Hoy finalizamos nuestro repaso por las adaptaciones del manga de Lone Wolf and cub a la gran pantalla dentro de la saga Baby Cart. Quiero recordar que estos artículos no pretenden analizar en profundidad ni el manga ni las películas, sino más bien divagar un poco sobre la propia adaptación, desde el punto de vista del lector del manga. Ya hemos analizado hasta la tercera película de la saga, hoy concluiremos nuestro viaje.

En la cuarta película de la saga, Baby Cart in Peril (cuyo titulo aproximado es Heart of the Parent. Heart of the Child) el lector del manga puede disfrutar de varias historias clásicas entretejidas. Básicamente se desarrolla el texto completo de “Performer” (VoL 4) a lo largo de la película, si bien se mezcla con otra gran historia del volumen 4, “Parting Frost”, donde Daigoro escapa de un gran incendio en un campo de hierva seca enterrándose en el barro. Sin embargo el samurai implicado en este suceso es Gunbei Yagyu, y también vemos entonces, a modo de flashback, la escena “The Infinite Path” (Vol. 8), donde Itto se convierte en Kaishakunin. Es interesante ver como los personajes y las escenas se unen para crear un desarrollo común mientras se da al lector del manga una buena dosis de detalles que recuerdan haber leído, aunque a veces extrañamente desordenados. Las cosas empiezan a ir mal cuando Itto decide perdonarle la vida a Gunbei después de vencerlo, pero eso se compensa con el gore que poco después hace su espectacular presencia en el ataque de un grupo de ninjas a Ogami mientras descansa en un templo, chorros de sangre, miembros por los suelos… de todo un poco. Quizás un poco demasiado, ya que en estas películas a veces se dejan de lado muchas cosas en pos de temas mas sensacionalistas, véase la sangre y cierto exploit. De todas formas no es anormal que muchas películas tomen estos caminos con la simple intención de entretener. Dicho esto es importante ver estas películas como entretenimiento, y no como una expresión puramente artística. Esta entrega finaliza con una familiar escena de batalla, donde Ogami se enfrenta a un ejercito Yagyu. Aquí vuelven a aparece armas de fuego e incluso Itto lanza algunas granadas a sus enemigos, se vuelve a optar por escenas sensacionalistas para entretener.

La quinta película, Babycart in the Land of Demons, o simplemente Meifumado, es un claro ejemplo de lo confuso que puede ser mezclar demasiadas cosas en una película. La base de la película es una mezcla de la historia “Castle of Women” del volumen 15, y “Kyushu Road,” del volumen 14, además de “Shattered Stones” del volumen 12. Por si esto no fuera suficiente se añaden a la mezcla elementos de “The Gateless Barrier” (Vol. 2), y “Penal Code Article Seventy-Nine” (Vol. 7). Por supuesto los nombres de los capítulos no dicen mucho, en “Castle of Women” el lider de un Han intenta engañar al shogun para que crea que su hija es un varón y asi poder mantener el clan. “Kyushu Road” involucra a un grupo de asesinos enmascarado y un oficial de un Han que intenta ascender de posición. En “Stones Shattered” un samurái quiere vengarse de su esposa por abandonarlo para ser concubina de su señor. La mezcla de estas tres historias conforman la línea argumental principal, pero luego surgen otros elementos. Aparece el monje de “Gateless Barrier”, pero es corrupto e Itto lo mata de una manera absurda. Incluso Daigori tiene su pequeña aventura ayudando aun carterista proveniente de la historia “Penal Code”. En realidad la parte de la película basada en esta historia es casi lo mejor de la misma, muy bien realizada y con Akihiro Tomikawa dando vida a Daigoro de forma muy fiel. Esa escena casi salva la película, pero la confusión es demasiada para los que busquen una comparación lógica con el manga. Una vez más tenemos una gran batalla al final de la película, y en una medida sin precedentes hasta el momento.

La sexta y última película es quizás la peor de la saga. Titulada White Heaven In Hell, desde luego tiene puntos positivos, pero las escenas gore y su alejamiento de la trama del manga la hacen la peor adaptación desde el punto de vista de la adaptación. White Heaven In Hell empieza con fuerza, saltando directamente a la historia “Sayaka” del Volumen 16. En esta historia, Sayaka, la hija de Retsudo, debe utilizar su técnica de daga para matar a Itto. Por supuesto Sayaka muere bajo la espada de Itto y poco después lo harán igualmente los lectores más fieles de Lone Wolf and Cub. Antes de que comience la trama principal hay una escena en la que Ogami y Daigoro van a visitar la tumba de su esposa, madre de Daigoro, y este momento sentimental se rompe cuando Itto agarra el Babycart y dispara contra una pared matando a unos ninjas “empalados” en ella. Desde luego lo “extraño” abunda en esta película, sobre todo en le giro del guión hacia lamistica.

La línea argumental mezcla la historia “The Moon in the East, the Sun in the West” (Vol. 13), con ideas de “Incense for the Living”, además de las tácticas de “Five Wheels of the Yagyii”, ambas del volumen 15, pero sin estar conectadas con su contexto original. El pegamento que une estas partes tan dispares es una mística que proviene de la ceremonia del incienso de Yama Metsuke. Sin embargo, en lugar de enterrar a un hombre por un par de horas, entierran a tres hombres durante cuarenta y cinco días para convertirlos en guerreros parecidos a zombis que pueden enterrarse en la tierra. Esta es una adición entretenida, pero es un poco demasiado increíble para disfrutarse a fondo.

Lo que mas falsea la integridad de la serie es como se trata a Yagyu al final de la película. No es menester hacer spoilers, pero el final de la película nada tiene que ver con el del manga, ni trasmite las mismas emociones o sensaciones. Es más, viendo el final de la película el lector del manga puede pensar que aun habiendo visto muchas escenas similares a la historia principal a los largo de las películas, esta no es una representación justa del manga. De hecho las diferencias entre las películas y el manga son suficientemente poderosas para que el lector más acérrimo se acerque a las mismas con la intención del puro entretenimiento ligero, y no buscando un profundo cuento moral, del peso que contiene la lectura del manga. Después de todo ambos medios, película y manga, aunque similares en algunos aspectos, trabajan de forma diferente y uno nunca debe esperar una completa adaptación a la gran pantalla de un libro, a pesar de tratarse de un libro de historietas.

A fin de cuentas hay que dejarse llevar, olvidar lo que debería ser, o lo que uno esperaba que fuera, y disfrutar del resultado final y del entretenimiento que ofrecen esta serie de películas.

Finalizamos hoy nuestro repaso a todo lo que pudimos ver en el pasado Udine Far East Film Festival. Nuestras últimas películas fueron dos comedias delirantes, una de Hong Kong y otra de Tailandia, un thriller japones con acabado de televisión, una película coreana sobre terroristas y un homenaje al cine de acción filipino de los 60. Solo decir que espero que este repaso os haya resultado interesante, que si veis estas películas las disfrutéis y que sigáis viendo cine, que de eso se trata.

The Snow White Murder Case
Yoshihiro Nakamura, 2014

Otra película japonesa en este FEFF y en esta ocasión no es una comedia rara o una película costumbrista, sino un thriller de asesinatos dirigido por Yoshihiro Nakamura y basado en una novela de Kanae Minato, cuyos libros ya han sido adaptados al cine con gran éxito como es el caso de Kokuaako (Confessions, Tetsuya Nakashima, 2010).

La historia comienza con un cadáver que es localizado apuñalado y calcinado en un bosque. El cuerpo resulta ser de la guapa Noriko, que trabajaba en una empresa de cosméticos. Cuando una periodista decide investigar el caso y empieza a entrevistar a sus compañeros de trabajo descubrirá una serie de nexos de unión, motivaciones y posibles sospechosos, entre las que destaca Miki, a la que rápidamente se le acusa de todo y se produce un escarnio público hacia ella. Pero, como es habitual, no siempre lo más claro es lo más cierto.

A los japoneses les gusta en cierto modo lo rocambolesco, las historietas en donde se producen asesinatos desconcertantes, donde el criminal es rebuscado y nada convencional o “realista”, y este sigue esa línea de actuación. La película juega con el thriller del asesinato, pero también con una aparente critica hacia el amarillismo de los medios de comunicación, insertando además unas ciertas dosis de humor negro a la mezcla. Todo podría quedar muy bien sino fuera por lo plano del resultado final, sin excesos en lso sentimientos o en los dramas y con un resultado de telefilm que hace parecer que la película no llega a la categoría cinematográfica y se queda en la televisiva (lo cual no es negativo, pero si tiene ciertas connotaciones).

Una película que no aburre y que puede hacernos pasar un rato entretenido, sin muchas más pretensiones.

From Vegas to Macau
Wong Jing, 2014

Me lo habéis leído varias veces ya en esta serie de comentarios sobre las películas del pasado FEFF, pero es que este año nos hemos metido una buena dosis de comedias para el cuerpo con dispar resultado. Quizás esta es la película que más me ha hecho reír de todo le festival, y es que la comedia de situación china con toques Mo Lei Tau (comedia de conversación absurda) y acción es una apuesta ganadora.

Wong Jing es una institución en el cine de Hong Kong y quizás uno de los pocos directores/productores capaces de copiarse a si mismo y dar vueltas y más vueltas sobre un tema con relativo éxito. En este caso recupera el concepto de comedia de jugadores y estafas, creando una especie de cuarta entrega de la conocida saga God of Gamblers y devolviendo a la comedia cantonesa a Chow Yun Fat, interpretando a ese icónico personaje que naciera en 1989.

Aquí nos encontramos a Benz (Benz Hui), su hijo Cool (Nicolas Tse) y su sobrino Karl (Chapman To), que se dedican a estafar a mafiosos para luego denunciarlos. Un día reciben la invitación al cumpleaños del viejo amigo de Benz, Ken (Chow Yun Fat), el multimillonario rey de los jugadores, que ha regresado a Macao. Por otra parte el hermanastro de Cool, Lionel (Philip Ng), es un policía infiltrado que ha grabado evidencias antes de ser descubierto y asesinado, evidencias que terminan en un oso de peluche. Durante la fiesta de cumpleaños todo empezará a enredarse y el peluche acabara en manos de la hija de Ken (Kimmy Tong), que es pretendida tanto por Cool como por su primo, poniéndola en peligro.

Y así se suceden los acontecimientos, mezclando comedia de situación con el toques de Mo Lei Tau (comedia de conversación absurda), con algunos puntos locales pero disfrutable por el gran público. A esto le sumaremos mucha acción llenas de batallas en ocasiones extravagantes y curiosas, partidas de cartas entre estafadores con los resultados más insólitos y partidos de fútbol amañados (casi todos ellos con España como protagonista). Chow Yun Fat saca su cara de cómic, su sonrisa forzada y enorme y así lo veremos durante toda la película, Nicolas Tse y Chapman To apoyan la acción y al comedia (respectivamente) a partes iguales y el desarrollo es ágil y divertido, con poca tregua.

Ya lo comentaba antes, una de las películas con las que más me he reído del festival (con permiso de Naked Ambition y Pee Mak). Altamente recomendada, sobre todo si aceptas bien la comedia china.

Pee Mak
Banjong Pisanthanakun, 2013

Pee Mak es un cuento de terror popular tailandés, y he de reconocer que esta premisa me daba un miedo terrible. Tal y como pasó en la era post-Ringu, en la que Japón y luego Corea se llenaron de películas de terror con fantasmas variados a cada cual peor que la anterior, Tailandia y el sudeste asiático viven un apogeo de este tipo de subproductos comerciales, dando una y mil vueltas al cine de fantasmas juvenil. Cuando os hablaba de Brontosaurius Love en crónicas anteriores ya os comentaba como aquella tenía una crítica a este sistema cinematográfico. Pero lo que realmente me hacia sentir ganas de verla es que esta Pee Mak había estado presente en casi todos los premios de su país, incluidos los de la crítica, y me hacia sentir que algo debería tener.

En la leyenda original Nak es una mujer embarazada que se queda sola en casa mientras su marido Mak se va a realizar el servicio militar. Ella muere durante le parto junto con su bebe peor insiste en seguir viviendo con Mak después de la guerra y lo espera en forma de fantasma. En esta ocasión la comedia de situación y de gags se mezcla con ciertos toques de terror mostrándonos a Mak y varios compañeros de batallón que vuelven a casa.

La comedia lo impregna todo, gags de situación donde un inocente Mak, pecando casi de imbécil, no se da cuenta de lo que sus compañeros si, que su mujer no parece todo lo normal que debería. La historia se llena de gags de humor, comedia de situación y puntos realmente graciosos, además de una halo de irrealidad que hace le conjunto más gracioso si cabe, anteojos, latas de coca cola… pero si eso no existía en la época que se supone se desarrolla la historia, pero que más da. Solo esas primeras escenas de guerra con ese grupo de jóvenes con peinados estrambóticos ya es delirante en si misma, parece que en cualquier momento van a gritar “corten” y va a ser todo un montaje inesperado… Pero esto que comento no es malo, sino todo lo contrario, le da un carácter irreal y delirante a la película, todos sus fallos y sus aciertos creo que trabajan en el mismo sentido, el de hacer reír (y pegarnos algún sustillo también, que para eso tiene su toque de terror).

Bien es cierto que aquellos que no gusten de la comedia absurda puedan no disfrutarla, pero creo que teniendo ganas de reírse, sin más, esta película es una apuesta segura.

The Terror Live
Kim Byung-woo, 2013

He de aclarar que con esta película no voy a ser imparcial, bueno realmente no lo soy nunca pero creo que todos tenemos nuestras fobias cinematográficas, esas cosas que al aparecer en pantalla nos hacen ponernos en guardia, ser más críticos de lo normal, o incluso sacarnos de la ficción. Pues eso me sucede a mi con ciertas películas sobre terroristas. Y es que estoy harto de terroristas con un poder inverosímil, que saben por ciencia infusa o poderes paranormales, donde, cuando y como va a estar su víctima, que si hay 100 aparaticos saben que cogerás el quinto a al derecha y ya te tienen en sus manos… esta sensación se me agrava cuando el terrorista es alguien “amateur” y me termina de entrar hasta el mal humor cuando en ciertos momentos hasta se simpatiza, de forma inverosímil, con sus premisas, en plan sensacionalismo barato y moralina antisistema de baja estofa… pero creo que estoy hablando demasiado, mejor intento hablaros de la película.

Yoon Young-hwa ha sido un prestigioso periodista que ha acabado en una pequeña cadena de radio presentando el show de la mañana debido a un escandalo sentimental. Cierto día recibe una llamada un tanto extraña a la que no presta mucha atención, pero a los pocos minutos esta persona vuelve a llamar amenazando con hacer volar el puente Mapo. Cuando efectivamente el puente estalla Yoon ve su oportunidad y quiere trasmitir en directo una entrevista con el susodicho y volver a recuperar su prestigio.

Realmente la película comienza y se desarrolla bastante bien si uno es capaz de abstraerse de ese poder “omnipotente” del terrorista. Ha Jung-woo lleva magníficamente el paso de casi toda la película, y no es fácil estar tu solo en un estudio radiofónico, trasmitiendo esa claustrofobia, ese “poder inevitable” que representa el terrorista. En general todo es correcto y la producción es buena, falla el desenlace final, peor no voy a contar nada porque debéis descubrirlo.

