mis festivales favoritos por calidad cinematográfica, cercanía y buen ambiente, peor al que tristemente este año no he podido asistir. Sea como fuere hoy quiero acercaros el palmares de esta edición, que cuenta con dos presencias asiáticas muy destacables, la ganadora de festival 40 DAYS OF SILENCE, de SAODAT ISMAILOVA, de Uzbekistán y la india LIAR’S DICE, de GEETU MOHANDAS.
ALHAMBRA DE ORO: 40 DAYS OF SILENCE, de SAODAT ISMAILOVA, Uzbekistán, Alemania, Francia, Holanda.
Por asumir riesgos narrativos con una propuesta novedosa donde todos los elementos son fundamentales en la construcción de la historia y en el desarrollo de los personajes.
Con gran audacia formal la película apela a una experiencia sensorial que va más allá de lo tradicionalmente visual y hace que el silencio, que históricamente la sociedad patriarcal ha atribuido a la mujer, sea un silencio elocuente y no de resignación.
ALHAMBRA DE BRONCE: LIAR’S DICE, de GEETU MOHANDAS, India
Por su original y logrado uso del género establecido de la road movie con un sólido empaque formal y su capacidad de generar múltiples interpretaciones. La película construye un singular grupo de personajes que apelan a los espectadores más allá de las fronteras geográficas y culturales.
MENCIÓN ESPECIAL: IT’S US, de Nick Reding, Kenia.
Por su apuesta por transformar la realidad, y de contar con el humor como elemento transgresor.
El Jurado ha dado la enhorabuena al festival Cines del Sur por el excelente nivel de la selección oficial, que ha hecho tan ardua como placentera su labor y que permite conocer cinematografías invisibles y que, habitualmente, no tienen cabida en las salas. Y ha animado a las instituciones y al público a seguir apoyando esta enriquecedora iniciativa.
Por su parte, Noelia Ruiz portavoz del JURADO JOVEN, compuesto por dieciocho miembros de la Universidad de Granada ha anunciado la decisión de otorgar el premio ALHAMBRA DE PLATA a “Heritages” de Philippe Aractingi.
Por ser una película emotiva, que narra con gran efectividad y sentimiento el problema de la emigración desde el punto de vista de los propios protagonistas de la historia. Por la originalidad en el tratamiento de la historia, con un uso maravilloso del collages y la mezcla de técnicas; por la cercanía y la empatía que crea la familia al contar su historia, sin olvidarnos del genial papel que juega la hija pequeña del director. Con todos estos ingredientes consigue arrojar cierta esperanza y tratar sin una crudeza exagerada un tema que ciertamente es dramático.
Si la serie Roman Porno lanzada en 1971 por la Nikkatsu –más de 700 películas producidas hasta 1988- permitió el nacimiento de auténticos autores como Tatsumi Kumashiro (Woods are wet: Woman hell) o Noboru Tanaka (Rape and death of a housewife), fue a la sombra de estos últimos que brillantes artesanos, respaldados por estupendos técnicos herederos de la tradición de la edad de oro del cine japonés, salidos de los equipos de Mizoguchi, Yuzo Kawashima, Imamura… sostuvieron estas estrategias de producción así como su diversidad genérica.
El primero, Yasuharu Hasebe, es considerado como un maestro del cine de acción. Diplomado en literatura francesa, entra en la Nikkatsu en 1958, en la que se convierte en asistente de Seijun Suzuki (Youth of the beast, Tokyo drifter) y Takashi Nomura (A colt is my passport), antes de debutar como director en 1966 ( Black tight killers). Conocido por sus colaboración con el gran guionista de acción Shuichi Nagahara, a quien se le deben obras maestras de la talla de A colt is my passport o The most dangerous game, Hasebe se impone rápidamente como una de las puntas de lanza del estilo Nikkatsu New Action (la saga Stray cat rock), al lado de Yukihiro Sawada, director del Roman Porno de acción Retreat through the wet wasteland. Alimentado por la serie B americana y admirador de Siegel, le debemos incluso una versión Roman Porno de Dirty Harry (Dirty Mary). Menos interesado por la descripción de los sentimientos que por la acción pura, no realizará más que nueve Roman Porno antes de volver a la televisión y contribuir al éxito del V-cinema para la Toei en los años noventa. Rodando las escenas de sexo como si fuesen escenas de acción, sus Roman Porno rebasan las fronteras del género. Con Assault! Jack the Ripper, su película más extrema, sustituye las escenas clásicas de amor por escenas de violaciones y muerte, que hacen de la relaciones amorosas un desecadenamiento surrealista de violencia barroca que haría pasar Natural born killers de Oliver Stone por pequeños delincuentes.
Al contrario que Hasebe, que se movió fundamentalmente en el cine de acción, Koyu Ohara es uno de esos artesanos entre los más versátiles y prolíficos (cuarenta y ocho Roman Porno de 1972 a 1985). Entra en el estudio el mismo año (1961) que Noboru Tanaka y Masaru Konuma, que le apodan «Funky», uniendo camisas hawaianas y gafas de sol, como un verdadero «golden boy» de estudio. A gusto en todos los géneros (jidaigeki, SM, comedia musical, películas de jóvenes,…), rueda alguno de sus más grandes éxitos comerciales (Pink hip girl). Coronado por una reputación de director rápido que sabe responder a los presupuestos económicos del estudio, Ohara realiza un cine de entretenimiento sin plegarse a las exigencias artísticas. Como White Rose Campus que se muestra como un ejercicio de perversión paródico de las road-movie y del «film de colegiales», en el que la realización nerviosa no tiene nada que envidar a la obra maldita de Bava, Cani arrabbiati.
Bajo el signo del sexo y la violencia, esta doble sesión muestra, más allá de la alta calidad artística del Roman Porno, toda la elasticidad de un género que fue para sus creadores un verdadero terreno de experimentación y libertad creativa desatada.
Dimitri Ianni (Cinémathèque française)
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Título:
Assault! Jack the Ripper
Título V.O:
Bôkô Kirisaki Jakku
Director:
Yasuharu Hasebe
Año/País:
1976 / Japón
Duración:
72 minutos
Género:
Pinku eiga/violent pink
Reparto:
Tamaki Katsura, Yutaka Hayashi, Yuri Yamashina, Natsuko Yashiro, Rei Okamoto, Luna Takamura
Ya sabéis que no soy muy dado ha realizar comentarios o críticas de películas salvo en festivales, eventos clave que merecen ser contados y recordados. Pero tenia algo pendiente desde hace aproximadamente un mes que debía hacer y se ha retrasado por motivos laborales, y es hablaros de mi humilde opinión sobre Godzilla, la ultima película del monstruo japones que se traslada a América por su 60 cumpleaños, dirigida por Gareth Edwards.
Aunque hace tiempo que no escribo o comento el tema, no debería ser ajena a los lectores de este pequeño espacio mi pasión por el Kaiju Eiga en general y por Godzilla en particular, no obstante ahí arriba lo tenéis, como leiv motiv e imagen de Asiateca desde hace muchos años. Con esto quiero decir que el hype que tenia sobre esta película era tremendo y que mi visión y opinión sobre ella es totalmente parcial, sesgada y llena d espoilers (no sigáis leyendo sino queréis saber ciertas cosas de la película), como no podía ser de otro modo.
Pero pongámonos en materia. Gareth Edwards es un joven director proveniente del mundo del cine independiente que ya hizo una película de monstruos hace unos años llamada “Monsters” y que resulto una especie de “road movie” (no se muy bien como definirlo) que contaba las andanzas de una pareja por una zona de México invadida, o más bien infectada, por especies alienígenas. Lo curioso de esta película es que no es una película de monstruos entendida dentro de los cánones del género, sino que es una película intimista con la pareja de actores y su viaje como protagonistas, guardando su fuerza en lo visual y lo casi onírico (al menos así la recuerdo). Esta película seguro que decepcionó a todo aquel que esperaba una cinta de monstruos más típica (como sucedió a parte del público tras su pase en el festival de Sitges), pero a mi me resulto muy curiosa.
Este 2014 es el 60 aniversario del nacimiento del saurio gigante en 1954, y los primeros trailers apuntaban a que esta celebración (made in EEUU) podría recurrir a una cinta parecida a la original, con Godzilla como único protagonista monstruoso y cierta trascendencia social y fuerza narrativa en los personajes humanos. Luego nos enseñaron ciertas imágenes de un monstruo volador con cierto parecido a Gyaos de la saga de Gamera y ya la cosa me descolocó aún más, incrementando más las ganas de verla y la gran pregunta “¿Que me voy a encontrar?”.
Y lo que me encontré es una película con una estructura fílmica y narrativa muy similar a los Godzillas japoneses de los 90, pero sublimando las escenas de acción entre monstruos hasta unos niveles altísimos. Esta me parece una película de momentos, de escenas que se quedan grabadas a fuego en la retina, de fotogramas que recordaré toda la vida dentro de la saga del saurio gigante. Pero una película no puede basarse solo en eso y por ello esta tiene puntos oscuros, muy oscuros.
La cinta podría estructurarse en tres partes, una introducción, una parte central y el desenlace (aunque suene a evidencia). La introducción, si bien nos presenta una historia típica, me parece bien narrada y posee el buen hacer de los actores Bryan Cranston y, en menor medida, Juliette Binoche, que con tan solo unos minutos en pantalla te llegan, te hacen sentir esa historia que estamos viendo. La cosa desaparece rápido al terminar esta introducción y entonces surge uno de los problemas, la falta de un personaje con carisma que mueva la película, ya que Aaron Taylor-Johnson no llega a decir mucho en cuanto a este respecto. Mención aparte el desaprovechadisimo papel de Ken Watanabe, que solo pone cara de preocupación y poco más.
Y es que es el guión uno de los grandes lastres de la película, un guión típico, lleno de clichés y con un desarrollo un tanto ingenuo, un guión que podría haber dado mucho más de si. En toda la parte intermedia ese guión pierde fuelle, hace cosas raras solo para favorecer ciertas escenas y no voy a desgranar todas esas pequeñas incongruencias que puedo recordar ahora (bombas nucleares que parecen no explotar nunca y cosas del estilo). ¿Que me gusta entonces de todo esto? La fuerza visual de muchas de sus escenas, me gusta el gran uso del CGI y los efectos especiales, me gusta la forma de plasmar los escenarios, de sumergirse en su interior y mostrar la grandilocuencia de los monstruos. Me gusta mucho la forma que ha elegido Edwards de mostrar la destrucción, y ciertas escenas dramáticas, de forma indirecta, me gusta la narración indirecta en general en esta película, resta ciertas posibilidades a mostrar destrucción de forma grandilocuente, pero crea un clima especial.