En definitiva, la película no es mala, pero mis prejuicios hacia este tipo de producciones, y que la película cumpliera todo lo que no me gusta de este tipo de cintas a rajatabla, hicieron que casi me pusiera de mal humor tras verla.

Shoot to Kill: Boy Golden
Chito S. Roño, 2013

Nuestra última película en Udine fue esta Shoot to Kill: Boy Golden, una sesión “golfa” filipina que nos presento su director, Chito S. Roño, muy conocido en su país como director popular que ha tocado casi cualquier género cinematográfico, y animal televisivo. Roño nos confesaba que quería hacer un producto que homenajeara al cine de los 60 que se producía en filipinas, un cine basado en crimen, bandas de jóvenes delincuentes, dudosos héroes, femmes fatales y muchas otras cosas, y el resultado ha sido de lo más entretenido, un clásico contemporáneo.

La historia nos traslada a la Manila de los años 60, una jungla llena de matones y bandas a la que regresa Arturo Porcuna, “Boy Golden”, el líder de una antigua banda que fue traicionado y dado por muerto. Arturo vuelve para vengarse, e inexorablemente buscará a los que lo traicionaron para acabar con ellos. En esta búsqueda termina asociándose con Marla Dee, una sensual mujer de armas tomar que también busca venganza contra el mismo líder que Boy Golden.

Como veis la historia no presenta nada nuevo, ni lo pretende, y la película se llena de estereotipos tanto visuales como temáticos, todos ellos premeditados, buscando que tengamos la sensación de ver un clásico, una película de los 60 traída a la actualidad. La fotografía e iluminación son clave, colores vivos, espacios clásicos, a esto hay que sumar un maquillaje forzado… todo nos traslada a otros tiempos. Las interpretaciones no son nada del otro mundo, pero los actores tienen presencia en pantalla, sobre todo Boy Golden y Marla. Los diferentes personajes están muy prototipados, el malo es el más malo, Marla es la femme fatale clásica de las películas de acción juveniles y Boy Golden es una especie de antihéroe, que vira desde el gangster de los “años 20” al motero con tupé y chupa de cuero más digno de los 60 y 70. Por su parte la acción no es tampoco algo muy destacable, pero tiene sus momentos, además que tendremos momentos agresivos y con sus dosis de sangre… Pero realmente lo que tiene fuerza es el conjunto, todos estos elementos se dirigen y se ejecutan con cierta maestría y uno tiene la sensación de estar viendo realmente una película clásica, con sus puntos buenos y malos, con todo lo que ellos conlleva.

Una película que ofrece diversión y entretenimiento con un estilo clásico. Un broche final más que digno para nuestro periplo festivalero.

Continuamos hoy un nuestro recopilatorio de posters y grafísmos en torno al Cine de “terror” en la Shaw Brothers, un cine que se llena de terror, sangre, exploitation y muchas cosas más. Esta entrega comprende 8 posters de otras tantas películas que no deberíais perderos.

Fearful Interlude (1975) Director: Kuei Chih Hung	Oily Maniac (1976) Director: Ho Meng Hua
Spirit of the Raped (1976) Director: Kuei Chih Hung	Bewitched (1980) Director: Kuei Chih Hung
Bloody Parrot (1981) Director: Hua Shan	Hell has no Boundary (1982) Director: Richard Yuen Kuen
Human Laterns (1982) Director: Sun Chung	Curse of Evil (1982) Director: Kuei Chih Hung

Li Han Hsiang nació en 1926 en Liaoning, China. Li dedicaría gran parte de su tiempo a las artes plásticas y tras estudiar pintura en Beijing e interpretación en Shanghái, llegaría a Hong Kong y se uniría a la industria del cine local en 1948. Tras trabajar como actor de reparto en algunas películas, decorador y otras labores de set, mostraría su talento en su debut oficial como director “Blood in Snow” en 1956, y se establecería con el tiempo como un director de primer orden con sus epopeyas históricas y “Huangmei diao” para la Shaw Brothers.

Sus primeros trabajos, “Lady in Distress” (1957), protagonizada por la estrella Linda Lin Dai, es una deliciosa obra que captura la cultura popular china, y su debut oficial “Blood in Snow” (1956), muestran las posibilidades de filmación artesanal de Li.

Sus “huangmei diao” son apreciados tremendamente. El elenco de “The Love Eterne” (1963), encabezado por la actriz del género Ivy Ling Po, había creado un par de generaciones de fieles e hipnotizados seguidores. Otro clásico: “The Kingdom and the Beauty” (1959), integra la pasión de Li por la grandeza palaciega con el colorido de la vida popular. En “The Dream of the Red Chamber” (1977) Li ficho a Brigitte Lin como protagonista masculino, añadiendo una actuación memorable a su colorida carrera.

Tampoco debemos perder de vista la epopeya épica en torno a la legendaria “Empress Wu Tse-tien” (1963), una obra maestra temprana que levanta diversas opiniones entre la crítica. La película, un intenso drama de proporciones shakespearianas, se incluyó como una de las 200 mejores obras clásicas chinas en 2002.

En 1963 se trasladó a Taiwán para formar la Grand Motion Picture Company, que transformó la industria del cine de Taiwán en un breve espacio de cinco años. En este periodo se concentro en el negocio, dejando las labores de dirección a un grupo de talentos reclutados. Sin embargo, se las arregló para dirigir “The Winter”, que ahora se considera una de las mejores películas en idioma chino de la década de 1960.

Entre las películas románticas producidas en Taiwán, “At Dawn” (1968), un ataque frontal contra un sistema judicial corrupto. La película es también un testimonio de la importancia de Li como productor y jefe de estudio, dando la oportunidad a prometedores jóvenes directores, como Song Cunshou, de embarcarse en proyectos con poco atractivo comercial. “The Winter” (1969), obra maestra del cine de Taiwan, es una historia cálida y conmovedora.

“Hsi Shih: Beauty of Beauties” (1965), que destrozó los recursos de la Grand Motion Pictures y obligo a Li a dejar Taiwán, es una película de gran impacto con unas notables interpretaciones de sus protagonistas Jiang Qing y Chao Lei. Li regresó a Hong Kong, reuniéndose de nuevo con la Shaw Brothers en 1972 y dirigiendo una serie de rentables comedias y cuentos erótico. Después de restablecer su reputación, demostró su habilidad en el rodaje de dramas históricos como “The Empress Dowager” y “The Last Tempest”. Prodigando un considerable presupuesto en los decorados palaciegos, “The Empress Dowager” (1975) y su pieza compañera “The Last Tempest” (1976), captura el mal estado de ánimo de los residentes del palacio y el inminente fin de la dinastía Qing.

Además de la grandeza de sus escenarios, su ingenio a la hora de la narración es otra de las más apreciadas cualidades de Li. Con Michael Hui y Tina Li, “The Warlord” (1972) es una comedia absurda, dejando Li su impronta en su estructura episódica, ligada mediante delirantes sketches. Con la misma fórmula de divertidas anécdotas que se encuadran en un contexto histórico verían la luz “The Legends of Cheating” (1971) y la película erótica “Legends of Lust” (1972).

La actriz Hu Chin le debe su fama a Li al encarnar el personaje de la mujer sexualmente agresiva Pan Jinlin en “Golden Lotus” (1974). Esta cinta dio inicio al estilo “Fengyue” – películas de sexo suave encuadradas en épocas históricas. También adaptó una novela erótica de Jin Ping Mei, “Tiger Killer” (1982), añadiendo acción Kung Fu mediante la presencia de Ti Lung.

En 1982 se llegó a un acuerdo con el gobierno chino para rodar “The Burning of the Imperial Palace” y “Reign Behind a Curtain” en el Palacio Imperial de Beijing. Estas películas se convirtieron en grandes éxitos, siendo además reconocidas por la crítica, consolidando aún más el lugar de Li como una figura clave del cine chino. “The Burning of the Imperial Palace” (1983) y su pieza hermana “Reign Behind a Curtain” (1983), ambas protagonizadas por Tong Leung Kai-fai y Liu Xiaoqing, representan un hito importante del cine de Hong Kong en la producción conjunta con la China continental. Las películas no sólo mostraban fascinantes imágenes palaciegas, una dramática representación del poder, sino que además Tony Leung Kai-Fai ganaría el premio a mejor actor en los Hong Kong Film Awards.

En 1996, Li sufrió un ataque al corazón y murió durante la producción de la serie de televisión “Burning of Efang Palace”, dejando tras de sí un legado de notable creatividad.

Un visionario, un innovador y un narrador, Li Han Hsiang fue una de las figuras más importantes del cine de Hong Kong. Tuvo una gran influencia en los cines de Hong Kong, Taiwán y China continental, sobresaliendo en una amplia variedad de géneros, incluyendo epopeyas históricas, suntuosos Huangmei diao (películas de ópera local), interesantes historias sobre el juego, ingeniosas comedias ligeras y erotismo sugerente. Cineasta versátil, Li también fue pintor, escritor, aficionado de antigüedades y un devoto de la dinastía Qing y la historia temprana de la República. Era famoso por su fetichista atención al detalle y su habilidad para trabajar con los actores y actrices que conducía generalmente al estrellato.

El ciclo de cine especial que Fundación Japón y Filmoteca Española prepararon con motivo de la celebración del Año Dual España – Japón llega a su fin en Madrid con una última selección de seis películas que se proyectarán durante el mes de marzo. El ciclo ha gozado un gran éxito de público que esperamos acompañe a esta sexta tanda compuesta por un grupo de películas que, como en las ediciones anteriores, busca combinar títulos de directores muy conocidos, como Hirokazu Kore-eda, Hayao Miyazaki o Takashi Miike, con trabajos menos conocidos, como Maiko Haaaan!!! o Maiko Lady.

El ciclo 36 Directores Japoneses ha estado compuesto, como indica su nombre, por treinta y seis películas, de otros tantos directores japoneses, seleccionadas a partir de las sugerencias del público. A los dieciocho títulos más votados, especialistas y críticos de cine han añadido los trabajos de otros dieciocho directores japoneses a modo de diálogo con la propuesta del público. El ciclo comenzó con una primera entrega que se proyectó coincidiendo con el comienzo de la conmemoración, en julio de 2013, y ha continuado durante los dos siguientes años, mostrando las obras más representativas, o las menos conocidas, de los maestros del cine japonés de todos los tiempos. El ciclo toca a su fin en este mes de marzo de 2015 en el que se proyectarán los últimos seis títulos de la selección.

La Filmoteca Española proyecta esta tanda del Ciclo 36 Directores Japoneses entre el 4 y el 28 de marzo:

Still Walking – Caminando (歩いても歩いても, 2008) – Hirokazu Kore-eda

“De Ozu a Naruse pasando por Kore-Eda. Todo el cine nipón, el grande (sólo faltaría citar a Kenji Mizoguchi), se da cita en la película. Dice el propio director que Still Walking nació de una necesidad muy personal. ‘En los últimos seis años, perdí a mis dos padres. Sentía que les debía algo’. Cuenta que parte de su historia está dentro de la película.” (Luis Martínez). Still Walking – Caminando se proyectará el día 04/03 a las 20.00h y el día 21/03 a las 19.30h.

Ponyo en el acantilado (崖の上のポニョ, 2008) – Hayao Miyazaki

“Hayao Miyazaki inicia con esta película una regresión a la infancia que simplifica el argumento -estamos ante una versión libérrima de La sirenita de Andersen- y aligera la forma. Ante el exagerado barroquismo de El castillo ambulante, reivindica una depuración estilística, un regreso a los orígenes del relato, que resulta más que refrescante. En tiempos de ferocidad digital, Ponyo es una celebración de la animación tradicional. El lápiz, la pintura, el diseño de línea clara, la atención por el detalle y la creatividad del animismo son ejemplares.” (Sergi Sánchez). Ponyo en el acantilado se proyectará el día 07/03 a las 17.30h y el día 17/03 a las 20.00h.

Maiko Haaaan!!! (舞妓Haaaan!!, 2007) – Nobuo Mizuta

Kimihiko Onizuka es un fanático de las maiko (las aprendizas de geisha) y un fetichista que posee un blog donde fotografía a escondidas a las debutantes. Sin embargo, nunca ha estado en una casa de geishas, por lo que un misterioso hombre que visita su página lo estimula con sus insultos y sus vejaciones, tildándolo de principiante y de iletrado en la materia hasta que, por fin, se atreve a entrar en una casa de maiko. Maiko Haaaan!!! se proyectará el día 10/03 a las 21.30h y el día 12/03 a las 19.30h.

Maiko Lady (舞妓はレディ, 2014) – Masayuki Suo

“La cultura alrededor de la geisha en Japón se cruza de forma enloquecida con los musicales de Broadway en Maiko Lady, la variación de Masayuki Suo de My Fair Lady. Magníficamente diseñado y eufóricamente coreografiado, este drama multitudinario es una invitación visual que, en más de dos horas, imprime una chispa romántica a su enorme ímpetu dramático.” (Maggie Lee). Maiko Lady  se proyectará el día 11/03 a las 20.00h y el día 15/03 a las 17.30h.

Los protectores – Shield of Straw (藁の楯, 2013) – Takashi Miike

‘Mate a este hombre y recibirá un millón de yenes como recompensa.’ Con esta publicidad publicada en todos los periódicos japoneses, el multimillonario Ninagawa pone un precio a la cabeza de Kiyomaru, el presunto asesino de su nieta. Millones de enemigos potenciales van a obstaculizar la ruta de los policías responsables de escoltar a Kiyomaru hasta Tokio, transformando el periplo en una persecución infernal que lleva al espectador al corazón de un western urbano cuyo final es incierto. Los protectores – Shield of Straw se proyectará el día 24/03 a las 21.40h y el día 28/03 a las 19.30h.

Why Don’t You Play in Hell? (地獄でなぜ悪い, 2013) – Sion Sono

“Why Don’t You Play in Hell? es una farsa empapada en sangre sobre la gloria de los rodajes de guerrilla: una comedia sobre un clan de mocosos cinéfilos, denominados “Los jodidos bomberos” que se introducen en una clan mafioso para crear “la mayor película de todos los tiempos”. También es la película más accesible del escritor/director postpunk Sion Sono: el tributo de un cineasta de mediana edad a la novela negra de contenido épico que solía fantasear con hacer.” (Simon Abrams). Why Don’t You Play in Hell? se proyectará el día 25/03 a las 20.00h y el día 27/03 a las 17.30h.

Además, coincidiendo con las proyecciones de Maiko Haaaan!!! (Nobuo Mizuta, 2007) y Maiko Lady (Masayuki Suo, 2014), películas que nos hablan de la figura de las geiko y las maiko desde muy diferentes puntos de vista, Fundación Japón organiza una serie de conferencias sobre el mundo de las geishas. Bajo el título de La fortaleza de la cultura japonesa: Los hanamachi de Kioto, estas conferencias, a cargo de la fotógrafa y periodista especializada Kyoko Aihara, nos acercarán a la realidad de este personaje estereotípico de la cultura japonesa. Estas conferencias se realizarán en diversas ciudades:

Zaragoza: Viernes 13 de marzo – 19.00h – Salón de Actos de la Biblioteca de Humanidades María Moliner. Universidad de Zaragoza. Campus Plaza San Francisco. C/ Pedro Cerbuna, nº 12. Entrada libre hasta completar aforo.

Barcelona: Lunes 16 de marzo – 18.30h – Casa Asia Barcelona. Aforo limitado. Para asistir a la actividad es necesario inscribirse enviando un correo a: educacion@casaasia.es , indicando nombre y número de DNI, NIE o pasaporte.

Granada: Martes 17 de marzo – 18.00h – Aula Magna – Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Granada. Campus de Cartuja s/n. Entrada libre hasta completar aforo.

Málaga: Jueves 19 de marzo – 17.30h – Salón de Grados de la Facultad de Estudios Sociales y del Trabajo, Avda. Francisco Trujillo Villanueva, nº 1, Universidad de Málaga. Entrada libre hasta completar aforo.

Sevilla: Viernes 20 de marzo – 17.00h – Salón de Actos del Centro Internacional – Universidad de Sevilla, Av. Ciudad Jardín 20 (Gran Plaza). Entrada libre hasta completar aforo.

Santiago de Compostela: Martes 24 de marzo – 19.00h – Iglesia de la Universidad de Santiago de Compostela. Entrada libre hasta completar aforo.

Madrid: Jueves 26 de marzo – 19.00h – Fundación Japón, Madrid, C/ Almagro, 5. Entrada libre hasta completar aforo.

Casa Asia y la Fundación Japón-Madrid brindan de nuevo a los seguidores del cine japonés y a aquellos que quieren conocer esta cinematografía por dentro la posibilidad de ver películas que han marcado hitos en su país de origen.

Los títulos que forman parte de este ciclo nos acercan a algunos de los éxitos del cine japonés reciente, sea por la adaptación de novelas populares en Japón o por tratarse de fenómenos mediáticos como la erupción volcánica en la isla de Miyake-Jima en el año 2000 o como la tragedia del terremoto y tsunami de Fukushima en 2011. Se trata de un total de 11 producciones, dos de las cuales están dedicadas al público infantil. El resto se compone de películas que abordan la vida cotidiana del país en sus diferentes aspectos: el drama suele ser el hilo conductor de la mayoría, sin que necesariamente éste se imponga como clave para la articulación de los episodios no menos reales que se narran.

Esta muestra ha sido posible gracias al apoyo de la Fundación Japón-Madrid y de los realizadores cuyos trabajos se han incluido por su indudable interés. Cabe mencionar también la aportación de los cineastas argentinos, Federico y Martín Aletta, que presentan obras hechas en Japón; la de las italianas Samantha Cito y Simona Cocozza con The Barefoot Princess, película que se confrontará con Kabuku de Yoshitarro Saito; y por último, el documental Twilight of the Yakuza del alemán Sebastian Stein sobre los yakuza. El ciclo comprende largometrajes de ficción, cortos, documentales y animación, con el fin de integrar todos los formatos.

Programa

Sábado, 28 de febrero de 2015 a las  18.00 h  |  Domingo, 1  de marzo de 2015  16.00 h

Komaneko’s Christmas: A Lost, dir. Tsuneo Goda | 2009 | 20’ | VOSI
Komaneko: The Curious Cat, dir. Tsuneo Goda | 2006 | 60’ | VOSI

Sábado, 28 de febrero de 2015 a las 20.00 h

Rock: The Island of Dogs, dir. Isamu Nakae | 2011 | 123’ | VOSE

Sábado, 7 de marzo de 2015 a las 20.00 h

Eclair, dir. Akio Kondo | 2011 | 107’ | VOSE

Sábado, 14 de marzo de 2015 a las 20.00 h

Quartet!, dir. Junichi Mimura | 2012 | 118’ | VOSE

Sábado, 21 de marzo de 2015 a las 20.00 h

Robo-G, dir. Shinobu Yaguchi | 2012 | 111’ | VOSE

Sábado, 28 de marzo de 2015 a las  20.00 h

Kabuku, dir. Yoshitaro Saito | 2013 | 41’ | VOSI
The Barefoot Princess, dir. Samantha Cito y Simona Cocozza  | 2013 | 54’ | VOSE
Con coloquio a cargo de Samantha Cito, una de las directoras de The Barefoot Princess.

Sábado, 4 de abril de 2015 a las  20.00 h

Ope Eyes, dir. Martín Aletta | 2013 | 15’ | VOSE
Ishinomaki Rock’n Roll City, dir. Federico Aletta | 2011 | 18’ | VOSE
Twilight of the Yakuza, dir. Sebastian Stein| 2011 | 52’ | VOSI

Cinemes Girona
c/ Girona, 175 (Barcelona)

Majo no takkyūbin
1989
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki (novela de Eiko Kadono)
Producción: Nibariki, Nippon Television Network Corporation, Studio Ghibli
Música: Joe Hisaishi
Animation, seinen-eiga

Nicky ha cumplido los 13 años y, como todas las brujas inexperta a su edad, debe emanciparse durante un período de un año para encontrar su propia especialidad y completar así su período de aprendizaje. Así que coge su escoba y a su gato Jiji y busca una ciudad cercana al mar dispuesta a entender los conceptos de amistad e independencia para poder madurar por sí misma.

Nicky, la aprendiz de bruja es una adaptación de la novela infantil escrita por Eiko Kadono Majo no Takkyūbin (1985) encargada en 1987 por el Grupo Fudosha a Studio Ghibli. Sin embargo, no es hasta el estreno de Mi vecino Totoro (1988) cuando Miyazaki toma las riendas del proyecto, asumiendo también la elaboración del guión e inspirándose en la ciudad sueca de Visby para recrear la ciudad portuaria de Koriko, situada en una Europa de 1950 alternativa en la que la Segunda Guerra Mundial nunca tuvo lugar. El título de la película coge prestado el nombre y el gato negro del logo de la empresa de transportes japonesa Yamato, la cual se benefició enormemente de esponsorizar el proyecto (McCARHTY, 2008).

Dado que la obra original de Eiko Kadono consta de historias breves sobre las diferentes personas que Nicky conoce durante sus entregas, Miyazaki tuvo que crear tres elementos dramáticos clave para crear la trama de la película: el accidente con el dirigible, los problemas de Nicky con la magia, el hecho de que Nicky gane dinero con sus entregas. En este caso, como señala Napier, el primero sirve como elemento visual que reafirma el mensaje del segundo (NAPIER, 2005). A pesar de que la autora en un principio no estuvo nada de acuerdo con estos cambios (McCARTHY, 2008), estos elementos dramáticos son claves para expresar el tema central de la obra: la independencia. Pero no hablamos de la independencia económica, que Nicky consigue cuando empieza su negocio de correos, sino de la independencia espiritual necesaria para descubrir sus propios talentos y limitaciones y confiar en sí misma. En esta transición emocional de la adolescencia a la edad adulta, Nicky es asesorada por dos mujeres que sustituyen la figura de su madre: Osono, la propietaria de un negocio y Úrsula, una pintora independiente. Y, el contrapunto, correrá a cargo de Tombo, un niño ilusionado con la aviación –volvemos a ver aquí una referencia a las obsesiones propias del director—que le ofrece su amistad de manera completamente altruista. Tombo actuará en el film como el galán dispuesto a ayudar la dama y a la vez como el galán en peligro que necesita ser salvado.

En cuanto al tercer elemento, es crucial para romper con el prototipo de cuento de hadas; Ya lo había roto con el doble rol de Tombo, pero además en este cuento de hadas el director trasciende el arquetipo de la bruja que tiene que buscarse el sustento y esto la ata al mundo real a la vez que enfatiza el mensaje de la película (NAPIER, 2005). Así, Miyazaki nos presenta una bruja muy humana que encarna a todas las jóvenes japonesas que sueñan con la libertad de las grandes ciudades pero que a menudo sienten ansiedad y soledad cuando se independizan. Nicky es en este sentido, el prototipo de heroína miyazakiana: valiente, alegre y dispuesta, que deberá recorrer su propio viaje heroico, aceptar la amistad de los demás y superar sus derrotas.

Es interesante que la historia se produzca, igual que ocurre con Mi vecino Totoro, en un historia alternativa en la que la Segunda Guerra Mundial no ocurrió. Aunque Satsuki y Mei viven en Japón y Nicky en Europa, el desarrollo de la política económica de ambos continentes es el mismo. Osono acoge a Nicky en su casa a cambio de que la ayude en la panadería, aunque exista una economía de mercado es la vida en comunidad lo que hace prosperar al mundo: el poder confiar en la ayuda y la amistad de los demás. Es decir, para Miyazaki la vida en comunidad es la solución tanto en Europa como en Asia; para él, sin la revolución Meiji y la Segunda Guerra Mundial, el movimiento socialista hubiera evolucionado de una manera exitosa.

A pesar de ser una película hecha por encargo, Miyazaki consiguió hacer un producto muy suyo. La lucha entre la modernidad y la tradición — el respeto a los mayores, el inexorable avance de la tecnología — es un tema central en muchas de las películas de Ghibli, pero en Nicky, la aprendiz de bruja, el director acepta la modernidad como algo inevitable a la vez que intenta mantener la tradición. Además, podemos encontrar dos personajes reciclados claves en el resto de su obra. Uno de ellos es la pintora Úrsula, basada en el personaje de Pippi Calzaslargas que Miyazaki intentaría adaptar en 1971 en Nagakutsushita no Pippi, de espíritu aventurero y con predilección por la naturaleza. El proyecto fue finalmente descartado pero los conceptos y el personaje serían rescatados para crear a Mimiko de Las aventuras de Panda y sus amigos (Isao Takahata, 1972) y posteriormente a la protagonista del cortometraje creado para el Ghibli Museum en 2006 House Hunting (MONTERO, 2012). Y el otro sería el personaje autobiográfico de Tombo, el niño loco por la aviación que inspiró en parte a Jiro de Se levanta el viento (2013).

Cuando Disney asume la distribución y doblaje del film lo hace a partir de la traducción que realizó Streamline Pictures para los vuelos internacionales de la Japan Airlines. Por ello hay varias incongruencias y varios cambios en el original, consensuados con Ghibli, aunque quizás el más significativo es que en la versión japonesa original Nicky pierde para siempre la habilidad de hablar con su gato Jiji mientras que en la de Disney la recupera cuando recupera su magia. Según Miyazaki, la pérdida de esta habilidad simboliza que Nicky ha conseguido madurar y ya no necesita hablar con un gato (MIYAZAKI, 2006).

La versión de Ghibli no es la única de Majo no Takkyûbin que fue versionado en un musical en 1993 y en un live-action en 2014, pero sí la más lucrativa y la más galardonada: Nicky, la aprendiz de bruja fue un éxito en las taquillas japonesas, donde alcanzó los 18 millones de dólares y además, fue el DVD de anime más vendido en 2001. Además, el film fue galardonado a la mejor Película Animada en la 44ed. Mainichi Film Award (1990) y en la 12ed. Anime Grand Prix (1989); y con el premio especial y el premio a la popularidad en la 13ed. de la Japan Academy Prize.

BIBLIOGRAFÍA

CAVALLARO, Dani.  The Anime Art of Hayao Miyazaki.  North Carolina: McFarland, 2006, pp. 212.
McCARTHY, Helen. Hayao Miyazaki: master of Japanese animation: films, themes, artistry. Berkeley: Stone Bridge, 2008.
MONTERO, Laura. El mundo invisible de Hayao Miyazaki. Palma de Mallorca: Dolmen Editorial, 2012.
MIYAZAKI, Hayao. The Art of Kiki’s Delivery Service: A Film by Hayao Miyazaki. Viz Media, 2006, pp. 208.
NAPIER, Susan. Anime from Akira to Howl’s Moving Castle: Experiencing Contemporary Japanese Animation. New York: Urban Media Comics: 2005, pp. 355.

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)

Hace unos días se han anunciado los nominados a los Asian film Awards, premios creados en el marco del Hong Kong Film Festival pero que ya son un referente dentro de la producción cinematográfica asiática. Curiosamente este año hay muchas películas que no comparten lasnominaciones a mejor director y mejor película, pero entre las que si lo hace destacan la india Haider y y la china The Blind Massage. A continuación os acerco la lista completa de nominados.

Mejor Película

Black Coal, Thin Ice (China)
Blind Massage (China)
Haider (India)
Hill Of Freedom (Corea del Sur)
Ode To My Father (Corea del Sur)
The Light Shines Only There (Japón)

Mejor Director

LOU Ye – Blind Massage
Shinja TSUKAMOTO – Fires On The Plain
Lav DIAZ – From What Is Before
Vishal BHARDWAJ – Haider
HONG Sang-soo – Hill Of Freedom
Ann HUI – The Golden Era

Mejor Actor

LIAO Fan – Black Coal, Thin Ice
Ryo KASE – Hill Of Freedom
Sean LAU Ching-wan – Overheard 3
Ethan RUAN – Paradise In Service
CHOI Min-sik – Roaring Currents
Takeru SATOH – Rurouni Kenshin: The Legend Ends

Mejor Actriz

BAE Doo-na – A Girl At My Door
GONG Li – Coming Home
ZHAO Wei – Dearest
Kalki KOECHLIN – Margarita, With A Straw
Rie MIYAZAWA – Pale Moon
TANG Wei – The Golden Era

Mejor Novato

DOH Kyung-soo – Cart
ZHANG Huiwen – Coming Home
Ivana WONG – Golden ChickenSSS
Hiroomi TOSAKA – Hot Road
ZHAN Huaiyun – Meeting Dr. Sun

Mejor Actor Secundario

CHO Jin-woong – A Hard Day
QIN Hao – Blind Massage
CHEN Jianbin – Paradise In Service
WANG Zhiwen – The Golden Era
Hideaki ITO – WOOD JOB!