Una de las críticas que se han hecho a esta película es que Godzilla aparece muy poco, y en parte estoy de acuerdo, yo lo hubiera sacado un poquito más, no mucho, ya que los MUTOs aparecen en escena de forma bastante asidua. Hablando de monstruos, me ha gustado el intento de Edwards de trasmitir cierta expresividad y sentimientos en los monstruos, aunque queda sutil, fomenta ciertas reacciones y creo les da un toque de realismo.
Perdido entre un guión raro, muchos efectos visuales y escenas para recordar, personajes sin carisma y ganas de acción llegan esos 30 últimos minutos, la aparición estelar de Godzilla en toda su extensión y no en escenas sueltas, y la puesta en escena de la parafernalia CGI definitiva. Sin duda lo mejor de toda la película, con momentos “WOW” a raudales y escenas impresionantes, con un final demasiado políticamente correcto, pero en general satisfactorio. Creo que todos recordaremos el impresionante descenso en paracaídas de los militares, ese cruce de miradas entre el protagonista y Godzilla entre le polvo de la destrucción o, al menos yo lo haré, ese primer rayo que lanza Godzilla.
Mi opinión sincera sobre la película es que al terminar de verla me gustó mucho, pasados los días me gusta algo menos porque ese guión tan flojo y la falta de carisma de los personajes, unido a que la acción tarda en aparecer, lastran mucho la película. Pero el film en general me parece muy digno, me gustan las continuas referencias que se hacen al universo Godzilla, con la fecha de 1954 como un punto clave, con un homenaje, solo en nombre, al Doctor Serizawa de la película original, o a muchos detallitos de la película (como un mariposario con el nombre de Mothra).
No debemos olvidar que esto es un Blockbuster americano, y Edwards pretende ir un poco más allá, ofreciendo algo más. Creo que esta película muestra un camino interesante y con mucho potencial, que en esta ocasión se ha perdido un poco en giros y recovecos, desaprovechando elementos y emborronando un poco el resultado, pero que sigue ahí, si se aprende y evoluciona correctamente podrían salir cosas muy buenas de la prometida trilogía de este Godzilla americano.
En el pasado Festival de Cine de Sitges, y después de haberse proyectado primero en la sección Zabaltegi del Festival de San Sebastián, New World, la segunda película como director del coreano Park Hoon-jung, se alzó con el Premio Focus Asia. Un premio… algo nada nuevo para su director, puesto que sus guiones para películas de otros realizadores de su país, han ido obteniendo sucesivos galardones en distintos certámenes cinematográficos. Títulos como Encontré al diablo o The Unjust tienen su sello pero, ahora, con New World, se consagra, además de como guionista, como un más que prometedor nuevo director coreano a seguir la pista. En el mes de octubre pasado, en los jardines del Hotel Melià de Sitges, tuvimos ocasión de charlar con el joven director…
Asiateca: Lleva ya años trabajando como guionista, pero es a partir de 2010 cuando su nombre aparece en dos películas muy importantes como son Encontré al diablo y The Unjust y empieza a ser reconocido. ¿Qué han supuesto estos dos guiones en su carrera?
Park Hoon-jung: La verdad es que gracias a estas dos películas estoy aquí, el éxito de estas dos películas me ha dado la oportunidad de debutar como director.
Asiateca: Y después de tantos años como guionista, ¿por qué decide dar el salto a la dirección?
Park Hoon-jung: Desde que era adolescente, desde que iba al instituto, ya quería hacer películas, quería ser director. Más tarde, primero debuté como guionista, lo que considero forma parte del proceso para llegar a ser director de cine.
Asiateca: ¿Qué es lo que aprendió desde The Showdown, su primera película como director, hasta New World?
Park Hoon-jung: Cuando The Showdown se estrenó hizo unas cifras muy modestas en la taquilla; New World, en cambio, ya la han visto más de 4 millones de espectadores. The Showdown fue mi debut, mi ópera prima, yo tenía muy poca idea acerca de dirigir, desde la dirección de actores hasta las partes más técnicas. Así pues, fracasó comercialmente. Pero creo que aprendí muchísimo haciendo esta película y cuando la terminé me propuse no cometer los mismos errores que había cometido.
Asiateca: Cuando buscamos reseñas acerca de New World, muy a menudo leemos que es un cruce entre la gran trilogía hongkonesa de Infernal Affairs y la gran trilogía americana que es El Padrino. ¿Cómo se siente uno cuando su segunda película es comparada con obras magnas del cine de gangsters? Sabemos que ha visto más de 100 veces El Padrino…
PHJ: Para mí es un honor que comparen mi película con estas obras maestras (con cara de susto)… La verdad que no he contado cuántas veces he visto El Padrino (se ríe), pero sí que podría llegar a las 100 veces… Además, cuando era adolescente y luego estudiante universitario, el cine de acción hongkonés era muy popular en Corea, con lo cual mi cine tiene muchas influencias de estas películas. New World, como cine de género, no se ha escapado de este marco del cine de Hong Kong… Pero, vamos, la comparación con esas obras maestras… guau, la verdad que para mí es un honor.
Asiateca: ¿Cómo consigue en su segunda película que trabajen en ella estrellas cinematográficas de la talla de Choi Min-sik, Lee Jung-jae o Hwang Jung-min, y que confíen en usted como director?
PHJ: En un principio, enseñé el guión de New World a Choi Min-sik, a quien le gustó mucho y me dio carta blanca; después vino Hwang Jung-min y también le gustó mucho el guión. El último que se incorporó fue Lee Jung-jae. Hay que tener en cuenta que con Choi Min-sik ya había trabajado en Encontré al diablo y con Hwang Jung-min lo había hecho en The Unjust, así que ya teníamos alguna relación previa y supongo que esto ayudó a que quisieran trabajar en New World.
Asiateca: Siempre trabaja con personajes masculinos, que normalmente son los protagonistas de sus guiones y, además, son roles con mucha fuerza. ¿Para cuándo un guión donde las mujeres tengan un papel más importante?
PHJ: Todas mis historias tratan de la sociedad coreana, sea como crítica, desórdenes sociales u otros temas. En mis guiones los protagonistas y personajes son mayormente hombres porque en la sociedad coreana los puestos de decisión o de importancia son casi siempre masculinos, la realidad es así. Nunca he pretendido centrarme en lo masculino como tal, sino hablar de problemáticas sociales; mis historias no son mas que un reflejo de la realidad de Corea del Sur.
Asiateca: ¿Cree que la sociedad coreana cambiaría si esos roles se invirtieran?
PHJ: Creo que es muy difícil que cambie. Puede que este cambio de roles al que usted apunta pueda pasar poco a poco, pero un cambio total y radical creo que es algo demasiado difícil que pase.
Asiateca: Se comenta que se está preparando una segunda parte de New World. ¿Es así? ¿Nos puede adelantar algo?
PHJ: Sí, la segunda parte será una precuela de esta primera película, estoy pensando en rodarla a lo largo del 2014 y estrenarla en 2015.
Asiateca: ¿Quiere seguir siendo el guionista de sus propias películas?
PHJ: Creo que seguiré escribiendo los guiones de mis películas, aunque si se diera el caso que se presentara una historia interesante de otra persona como para querer hacerla (duda)… La verdad es que no lo sé, creo que no he llegado a un nivel lo suficientemente alto como director, por lo que si hiciera una película con el guión de otro y la cosa saliera mal, a lo mejor no me lo perdonaría.
Asiateca: La última pregunta ¿Qué tal su experiencia en Sitges? ¿Le hemos tratado bien?
PHJ: El vuelo desde Corea del Sur dura, quizás, unas 16 horas, lo que no es poco. Lo cierto es que todos los directores que han venido aquí me han hablado muy bien del Festival, y por eso estoy aquí, sino no hubiera aguantado 16 horas de vuelo (risas)… La verdad que me gusta mucho, el ambiente del festival es muy tranquilo, eso me gusta.
Bastante parco en palabras… Bastante serio… pero interesante el joven director Park Hoon-jung quien nos brindó un rato de su tiempo para compartir con nosotros. Le seguiremos la pista… sin duda.
Falta menos de un mes para que den comienzo las Nits de Cinema Orientalde Vic, y es hora de hacer un completo repaso a toda la programación que podréis disfrutar si os acercáis a la ciudad catalana. Hoy repasaremos la completa y variada programación de la sección oficial, tanto competitiva como fuera de concurso, y en los próximos días presentaremos el resto de programación y retrospectivas.
Inauguración
Blue Bustamante
Filipinas, 2013
Dirección: Miko Livelo
Reparto: Joem Bascon, Jun Sabayton, Jhiz Deocareza, Gerard Go
Idioma: tagalo-japonés (v.o.s.c) / Duración: 90 min.
1990, George Bustamante deja a su familia en Filipinas y emigra a Japón, donde encuentra trabajo como doble de acción en la famosa serie de televisión Force Five. Un nostálgico homenaje al sentai de los 80 y 90 lleno de ternura y humor, rodado con pocos medios pero con mucho corazón.
Filipinas, 2013
Dirección: Borgy Torre
Reparto: Joel Torre, Arthur Acuña, Bing Pimentel
Idioma: tagalo (v.o.s.c) / Duración: 101 min.
Andrés es un humilde pescador filipino que encuentra flotando en el mar parte de un alijo de drogas. Inspirado en el mito de Fausto, Kabisera (palabra que en tagalo designa a la persona que preside la mesa) nos presenta la transformación de un hombre sencillo en alguien capaz de vender su alma por dinero.
Índia, 2013
Dirección: Nikhil Advani
Reparto: Irrfan Khan, Arjun Rampal, Shruti Haasan, Rishi Kapoor
Idioma: hindio / Duración: 152 min.
Cuatro agentes especiales del Servicio de Inteligencia Indio reciben la orden de capturar al terrorista más buscado del país. Inspirada en hechos reales, D-Day contiene una carga de crítica política inusual en un filme de Bollywood. Las dudas morales que plantea sobre las actuaciones de los gobiernos en pos de acabar con el terrorismo, la ha hecho ganar tanto defensores como detractores acérrimos en su país de origen.
Tres amigos de un instituto están obsesionados con las chicas. El problema es que no saben nada sobre el sexo femenino e interactuar con ellas es todo un suplicio. El nuevo largometraje del director de la exitosa Afro Tanaka parodia la vida diaria de un instituto japonés.
Taiwan, 2013
Dirección: Chang Tso-chi
Reparto: Guan Guan, Yang Liang Yu
Idioma: mandarín / Duración: 109 min.
Bao pasa el verano con su abuelo en un pequeño pueblo en medio de la naturaleza. Sus padres, abducidos por el trabajo, nunca tienen tiempo para él. Sin aparatos electrónicos y con el cariño del abuelo, Bao se enfrentará por primera vez a la vida real. Una delicada historia de aprendizaje llena de poesía.