Mejor Actriz Secundaria

HAN Ye-ri – Haemoo
Tabassum HASHMI – Haider
WAN Qian – Paradise In Service
Chizuru IKEWAKI – The Light Shines Only There
Haru KUROKI – The Little House

Mejor Guión

KIM Seong-hun – A Hard Day
DIAO Yinan – Black Coal, Thin Ice
Chaitanya TAMHANE – Court
LI Qiang – The Golden Era
Ryo TAKADA – The Light Shines Only There

Mejor Fotografía

DONG Jinsong – Black Coal, Thin Ice
ZENG Jian – Blind Massage
CHOI Chan-min – Kundo: Age Of The Rampant
KONDO Ryuto – My Man
Matt FLANNERY, Dimas Imam SUBHONO – The Raid 2: Berandal

Mejor Diseño de Producción

LIU Qing – Gone With The Bullets
Subrata CHAKRABORTY, Amit RAY – Haider
PARK Il-hyun – Kundo: Age Of The Rampant
Yuji HAYASHIDA, Eri SAKUSHIMA – Over Your Dead Body
YI Zhenzhou – The Taking Of Tiger Mountain

Mejor Banda Sonora

CUI Jian, LIU Yuan – Blue Sky Bones
ZHANG Yilin, HISAISHI Joe, DOU Peng George ACOGNY, SHU Nan – Gone With The Bullets
Mikey MCCLEARY – Margarita, With A Straw
MOWG – The Fatal Encounter
BCDMG – Tokyo Tribe

Mejor Edición

KIM Chang-ju – A Hard Day
Hiroshi SUNAGA – One Third
Patrick TAM, Curran PANG – That Demon Within
KWONG Chi-leung, Manda WAI – The Golden Era
Gareth EVANS – The Raid 2: Berandal

Mejores Efectos Especiales

Rick SANDER, Christoph ZOLLINGER – Gone With The Bullets
Takashi YAMAZAKI – Parasyte
TONG Ka-wai, Ken LAW, Randy TSE, Lucky Tracy Hannah – The Midnight After
KANG Jong-ik – The Pirates
KIM Wook – The Taking Of Tiger Mountain

Mejor Vestuario

LIANG Tingting – Brotherhood Of Blades
William CHANG Suk Ping – Gone With The Bullets
Isao TSUGE – Over Your Dead Body
CHONG Kyong-hee – The Fatal Encounter
KWON Yoo-jin – The Taking Of Tiger Mountain

Kurenai no buta
1992
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki
Producción: Japan Airlanes, Nibariki, Nippon Television Network Corporation, Studio Ghibli
Música: Joe Hisaishi
Animation, adventures

Cuando el experimentado piloto militar italiano Marco Pagoto decidió dejar las fuerzas aéreas ante el auge del fascismo, fue víctima de un misterioso hechizo que lo convirtió en cerdo. “Prefiero ser un cerdo a un fascista”, asegura. Corren los años 30 y el piloto continúa vigilando los cielos del mar Adriático y boicoteando a los piratas y esto hace que sus enemigos contraten a un piloto americano para acabar con él: Donald Curtis. Con Curtis se enfrentará por el amor de Gina y por la libertad de Fio, mientras las fuerzas aéreas italianas fascistas les acechan.

La película está basada en el manga Zassō Nōto, Hikôtei Jidai (“Miscellaneous Memoranda, The Age of Seaplanes”) de Hayao Miyazaki, serializado en la revista de maquetas Model Graphix entre 1984 y 1990. En realidad, el director ya colaboraba desde hacía años en esta revista, desmenuzando modelos de los años 20 y exponiendo sus modificaciones y, a menudo, usaba cerdos antropomórficos como pilotos en esta sección, con lo que el manga no es más que una conclusión de estas colaboraciones. De hecho, la historia en el manga es mucho más ligera, ya que no deja de ser una declaración de amor por los aviones antiguos, en la que no aparece ni Gina ni ningún tipo de justificación del pasado del piloto.

El film, en cambio, combina el cine propio de la Edad Dorada de Hollywood con los cuentos clásicos más con un trasfondo mucho más complicado de lo que parece. Sin llegar a ser una crítica ácida, el director retoma el tono de Nausicaä del Valle del Viento (1984) y nos devuelve una Europa acechada por el fascismo. En un principio, estaba pensada para ser una animación de 45 minutos sobre un piloto de Japan Airlines retirado en Croacia cuyo cerebro se convierte en tofu a causa del exceso de trabajo: un corto con mucha acción y violencia, en respuesta a la plegaria de los fans que le rogaban que volviera al estilo de El Castillo de Cagliostro. De hecho, la JAL pensaba retransmitir en exclusiva la animación durante sus vuelos. Pero en el momento en el que el director comienza a trabajar en Kurenai no buta, estalla la guerra en la antigua Yugoslavia y Miyazaki decide situar la acción en el mar Adriático y dotarla de más seriedad. Por eso, Marco Pagoto (en honor a los italianos hermanos Pagot que trabajaron con Hayao Miyazaki en Sherlock Holmes) cuando ve como el fascismo asciende al poder una vez finalizada la Primera Guerra Mundial, pierde la fe en la humanidad y se convierte en cerdo. Será la primera vez que Miyazaki utilice la metamorfosis en cerdo como signo de rechazo a la humanidad; lo reutilizará luego en La princesa Mononoke (1997) o El viaje de Chihiro (2001).

Podríamos decir que Kurenai no buta fue el film más personal de Miyazaki hasta el estreno de El viento se levanta (2013) porque refleja sus sueños y obsesiones, no sólo por lo que a la aviación respecta, sino por la animación ya que utilizó técnicas de animación tradicional. Napier sostiene que en ambas películas Miyazaki deja fluir su “tecnología de nostalgia y negación”, una tecnología ficticia de guerra en la que se siente una mezcla de culpa, nostalgia y negación como ciudadano de una nación que ha perdido un imperio. Yo diría más bien que la aviación es un pedazo de él; no olvidemos que el pequeño Miyazaki ya dibujaba aviones cuando su padre dirigía Miyazaki Airplanes. Otra cosa es que el director sea, como muchos otros artistas y pensadores japoneses de su generación, consecuente con la memoria y responsabilidad histórica de su país. Nostalgia sí pero negación no. A propósito de la negación de la responsabilidad histórica, Moist y Bartholow, señalan un aspecto muy particular de Porco Rosso y es cómo justifica el éxito del fascismo. El film implica que los “héroes” como Marco Pagoto fueron indulgentes y no lucharon contra la amenaza fascista. La complejidad moral típica de los personajes de Miyazaki se hace más latente en este film. De todos es sabido que el director siempre intenta en sus películas no presentar personajes malos por naturaleza sino en consonancia con sus vivencias o creencias: a menudo estos personajes deben escoger opciones que atentan contra su propia individualidad, para convertirse paradójicamente en humanos individuales que participan en su sociedad y Marco Pagoto claramente no ha recorrido este camino heroíco.

Además, me atrevería a establecer una estrecha conexión entre Nausicaä del Valle del Viento (1984), Porco Rosso (1992) y El viento se levanta (2013) que hace que funcionen como una auténtica trilogía. Dicha trilogía, en la línea de la argumentación de Napier, está más conectada con un Miyazaki más complejo y menos conocido que el Miyazaki de mensaje eco-pacifista. Este es un Miyazaki que se dirige directamente al público adulto y que refleja sus traumas personales y nacionales, y que nos muestra sus opiniones sobre el Japón de la época imperial y la responsabilidad histórica. Así, en la trilogía vemos a Marco Pagoto en los años 30 donde todavía hay esperanza; la esperanza de que la humanidad recobre la fe y no haya necesidad de una Segunda Guerra Mundial. Vemos también a Jiro Horikoshi en El viento se levanta, que vive también los años de preguerra pero en Japón aunque en este film no hay ni un ápice de esperanza; sólo sueños frustrados. Y finalmente, el escenario post-apocalíptico del Valle del Viento en el que vive Nausicaä, en el que la humanidad sólo podrá redimirse a cambio de un sacrificio.

Marco Pagoto es sin duda mi héroe miyazakiano preferido; adoro los matices que ha creado en su personalidad el director. A pesar del horror de ver morir a sus compañeros durante la guerra y de haber perdido la fe en el ser humano, sigue luchando contra los piratas, luchando contra el mal, aunque no haya decidido su rol como humano individual que participa en el mundo. Por primera vez en su filmografía, el argumento se centra en una figura masculina pero para poder volver a creer en la humanidad, necesita ser salvado y ahí es donde entra la joven ingeniera de aviones Fio que le obligará a confrontar su humanidad y reconstruirá su fe y su corazón. Aunque el espectador no puede ver que Marco se convierta otra vez en un humano, la insistencia de Curtis en querer ver la cara de Marco desvela que gracias al amor de Gina y a la inocencia de Fio, el piloto vuelve a confiar en la humanidad y consigue volver a ser humano. De una manera igualmente sutil Miyazaki resuelve el desenlace de la historia de amor entre Gina y Marco. Dos pistas nos dan en la película: primero cuando Marco recuerda volar con el primer marido de Gina quien lleva el número uno en su avión indicando que es el primer marido de Gina, mientras Marco lleva el número cuatro de cuarto marido. Y segundo, al final de la película cuando Fio vuela de vuelta a Milán y se ve el avión de Marco atracado en el jardín privado de Gina, indicando que Gina cumplió al fin su promesa de casarse con él.

Vemos también la habitual heroína de Miyazaki en los dos personajes femeninos: Gina una mujer que, a pesar de que su vida ha estado llena de tragedias, se ha crecido ante la adversidad, en vez de convertirse en víctima; y Fio que encarna la inocencia y el espíritu de lucha. Pero también lo vemos en las mujeres de la familia Piccolo que, ante la ausencia de los hombres, han tomado las riendas del negocio y son capaces de trabajar en equipo para conseguir su objetivo. Sin duda, la habitual solución que nos propone el director ante cualquier crisis: la comunidad. Y al mismo tiempo un crítica y una pregunta lanzada al aire a modo de reflexión: ¿cuando y cómo una sociedad productiva basada en la comunidad se convierte en una sociedad totalitaria? Pero al final, como en todas las historias de Miyazaki, siempre hay esperanza.

Bibliografía

CAVALLARO, Dani.  The Anime Art of Hayao Miyazaki.  North Carolina: McFarland, 2006, pp. 212.
McCARTHY, Helen. Hayao Miyazaki: master of Japanese animation: films, themes, artistry. Berkeley: Stone Bridge, 2008.
MOIST, Kevin M.; BARTHOLOW, Michael. “When Pig Fly: Anime, Auteurism, and Miyzaki’s Porco Rosso”. En: Animation: An interdisciplinary journal, 2 (1). Pp. 27-42
NAPIER, Susan. Technology of Nostalgia and Denial, [en línea]. <http://susanjnapier.com/?page_id=21> [7 de marzo de 2015]

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)

Mononoke-hime (1997)
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki
Producción: DENTSU Music and entertainment, Nibariki, Nippon Television Network (NTV), Studio Ghibli, TNDG, Tokuma Shoten
Música: Joe Hisaishi
Animation, Adventures, Epic

Después de haber salvado a su pueblo de la ira del dios jabalí Nago, el príncipe del clan Emishi sufre la misma maldición que el dios; una ira incontrolable que le devorará el alma hasta la muerte. Para intentar revertir la maldición, Ishitaka debe partir hacia el Oeste, de donde proviene la bola de hierro que han encontrado en el cuerpo de Nago, e intentar mediar con ojos desprovistos de odio. Ishitaka aceptará su destino y abandonará su tierra natal, a la que no podrá regresar jamás según marca el bushido, en busca del mal que ha provocado su maldición.

Así comienza Mononoke-hime para la cual el director se inspiró en unos bocetos que realizó a finales de los 70 que entremezclaban el cuento francés de La Bella y la Bestia con el folclore japonés. El proyecto se había rechazado décadas atrás, pero con el éxito que habían tenido últimamente sus películas, el director decidió darle una nueva perspectiva. Esta vez, sin embargo, fundiría el rol de la bella y la bestia en un solo personaje y convertiría a la princesa en mononoke (espíritu vengativo). Además del cuento de Marie LePrince de Beaumont, Miyazaki usaría otras influencias como la narración sumeria del Poema de Gilgamesh y la novela de John Bunyan El Progreso del Peregrino (1678) para inspirar el viaje épico del príncipe Ishitaka. En este punto McCarthy (MCCARTHY, 2008) señala una cuarta influencia: la propia experiencia del director. Habiendo decidido en un principio que ésta sería su última película, McCarthy asegura que el director quiso hacer su “canto del cisne” y dejar su legado en una sola película que reuniera todo su pensamiento –algo que también hizo con El Valle del Viento–: la importancia del amor verdadero de El Castillo de Cagliostro, el equilibrio entre la naturaleza y el hombre de Nausicäa del Valle del Viento, el abuso de poder de los fuertes ante los débiles de El castillo en el cielo, los beneficios de la naturaleza y la vida en comunidad de Mi vecino Totoro, la confianza en la comunidad para superar los miedos de la independencia de Nicky, la aprendiz de bruja y los efectos de la guerra en el individuo de Porco Rosso.

La princesa Mononoke retrata sin duda todos estos temas, pero el guión da mucho más de sí. Napier (NAPIER, 2005) insiste en que evoca la pérdida de un Japón previo al sistema patriarcal, un Japón gobernado por la naturaleza y no por los seres humanos. Esta pérdida tiene lugar en el período Muromachi (1392-1573), en el que está ambientada la película, cuando comienza el despegue económico gracias al comercio y la agricultura y cuando la tradición se torna hacia el budismo zen apartando el shintoísmo animista. “Fue en este período que las personas cambiaron en su sistema de valores los dioses por el dinero”, afirma Miyazaki (citado en NAPIER, 2005). Es en este momento de la historia cuando los japoneses rompen con el gobierno de los dioses de la naturaleza para imponer su propio ritmo. Napier resalta que el éxito en las taquillas japonesas de Mononoke-hime recae –yo diría que sólo en parte– en la defamiliarización con el período Muromachi. Aunque este período está considerado como una era de paz relativa y de eclosión del arte japonés ya que la clase gobernante samurái se volvió elitista y refinada y comenzó a interesarse por el arte, el director describe en el film, a diferencia de otros jidaigeki, no a la clase samurái sino a lo que Napier llama los “marginales” de este período: los dioses de la naturaleza olvidados y los leprosos y las prostitutas repudiadas. Así, realiza una revisión crítica de esta parte de la historia y de paso del género cinematográfico, enjuiciando además la inviolabilidad del emperador con ecos a la búsqueda de la inmortalidad que protagonizaron antaño los emperadores chinos y basando la acción de la trama en la lucha de la humanidad por exterminar a los dioses y reclamar su trono. Un trono que no es otro que un inmenso bosque gobernado por el dios Shishigami, dios de la vida y la muerte, en el que habitan los dioses lobo, los dioses mono y los dioses jabalí, así como los kodama –los espíritus del bosque que dan cuenta de la salud del mismo–. Por desgracia y, debido al avance de la tecnología, los dioses son cada vez más pequeños y temen acabar siendo simplemente comida para humanos. Esta defamiliarización, continua Napier, también ocurre con los personajes; en este Muromachi que dibuja Miyazaki, el poder recae en las mujeres que no son ni madres ni esposas como el prototipo de mujer de este período histórico ni son kawaii como las otras heroínas miyazakianas. El triunvirato que conforman Moro, San y Lady Eboshi es verdaderamente poderoso y sangriento y contraviene el prototipo de la mujer tradicional japonesa.

Con respecto a San y Lady Eboshi, este par nos recuerda a la relación entre Nausicäa y Kushana, y es que es inevitable no relacionar este film con el de Nausicäa del Valle del Viento, tanto por temática como por sus personajes. San y Nausicäa ambas en consonancia con la naturaleza, aunque San representa a la naturaleza herida hasta tal punto que está dispuesta a acabar con la humanidad para tomar venganza; y Eboshi y Kushana alineadas con la tecnología y la modernidad. Esta vez, no obstante, el director profundizará mucho más en la mujer que desempeña este rol antinatural: una mujer que es producto de una sociedad patriarcal sin equilibrio, hija del progreso tecnológico, que no venera más que al dios del poder y el dinero, y que aunque es compasiva con los suyos no es capaz de ver la destrucción que causan sus acciones.