The White Storm
Hong Kong, 2013
Dirección: Benny Chan
Reparto: Lau Ching-Wan, Louis Koo, Nick Cheung, Yolanda Yuan
Idioma: cantonés, inglés i tailandés (v.o.s.c) / Duración: 134 min.
Tres amigos, policías del departamento de narcóticos de Hong Kong se ven envueltos en una trama de tráfico de drogas a gran escala. ¿Os gustan las películas sobre la amistad y las venganzas, con excesos melodramáticos y tiroteos a lo John Woo? Pues The White Storm os encantará.
Hong Kong, 2014
Dirección: Wong Ching-Po
Reparto: Philip Ng, Andy On, Sammo Hung
Idioma: cantonés / Duración: 110 min.
El Shanghai de principios del siglo XX está controlado por las triadas. Un joven inmigrante que llega a la ciudad, pronto llama la atención por su dominio del kung fu y entabla amistad con un gánster local. Un homenaje al cine de artes marciales, imprescindible para los amantes de la acción.
Hong Kong, 2013
Dirección: Dante Lam
Reparto: Nick Cheung, Eddie Peng, Mei Ting, Crystal Lee
Idioma: cantonés-mandarín / Duración: 120 min.
Tres personajes en busca de una segunda oportunidad. La espectacularidad de los combates de Mixed Martial Arts se mezcla con la ternura de las escenas que relatan la vida de sus protagonistas.
Un mago en horas bajas recibe la visita de una niña que dice ser su hija. Al mismo tiempo, le encargan un trabajo que puede relanzar su carrera profesional. Una comedia amable para toda la familia con guiños a los filmes de Chaplin y a Luna de papel de Peter Bogdanovich.
Tailandia, 2013
Dirección: Banjong Pisanthanakun
Reparto: Mario Maurer, Davika Hoorne, Pongsathorn Jongwilas, Nattapong Chartpong
Idioma: tailandés / Duración: 115 min.
Reino de Siam, s. XIX. Mak se va a la guerra dejando a su mujer, Nak,embarazada. Unos meses después, empieza a correr el rumor en el pueblo de que Nak y su bebé son fantasmas. Una nueva versión de la leyenda de Mae Nak dirigida por uno de los autores de la famosa Shutter.
En 1953, un arqueólogo llega a un pequeño pueblo para excavar un templo situado dentro de las propiedades del cacique local. Toda la familia queda prendada del joven, especialmente, la hija del terrateniente.
China, 2013
Dirección: Fei Xing
Reparto: Sun Honglei, Aaron Kwok, Yu Nan, Deng Jiajia
Idioma: mandarín / Duración: 120 min.
Lin Mengmeng, hija del magnate y político Lin Tai, es acusada del asesinato de la novia de su padre. Su juicio se convertirá en un duelo entre abogados, acusados y testigos. Un thriller alejado de la maquinaria propagandística china.
Índia, 2013
Dirección: Vijay K. Acharya
Reparto: Amir Khan, AbhisheK Bachchan, Katrina Kaif, Uday Chopra
Idioma: hindio-inglés / Duración: 162 min.
El hijo de un mago indio residente en Chicago, decide cometer una serie de robos para vengar la muerte de su padre. La policía estadounidense llamará a dos agentes de Bombay para que los ayude. Si hace diez años Dhoom os pareció espectacular, esta tercera parte es todo eso multiplicado por tres.
Singapur, 1992. Cuatro adolescentes intentan mantener abierto el bar musical de los padres de uno de ellos mientras se enfrentan al paso a la vida adulta y a los cambios sociales del país, que está a punto de vivir sus primeras elecciones democráticas.
Filipinas, 2013
Dirección: Siege Ledesma
Reparto: Yeng Constantino, Felix Roco, Matt Valeña, Alex Medina
Idioma: inglés, tagálog (v.o.s.c) / Duración: 80 min.
Un relato sobre la Manila moderna en el que dos jóvenes sueñan con triunfar mientras trabajan como teleoperadores. Los protagonistas utilizan el Whatsapp y el Facebook para comunicarse, otorgando al film una factura visual muy original.
Filipinas, 2013
Dirección: Ron Morales
Reparto: Arnold Reyes, Menggie Cobarrubias, Dido de la Paz
Idioma: tagalo (v.o.s.c) / Duración: 84 min.
Marlon trabaja como chófer de un político. Ambos tienen una hija de la misma edad. Un día, secuestran a la hija de Marlon al confundirla con la hija de su patrón. Una historia de desafección e intriga que bebe del film noir, en la que destaca la interpretación de su protagonista, Arnold Reyes.
Malaisia, 2013
Dirección: Syamsul Yusof
Reparto: Aaron Aziz, R. Nor, Zizan Raja Lawak
Idioma: malayo-mandarín / Duración: 109 min.
Malek intenta que su hermano pequeño deje la banda de narcotraficantes a la que pertenece. Precuela de KL Ganster, proyectada en las Nits del 2012 , está protagonizada por un elenco multirracial, espejo de la propia sociedad malaya.
Corea del sur, 2013
Dirección: Cho Ui-seok, Kim Byung-seo
Reparto: Seol Gyeong-gu, Jeong U-seong, Han Hyo-ju, Kim Byeong-ok
Idioma: coreano / Duración: 118 min.
Una joven se incorpora a una unidad especial de vigilancia de la policía de Seúl. Mientras investiga unos robos, su jefe de escuadrón le irá enseñando los secretos de la profesión. Remake coreano de Eye in the Sky con una puesta en escena que mantiene la tensión durante sus dos horas de metraje.
Y si ayer comentábamos lo que dará de si la programación oficial de las Nits de Cinema Oriental de Vic, hoy veremos el resto de la programación, llena de sesiones golfas, animación y la retrospectiva dedicada la cine filipino. Yo de vosotros no me lo perdería.
Sesiones Especiales
Tales From the Dark 1
Hong Kong, 2013
Dirección: S. Yam, L. Chi-Ngai, F. Chan
Reparto: Simon Yam, Dada Chan, Kelly Chen, Tony Leung Ka-Fai, Susan Siu
Idioma: cantonés / Duración: 114 min.
Los tres primeros capítulos de este doblete de relatos fantasmales recrean una atmósfera enrarecida que retrata a la perfección el lado más sobrenatural de Hong Kong. Tres cuentos de extrañeza hipnótica sin sustos fáciles.
Tales From the Dark 2
Hong Kong, 2013
Dirección: G. Chan, L. Lau, T. Robin
Reparto: Fala Chen, Gordon Lam, Sham Ka-ki, Teddy Robin
Idioma: cantonés / Duración: 89 min.
Estos segundos cuentos de la oscuridad vienen firmados por tres directores veteranos del cine hongkonés y, a diferencia de la primera entrega, está clasificada como categoría III.
BCN Knockout!
Índia, 2013-14
Dirección: Puri Jagannadh
Reparto: Allu Arjun, Amala Paul, Catherine Tresa
Idioma: telugu / Duración: 85 min.
Una estudiante india de psicología se muda a Barcelona. En el piso encuentra el diario de su anterior inquilina y se obsesiona con la historia que relata. BCN Knockout es la versión internacional de Iddarammayilatho, una cinta de acción espectacular rodada íntegramente en Barcelona.
Gun Caliber dedica su tiempo al sexo, las drogas y el alcohol, pero cuando una amenaza pone en peligro a Tokio, sale a relucir el héroe que lleva dentro. Debut como director de Bueno, uno de los coreógrafos de acción más brillantes del cine japonés.
Llega la superheroína definitiva acompañada de su mágico osito de peluche. La desastrosa vida de una gothic Lolita cambia para siempre al convertirse en Nuigulumar Z y enfrentarse a unas malvadas alienígenas que disparan rayos láser por el pecho y a unos zombis bailarines.
La mejor adaptación cinematográfica de la saga Bersek es una aventura épica que no escatima en sangre y sexo y se acerca mucho al manga original. La aventura más oscura de Griffith y Guts tiene una gran riqueza cromática, unos excelentes dibujos detallistas y una buena narrativa.
Segunda entrega de la adaptación del manga de Osamu Tezuka que recoge la etapa de crecimiento espiritual de Buda. Después de su presentación en el Museo del Louvre el pasado mes de enero, la película se podrá ver por primera vez en nuestro país aquí en las Nits.
Hardcore Comedy
Hong Kong, 2013
Dirección: H. Wong, C. Siu-wing, L.y Yiu-fai
Reparto: D. Chen, W. Chan Wai-Ting
Idioma: cantonés / Duración: 93 min.
La diferencia entre la genialidad y la estupidez es que la genialidad tiene un límite. Con esta rotunda frase comienza una de las películas más desvergonzadas que se han rodado nunca. El humor grueso, la irreverencia, la acción, incluso el sexo, salpican este cóctel multigénero de tres historias independientes que se acaban cruzando.
Puño Desnudo
Filipinas-EEUU, 1981
Dirección: Cirio H. Santiago
Reparto: Jillian Kesner, Darby Hinton, Rey Malonzo, Ken Metcalfe
Idioma: castellano / Duración: 77 min.
Susanne es una instructora de artes marciales norteamericana que viaja hasta Filipinas para buscar a su hermana, presa de un cartel de drogas. Uno de los mejores ejemplos del cine grindhouse que convirtió a Filipinas en los 70 y 80, en el tercer país productor de cine del mundo.
Machete Maidens…
Australia-Filipinas, 2010
Dirección: Mark Hartley
Documental. Con: Roger Corman, Joe Dante, John Landis, Eddie Romero
Idioma: inglés / Duración: 85 min.
Este documental nos explica con todo lujo de detalles el nacimiento, esplendor y caída del imperio del cine más demencial de la historia: el explotation filipino. Un paseo por la serie B de la mano de grandes maestros del fantástico.
The Search for Weng Weng
Australia-Filipinas, 2013
Dirección: Andrew Leavold
Documental
Idioma: inglés, tagálog (v.o.s.c) / Duración: 93 min.
Andrew Leavold nos presenta el resultado de ocho años de investigación para localizar a Weng Weng, el actor más bajito del mundo. Este filipino de 80 cm de altura protagonizó un puñado de películas acción durante los 70 y 80, y a través de sus aventuras y desventuras conoceremos más detalles de la época dorada del cine filipino.
Los clones de Bruce Lee
Hong Kong-Corea del Sur, 1980
Dirección: Joseph Kong
Documental: Bruce Le, Dragon Lee, Bruce Lai.
Idioma: cantonés (doblada al castellano) / Duración: 90 min.
Un científico loco tiene una gran idea para conseguir dominar el mundo: clonar al fallecido Bruce Lee para lograr un ejército invencible. Joseph Kong consiguió con esta cinta la locura de kung fu definitiva, reuniendo a los falsos Bruce Lee más famosos en una trama repleta de acción.