Ambos personajes femeninos son personajes muy elaborados y complicados, algo que es muy común en la obra de Miyazaki al contrario de lo que suele ocurrir con los personajes masculinos. Pero, siendo La Princesa Mononoke la que debía ser su última película, Miyazaki quería expresar su legado y quién mejor para ello que Ashitaka. El último príncipe del clan de los Emishi –que simboliza a los Ainu—encarna al guerrero fiel al bushido que, al contrario que Lady Eboshi del clan Yamato no ha perdido sus creencias ni su fe en la naturaleza que le ayudan a luchar contra la ira de su maldición. Así, Miyazaki no sólo juega con la dicotomía naturaleza/tecnología sino con los opuestos tradición/modernidad y oriente/occidente que representan los Ainu y los Yamato –nombre de la principal etnia japonesa originaria de la isla principal–. Mientras el este vive en harmonía con la naturaleza y mantiene sus tradiciones, el oeste ha sucumbido a la modernidad desmedida y se encuentra sumido en una crisis o nihilismo que proviene de la pérdida de sus creencias, así lo explicaría el filósofo de la escuela de Kioto, Nishitani Keiji. Ya habíamos visto a Miyazaki rememorar con nostalgia a las civilizaciones griega y romana como ideales pre-industriales en consonancia con la naturaleza, y le habíamos visto en Mi vecino Totoro exaltar los beneficios de la vida en comunidades con tintes shintoístas en equilibrio con la naturaleza, pero esta vez, el director va un paso más allá y señala la pérdida del shintoísmo animista como la causa del nihilismo japonés. Y para superar este nihilismo de trazas occidentales, Ashitaka viaja del este al oeste para mediar desprovisto de odio y ayudarles a conectar con su tradición. En este sentido, Ashitaka es igual que Nausicäa un protagonista que no derrota a su oponente, sino uno que entiende y acepta, que diría McCarthy. Pero si en Nausicäa del Valle del Viento la clave era la reconexión con el vínculo materno, en La Princesa Mononoke la clave es la reconexión con la propia tradición.

También está relacionada con Nausicäa del Valle del Viento la conclusión final. Aunque en esta fue Nausicäa quien se sacrifica por el bien del mundo, en Mononoke-hime este rol lo cumple el dios Shishigami. Un dios que presenta la vida y la muerte como partes de un ciclo y que cuando, a causa del tiro de Lady Eboshi, estalla pierde literal y metafóricamente su cabeza y arrasa con todo lo que toca; matando humanos, naturaleza y kodamas por igual. Muy alegórica esta narrativa de la bomba atómica. Occidente es quien desata la ira del dios de la vida y la muerte pero cuando este recupera su cabeza, sacrifica su inmortalidad y se la regala a la naturaleza. Y de esta manera, volvemos a ver aparecer al primer kodama que recuerda un poco al árbol del templo Hosen-ji, el primer gingko biloba que empezó a brotar un año después de la bomba de Hiroshima.

Un complicado entramado para que la que es sin duda una de las obras maestras del director y también una de mis preferidas, no sólo por la transgresión del papel de la princesa de cuento convertida en mononoke que es una de sus genialidades, o por las perfectas escenas de Nago o Okkoto consumidos por la ira sino por el legado ideológico que pretende dejar. Porque como siempre digo, las películas de Miyazaki son casi siempre un canto a la esperanza y en esta la esperanza radica en la tolerancia, en la mirada desprovista de odio para que en nuestro mundo haya muchos kodama –espíritus del bosque—y muchos kodomo –niños–.

Bibliografía

McCARTHY, Helen. Hayao Miyazaki: master of Japanese animation: films, themes, artistry. Berkeley: Stone Bridge, 2008.
NAPIER, Susan. Anime from Akira to Howl’s Moving Castle: Experiencing Contemporary Japanese Animation. New York: Urban Media Comics: 2005, pp. 355.
SHORE, Lesley Anne. The Anima in Animation: Miyazaki heroines and post-patriarchal consciousness. Pacifica Graduate Institute. Facultad de filosofía. 2013. USA: ProQuest LLC, 2014. Tesis doctoral.

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)

El pasado 25 de Marzo, en el casino Venetian de la isla de Macao se concedieron los premios de la novena edición de los Asian film Awards, premios creados en el marco del Hong Kong Film Festival y que ya son un referente dentro de la producción cinematográfica asiática. Los que sigáis nuestras redes sociales sabréis que precisamente esos días hemos estado pasando unos días en Hong Kong y dio la casualidad que estábamos en dicho casino cuando se celebraba el evento, pero fue imposible ver demasiado por las medidas de seguridad que había implementadas (si no tenias acreditación era básicamente imposible). Pero vayamos a lo interesante, los premiados. A continuación tenéis la lista completa.

Mejor Película

Black Coal, Thin Ice (China)
Blind Massage (China)
Haider (India)
Hill Of Freedom (Corea del Sur)
Ode To My Father (Corea del Sur)
The Light Shines Only There (Japón)

Mejor Director

LOU Ye – Blind Massage
Shinja TSUKAMOTO – Fires On The Plain
Lav DIAZ – From What Is Before
Vishal BHARDWAJ – Haider
HONG Sang-soo – Hill Of Freedom
Ann HUI – The Golden Era

Mejor Actor

LIAO Fan – Black Coal, Thin Ice
Ryo KASE – Hill Of Freedom
Sean LAU Ching-wan – Overheard 3
Ethan RUAN – Paradise In Service
CHOI Min-sik – Roaring Currents
Takeru SATOH – Rurouni Kenshin: The Legend Ends

Mejor Actriz

BAE Doo-na – A Girl At My Door
GONG Li – Coming Home
ZHAO Wei – Dearest
Kalki KOECHLIN – Margarita, With A Straw
Rie MIYAZAWA – Pale Moon
TANG Wei – The Golden Era

Mejor Novato

DOH Kyung-soo – Cart
ZHANG Huiwen – Coming Home
Ivana WONG – Golden ChickenSSS
Hiroomi TOSAKA – Hot Road
ZHAN Huaiyun – Meeting Dr. Sun

Mejor Actor Secundario

CHO Jin-woong – A Hard Day
QIN Hao – Blind Massage
CHEN Jianbin – Paradise In Service
WANG Zhiwen – The Golden Era
Hideaki ITO – WOOD JOB!

Mejor Actriz Secundaria

HAN Ye-ri – Haemoo
Tabassum HASHMI – Haider
WAN Qian – Paradise In Service
Chizuru IKEWAKI – The Light Shines Only There
Haru KUROKI – The Little House

Mejor Guión

KIM Seong-hun – A Hard Day
DIAO Yinan – Black Coal, Thin Ice
Chaitanya TAMHANE – Court
LI Qiang – The Golden Era
Ryo TAKADA – The Light Shines Only There

Mejor Fotografía

DONG Jinsong – Black Coal, Thin Ice
ZENG Jian – Blind Massage
CHOI Chan-min – Kundo: Age Of The Rampant
KONDO Ryuto – My Man
Matt FLANNERY, Dimas Imam SUBHONO – The Raid 2: Berandal

Mejor Diseño de Producción

LIU Qing – Gone With The Bullets
Subrata CHAKRABORTY, Amit RAY – Haider
PARK Il-hyun – Kundo: Age Of The Rampant
Yuji HAYASHIDA, Eri SAKUSHIMA – Over Your Dead Body
YI Zhenzhou – The Taking Of Tiger Mountain

Mejor Banda Sonora

CUI Jian, LIU Yuan – Blue Sky Bones
ZHANG Yilin, HISAISHI Joe, DOU Peng George ACOGNY, SHU Nan – Gone With The Bullets
Mikey MCCLEARY – Margarita, With A Straw
MOWG – The Fatal Encounter
BCDMG – Tokyo Tribe

Mejor Edición

KIM Chang-ju – A Hard Day
Hiroshi SUNAGA – One Third
Patrick TAM, Curran PANG – That Demon Within
KWONG Chi-leung, Manda WAI – The Golden Era
Gareth EVANS – The Raid 2: Berandal

Mejores Efectos Especiales

Rick SANDER, Christoph ZOLLINGER – Gone With The Bullets
Takashi YAMAZAKI – Parasyte
TONG Ka-wai, Ken LAW, Randy TSE, Lucky Tracy Hannah – The Midnight After
KANG Jong-ik – The Pirates
KIM Wook – The Taking Of Tiger Mountain

Mejor Vestuario

LIANG Tingting – Brotherhood Of Blades
William CHANG Suk Ping – Gone With The Bullets
Isao TSUGE – Over Your Dead Body
CHONG Kyong-hee – The Fatal Encounter
KWON Yoo-jin – The Taking Of Tiger Mountain

Premios Especiales

Premio ala excelencia en el cine asiático: Miki Nakatani (Japón)
Premio a la Carrera: Im Kwon-taek (Corea)

Las películas de ninjas y artes marciales son quizás el menor de los esperpentos cinematográficos que pudieron salir de la mente de productores como Joseph Lai y Tomas Tang, personajes que eran capaces de grabar, montar, plagiar y todo lo que se terciase para realizar esos productos de bajísimo presupuesto destinados a la simple y llana diversión, pero diversión solo para ciertos paladares capaces de aguantar las locuras extremas y el acabado serie Z. No seré yo quien os hable hoy de este cuasi género cinematográfico de la generación del videoclub, sino que eso se lo dejo al creador del libro que os presento hoy y que está en preventa desde hace ya unos días.

Golden Ninja Operation es el primer libro a nivel internacional en investigar sobre dos de las productoras estrella del cine de ninjas, la IFD y la Filmark, y ha salido de la mente siempre activa de Jesús Manuel Pérez Molina, activista del cine hongkonés (y de todo el sudeste asiático) clásico e incansable investigador de estas películas más subterráneas, al menos desde que lo conozco en estas lindes internautas. Jesús nos ha presentado el mismo la experiencia vital que lo ha llevado a escribir este libro y quién mejor que él para descubrirnos este mundo que va mucho más allá de las propias películas.

El 27 de marzo, después de un año de trabajo recopilando información obtenida durante más de una década, salió a preventa el primer libro dedicado, en todo el mundo, en exclusiva a la IFD de Joseph Lai y a la Filmark de Tomas Tang. Quizás las dos productoras de Hong Kong que más detractores tienen entre los aficionados al cine asiático. Y es que no deja de ser paradójico e irónico que unas películas que todo el mundo conoce, que fascinan y provocan rechazo a partes iguales, nunca antes hubiesen sido analizadas desde una posición si no de admiración sí al menos de respeto e intentando comprenderlas en lugar de atacarlas de tantas e infames maneras. Que sí, que son pelis malas, baratas, cutres y todos los adjetivos peyorativos que se les quieran adjudicar. Pero nadie puede negar que sean películas divertidas, que no puedes dejar de mirar aunque a priori sepas que no vas a encontrar una joya cinematográfica. Hay quien dice que vista una, vistas todas… pero es que ese razonamiento (excusa o justificación más bien) es igual de válido para la mayoría de cintas de Kung Fu clásico donde un alumno busca la ayuda de un maestro para consumar una venganza, o la de un gánster que se quiere reformar tras salir de prisión y vuelve a la acción cuando ve que no se puede reintegrar en la sociedad. Incluso la prestigiosa Shaw Brothers producía ese tipo de cine en cadena, sin embargo, nunca sufrieron el rechazo de la misma manera que Lai y Tang, tanto de crítica como de público. Hay miles de casos de aficionados más radicales que se han sentido estafados al sentarse delante de la tele y ver una película de Joseph Lai, pero lo más extraño es que tras la, para ellos, decepcionante experiencia, volvían a recaer y repetir el supuesto error de volver a sentarse delante de la tele y seguir castigándose con aquellas películas… ¿Por qué? ¿Qué contenían esas imágenes para crear esos sentimientos de estafa y placer masoquista al mismo tiempo? ¿Por qué quien se sentía estafado tras visionar una película de ninjas de colorines volvía a caer en la tentación de ver las demás? Alguna razón deber de haber, desde luego. Y en este libro intento dar a comprender algunas de esas razones.

La aventura de intentar comprender las películas de la IFD y la Filmark comenzó en octubre de 1998, cuando tuve la oportunidad de viajar a Hong Kong y tropezarme con James M. Crockett, uno de aquellos occidentales que aparecían en aquellas películas. Las anécdotas que me contaba sobre los rodajes, sus alegrías y sus penas en una industria que hasta poco antes producía más de 200 títulos al año me fascinaban tanto como sus propias películas. Además, en una pequeña tienda pude comprar unos VCDs de The Ninja & the Thief y Killer Cop (The Trap), las cintas que sirvieron de base a Ninja Thunderbolt y Silver Dragon Ninja (Corrupción en Chicago), respectivamente. Al verlas en su edición original y no encontrar las escenas postizas con ninjas occidentales me di cuenta de que los bulos que circulaban por la entonces joven Internet, que decían que tanto la IFD como la Filmark usaban films incompletos o que rodaban una parte con occidentales y otra con asiáticos antes de juntarlas en una sola peli, eran totalmente falsos. A eso había que sumar que en 1998 Hong Kong era todavía un plató de cine y era fácil ver rodajes en las calles, lo que me permitió entablar contacto con algunas personas que me ayudaron a conocer los lugares de rodaje, las distintas agencias y las formas de usar a occidentales para darles un look mas internacional al producto. Mi curiosidad fue en aumento y, en cierto modo, me obsesioné con encontrar todas las películas originales usadas por la IFD y la Filmark. Quería conocer a quien participaba, tanto delante como detrás de las cámaras, en aquellas producciones extrañas cuyos títulos de crédito estaban llenos de nombres ingleses pero estaban protagonizadas por chinos y otras etnias asiáticas; quería visitar los sitios donde se habían rodado… Lo quería saber todo y a eso me dediqué en las sucesivas estancias que pasé en Hong Kong.

Jesus Pérez y Mike Abbott (Hong Kong, 2009)

En 2010, cuando retorné a España, decidí hacer un blog dedicado al tema. En un principio quise dedicarlo solo a las localizaciones de rodaje, pero al poco me di cuenta de que las entradas más populares eran las dedicadas a identificar las películas de diferentes nacionalidades usadas por Lai y Tang, y la manera tan singular de editar material nuevo con melodramas para convertir aquello en una cinta de acción ninja. Lo más sorprendente para mi fue que mucha gente sintió curiosidad por mi blog y que incluso editores de la base de datos HKMDB que, hasta aquel momento, habían obviado aquellas cintas, usaban los datos de mi blog para llenar el hueco existente tanto de la IFD como de la Filmark. Y es que esa es la única cuestión que aún no logro comprender: si existen tantísimos trabajos, libros, revistas, documentales sobre el cine de Hong Kong ¿por qué en casi ninguno de ellos se nombra siquiera a estas productoras, que incluso influyeron en grandes estrellas y compañías a la hora de usar occidentales para vender mejor sus productos internacionalmente? ¿Por qué ese ostracismo, casi negación del trabajo de unos productores cuyas películas se han distribuido y son conocidas en el mundo entero?

Golden Ninja Operation: Los secretos de la IFD y la Filmark, publicado por Applehead Team Creaciones (la joven editorial que se arriesgó y apostó por mí para convertir toda esa información en un libro), se basa en todos los datos que he ido recopilando en los últimos 17 años. Como podrán suponer, darle forma a tal cantidad de datos ha sido una labor mastodóntica y agotadora para la que he contado con la inestimable e impagable ayuda de Pedro J. Tena (uno de los tres responsables de Applehead, junto a Frank Muñoz y Emilio Díez). En muchas ocasiones hemos acabado saturados, sobrepasados, estresados y con los ánimos por los suelos, con la constante contrastación de información falseada o equivocada. Pero, como bien dice Pedro, el resultado ha merecido la pena. Y, sinceramente, creemos que este primer estudio sobre la IFD y la Filmark servirá para comprender mucho mejor una filmografía tan exótica como la de Hong Kong en general, y el fenómeno de la obra de Lai y Tang en particular.

Casa Asia y el Centro Cultural Coreano de Madrid presentan, con la colaboración de Cinemes Girona, un nuevo ciclo de cine coreano. Esta selección de ocho largometrajes, producidos entre 2010 y 2014, destaca por su valor antropológico y semántico, en la construcción de una identidad cultural abierta al cambio y a la continua adaptación a las transformaciones socioeconómicas del país.

En el transcurso de los últimos veinte años, el cine coreano ha consolidado su presencia en los circuitos internacionales, y ha merecido un reconocimiento tanto en su país de origen como en otras geografías. No hace falta insistir en el éxito obtenido por el cine coreano en festivales y circuitos comerciales.

En este ciclo se explorarán algunas de las obras más relevantes y significativas de directores que han contribuido a la creación de una industria cinematográfica propia y diferenciada, como muestran los itinerarios de cineastas como Lee Jeong-hyang, Kim Tae-yong, Hong Sang-soo, Lee Joon-ik, Jang Joon-hwan, Park Hoon-jung, Yeon Sang-ho y Bong Joon-ho, que han dirigido las películas que se proyectan en éste ciclo.

PROGRAMACIÓN

Sábado, 11 de abril de 2015, 20.00h
A REASON TO LIVE, dir. Lee Jeong-hyang | 2011 | 119’ | VOSE

Sábado, 18 de abril de 2015, 20.00h
LATE AUTUMN, dir. Kim Tae-yong | 2010 | 115’ | VOSE

Sábado, 25 de abril de 2015, 20.00h
IN ANOTHER COUNTRY, dir. Hong Sang-soo | 2012 | 89’ | VOSE

Sábado, 2 de mayo de 2015, 20.00h
SO-WON, dir. Lee Joon-ik | 2013 | 122’ | VOSE

Sábado, 9 de mayo de 2015, 20.00h
HWAYI: A MONSTER BOY, dir. Jang Joon-hwan | 2013 | 87’ | VOSE

Sábado, 16 de mayo de 2015, 20.00h
NEW WORLD, dir. Park Hoon-jung | 2013 | 134’ | VOSE

Sábado, 23 de mayo de 2015, 20.00h
THE FAKE, dir. Yeon Sang-ho | 2013 | 101’ | VOSE

Sábado, 30 de mayo de 2015, 20.00h
SNOWPIERCER/Rompenieves, dir. Bong Joon-ho | 2014 | 126’ | VOSE

Cinemes Girona
C/Girona, 175 (Barcelona)

Precio entrada: 2,5 euros / Abonados y socios de los Cinemes Girona: 1 euro

Sen to Chihiro no Kamikakushi (2001)
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki
Producción: Studio Ghibli, Tokuma Shoten, Dentsu, Nippon Television Network (NTV), Buena Vista Home Entertainment, Tohokushinsha Film, Mitsubishi
Música: Joe Hisaishi
Animation, Adventures

Chihiro y sus padres toman un camino equivocado cuando se dirigen a su nuevo hogar. Al encontrarse con un ruta sin salida, deciden tomar un descanso y curiosear por lo que ellos creen que es un parque temático abandonado de finales de los 90, pero en realidad se están adentrando en el mundo de los dioses y cuando los padres de Chihiro osen comerse la comida destinada a estos, se verán convertidos en cerdos. De esta manera, la apática y desganada Chihiro deberá madurar y luchar por sí misma y por devolver a sus padres su aspecto original para poder regresar a casa.

Después de haber anunciado su retirada a bombo y platillo con La Princesa Mononoke, en septiembre de 1999 Miyazaki anunció su retorno al trabajo en una entrevista con las siguientes palabras «At this age, I cannot do the work I used to do. If my staff can relieve me and I can concentrate on directing, there are still a number of movies I’d like to make» (citado en OSMOND, 2008). Con la premisa de Toshio Suzuki de dirigirse una vez más al público infantil, Miyazaki retoma la idea de Mi vecino Totoro de unas niñas que entran en contacto con el mundo sobrenatural y de Nicky, la aprendiza de bruja el viaje introspectivo hacia la maduración y, esta vez, la desarrolla en sintonía con la juventud indolente más propia de nuestra sociedad actual. Las bases literarias de Sen to Chihiro no Kamisakushi (literalmente “Sen y Chihiro escondidas por los dioses”) se compondrán de Alicia en el País de las Maravillas, El Mago de Oz, Pinocho o La Odisea pero, tal y como apunta Napier (NAPIER, 2006), esto no significa que el director retroceda en su pensamiento y vire hacia Occidente sino más bien al contrario, utilizará sus “formas prestadas” para criticar precisamente lo malo de Occidente y destilar la tradición japonesa con la que la sociedad actual debe reconectarse.

Así, Napier recuerda el parecido de El viaje de Chihiro con la estructura general del cuento más famoso de Izumi Kyōka El Santo del Monte Koya que casualmente he leído recientemente. Este relato del maestro Kyōka cuenta como durante un viaje, un monje joven se adentra por equivocación en un espacio sobrenatural; La naturaleza se torna violenta y aterradora pero consigue llegar malherido a una casa apartada en las montañas en la que vive un matrimonio. Mientras que el hombre parece ser un disminuido, la mujer tiene una belleza imponente y el monje se verá tentado por ella durante su estancia en la casa. Sin embargo, su fe le mantendrá a salvo y después de alejarse de la casa, se enterará de que la mujer es una bruja poderosa que una vez se cansa de los hombres los convierte en bestias, perdonando tan sólo a su marido. A bote pronto la relación con esta obra puede parecer forzada, pero hay cuatro puntos que me parecen esenciales: En primer lugar, Kyōka fue uno de los escritores llamados Edokko (“niños de Edo”, el nombre de Tokyo antes de que fuera la capital de Japón) que criticaban como la modernidad había cambiado su ciudad natal pero que al mismo tiempo fueron los precursores de la literatura moderna en Japón; El Edo de Kyōka es precisamente la base arquitectónica del mundo sobrenatural de El Viaje de Chihiro que está ambientado en el Edo Tokyo Open Air Architectural Museum en Tokyo y en los edificios de la era Meiji que allí existen, aunque transformados por trazos de la arquitectura china y el consumismo exacerbado y llevado al extremo: precisamente el Tokyo que Kyōka y los suyos criticaban. En segundo lugar, Kyōka combinaba motivos de la era Edo con las preocupaciones de la era Meiji, y así los elementos sobrenaturales ejercían una función alegórica de crítica de la sociedad contemporánea de la misma manera que hace Miyazaki en esta película. En tercer lugar, la estructura general como dice Napier es la misma; tanto Chihiro como Shūchō experimentan un viaje heroico que pasa por su contacto con un espacio sobrenatural, maduran, aprenden y superan el miedo y las tentaciones para resurgir como dos personas mejores: Shūchō reconectado con su fe y Chihiro con su tradición. Y en cuarto lugar, el imaginario de El Santo del Monte Koya se compone de mujeres, naturaleza y agua; muy parecido a dos de los elementos narrativos de El Viaje de Chihiro: mujeres, por la fuerte presencia de figuras femeninas en la historia y el agua, presente en todo el argumento, ya sea en los personajes del Dios del Río o el Espíritu del Río, o como elemento purificador de la Casa de los Baños que limpia de la contaminación a los dioses. Miyazaki además rescatará la obsesión de Schūchō por la higiene y la utilizará en su función ritual pero es al describir como se contamina por la modernidad y el consumismo cuando dejará clara su intención: la crítica al consumismo moderno. Está crítica queda al descubierto en dos detalles que Miyazaki incluye para conectarnos a la realidad inmediata: el que los padres de Chihiro crean que están en un parque temático abandonado de los 90 que proliferaron durante la época de la burbuja inmobiliaria y el que Haku haya perdido su río a causa de la construcción de unos apartamentos.

Centrémonos en la crítica al consumismo moderno. Chihiro se nos presenta como una niña de 10 años muy diferente a la heroína miyazakiana a la que el director nos tiene acostumbrados. Apática y miedosa por tener que cambiar de escuela y de ciudad, será su encuentro con lo sobrenatural lo que la haga madurar y salvar a sus padres. Aún no es la shōjo japonesa, con lo que está en la edad perfecta para tomar conciencia y cambiar su destino. Su desconocimiento por su propia tradición queda patente cuando le pregunta a su madre por los altares del camino o cuando mira asustada al jizō, pero es precisamente reconectar con esa tradición lo que necesita para poder sobrellevar los desafíos que se le presentarán en un futuro. El nihilismo que nos describe Miyazaki es más profundo que el de La princesa Mononoke, ya no es sólo que se ha sucumbido a la modernidad y se ha olvidado la tradición; es que el consumismo llevado al extremo ha contaminado la tradición. Para dibujar esta crítica a la modernidad en su forma más grotesca, el director recurre al teatro Nō para la que es sin duda la puesta en escena visual más espectacular del director. Montero (MONTERO, 2012) argumenta que es en particular un shikisanban, una pieza única que se realiza con motivo del año nuevo para rogar por la felicidad en el que hay tres personajes: el okina, el chitose y el sanbasō (o okina negro); siendo el okina el dios purificado del Río y el sanbasō el Sin Rostro (el lado oscuro del okina blanco) y el chitose Chihiro como purificadora y ejecutora del ritual. Ciertamente, Miyazaki hace uso de la estética del Nō en cuanto a la temática, la relación del mundo real con el mundo sobrenatural, como a la estética, en tanto a personajes y música y ritual sintoísta, y esta pieza es la ideal para el propósito de Miyazaki puesto que su propósito es purificar la tradición y mostrar a la audiencia como el consumismo postmoderno ha acabado devorando la identidad japonesa –la pérdida de la propia identidad es lo que utilizará la bruja Yubaba para usar a Haku y a los otros como esclavos–. Sin embargo, Miyazaki cambia la pieza a su conveniencia y recurre a menudo también a elementos de los matsuri (festivales japoneses) para explicar el caos carnavalesco en el que está sumida la tradición japonesa y al final no es un shikisanban sino sólo dos capítulos por los que Chihiro tendrá que pasar para su gran prueba final que es salvar a Haku.

En cuanto a los personajes, como decíamos la fuerza principal es el sexo femenino. Desde el sistema matriarcal que ha establecido Yubaba en los baños, a las trabajadoras de los baños que parecen ser el motor principal de los mismos, o la hermana gemela de Yubaba, Zeniba, que representa su alter-ego, y hasta Haku que es el único personaje masculino que destaca tiene un aspecto andrógino y su posición como espíritu del río lo vincula con el sexo femenino. De Chihiro poco más podemos añadir, tan sólo que a pesar de no ser la típica heroína fuerte y vigorosa del director sí es la que experimenta un cambio más positivo y marcado. Sin embargo, al final volvemos a verla insegura y temerosa colgada del brazo de su madre deshaciendo el camino andado. Esto también me recuerda a Kyōka: después del contacto con lo sobrenatural, del viaje liminal, no nos revela si la persona ha cambiado y ha aprovechado la experiencia. Chihiro podría haber vuelto a ser la misma niña desganada del principio y olvidarlo todo, no obstante, hay una reminiscencia que la acompañará siempre: el coletero que le hicieron Zeniba y sus amigos.

La más premiada de todas las películas de Miyazaki retoma temas ya tratados en otras obras de su filmografía pero con un apunte diferente. En esta ocasión, la historia se sitúa en nuestra contemporaneidad y tal y como anuncia el propio Miyazaki «For the people who used to be 10-years old, and the people who are going to be 10-years old» (citado en CAVALLARO, 2006) está destinada tanto al público adulto como al infantil al que les hace un ruego. Está en nuestras manos el reconsiderar nuestra vida después de este encuentro con lo sobrenatural o retomarla en el punto exacto antes de él.

Bibliografía

CAVALLARO, Dani.  The Anime Art of Hayao Miyazaki.  North Carolina: McFarland, 2006, pp. 212.
MONTERO, Laura. El mundo invisible de Hayao Miyazaki. Palma de Mallorca: Dolmen Editorial, 2012.
NAPIER, Susan. “Matter out of Place: Carnival, Containment, and Cultural Recovery in Miyazaki’s Spirired Away”. En: Journal of Japanese Studies, Vol 32, No. 2 (2006), pp. 287-310.
OSMOND, Andrew. Spirited Away. New York: Palgrave Macmillan, 2008, pp. 128.

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)

El próximo 23 de Abril comienza la edición número 17 del Udine Far East Film Festival, uno de los festivales dedicados al cine asiático más importantes del mundo realizados fuera de Asia. Durante los casi 10 días que dura este festival italiano podrá verse lo último del cine popular asiático, con novedosas e interesantes producciones que suman casi 50 en su sección oficial, a las que hay que añadir documentales, el focus de este año dedicado al cine de artes marciales clásico, los clásicos recuperados y una curiosa sección no asiática dedicada al festival de Sitges. Y por si esto fuera poco este año en las actividades paralelas se realizará nada más y nada menos que un concierto orquestal dirigido por el mismisimo Joe Hisaishi. A continuación os dejo la lista completa de películas presentes en esta edición.