Hace unos días se han concedido los premios de la critica filipina a lo mejor de la producción cinematográfica de aquel país durante el pasado año. Entre las nominadas había un buen puñado de películas, entre las que ha destacado sobre otras la última producción de Lav Diaz Norte, Hangganan ng Kasaysayan. También ha habido algún premio para On The Job de Erik Matti, que vimos el pasado año en Sitges y nos gusto muchisimo. Os dejo la lista completa de nominados y premiados.
Mejor Película
Norte, Hangganan ng Kasaysayan
On the Job (OTJ)
Transit
Ekstra
Riddles of My Homecoming
Badil
Ang Kwento ni Mabuti
Porno
Dukit
Mejor Actor
Mark Gil (A Philipino Story) Joel Torre (OTJ)
Mimi Juareza (Quick Change)
Sid Lucero (Norte, Hangganan ng Kasaysayan)
Ping Medina (Transit)
Jhong Hilario (Badil)
Alex Medina (Babagwa)
Mejor Actriz
Nora Aunor (Ang Kuwento ni Mabuti)
Vilma Santos (Ekstra) Angeli Bayani (Norte, Hangganan ng Kasaysayan)
Cherie Gil (Sonata)
Eugene Domingo (Instant Mommy)
Rustica Carpio (Ano ang Kulay ng mga Nakalimutang Pangarap?)
Agot Isidro (Mga Anino ng Kahapon)
Vivian Velez (Bendor)
Lorna Tolentino (Burgos)
Teri Malvar (Ang Huling Chacha ni Anita)
Mejor Actor Secundario
Junjun Quintana (A Philippino Story)
Art Acuña (Kabisera)
John Arcilla (Metro Manila)
Joey Marquez (OTJ)
Yul Servo (Porno)
Carlo Aquino (Porno)
Victor Basa (Lauriana)
Cesar Montano (Alamat ni China Doll)
Archie Alemania (Norte, Hangganan ng Kasaysayan)
Bor Ocampo (Dukit)
Mejor Actriz Secundaria
Angel Aquino (Ang Huling Cha Cha ni Anita)
Angel Aquino (Porno)
Mitch Smith (Angustia)
Ruby Ruiz (Ekstra)
Jasmine Curtis-Smith (Transit)
Raquel Villavicencio (Dukit)
Mejor Director
Erik Matti (OTJ)
Lav Diaz (Norte, Hangganan ng Kasaysayan)
Jeffrey Jeturian (Ekstra)
Peque Gallaga and Lore Reyes (Sonata)
Arnel Mardoquio (Riddles of My Homecoming) Hannah Espia (Transit)
Alvin Yapan (Mga Anino ng Kahapon)
Whammy Alcazaren (Islands)
Chito Rono (Badil)
Mes de Guzman (Ang Kwento ni Mabuti)
Adolf Alix Jr. (Porno)
Armando “Bing” Lao (Dukit)
Mejor Guión
Lav Diaz y Rody Vera (Norte, Hangganan ng Kasaysayan)
Michiko Yamamoto y Erik Matti (OTJ)
Rody Vera (Badil)
Giancarlo Abrahan y Hannah Espia (Transit)
Jason Paul Laxamana (Babagwa)
Ralston Jover (Porno)
Rody Vera (Death March)
Armando Lao y Honeylyn Joy Alipio (Dukit)
Mejor Diseño de producción
Junjun Montelibano (Sonata)
Perry Dizon (Riddles of My Homecoming)
Richard Somes (OTJ)
Ericson Navarro (Ekstra) Adolfo Alix, Jr. (Porno)
Kip Oebanda (Shift)
Leo Abaya y Olga Marie Marquez (Dukit)
Mejor Música
Nonong Buencamino (Lauriana)
Gauss Obenza (Riddles of My Homecoming) Emerson Texon (Sonata)
Armando Lao (Dukit)
Mejor Fotografía
Arnel Barbarona, Bordie Carillo y McRobert Nacario (Riddles of My Homecoming)
Ber Cruz y Lyle Nemenzo Sacris (Transit)
Francis Ricardo Buhay III (OTJ) Lauro Rene Manda (Norte, Hangganan ng Kasaysayan)
Albert Banzon (Porno)
Sasha Palomares (Islands)
Diego Marx Dobles, Triztan Garcia, Jeffrey Icawat y Bruno Tiotuico (Dukit)
Mejor Edición
Jay Halili (OTJ) Chuck Gutierrez (Riddles of My Homecoming)
Lav Diaz (Norte, Hanggangn ng Kasaysayan)
Aleksander Castañeda (Porno)
Banjamin Tolentino and Hannah Espia (Transit)
Diego Marx Dobles (Dukit)
Mejor Sonido
Corinne de San Jose (OTJ)
Addiss Tabong and Wild Sound (Ekstra)
Albert Michael Idioma (Porno)
Arnel Barbarona (Riddles of My Homecoming)
Corinne de San Jose (Norte, Hangganan ng Kasaysayan)
Mes de Guzman (Ang Kwento ni Mabuti)
Mark Locsin (Death March)
Armando Lao (Dukit)
¿Acaso creíais que se nos había acabado el Wuxia? Que gran error, aún nos quedan muchas entregas de nuestro recopilatorio de carteles de cine Wuxia “Puño y Espada”, vamos con 8 nuevas películas nada menos.
The Sword Stained With Royal Blood (1981) Director: Chang Cheh
En esta serie de artículos no se pretende hacer un análisis exhaustivo ni del manga ni de las películas relacionadas con el Lobo Solitario, sino más bien hacer un pequeño estudio de la adaptación del manga al cine, de como Ogami y Daigoro pasan del papel a la gran pantalla. Si no habéis leído el manga o visto las películas es recomendable que no leáis estas líneas. Estos textos se basan en sendos artículos publicados por Tim Ervin-Gore, traducidos y adaptados para el fin de estos textos.
Cuando Lone Wolf and Cub arrasó Japón con su ola de sangre en tinta negra, una serie de películas y programa televisivos nacieron alrededor de esta marea. Mientras que el manga original era indiscutiblemente una obra maestra, no todas sus adaptaciones mantienen la esencia de este. Solo dos años después del inicio de su publicación, vio la luz la primera de las películas de las seis películas de la serie conocida como “Baby Cart”. Estas adaptaciones eran la flor y nata de la cosecha Lone Wolf, con guiones del creador original Kozuo Koike, brillante dirección de Kenji Misumi, una coherente acción de la mano de Tomisaburo Wakayama como Itto Ogami y el joven Akihiro Tomikawa bien caracterizado como Daigoro. Sorprendentemente, las seis películas de la serie fueron producidos dentro de un plazo de cinco años. Los guiones de Kojima, principalmente un corta/pega de elementos y escenas importantes pertenecientes al manga, forma un universo condensado del Japón de Ogami. Visualmente el manga se traduce fácilmente al ojo del director, debido al estilo cinematográfico que ya usara Goseki Kojma en su creación original. Lone Wolf and Cub se lee como una película, con marcos de repetición, un tempo elegante y enmarcado en composiciones y patrones similares.
Aunque los mangas y películas comparten muchas similitudes estéticas, es difícil adaptar con éxito un cómic a la gran pantalla, ya que por lo general implica recortes significativos y el cambio de la trama para adaptarse a la corta capacidad de atención de los espectadores, que esperan ver una historia completa dentro de como mucho dos horas. Por el contrario, los lectores de manga a menudo desean largas narraciones para justificar el precio de cada tomo (o al menos deberían). Dicho esto no hay duda de que en las adaptaciones cinematográficas de la serie “Baby Cart” se enfrentaban a un gran problema debido a su extenso tamaño, pero resultaron ser bastante buenas. Esto es así al menos en la parte del manga que llegó a adaptarse en esta serie. Pero sin duda, los propios films valen por sí mismos y alimentan al espectador con una buena dosis de drama, honor, belleza y una profusa dosis de sangre.
La primera de esta serie de películas, llamada internacionalmente “Sword of Vengeance” (aunque su título literal más parecido sería “Son for Hire, Sword for Hire” (“Hijo de Alquiler, Espada del Alquiler”)), comienza de forma muy respetuosa con el manga, con el Seppuku del joven señor de la historia “The White Path Between the Rivers”. Ya desde le principio el lector del manga se dará cuenta lo bien adaptado que queda este segmento a la experiencia cinematográfica. Los escenarios están cuidadosamente recreados, el ritmo y la emoción se ajusta al texto original, y muchos de los personajes son representados fielmente. Sin embargo, un sirviente del joven señor, no Ogami como en la historia original, le da instrucciones con cierta ternura sobre como colocar el cuchillo en su vientre. Con una pequeña modificación, se pierde la yuxtaposición irónica de la ternura y la violencia, que es fundamental para el personaje de Ogami. El tema general del conflicto de Itto, con toda la gente que respetaba cuestionando su camino e intentando destruirlo, es central en el manga. Esta aparentemente pequeña supresión afecta a la percepción del espectador. Ogami viene a ser más como un siervo despiadado de un malvado maestro. Este sentimiento continúa durante toda la película con un Tomisaburo Wakayama, dando vida a un Ogami desaliñado y estoico que recorre los caminos del Japón feudal. En un corto período de narración contextual, el shogunato toma el centro del escenario para convertirse en la malvada organización con Retsudo Yagyu a la cabeza. Luego, en consonancia con el estilo narrativo de Koike, la historia se corta hasta la actualidad, como Ogami y Daigoro vagando juntos por el campo, empujando una excelente reconstrucción del “Baby Cart” original, con armas de asta camufladas y la bandera con el lema “son for hire, sword for hire”. El paisaje rural es cautivador, la música se mueve emocionalmente, y un samurái terriblemente duro con su querido hijo recorren el exuberante paisaje. Koike se permite incluir una escena en la que Daigoro bebe del pecho de una mujer desconocida, pero en la película esto se reduce a una mujer loca en la calle. Por alguna razón, que el pecho pertenezca a una hermana de lucha de un clan Yakuza (“Baby Cart on the River Styx,” Vol. I) hace que esta escena tenga más resonancia en el manga. Aún así esta es una buen señal dentro de la anteriormente nombrada ternura de Itto y su conflicto interno, y es agradable que se incluyera en la película. El ritmo de la cinta es contemplativo, tal vez demasiado para un público occidental, pero los fans de Lone Wolf and Cub y su modo de andar sombrío seguro que aprecian estas áreas de descanso. Este ritmo lento muestra respeto por el tiempo, y los combates con espada esparcidos por la película parecen más urgentes en comparación.
Al igual que el cómic, la historia parpadea periódicamente, pero las únicas pistas sobre el cambio parecen ser los trajes y los escenarios. Para alguien que no haya leído el manga esto podría resultar confuso, pareciendo que Ogami lleva una doble vida en vez de estos saltos temporales. Esto se debe en parte a otro cambio con respecto a la historia original. En la parte de la película que abarcaría la historia “The White Path Between the Rivers”, Daigoro es un bebé cuando su madre es asesinada por los Ura-Yagyu. Aunque es comprensible que un director acelere la edad de Daigoro para cerrar esta brecha temporal, se necesita más tiempo para hacer percibir este efecto retrospectivo. Afortunadamente esto es fácil de pasar por alto. El resto de este corte en la película esta magníficamente adaptado y bien narrado. Las campanas de sacerdote de los ninja Yagyu tienen un a fuerza a aterradora, las escenas se suceden con precisión y el duelo en el río es increíble, como si esa escena fuese la inspiración para el arte de Kojima en el manga.
Técnicamente la película es magnífica. La atmósfera es espaciosa y tensa, y los movimientos de cámara se prestan generosamente al tono de la historia. Las peleas con espada son breves y violentas, con litros de sangre salpicando en todas direcciones, una apropiada adaptación de los intensos storyboards de Kojima. El derramamiento de sangre es abundante y alguno de los efectos especiales notables (por ejemplo, en una escena un hombre se separa lentamente en dos tras un golpe de espada del Ogami de Wakayama). En cierto modo, los efectos sangrientos distraen de la falta de habilidad con la espada de algunos actores, y es que es muy complicado que todos los actores de todas estas películas manejaran la espada o la lanza con la gracia idealizada de las coreografías de Kojima. Después de ver una buena cantidad de películas marciales de Hong Kong, quizás uno quede algo desilusionado con las coreografías de “Sword of Vengeance”. Otra rareza observable se produce en la banda sonora de la película. En algunas escenas que tienen lugar durante una gran tormenta, el sonido disminuye cuando el diálogo hace una pausa, como si sólo lloviese cuando alguien está hablando. Esto probablemente se hizo para reducir el ruido en general, pero la atenuación es muy dramática y viene a dar un halo absurdo y antinatural.
Como parte de la trama de esta película, Ogami es contratado para infiltrarse en una banda de ronin y matar a un señor corrupto. En este punto, la historia de “Wings to the Bird, Fangs to the Beast” (Vol. 1)” converge perfectamente con la trama general. Una vez más la película se ajusta perfectamente al arte de Kojima: el set del pueblo de las termas es exquisito, el pueblo prisionero de la banda los rufianes están perfectamente ataviados y actúan en algunas partes como si estuvieran leyendo el propio manga; la escena del desafío del sexo público se deja intacta, y deja al director varias oportunidades para enseñar los pechos de la mujer. Y, seremos francos, además del envoltorio de honor, habilidad marcial, humanidad y corrupción, Lone Wolf and Cub también utiliza grandes cantidades de violencia y sensualidad para mantener el interés en la historia, y la película utiliza estos mismos elementos para entretener y enganchar.
En cierto modo, las imágenes en movimiento pueden ir sacando nuevos elementos y ángulos, y ofrecer un mayor atractivo a una historia existente. Cuando se hace bien -en lo referente a mangas adaptados al cine (y viceversa)- el resultado puede ser excelente. Por desgracia, a menudo un medio no puede permitirse el lujo de adaptarse plenamente al otro, pero la serie “Baby Cart” es un buen ejemplo de como hacer las cosas bien – bueno, al menos hasta ahora. Esta es sólo la primera película de una serie de seis películas, y hay cinco más para ver. Pero ya que las películas se hicieron en un corto período de tiempo, hay muchas probabilidades de que compartan similares cualidades de producción. En cualquier caso el lector del manga de Lone Wolf and Cub deberá estar encantado con Sword of Vengeance y como adapta el manga original.
Esta misma mañana Ángel Sala ha realizado en Barcelona la rueda de prensa de presentación de la 47ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. En la nota de prensa oficial que encontrareis a continuación se resumen algunas claves de todo lo que dará de si el festival este año y, como ya es tradicional, en los próximos días y semanas os iremos desgranando lo más asiático de la programación.
El director, productor y guionista alemán Roland Emmerich, gran representante del cine de acción y catástrofes y también autor de títulos tan populares como Independence Day, Godzilla, 2012, Stargate, Anonymous, El día de mañana, Asalto al poder o Soldado universal, recibirá el Gran Premio Honorífico del Festival en su próxima edición, que se celebrará del 3 al 12 de octubre. Sitges 2014 también tendrá como protagonistas a directores consagrados como Jean-Luc Godard y David Cronenberg con sus últimas obras, así como la esperada presentación de Musarañas, la película de terror psicológico producida por Álex de la Iglesia.
Sitges 2014 ofrecerá Adieu au langage, el último sofisticado y sugerente trabajo de Jean-Luc Godard, el genio de la nouvelle vague, que demuestra seguir en plena forma, ahora experimentando con 3D, en una historia llena de metáforas y ladridos de perros. David Cronenbergllega a Sitges 2014 con su retrato decadente de la industria cinematográfica, Maps to the Stars, una sátira sin compasión con un reparto de lujo formado por Julianne Moore, Mia Wasikowska, Robert Pattinson y John Cusack. El cineasta belga Fabrice Du Welz, viejo conocido del Festival –que ya ganó en 2003 el Méliès de Plata por su primer largometraje, Calvaire– vuelve para presentar Alleluia, su particular visión de los tristemente famosos “asesinos de la luna de miel” de los años cuarenta en Estados Unidos. Como Du Welz, otro gran representante de la Generación Sitges es Jim Mickle (We are What We Are, Stake Land), que este año estará en Sitges con Cold in July, una sangrienta venganza, muestra del mejor cine independiente norteamericano.
Jonathan Glazer aterrizará en Sitges 2014 con la esperada Under The Skin, un drama de ciencia-ficción protagonizado por la alienígena Scarlett Johansson. El director de Birth (Sitges 2004) firma en esta ocasión una cinta visualmente poderosa con una mirada muy particular sobre la especie humana. Igual de estimulante resultará la adaptación de Dostoievski que propone Richard Ayoade con The Double, comedia negra interpretada por Jesse Eisenberg y Mia Wasikowska. La reconocida autora de cómics Marjane Satrapiestrenará The Voices, una comedia negra donde Ryan Reynolds intenta ocultar un cadáver, que la directora iraní presenta en Sitges después de su buena acogida en Sundance. Del mismo festival norteamericano llega The Guest, lo más nuevo de Adam Wingard, que se adentra en la historia de un ex soldado que desencadenará la violencia al volver de la guerra, y que ha sido comparada con Drive. Alexandre Bustillo y Julien Maury, directores de Livid, traen Aux yeux des vivants, otra inquietante muestra del terror francés.
Sitges se proyecta como un festival donde conviven los monstruos clásicos con sus propios alter-egos pasados por una criba más iconoclasta. Tradición fantástica y la modernidad más transgresora se unen para reinventar subgéneros inmortales como el cine de vampiros. Y este 2014 tenemos dos claros ejemplos. Por una parte, A Girl Walks Home Alone At Nigth, una maravillosa reinterpretación del mito del vampiro encarnado en una adolescente norteamericana de origen iraní, que ha triunfado en Cannes. Rodada en lengua farsi, es obra de la joven realizadora Ana Lily Amirpour y tiene a Elijah Wood como uno de sus productores. El otro ejemplo entre estas propuestas de los no-muertos es la comedia negra neozelandesa y falso documental What We Do In The Shadows, dirigida por Taika Waititiy Jemaine Clement.
El cine catalán y español tendrá un protagonismo destacado en Sitges 2014. Además de contar con [REC}4: Apocalipsis, de Jaume Balagueró, como película inaugural, y con La distancia, de Sergi Caballero, el Festival estrenará Musarañas, una cinta de terror psicológico ambientada en la post-guerra que recupera el fantástico y el gótico clásico ibérico. Es la primera cinta financiada por la nueva productora de Álex de la Iglesia y Carolina Bang, Pokeepsie Films, y está dirigida por Juanfer Andrés y Esteban Roel. La protagonizan muchas caras conocidas como Macarena Gómez, Carolina Bang, Luis Tosar o Hugo Silva.
Como es habitual, el Festival exhibirá una buena muestra del mejor cine asiático, con una serie de títulos muy esperados por los más fieles seguidores del género. Desde Hong Kong (con la inestimable colaboración de Hong Kong Economic and Trade Affairs Office) llegan That Demon Within, de Dante Lam; The Midnigth After, de Fruit Chan, y Aberdeen, de Pang Ho-Cheung. Corea del Sur aportará las cintas A Hard Day, de Kim Seong-hun; Mad, Sad & Bad, de Avie Luthra, y el último film de Kim Ki-duk, One on One, que narra la persecución del asesino de una niña. De Japón llega la última película de Takashi Miike (Gran Premio Honorífico en Sitges 2013): The Mole Song: Undercover Agent Reiji, la historia de un oficial de policía infiltrado en una banda de mafiosos. Con acento japonés también estarán R100, de Hitoshi Matsumoto, la adaptación en acción real del famoso manga Lupin the 3rd, dirigida por Ryuhei Kitamura y distribuida en el Estado español por Mediatres Estudio, y la muy controvertida The Torture Club de Kota Yoshida.
La nueva sección Blood Window, orientada hacia el cine fantástico latinoamericano, incluirá el último trabajo de Adrián García Bogliano, Late Phases, donde un veterano de la guerra tendrá que luchar, en su última batalla, contra un hombre lobo. El argentino Martín Desalvo presentará El día trajo la oscuridad, sobre el terror que provoca un brote de rabia en un pueblo pequeño, y el uruguayo Gustavo Hernández llega con Un dios local, un film arriesgado y de espíritu experimental.
Por otro lado, Brigadoon presenta en esta edición una programación en la que destaca Bombshell Bloodbath, un título dirigido por Brett Mullen e influenciado por películas de zombies italianas como Nueva York bajo el terror zombie o La invasión de los zombies atómicos. Por su parte, los productores ejecutivos de The Ring presentan Dark Awakening, thriller sobrenatural dirigido por el especialista en maquillaje Dean Jones.
Los documentales también tendrán una notable presencia en Brigadoon: Vicente Aranda. 50 años de cine, de los hermanos Francisco y Javier Prada, repasa la carrera del realizador catalán. Por otra parte, Eurocine 33 Champs Elysées, de Christophe Bier, es un trabajo centrado en la mítica productora francesa Eurocine, factoría muy vinculada a la obra de los cineastas Jesús Franco y Jean Rollin. Brigadoon también ofrecerá un ciclo de películas en homenaje al actor Craig Hill, que falleció el pasado mes de abril. En esta edición, el Premio Nosferatu recaerá en la actriz María Kosty, dedicada a la profesión desde finales de los sesenta y con una gran presencia en el cine fantástico y de terror español de los setenta.