CHINA (8)

20, Once Again!, Leste CHEN, time-lapse drama, China 2015
Breakup Buddies, NING Hao, anarchic-road movie, China 2014
Brotherhood of Blades, LU Yang, wuxia thriller, China 2014
The Continent, HAN Han, road movie, China 2014
My Old Classmate, Frant GWO, nostalgic romance, China 2014
The Old Cinderella, Wubai, modern romance, China 2014
Uncle Victory, ZHANG Meng, redemption drama, China 2014
Women Who Flirt, PANG Ho-cheung, vibrant romantic comedy, China 2014

CHINA/HONG KONG  (4)

Dragon Blade, Daniel LEE, ancient Roman action in China, Hong Kong/China
Helios, Sunny LUK & Longman LEUNG, spy thriller, Hong Kong/China 2015
Kung Fu Jungle, Teddy CHEN, martial arts homage, Hong Kong/China 2014
The Taking of Tiger Mountain, TSUI Hark, great action-adventure, China/Hong Kong 2014

HONG KONG (3)

Gangster Pay Day, LEE Po-cheung, triad drama, Hong Kong 2014
Port of Call, Philip YUNG, contemporary noir, Hong Kong 2015
Sara, Herman YAU, contemporary social drama, Hong Kong 2015

TAIWAN  (3)

Café. Waiting. Love, CHIANG Jin-lin, hipster-yuppie comedy, Taiwan 2014
Meeting Dr. Sun, YEE Chih-yen, school heist-comedy, Taiwan 2014
Second Chance, KUNG Wen-yen, billiard drama, Taiwan 2014

JAPÓN  (12)

0,5 mm, ANDO Momoko, Japanese mind encyclopedia, Japón 2014
100 Yen Love, TAKE Masaharu, quirk-misfit-drama, Japón 2014
The Curtain Rises, MOTOHIRO Katsuyuki, youth drama, Japón 2015
Ecotherapy Getaway Holiday, OKITA Shuichi, lost-in-the-woods comedy, Japón 2014
Forget Me Not, HORIE Kei, fantasy drama, Japón 2015
Kabukicho Love Hotel, HIROKI Ryuichi, sayonara sex romance, Japón 2014
La La La at Rock Bottom, YAMASHITA Nobuhiro, memory-youth-drama, Japón 2015
Make Room, MORIKAWA Kei, AV set comedy, Japón 2015
Parasyte Part. 1, YAMAZAKI Takashi, alien invasion drama, Japón 2014
Parasyte Part. 2, YAMAZAKI Takashi, alien invasion drama II, Japón 2015
Unsung Hero, TAKE Masaharu, stuntman lifestyle drama, Japón 2014
The End of the World and the Cat’s Disappearance, TAKEUCHI Michihiro, crazy apocalyptic comedy, Japón 2015

COREA DEL SUR (10)

Cart, BOO Ji-young, women-against-big-business drama, Corea del Sur 2014
Confession, LEE Do-yun, lost friendship thriller, Corea del Sur 2014
Gangnam Blues, YOO Ha, goodfellas drama, Corea del Sur 2015
My Brilliant Life, E J-yong, lost youth drama, Corea del Sur 2014
My Love, My Bride, LIM Charn-sang, young marriage in crisis, Corea del Sur 2014
My Ordinary Love Story, LEE Kwon, romance thriller, Corea del Sur 2014
Ode To My Father, J.K. YOUN, postwar generational epic, Corea del Sur 2014
TAZZA: The Hidden Card, KANG Hyoung-chul, gambling epic, Corea del Sur 2014
The Royal Tailor, LEE Won-suk, 18th-century fashion drama, Corea del Sur 2014
The Wicked, YOO Young-seon, office psycho-thriller, Corea del Sur 2014

CAMBOYA (1)

The Last Reel, Kulikar SOTHO, lost-in-Cambodia, Camboya 2014

SINGAPUR (1)

Rubbers, HAN Yew Kwang, condom-comedy, Singapur 2014

VIETNAM (1)

Hollow, TRẦN Hàm, ghost-haunting horror, Vietnam 2014

TAILANDIA  (3)

The Last Executioner, Tom WALLER, death penalty drama, Tailandia 2014
How to Win at Checkers (Every Time), Josh KIM, gay romance, Indonesia/USA/Tai, 2015
The Swimmers, Sophon SAKDAPHISIT, swimming pool psycho horror, Tailandia 2014

FILIPINAS (2)

The Gifted, Chris MARTINEZ, ugly-duckling-comedy, Filipinas 2014
Where I Am King, Carlos SIGUION-REYNA, slum comedy, Filipinas 2014

INDONESIA (1)

Siti, Eddie CAHYONO, neo-realistic drama, Indonesia 2014

DOCUMENTALES (4)

Garuda Power: The Spirit Within, Bastian MEIRESONNE, Indonesia/Francia 2014
I Am Here, FAN Lixin, China 2014
The Kingdom of Dreams and Madness, SUNADA Mami, Japón 2014
Southeast Asian Cinema – When the Rooster Crows, Leonardo CINIERI LOMBROSO, Singapur/Italia 2014

Retrospectivas y especiales

HK MARTIAL ARTS SPECIAL FOCUS (6)

Duel to The Death, Tony CHING, Hong Kong 1983
Once Upon a Time in China 2, TSUI Hark, Hong Kong 1992
Righting Wrongs, Corey YUEN, Hong Kong 1986
Spooky Encounters, Sammo HUNG, Hong Kong 1980
The Way of the Dragon, Bruce LEE, Hong Kong 1972
The Young Master, Jackie CHAN, Hong Kong 1980

CLÁSICOS RESTAURADOS (2)

Stage Sisters, XIE Jin, drama, China 1964
The Tragedy of Bushido, MORIKAWA Eitaro, drama, Japón 1960
The Man with Three Coffins, LEE Jang-ho, drama, Corea del Sur 1989

FRESH WAVE SHORTS (4)

Being Rain: Representation and Will, CHAN Tze-woon, Hong Kong 2014
iPhone Thieves, Louis WONG, Hong Kong 2014
Marryland, Anastasia TSANG Hin, Hong Kong 2014
Neighbors, CAI Jiahao, Hong Kong 2014

SITGES RELOADED  (5)

Alléluia, Fabrice DU WELZ, thriller, Belgica/Francia 2014
The Duke of Burgundy, Peter STRICKLAND, drama, UK 2015
Hyena, Gerard JOHNSON, crime drama, UK 2015
Magical Girl, Carlos VERMUT, thriller, España 2014
The Tribe, Miroslav SLABOSHPITSKY, crime drama, Ucrania/Netherlands 2014

Pinche aquí para ver el vídeo

Gake no Ue no Ponyo (2008)
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki
Producción: Studio Ghibli, Dentsu, Hakuhodo DY Media, Walt Disney Company, Mitsubishi, Toho Company, Taikei Office, Asahi Soft Drinks Company, Lawson, Yomiuri Shimbun
Música: Joe Hisaishi
Animation, Fantasy, Family

La hija mayor de la Diosa del Mar Granmamare y un humano alquimista, un pececito rojo llamado Brunilda, conoce en una inocente escapada a un niño de cinco años llamado Sosuke. Después de salvarla y ponerle de nombre Ponyo ambos contraen un ingenuo compromiso, Sosuke jura protegerla y ella toma una gota de su sangre humana para convertirse en una niña como él y permanecer a su lado. Pero para mantener su compromiso y restaurar el equilibrio entre la naturaleza y la humanidad, deberán demostrar su amor verdadero.

Inspirándose en un cuento de Rieko Nakagawa, The Frog Named Elta, por un lado, y en La Sirenita de Hans Christian Andersen, por otro, Hayao Miyazaki crea quizás su película más tierna: Ponyo en el acantilado. Él mismo cuenta, en la entrevista que concede a Makoto Kanazawa en 2008, que el equipo de animación quería hacer una película que fuera la primera que viera la hija del director de animación de Ghibli, Katsuya Kōndo; Así que tomando a la niña de inspiración y a como fuera su hijo Gorō Miyazaki a los cinco años, crea una historia con un mensaje sencillo dirigido a los niños de esta edad: las promesas no siempre pueden mantenerse, pero lucha por ellas. Esta es la versión infantil pero, claro, la versión adulta viene con más matices.

Cuando Miyazaki lee La Sirenita, reconoce, no podía aceptar el hecho de que la protagonista no tuviera alma y, por eso, se tornara espuma de mar. La ausencia de alma es inconcebible en un shintoísta como Miyazaki que venera a los kami como dioses de la naturaleza, pero el director tampoco concibe como la sirenita se transforme en humana y engañe al príncipe, así que decide hacer su propia versión de la historia. En su versión, si Ponyo se tornara espuma de mar no sería por falta de alma, si no un retorno a su propia naturaleza y algo que celebrar. Además, dicha versión es una absoluta desfamiliarización del cuento de Andersen, en la que Ponyo es un pececito rojo con cara humana y cuerpo de anfibio con una transformación progresiva, que vive con su padre y sus hermanas, mientras su madre siempre está ausente. Curiosamente Sosuke sufre la misma situación; vive con su madre Lisa mientras su padre se pasa el tiempo trabajando en alta mar a bordo del Koganeimaru –una curiosa apología a su propia familia ya que Ghibli se encuentra en la ciudad de Koganei–.

Visualmente, lo que más llama la atención a bote pronto es el trazo sencillo e infantil de la animación y los colores pasteles, entre los que abundan los rojos y rosados en contraste con los azules; algo que no me extraña nada, dada la tendencia que tiene el director de conectar y desconectar estos colores con los géneros y sus funciones. Por ejemplo, Miyazaki siempre ha vestido de azul a sus heroínas menos “shōjo”, sobre todo a medida que se volvían más capaces y maduras y de esto es un buen ejemplo Lisa, la madre de Sosuke, que para mí es la verdadera heroína miyazakiana de esta película. Yo no veo a Ponyo como la heroína si no como una fuerza de la naturaleza, enérgica y quizás abrumante, dado que la segunda vez que llega a la vida de Sosuke lo hace arrasando con toda su fuerza natural y mágica. Lisa, sin embargo, es una Nausicaä ya madura, que comprende y acepta la naturaleza de Ponyo y sabe cómo educar a su hijo en la misma tónica conciliadora. Madre e hijo aceptan a Ponyo tal y como es; no sólo Sosuke promete protegerla, Lisa ayuda a Sosuke a mantener esa promesa. Es también ella quién le enseña a Sosuke la responsabilidad que supone ser parte de la comunidad en una de las escenas más conmovedoras de la película entre madre e hijo: «Sosuke, nuestra casa es una faro en la tormenta. Todos dependen de nosotros, así que alguien tiene que quedarse aquí. Hay muchas cosas que están pasando que no entiendo pero ahora me preocupa la gente que hay en el centro de mayores. Saber que te quedas aquí, me ayudará. No te preocupes, te prometo que volveré.» Para un niño de cinco años que actúa por instintos, que está aprendiendo de la vida y de cómo vivirla, que su padre siempre está lejos por trabajo, Lisa es su faro en la tormenta. Siempre preparada para cualquier tipo de catástrofe, Miyazaki nos demuestra su poder en la escena de Lisa y Sosuke escapando en coche de las olas con ojos del tsunami de Ponyo –una escena que recuerda mucho a la escena de la persecución en Lupin III: el castillo de Cagliostro (1979)–. Tal es su poder, que Lisa enfrenta a Granmamare como madre, y Granmamare toma un tamaño similar al de ella para poder hablar de madre a madre.

Pero Ponyo en el acantilado no trata sólo de promesas y responsabilidad con la comunidad, el director retoma el tema de la relación entre la humanidad y la naturaleza y nos sitúa justo en el momento en el que se produce el apocalipsis en forma del tsunami que causa Ponyo cuando desata su poder. Ya habíamos visto una visión post-apocalíptica en Nausicäa del Valle del Viento (1985) y casi apocalíptica en La princesa mononoke (1997), y también en cierta manera en El castillo en el cielo y El castillo ambulante, pero esta vez el tratamiento que hace es radicalmente diferente. No hay ninguna guerra que lo provoque, ni es la codicia de la humanidad; Se intuye el abuso de la naturaleza por parte de la humanidad en las palabras de rencor de Fujimoto, el padre de Ponyo quien rechazara una vez su lado humano para vivir en el mar, y también en los residuos y vertidos que vemos en el la bahía del acantilado, pero esta vez el apocalipsis lo provoca la fuerza de la naturaleza. Así, el director aboga por un efecto regenerativo de las catástrofes naturales, y pretender crear lo que Napier llama «síndrome de estrés pre-traumático» (NAPIER, 2012) que aspira a dar la oportunidad al espectador a que reflexione sobre como la humanidad toma sin mesura lo que quiere de la naturaleza y la mata sin contemplaciones y recapacite sobre el papel que quiere desempeñar a partir de ahora. La imagen regenerativa de la catástrofe queda representada en el doble papel que tiene Granmamare como Diosa del Mar pero también de la Fertilidad en cuanto a su papel de madre. Por eso, la naturaleza ha tomado posesión de la tierra y la ha retornado a su etapa devónica, primitiva, sin tecnología ni construcciones arquitectónicas, sólo el faro de esperanza en el acantilado, para que la humanidad pueda comenzar de nuevo y actúe de manera más consecuente esta vez.

La idea de las catástrofes naturales como algo regenerativo, puede parecer algo excéntrico después del triple desastre en Fukushima en marzo de 2011 pero hay que tener en cuenta que los japoneses han aprendido a vivir con los movimientos sísmicos y son parte de su vida diaria. Así lo explicaba el director en La Biennale di Venezia en 2011 “Hay muchos tifones y terremotos en Japón. No tiene sentido retratar estos desastres naturales como malvados. Son circunstancias del mundo en el que vivimos. Siempre me conmuevo cuando vengo a Venecia y veo que está ciudad se está hundiendo en el mar y que sus gentes viven su vida sin tener esto en cuenta. Es un hecho en sus vidas. De la misma manera, en Japón tenemos una percepción diferente de los desastres naturales” (citado en SOTINEL, 2011). Miyazaki afirma que “tendemos a creer que somos creaciones separadas de la naturaleza, pero no es así. La naturaleza es inherente a la humanidad. La naturaleza que hay dentro de Ponyo se convierte en un tsunami, que es la manera que ella tiene de llegar a Sosuke. Pero el tsunami no destruye ni hace daño a la gente del pueblo; es más un tsunami mágico que purifica al pueblo y a sus gentes, [y que incluso devuelve la capacidad de andar a las ancianas]. Él ve esperanza en la fuerza de la naturaleza [porque] la atmósfera de crisis nos hace mejores personas” (citado en GUILLEN, 2009). Por eso Miyazaki reconoce que se inspiró en las gentes de los 50 para reflejar la actitud de los personajes ante la catástrofe: se suben a sus botes y hacen una marcha –que Sosuke describe como matsuri “festival”—en busca de las gentes que puedan ayudar.

Pero para que se restaure el equilibrio, no sólo Sosuke y las gentes del pueblo tienen que aprender a vivir con la naturaleza, Ponyo también debe asimilar su nueva naturaleza y cuando se encuentra con el bebé del bote, descubre que es capaz de sentir compasión y se comunica con él de ser vivo a ser vivo (MIYAZAKI, 2008). Esta comunicación de igual a igual, es la misma que se da en la escena de la conversación madre a madre entre Lisa y Granmamare, que representa la armonía climática. No sólo ellas hablan de madre a madre; Fujimoto que aseguraba odiar a los humanos, acomoda a las abuelas y cuida de ellas (CAVALLARO, 2014).

Que reflexionemos y seamos responsables, ese es el mensaje de la versión adulta, pero no sólo para los ciudadanos, también para nuestros dirigentes. El director ya había empezado a alzar su voz fuera de los cines cuando afirmó haber estado a punto de no ir a recoger el Oscar por su repulsa a la guerra contra Iraq, pero su voz iba a ser más enérgica y crítica no sólo en sus tres últimas películas sino también en sus apariciones públicas. «El desastre de Fukushima, causado por el tsunami de hace tres años, nos pilló en medio de la realización de la película: estábamos presos en este suburbio de Tokio, sin electricidad, ni transporte, ni medios de comunicación. Muchos acamparon en Studio Ghibli, en estado de shock. Nos preguntábamos si continuar la película todavía tenía sentido. Después de Fukushima, Ghibli ha cancelado el contrato con la empresa que gestiona la central nuclear. Escribí un “J’accuse” contra el gobierno, y me están condenando para siempre: se sorprendieron al observar la rebelión de un “tesoro nacional viviente”, como si debiera ser dócil y neutral. A partir de entonces conduzco mi viejo Citroën dos caballos, el modelo de Charleston, con un adhesivo anti- nuclear» (citado SERENELLINI, 2014). Así pues, decido a dejarnos su último testamento, Miyazaki empezará a preparar su última película.