El Phonetastic Sitges Mobile Film Festival celebra este año la segunda edición como escaparate de la producción audiovisual rodada en tabletas y smartphones. Su página web (www.phonetasticfestival.com) es la vía de recepción de trabajos llegados desde todo el mundo. Las series televisivas de género volvierán a tener una presencia destacada en el Festival, con espacio, programación y sección propia. Serial Sitges.
Premio Cine365Film
El Festival incorpora este año un nuevo premio: Cine365Film, que distinguirá a los realizadores que tengan seleccionado un corto en el Festival con la financiación de recursos para el rodaje de un film de género fantástico. El premio nace del acuerdo entre el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, la productora Apaches Entertainment y CINE365.
El nuevo premio Cine365Film tiene un carácter transversal y optarán a él todos los directores del Estado español que participen con un cortometraje en las secciones Oficial, Brigadoon, Phonetastic y SGAE Nova AutorIa de Sitges 2014. El ganador recibirá 10.000 euros y podrá rodar una película que se incluirá en la programación de la 48ª edición del Festival, el próximo 2015. El premio se fallará durante la 47ª edición Festival.
Este premio sitúa Sitges como el primer festival del mundo que incorpora un reconocimiento de esta envergadura, que permite estimular la producción de género fantástico y, al mismo tiempo, premiar a los realizadores emergentes.
Venta de entradas
La venta de entradas para la 47ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya se realiza únicamente a través de la página web del Festival. El 18 de julio es la fecha en que se pondrán a la venta el Abono VIP, el Abono Auditori, el Abono Matineé, el Abono 10, el Abono 20 y las Maratones del último día. También el 18 de julio se abrirá el periodo para solicitar acreditaciones, tanto de profesionales como de prensa.
Apoyo a la 47ª edición
El Festival agradece el compromiso de las entidades y empresas que han vuelto a renovar su colaboración: Gas Natural fenosa (Patrocinador principal), Moritz y Torres (Patrocinadores), Meliá Sitges (Patrocinador y sede oficial), Movistar TV (Socio multimedia), Deluxe (Colaborador), El Periódico de Catalunya (Diario oficial), TV3 (Televisión oficial), Autolica – Mercedes Benz (Vehículo oficial), Lufthansa (Línea aérea oficial) y Bacardí (Cóctel oficial).
Sitges 2014 recibe, también, la ayuda del Ajuntament de Sitges, del Institut Català de les Empreses Culturals del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Visuales del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, así como de la Diputació de Barcelona y de la Fundación SGAE.
Si la serie Roman Porno lanzada en 1971 por la Nikkatsu –más de 700 películas producidas hasta 1988- permitió el nacimiento de auténticos autores como Tatsumi Kumashiro (Woods are wet: Woman hell) o Noboru Tanaka (Rape and death of a housewife), fue a la sombra de estos últimos que brillantes artesanos, respaldados por estupendos técnicos herederos de la tradición de la edad de oro del cine japonés, salidos de los equipos de Mizoguchi, Yuzo Kawashima, Imamura… sostuvieron estas estrategias de producción así como su diversidad genérica.
El primero, Yasuharu Hasebe, es considerado como un maestro del cine de acción. Diplomado en literatura francesa, entra en la Nikkatsu en 1958, en la que se convierte en asistente de Seijun Suzuki (Youth of the beast, Tokyo drifter) y Takashi Nomura (A colt is my passport), antes de debutar como director en 1966 ( Black tight killers). Conocido por sus colaboración con el gran guionista de acción Shuichi Nagahara, a quien se le deben obras maestras de la talla de A colt is my passport o The most dangerous game, Hasebe se impone rápidamente como una de las puntas de lanza del estilo Nikkatsu New Action (la saga Stray cat rock), al lado de Yukihiro Sawada, director del Roman Porno de acción Retreat through the wet wasteland. Alimentado por la serie B americana y admirador de Siegel, le debemos incluso una versión Roman Porno de Dirty Harry (Dirty Mary). Menos interesado por la descripción de los sentimientos que por la acción pura, no realizará más que nueve Roman Porno antes de volver a la televisión y contribuir al éxito del V-cinema para la Toei en los años noventa. Rodando las escenas de sexo como si fuesen escenas de acción, sus Roman Porno rebasan las fronteras del género. Con Assault! Jack the Ripper, su película más extrema, sustituye las escenas clásicas de amor por escenas de violaciones y muerte, que hacen de la relaciones amorosas un desecadenamiento surrealista de violencia barroca que haría pasar Natural born killers de Oliver Stone por pequeños delincuentes.
Al contrario que Hasebe, que se movió fundamentalmente en el cine de acción, Koyu Ohara es uno de esos artesanos entre los más versátiles y prolíficos (cuarenta y ocho Roman Porno de 1972 a 1985). Entra en el estudio el mismo año (1961) que Noboru Tanaka y Masaru Konuma, que le apodan «Funky», uniendo camisas hawaianas y gafas de sol, como un verdadero «golden boy» de estudio. A gusto en todos los géneros (jidaigeki, SM, comedia musical, películas de jóvenes,…), rueda alguno de sus más grandes éxitos comerciales (Pink hip girl). Coronado por una reputación de director rápido que sabe responder a los presupuestos económicos del estudio, Ohara realiza un cine de entretenimiento sin plegarse a las exigencias artísticas. Como White Rose Campus que se muestra como un ejercicio de perversión paródico de las road-movie y del «film de colegiales», en el que la realización nerviosa no tiene nada que envidar a la obra maldita de Bava, Cani arrabbiati.
Bajo el signo del sexo y la violencia, esta doble sesión muestra, más allá de la alta calidad artística del Roman Porno, toda la elasticidad de un género que fue para sus creadores un verdadero terreno de experimentación y libertad creativa desatada.
Dimitri Ianni (Cinémathèque française)
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Título:
Assault! Jack the Ripper
Título V.O:
Bôkô Kirisaki Jakku
Director:
Yasuharu Hasebe
Año/País:
1976 / Japón
Duración:
72 minutos
Género:
Pinku eiga/violent pink
Reparto:
Tamaki Katsura, Yutaka Hayashi, Yuri Yamashina, Natsuko Yashiro, Rei Okamoto, Luna Takamura
Ya sabéis que no soy muy dado ha realizar comentarios o críticas de películas salvo en festivales, eventos clave que merecen ser contados y recordados. Pero tenia algo pendiente desde hace aproximadamente un mes que debía hacer y se ha retrasado por motivos laborales, y es hablaros de mi humilde opinión sobre Godzilla, la ultima película del monstruo japones que se traslada a América por su 60 cumpleaños, dirigida por Gareth Edwards.
Aunque hace tiempo que no escribo o comento el tema, no debería ser ajena a los lectores de este pequeño espacio mi pasión por el Kaiju Eiga en general y por Godzilla en particular, no obstante ahí arriba lo tenéis, como leiv motiv e imagen de Asiateca desde hace muchos años. Con esto quiero decir que el hype que tenia sobre esta película era tremendo y que mi visión y opinión sobre ella es totalmente parcial, sesgada y llena d espoilers (no sigáis leyendo sino queréis saber ciertas cosas de la película), como no podía ser de otro modo.
Pero pongámonos en materia. Gareth Edwards es un joven director proveniente del mundo del cine independiente que ya hizo una película de monstruos hace unos años llamada “Monsters” y que resulto una especie de “road movie” (no se muy bien como definirlo) que contaba las andanzas de una pareja por una zona de México invadida, o más bien infectada, por especies alienígenas. Lo curioso de esta película es que no es una película de monstruos entendida dentro de los cánones del género, sino que es una película intimista con la pareja de actores y su viaje como protagonistas, guardando su fuerza en lo visual y lo casi onírico (al menos así la recuerdo). Esta película seguro que decepcionó a todo aquel que esperaba una cinta de monstruos más típica (como sucedió a parte del público tras su pase en el festival de Sitges), pero a mi me resulto muy curiosa.
Este 2014 es el 60 aniversario del nacimiento del saurio gigante en 1954, y los primeros trailers apuntaban a que esta celebración (made in EEUU) podría recurrir a una cinta parecida a la original, con Godzilla como único protagonista monstruoso y cierta trascendencia social y fuerza narrativa en los personajes humanos. Luego nos enseñaron ciertas imágenes de un monstruo volador con cierto parecido a Gyaos de la saga de Gamera y ya la cosa me descolocó aún más, incrementando más las ganas de verla y la gran pregunta “¿Que me voy a encontrar?”.
Y lo que me encontré es una película con una estructura fílmica y narrativa muy similar a los Godzillas japoneses de los 90, pero sublimando las escenas de acción entre monstruos hasta unos niveles altísimos. Esta me parece una película de momentos, de escenas que se quedan grabadas a fuego en la retina, de fotogramas que recordaré toda la vida dentro de la saga del saurio gigante. Pero una película no puede basarse solo en eso y por ello esta tiene puntos oscuros, muy oscuros.
La cinta podría estructurarse en tres partes, una introducción, una parte central y el desenlace (aunque suene a evidencia). La introducción, si bien nos presenta una historia típica, me parece bien narrada y posee el buen hacer de los actores Bryan Cranston y, en menor medida, Juliette Binoche, que con tan solo unos minutos en pantalla te llegan, te hacen sentir esa historia que estamos viendo. La cosa desaparece rápido al terminar esta introducción y entonces surge uno de los problemas, la falta de un personaje con carisma que mueva la película, ya que Aaron Taylor-Johnson no llega a decir mucho en cuanto a este respecto. Mención aparte el desaprovechadisimo papel de Ken Watanabe, que solo pone cara de preocupación y poco más.
Y es que es el guión uno de los grandes lastres de la película, un guión típico, lleno de clichés y con un desarrollo un tanto ingenuo, un guión que podría haber dado mucho más de si. En toda la parte intermedia ese guión pierde fuelle, hace cosas raras solo para favorecer ciertas escenas y no voy a desgranar todas esas pequeñas incongruencias que puedo recordar ahora (bombas nucleares que parecen no explotar nunca y cosas del estilo). ¿Que me gusta entonces de todo esto? La fuerza visual de muchas de sus escenas, me gusta el gran uso del CGI y los efectos especiales, me gusta la forma de plasmar los escenarios, de sumergirse en su interior y mostrar la grandilocuencia de los monstruos. Me gusta mucho la forma que ha elegido Edwards de mostrar la destrucción, y ciertas escenas dramáticas, de forma indirecta, me gusta la narración indirecta en general en esta película, resta ciertas posibilidades a mostrar destrucción de forma grandilocuente, pero crea un clima especial.
Una de las críticas que se han hecho a esta película es que Godzilla aparece muy poco, y en parte estoy de acuerdo, yo lo hubiera sacado un poquito más, no mucho, ya que los MUTOs aparecen en escena de forma bastante asidua. Hablando de monstruos, me ha gustado el intento de Edwards de trasmitir cierta expresividad y sentimientos en los monstruos, aunque queda sutil, fomenta ciertas reacciones y creo les da un toque de realismo.
Perdido entre un guión raro, muchos efectos visuales y escenas para recordar, personajes sin carisma y ganas de acción llegan esos 30 últimos minutos, la aparición estelar de Godzilla en toda su extensión y no en escenas sueltas, y la puesta en escena de la parafernalia CGI definitiva. Sin duda lo mejor de toda la película, con momentos “WOW” a raudales y escenas impresionantes, con un final demasiado políticamente correcto, pero en general satisfactorio. Creo que todos recordaremos el impresionante descenso en paracaídas de los militares, ese cruce de miradas entre el protagonista y Godzilla entre le polvo de la destrucción o, al menos yo lo haré, ese primer rayo que lanza Godzilla.
Mi opinión sincera sobre la película es que al terminar de verla me gustó mucho, pasados los días me gusta algo menos porque ese guión tan flojo y la falta de carisma de los personajes, unido a que la acción tarda en aparecer, lastran mucho la película. Pero el film en general me parece muy digno, me gustan las continuas referencias que se hacen al universo Godzilla, con la fecha de 1954 como un punto clave, con un homenaje, solo en nombre, al Doctor Serizawa de la película original, o a muchos detallitos de la película (como un mariposario con el nombre de Mothra).
No debemos olvidar que esto es un Blockbuster americano, y Edwards pretende ir un poco más allá, ofreciendo algo más. Creo que esta película muestra un camino interesante y con mucho potencial, que en esta ocasión se ha perdido un poco en giros y recovecos, desaprovechando elementos y emborronando un poco el resultado, pero que sigue ahí, si se aprende y evoluciona correctamente podrían salir cosas muy buenas de la prometida trilogía de este Godzilla americano.
En el pasado Festival de Cine de Sitges, y después de haberse proyectado primero en la sección Zabaltegi del Festival de San Sebastián, New World, la segunda película como director del coreano Park Hoon-jung, se alzó con el Premio Focus Asia. Un premio… algo nada nuevo para su director, puesto que sus guiones para películas de otros realizadores de su país, han ido obteniendo sucesivos galardones en distintos certámenes cinematográficos. Títulos como Encontré al diablo o The Unjust tienen su sello pero, ahora, con New World, se consagra, además de como guionista, como un más que prometedor nuevo director coreano a seguir la pista. En el mes de octubre pasado, en los jardines del Hotel Melià de Sitges, tuvimos ocasión de charlar con el joven director…
Asiateca: Lleva ya años trabajando como guionista, pero es a partir de 2010 cuando su nombre aparece en dos películas muy importantes como son Encontré al diablo y The Unjust y empieza a ser reconocido. ¿Qué han supuesto estos dos guiones en su carrera?
Park Hoon-jung: La verdad es que gracias a estas dos películas estoy aquí, el éxito de estas dos películas me ha dado la oportunidad de debutar como director.
Asiateca: Y después de tantos años como guionista, ¿por qué decide dar el salto a la dirección?
Park Hoon-jung: Desde que era adolescente, desde que iba al instituto, ya quería hacer películas, quería ser director. Más tarde, primero debuté como guionista, lo que considero forma parte del proceso para llegar a ser director de cine.
Asiateca: ¿Qué es lo que aprendió desde The Showdown, su primera película como director, hasta New World?
Park Hoon-jung: Cuando The Showdown se estrenó hizo unas cifras muy modestas en la taquilla; New World, en cambio, ya la han visto más de 4 millones de espectadores. The Showdown fue mi debut, mi ópera prima, yo tenía muy poca idea acerca de dirigir, desde la dirección de actores hasta las partes más técnicas. Así pues, fracasó comercialmente. Pero creo que aprendí muchísimo haciendo esta película y cuando la terminé me propuse no cometer los mismos errores que había cometido.
Asiateca: Cuando buscamos reseñas acerca de New World, muy a menudo leemos que es un cruce entre la gran trilogía hongkonesa de Infernal Affairs y la gran trilogía americana que es El Padrino. ¿Cómo se siente uno cuando su segunda película es comparada con obras magnas del cine de gangsters? Sabemos que ha visto más de 100 veces El Padrino…
PHJ: Para mí es un honor que comparen mi película con estas obras maestras (con cara de susto)… La verdad que no he contado cuántas veces he visto El Padrino (se ríe), pero sí que podría llegar a las 100 veces… Además, cuando era adolescente y luego estudiante universitario, el cine de acción hongkonés era muy popular en Corea, con lo cual mi cine tiene muchas influencias de estas películas. New World, como cine de género, no se ha escapado de este marco del cine de Hong Kong… Pero, vamos, la comparación con esas obras maestras… guau, la verdad que para mí es un honor.
Asiateca: ¿Cómo consigue en su segunda película que trabajen en ella estrellas cinematográficas de la talla de Choi Min-sik, Lee Jung-jae o Hwang Jung-min, y que confíen en usted como director?
PHJ: En un principio, enseñé el guión de New World a Choi Min-sik, a quien le gustó mucho y me dio carta blanca; después vino Hwang Jung-min y también le gustó mucho el guión. El último que se incorporó fue Lee Jung-jae. Hay que tener en cuenta que con Choi Min-sik ya había trabajado en Encontré al diablo y con Hwang Jung-min lo había hecho en The Unjust, así que ya teníamos alguna relación previa y supongo que esto ayudó a que quisieran trabajar en New World.
Asiateca: Siempre trabaja con personajes masculinos, que normalmente son los protagonistas de sus guiones y, además, son roles con mucha fuerza. ¿Para cuándo un guión donde las mujeres tengan un papel más importante?
PHJ: Todas mis historias tratan de la sociedad coreana, sea como crítica, desórdenes sociales u otros temas. En mis guiones los protagonistas y personajes son mayormente hombres porque en la sociedad coreana los puestos de decisión o de importancia son casi siempre masculinos, la realidad es así. Nunca he pretendido centrarme en lo masculino como tal, sino hablar de problemáticas sociales; mis historias no son mas que un reflejo de la realidad de Corea del Sur.
Asiateca: ¿Cree que la sociedad coreana cambiaría si esos roles se invirtieran?
PHJ: Creo que es muy difícil que cambie. Puede que este cambio de roles al que usted apunta pueda pasar poco a poco, pero un cambio total y radical creo que es algo demasiado difícil que pase.
Asiateca: Se comenta que se está preparando una segunda parte de New World. ¿Es así? ¿Nos puede adelantar algo?
PHJ: Sí, la segunda parte será una precuela de esta primera película, estoy pensando en rodarla a lo largo del 2014 y estrenarla en 2015.
Asiateca: ¿Quiere seguir siendo el guionista de sus propias películas?
PHJ: Creo que seguiré escribiendo los guiones de mis películas, aunque si se diera el caso que se presentara una historia interesante de otra persona como para querer hacerla (duda)… La verdad es que no lo sé, creo que no he llegado a un nivel lo suficientemente alto como director, por lo que si hiciera una película con el guión de otro y la cosa saliera mal, a lo mejor no me lo perdonaría.
Asiateca: La última pregunta ¿Qué tal su experiencia en Sitges? ¿Le hemos tratado bien?
PHJ: El vuelo desde Corea del Sur dura, quizás, unas 16 horas, lo que no es poco. Lo cierto es que todos los directores que han venido aquí me han hablado muy bien del Festival, y por eso estoy aquí, sino no hubiera aguantado 16 horas de vuelo (risas)… La verdad que me gusta mucho, el ambiente del festival es muy tranquilo, eso me gusta.
Bastante parco en palabras… Bastante serio… pero interesante el joven director Park Hoon-jung quien nos brindó un rato de su tiempo para compartir con nosotros. Le seguiremos la pista… sin duda.
Falta menos de un mes para que den comienzo las Nits de Cinema Orientalde Vic, y es hora de hacer un completo repaso a toda la programación que podréis disfrutar si os acercáis a la ciudad catalana. Hoy repasaremos la completa y variada programación de la sección oficial, tanto competitiva como fuera de concurso, y en los próximos días presentaremos el resto de programación y retrospectivas.
Inauguración
Blue Bustamante
Filipinas, 2013
Dirección: Miko Livelo
Reparto: Joem Bascon, Jun Sabayton, Jhiz Deocareza, Gerard Go
Idioma: tagalo-japonés (v.o.s.c) / Duración: 90 min.
1990, George Bustamante deja a su familia en Filipinas y emigra a Japón, donde encuentra trabajo como doble de acción en la famosa serie de televisión Force Five. Un nostálgico homenaje al sentai de los 80 y 90 lleno de ternura y humor, rodado con pocos medios pero con mucho corazón.
Filipinas, 2013
Dirección: Borgy Torre
Reparto: Joel Torre, Arthur Acuña, Bing Pimentel
Idioma: tagalo (v.o.s.c) / Duración: 101 min.
Andrés es un humilde pescador filipino que encuentra flotando en el mar parte de un alijo de drogas. Inspirado en el mito de Fausto, Kabisera (palabra que en tagalo designa a la persona que preside la mesa) nos presenta la transformación de un hombre sencillo en alguien capaz de vender su alma por dinero.
Índia, 2013
Dirección: Nikhil Advani
Reparto: Irrfan Khan, Arjun Rampal, Shruti Haasan, Rishi Kapoor
Idioma: hindio / Duración: 152 min.
Cuatro agentes especiales del Servicio de Inteligencia Indio reciben la orden de capturar al terrorista más buscado del país. Inspirada en hechos reales, D-Day contiene una carga de crítica política inusual en un filme de Bollywood. Las dudas morales que plantea sobre las actuaciones de los gobiernos en pos de acabar con el terrorismo, la ha hecho ganar tanto defensores como detractores acérrimos en su país de origen.
Tres amigos de un instituto están obsesionados con las chicas. El problema es que no saben nada sobre el sexo femenino e interactuar con ellas es todo un suplicio. El nuevo largometraje del director de la exitosa Afro Tanaka parodia la vida diaria de un instituto japonés.
Taiwan, 2013
Dirección: Chang Tso-chi
Reparto: Guan Guan, Yang Liang Yu
Idioma: mandarín / Duración: 109 min.
Bao pasa el verano con su abuelo en un pequeño pueblo en medio de la naturaleza. Sus padres, abducidos por el trabajo, nunca tienen tiempo para él. Sin aparatos electrónicos y con el cariño del abuelo, Bao se enfrentará por primera vez a la vida real. Una delicada historia de aprendizaje llena de poesía.
The White Storm
Hong Kong, 2013
Dirección: Benny Chan
Reparto: Lau Ching-Wan, Louis Koo, Nick Cheung, Yolanda Yuan
Idioma: cantonés, inglés i tailandés (v.o.s.c) / Duración: 134 min.
Tres amigos, policías del departamento de narcóticos de Hong Kong se ven envueltos en una trama de tráfico de drogas a gran escala. ¿Os gustan las películas sobre la amistad y las venganzas, con excesos melodramáticos y tiroteos a lo John Woo? Pues The White Storm os encantará.
Hong Kong, 2014
Dirección: Wong Ching-Po
Reparto: Philip Ng, Andy On, Sammo Hung
Idioma: cantonés / Duración: 110 min.
El Shanghai de principios del siglo XX está controlado por las triadas. Un joven inmigrante que llega a la ciudad, pronto llama la atención por su dominio del kung fu y entabla amistad con un gánster local. Un homenaje al cine de artes marciales, imprescindible para los amantes de la acción.
Hong Kong, 2013
Dirección: Dante Lam
Reparto: Nick Cheung, Eddie Peng, Mei Ting, Crystal Lee
Idioma: cantonés-mandarín / Duración: 120 min.
Tres personajes en busca de una segunda oportunidad. La espectacularidad de los combates de Mixed Martial Arts se mezcla con la ternura de las escenas que relatan la vida de sus protagonistas.
Un mago en horas bajas recibe la visita de una niña que dice ser su hija. Al mismo tiempo, le encargan un trabajo que puede relanzar su carrera profesional. Una comedia amable para toda la familia con guiños a los filmes de Chaplin y a Luna de papel de Peter Bogdanovich.
Tailandia, 2013
Dirección: Banjong Pisanthanakun
Reparto: Mario Maurer, Davika Hoorne, Pongsathorn Jongwilas, Nattapong Chartpong
Idioma: tailandés / Duración: 115 min.
Reino de Siam, s. XIX. Mak se va a la guerra dejando a su mujer, Nak,embarazada. Unos meses después, empieza a correr el rumor en el pueblo de que Nak y su bebé son fantasmas. Una nueva versión de la leyenda de Mae Nak dirigida por uno de los autores de la famosa Shutter.
En 1953, un arqueólogo llega a un pequeño pueblo para excavar un templo situado dentro de las propiedades del cacique local. Toda la familia queda prendada del joven, especialmente, la hija del terrateniente.
China, 2013
Dirección: Fei Xing
Reparto: Sun Honglei, Aaron Kwok, Yu Nan, Deng Jiajia
Idioma: mandarín / Duración: 120 min.
Lin Mengmeng, hija del magnate y político Lin Tai, es acusada del asesinato de la novia de su padre. Su juicio se convertirá en un duelo entre abogados, acusados y testigos. Un thriller alejado de la maquinaria propagandística china.
Índia, 2013
Dirección: Vijay K. Acharya
Reparto: Amir Khan, AbhisheK Bachchan, Katrina Kaif, Uday Chopra
Idioma: hindio-inglés / Duración: 162 min.
El hijo de un mago indio residente en Chicago, decide cometer una serie de robos para vengar la muerte de su padre. La policía estadounidense llamará a dos agentes de Bombay para que los ayude. Si hace diez años Dhoom os pareció espectacular, esta tercera parte es todo eso multiplicado por tres.
Singapur, 1992. Cuatro adolescentes intentan mantener abierto el bar musical de los padres de uno de ellos mientras se enfrentan al paso a la vida adulta y a los cambios sociales del país, que está a punto de vivir sus primeras elecciones democráticas.
Filipinas, 2013
Dirección: Siege Ledesma
Reparto: Yeng Constantino, Felix Roco, Matt Valeña, Alex Medina
Idioma: inglés, tagálog (v.o.s.c) / Duración: 80 min.
Un relato sobre la Manila moderna en el que dos jóvenes sueñan con triunfar mientras trabajan como teleoperadores. Los protagonistas utilizan el Whatsapp y el Facebook para comunicarse, otorgando al film una factura visual muy original.
Filipinas, 2013
Dirección: Ron Morales
Reparto: Arnold Reyes, Menggie Cobarrubias, Dido de la Paz
Idioma: tagalo (v.o.s.c) / Duración: 84 min.
Marlon trabaja como chófer de un político. Ambos tienen una hija de la misma edad. Un día, secuestran a la hija de Marlon al confundirla con la hija de su patrón. Una historia de desafección e intriga que bebe del film noir, en la que destaca la interpretación de su protagonista, Arnold Reyes.
Malaisia, 2013
Dirección: Syamsul Yusof
Reparto: Aaron Aziz, R. Nor, Zizan Raja Lawak
Idioma: malayo-mandarín / Duración: 109 min.
Malek intenta que su hermano pequeño deje la banda de narcotraficantes a la que pertenece. Precuela de KL Ganster, proyectada en las Nits del 2012 , está protagonizada por un elenco multirracial, espejo de la propia sociedad malaya.
Corea del sur, 2013
Dirección: Cho Ui-seok, Kim Byung-seo
Reparto: Seol Gyeong-gu, Jeong U-seong, Han Hyo-ju, Kim Byeong-ok
Idioma: coreano / Duración: 118 min.
Una joven se incorpora a una unidad especial de vigilancia de la policía de Seúl. Mientras investiga unos robos, su jefe de escuadrón le irá enseñando los secretos de la profesión. Remake coreano de Eye in the Sky con una puesta en escena que mantiene la tensión durante sus dos horas de metraje.
Y si ayer comentábamos lo que dará de si la programación oficial de las Nits de Cinema Oriental de Vic, hoy veremos el resto de la programación, llena de sesiones golfas, animación y la retrospectiva dedicada la cine filipino. Yo de vosotros no me lo perdería.
Sesiones Especiales
Tales From the Dark 1
Hong Kong, 2013
Dirección: S. Yam, L. Chi-Ngai, F. Chan
Reparto: Simon Yam, Dada Chan, Kelly Chen, Tony Leung Ka-Fai, Susan Siu
Idioma: cantonés / Duración: 114 min.
Los tres primeros capítulos de este doblete de relatos fantasmales recrean una atmósfera enrarecida que retrata a la perfección el lado más sobrenatural de Hong Kong. Tres cuentos de extrañeza hipnótica sin sustos fáciles.
Tales From the Dark 2
Hong Kong, 2013
Dirección: G. Chan, L. Lau, T. Robin
Reparto: Fala Chen, Gordon Lam, Sham Ka-ki, Teddy Robin
Idioma: cantonés / Duración: 89 min.
Estos segundos cuentos de la oscuridad vienen firmados por tres directores veteranos del cine hongkonés y, a diferencia de la primera entrega, está clasificada como categoría III.
BCN Knockout!
Índia, 2013-14
Dirección: Puri Jagannadh
Reparto: Allu Arjun, Amala Paul, Catherine Tresa
Idioma: telugu / Duración: 85 min.
Una estudiante india de psicología se muda a Barcelona. En el piso encuentra el diario de su anterior inquilina y se obsesiona con la historia que relata. BCN Knockout es la versión internacional de Iddarammayilatho, una cinta de acción espectacular rodada íntegramente en Barcelona.
Gun Caliber dedica su tiempo al sexo, las drogas y el alcohol, pero cuando una amenaza pone en peligro a Tokio, sale a relucir el héroe que lleva dentro. Debut como director de Bueno, uno de los coreógrafos de acción más brillantes del cine japonés.
Llega la superheroína definitiva acompañada de su mágico osito de peluche. La desastrosa vida de una gothic Lolita cambia para siempre al convertirse en Nuigulumar Z y enfrentarse a unas malvadas alienígenas que disparan rayos láser por el pecho y a unos zombis bailarines.
La mejor adaptación cinematográfica de la saga Bersek es una aventura épica que no escatima en sangre y sexo y se acerca mucho al manga original. La aventura más oscura de Griffith y Guts tiene una gran riqueza cromática, unos excelentes dibujos detallistas y una buena narrativa.
Segunda entrega de la adaptación del manga de Osamu Tezuka que recoge la etapa de crecimiento espiritual de Buda. Después de su presentación en el Museo del Louvre el pasado mes de enero, la película se podrá ver por primera vez en nuestro país aquí en las Nits.
Hardcore Comedy
Hong Kong, 2013
Dirección: H. Wong, C. Siu-wing, L.y Yiu-fai
Reparto: D. Chen, W. Chan Wai-Ting
Idioma: cantonés / Duración: 93 min.
La diferencia entre la genialidad y la estupidez es que la genialidad tiene un límite. Con esta rotunda frase comienza una de las películas más desvergonzadas que se han rodado nunca. El humor grueso, la irreverencia, la acción, incluso el sexo, salpican este cóctel multigénero de tres historias independientes que se acaban cruzando.
Puño Desnudo
Filipinas-EEUU, 1981
Dirección: Cirio H. Santiago
Reparto: Jillian Kesner, Darby Hinton, Rey Malonzo, Ken Metcalfe
Idioma: castellano / Duración: 77 min.
Susanne es una instructora de artes marciales norteamericana que viaja hasta Filipinas para buscar a su hermana, presa de un cartel de drogas. Uno de los mejores ejemplos del cine grindhouse que convirtió a Filipinas en los 70 y 80, en el tercer país productor de cine del mundo.
Machete Maidens…
Australia-Filipinas, 2010
Dirección: Mark Hartley
Documental. Con: Roger Corman, Joe Dante, John Landis, Eddie Romero
Idioma: inglés / Duración: 85 min.
Este documental nos explica con todo lujo de detalles el nacimiento, esplendor y caída del imperio del cine más demencial de la historia: el explotation filipino. Un paseo por la serie B de la mano de grandes maestros del fantástico.
The Search for Weng Weng
Australia-Filipinas, 2013
Dirección: Andrew Leavold
Documental
Idioma: inglés, tagálog (v.o.s.c) / Duración: 93 min.
Andrew Leavold nos presenta el resultado de ocho años de investigación para localizar a Weng Weng, el actor más bajito del mundo. Este filipino de 80 cm de altura protagonizó un puñado de películas acción durante los 70 y 80, y a través de sus aventuras y desventuras conoceremos más detalles de la época dorada del cine filipino.
Los clones de Bruce Lee
Hong Kong-Corea del Sur, 1980
Dirección: Joseph Kong
Documental: Bruce Le, Dragon Lee, Bruce Lai.
Idioma: cantonés (doblada al castellano) / Duración: 90 min.
Un científico loco tiene una gran idea para conseguir dominar el mundo: clonar al fallecido Bruce Lee para lograr un ejército invencible. Joseph Kong consiguió con esta cinta la locura de kung fu definitiva, reuniendo a los falsos Bruce Lee más famosos en una trama repleta de acción.