Bilbiografía

CAVALLARO, Dani. The Late Works of Hayao Miyazaki, A Critical Study, 2004-2013. North Carolina: McFarland, 2014.
GUILLEN, Michael. “An On-stage Conversation with Miyazaki Hayao”. En: Ghibliworld.com, julio de 2009 [en línea] <http://www.ghibliworld.com/miyazaki_on_stage_conversation_berkeley_july_2009.html>
NAPIER, Susan. “The Anime Director, the Fantasy Girl and the Very Real Tsunami”. En: The Asia – Pacific Journal, Vol 10. Issue 11, No 3, 12 de marzo, 2012. [en línea] < http://www.japanfocus.org/-Susan_J_-Napier/3713/article.html>
SERENELLINI, Mario. “La mia favola continua. Sogno ma tengo gli occhi ben aperti”. En: Repubblica, febrero de 2014 [en línea] <http://www.repubblica.it/spettacoli/cinema/2014/02/02/news/hayao_miyazaki-77503978/ >
SOTINEL, Thomas. “Japan’s fantasy films act as a buffer against the reality of the natural world”. En: The Guardian, 29 de marzo, 2011. [En línea] <http://www.theguardian.com/film/2011/mar/29/japan-animation-natural-disaster-sotinel>

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)

Este fin de semana comienza el Imagineindia Film Festival en Madrid, un festival especializado en el cine indio pero que también apunta a cines poco conocidos en nuestro país. Según la propia organización del festival “Imagineindia International Film Festival está sobre todo dedicado a promocionar la amistad y la colaboración entre el Subcontinente Indio, Asia, Australia y España. Su principal objetivo es presentar y llamar atención sobre los filmes y demás expresiones artísticas de estos países, para contribuir a una mejor comprensión de los mismos“. Este año tiene una programación variada con mucha presencia documental y retrospectivas de clásicos del cine indio muy interesantes. Para conocer los horarios y el programa completo de proyecciones visitad su página web.

Sección Oficial

Lajwanti The honour keeper
Pushpendra Singh
Reparto: Sanghmitra Hitaishi, Pushpendra Singh, Sugna Devi
India. 2014. 63 min. Amor

Un cuento popular ubicado en el desierto de Thar explora las luchas internas de una mujer casada para cumplir un sueño y en esa búsqueda encontrar el mayor significado del amor y la libertad.

Ek Hazarachi Note (Un billete de 1000)
Shrihari Sathe
Reparto : Usha Naik, Sandeep Pathak, Shrikant Yadav, Ganesh Yadav, Pooja Nayak
India. 2014. 90 min. Drama

Durante un mitin político en un pequeño pueblo de Maharastra, India, Budhi, una pobre anciana recibe una dádiva de varios billetes de 1000 rupias de un político. Con ello se va de compras al mercado con su vecino, pero el destino tiene otros planes para ellos.

Sigo Siendo
Javier Corcuera
2013. Perú / España. 118 min.

Sigo siendo (Kachkaniraqmi)” es una película de personajes, de personajes que son parte de un país. Esta película habla de música y de músicos, pero no es una película estrictamente musical, es una película de historias personales aparentemente muy lejanas.

NABALOK (El inocente)
Director: Bauddhayan Mukherji
India. 2014. 51 min.
Reparto: Ananya Sen , Barshan Seal, Suman Mukhopadhyay

La primera pieza de Teenkahon, NABALOK (período 1920-1954) está rodada en blanco y negro. Trata de la historia del apego emocional de un niño de 8 años de edad y la obsesión por una chica recién casada.

La película se desarrolla en Calcuta y para luego desplazarse a la Bengala rural. ‘Nabalok’ — basado en el cuento corto de Bibhutibhushan Mukhopadhyay — trata de un poeta devastado por el primer amor.

Pied Piper (El flautista de Hamelín)
India. 113 min. 2013
Director: VIVEK BUDAKOTI
Reparto: Rajpal Yadav, Vikram Kochar, Abhishek Rawat.

Visto a través del prisma de Bertolt Brecht, la película “El flautista de Hamelin” es un folklore satírico de un sencillo lavandero, Chunnilal, sobre el que se rumorea que se ha transplantado el cerebro de su amado burro en un extraño accidente. Encantador de millones de seres humanos con su conciencia asnil que se niega a abandonar.

Anubrata Bhalo Achho?
India. 2014. 103 min. Drama.
Director : PARTHA SEN
Reparto : Ritwik Chakraborty, Swastika Mukherjee, Debleena Dutta

La película se adentra en la rutina diaria del protagonista, Anubrata-un hombre que tiene que pasar por el proceso de debilitamiento gradual de su esposa, Neeta, quien sufre de cáncer.

ASHBAH (FANTASMAS)
Director: DARIUSH MEHRJUI
Irán, 2014. 95 min.
Reparto : Mahtab Keramati, Homayoun Ershadi, Hassan Majooni.

Nadie podría impedir los problemas del General Mir Soleimani con su esposa. Incluso el abogado de la familia no tuvo éxito en hacer lo correcto. Ahora parece que para pagar sus pecados, su hijo debe sufrir en su camino para amar y vivir.

EK, AFRIKANER (ANNALET STEENKAMP)
EK, AFRIKANER (YO, AFRIKANER)
Annalet Steenkamp. 93 min. 2013
Sudáfrica

El filme sigue a cuatro generaciones de Boers sudafricanos viendo como lidian con su identidad como granjeros blancos en una Sudáfrica posterior al Apartheid.

JAI HO
Umesh Aggarwal
India. 2014. 60 min. Biografía.

Allah Rakka Rahman tiene el honor de catapultar la música de las películas Indias en el escenario mundial. Considerado como una de las personas más influyentes del mundo por la revista Time, la base de su trabajo, sus bandas sonoras de más de 120 filmes durante dos décadas, le convierte en uno de los mejores de todos los tiempos. Una fusión de sensibilidades orientales y la tecnología occidental, su banda sonora para Slumdog Millionaire ganó dos Oscars.

Documentales

Ek, Afrikaner (Annalet Steenkamp) Sudáfrica
Jai Ho (Umesh Aggarwal) India
Sigo siendo (Javier Corcuera) España
Chatkorichya Athwani (Shweta Ghosh) India
Espés (Isaac Rodríguez Ramos, Tánit Fernández Ciria ) España
Benegal’s New Cinema (Iram Ghufran)
Qissa-e-Parsi (Divya Cowasji / Shilpi Gulati) India

CLÁSICOS – DARIUSH MEHRJUI (1939)

Fue miembro fundador del movimiento “nueva ola iraní” en la década de 1970. Su segunda película, Gaav (La vaca) se considera la primera película de este movimiento, que también incluyó a Masoud Kimiai y Nasser Taqvai. La mayoría de sus películas están inspiradas en la literatura y adaptación de obras de teatro y novelas iraníes y extranjeras.

En 1959, Mehrjui se trasladó a Estados Unidos para estudiar en la Universidad de California, Departamento de cine en Los Ángeles (UCLA). Uno de sus profesores fue Jean Renoir, de quien Mehrjui aprende a cómo trabajar con actores. Mehrjui ha dicho de sus educadores,” no te enseñan nada importante… porque los profesores eran la clase de gente que no había sido capaz de trabajar en Hollywood”. Se graduó en UCLA en 1964.

Dariush Mehrjui debutó en 1966 con Diamante 33, una parodia de gran presupuesto de la serie de películas de James Bond. La película no fue exitosa. Pero su segundo largometraje, Gaav, le trajo el reconocimiento nacional e internacional. La película Gaav, un drama simbólico, es sobre un simple aldeano y su apego casi mítico a su vaca.

ASHBAH (Fantasmas)
Irán. 2014. Drama

HAMOUN
Irán. 1990. Drama

SARA
Irán, 1993. Drama

GAAV (La vaca)
Irán. 1969. Drama

CLÁSICOS – RITWIK GHATAK

AJANTRIK

Desde su muerte a los cincuenta años en 1976, Ritwik Ghatak ha sido considerado como una de las figuras más importantes en el cine indio de la posguerra por sus películas brillantes y abrasivas, que sin duda se alinean entre los logros más revolucionarios en el arte contemporáneo indio. Involucrado desde muy temprana edad en la política y el teatro, Ghatak fue miembro del partido comunista indio y considera sus héroes artísticos Brecht y Eisenstein. En consecuencia, las películas de Ghatak casó su activismo con alto contenido cultural, remodelación de formas populares – melodrama, canciones, bailes, en vehículos apropiados para la expresión política radical. Sus películas son casi todas autobiografía velada. Ghatak creció durante las convulsiones de la década de 1940-II guerra mundial, la terrible “hambruna artificial” de 1944, la violencia comunal que viene con la independencia y especialmente la partición de Bengala, que toda su vida le obsesionó. Sus temas son casi invariablemente elegidos entre los desarraigados y los desposeídos: niños sin padres, familias sin hogar, refugiados desorientados y la burguesía petit, quebrada económicamente por su exilio. Sin embargo, al igual que en la visión fatal de Robert Bresson, hay un atisbo de esperanza en incluso los momentos más oscuros.

Retrospectiva Guru Dutt

Considerado como un hombre adelantado a su tiempo, Guru Dutt fue uno de los mayores íconos del cine indio comercial. Aunque hizo menos de 50 películas durante su vida, era el mejor en la edad de oro de Bollywood, conocido por su capacidad llegar al hombre común por su contenido poético, y fueron filmes que han influido en Bollywood desde entonces. Pero por toda su genialidad, tuvo unas tendencias trágica que eclipsaron su carrera y su vida.

Dutt nació en Mysore el 09 de julio de 1925, hijo mayor de un director y un ama de casa que era una escritora a tiempo parcial. No tuvo una buena infancia: tuvo que lidiar con la tensa relación entre sus padres, la hostilidad de sus parientes maternos y la muerte de un pariente cercano. Recibió su primera educación en Calcuta, y en 1941, ingresó en el centro cultura de Uday Shankar India, donde recibió entrenamiento en las artes escénicas con el maestro de danza Uday Shankar.

Entró en la industria cinematográfica en 1944, trabajando como coreógrafo en Prabhat Studios. Allí, entabló amistad con Dev Anand y Rehman. Estas primeras amistades facilitaron su camino en Bollywood. Después de la desaparición de Prabhat Studios, Dutt se trasladó a Bombay, donde trabajó con los directores de la época: Amiya Chakrabarty y Gyan Mukherjee.

Tuvo su gran oportunidad cuando Dev Anand le invitó a dirigir en su recién formada compañía Navketan Films. Dutt hizo su debut como director con Baazi (1951), protagonizada por Dev Anand. La película fue un éxito y se convirtió en pionero para los thrillers que vendrían posteriormente. En el plano personal, Dutt conoció a su esposa, la cantante de playback Geeta Dutt, durante las sesiones de grabación de Baazi (1951).

Sus próximos lanzamientos fueron Jaal (1952) y Baaz (1953). Dutt hizo su debut como actor en esta última, que también dirigió. Luego vendrían Aar-Paar (1954), otro thriller , pero con mucho más pulido. Sr y Sra. 55 (1955), una comedia romántica centrada en los derechos de las mujeres; C.I.D. (1956), en el cual debutó Waheeda Rehman.

Sus siguientes películas, Pyaasa (1957) y Kaagaz Ke Phool (1959), son considerados como su mejor trabajo. Pyaasa (1957) fue su obra maestra, sobre un poeta tratando de alcanzar el éxito en un mundo hipócrita, indiferente. Fue un éxito de taquilla y es catalogada como la mejor película. En contraste, Kaagaz Ke Phool (1959) fue un fracaso de taquilla: la historia semi-autobiográfica de una trágica historia de amor con el trasfondo de la industria cinematográfica fue considerada demasiado morbosa para la audiencia. Aunque en años posteriores la película recibió elogios de la crítica, para Dutt, quien había puesto su alma en la película, fue un golpe muy duro y nunca dirigió otra película.

Aunque había dejado de dirigir, Dutt continuó produciendo y actuando en películas, en particular los dramas de época Chaudhvin Ka Chand (1961) y Sahib Bibi Aur Ghulam (1962).

BAAZI (1951)
AAR PAAR (1954)
MR. & MRS. 55 (1955)
SAHIB BIBI AUR GULAM (1962)

Homenaje a Miklós Jancsó

Uno de los maestros de la composición panorámica y elaboradas coreografias en tomas largas, Miklos Jancso es considerado como el director húngaro más importante de todos los tiempos (Mira y A. J. Liehm) y el cineasta húngaro clave de la era del sonido (Jonathan Rosenbaum). Sus películas muy estilizadas y formalistas se destacan por su brutal estudio de la represión, rebelión y revolución.

Miklos Jancso, quien se licenció en derecho y completó cursos de historia del arte y etnografía, también sirvió en la segunda guerra mundial y fue por breve periodo de tiempo, un prisionero de guerra. Después de la guerra, Jancso se inscribió en la Academia de teatro y cine de Budapest. Recibió su diploma en dirección de cine en 1950.

El debut de Jancso con el filme “las campanas han ido a Roma” fue después de la insurrección antisoviética de 1956 que dejó cientos de húngaros muertos o encarcelados y miles de refugiados. Ya desde esta primera película, Jancso mostró su interés en la guerra como una plataforma para desarrollar sus ideas. En “My Way Home”, un joven Húngaro es detenido, internado, liberado, detenido de nuevo y enviado a pastorear una manada de vacas junto a un joven soldado ruso – los dos trascienden las barreras del idioma, así como la nacionalidad para convertirse en amigos íntimos.

El cine de Jancso no se atiene a los convenios de la narrativa o psicología, sino que se abre a otras áreas que normalmente se encuentran en el cine musical. Sus películas son elaborados ballets clásicos, explorando el anonimato, el poder, la humillación y el sinsentido de la guerra a menudo mediante el uso de los propios rusos como sus súbditos como caracteres. La tiranía es por todas partes y los hombres y las mujeres tratan de sobrevivir en grupos, a menudo cantando y bailando. A veces los grupos se separan y se juntan, moviéndose en direcciones diferentes, mientras la cámara entra y sale discretamente, siguiendo los personajes.

Jancso, cuyo “Salmo rojo” fue premiado en Cannes, fue también distinguido con “el premio especial por toda su carrera” en el mismo festival. Valiente y comprometido, rebelde, angustioso y últimamente hilarante, el trabajo de Jancso sigue siendo un verdadero regalo al cine.

SZEGÉNYLEGÉNYEK (Los oprimidos)
CSILLAGOSOK, KATONÁK (Los rojos y los blancos)
CSEND ÉS KIÁLTÁS (Silencio y grito)
FÉNYES SZELEK (La confrontación)

Kaze Tachinu (2013)
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki (novela de Tatsuo Hori)
Producción: Studio Ghibli, Buena Vista Home Entertainment, Hakuhodo DY Media
Música: Joe Hisaishi
Animation, drama

El pequeño Jiro Horikoshi sueña con ser piloto, pero sus problemas de vista le apartan de su ilusión. Sin embargo, un día lee sobre el diseñador de aviones italiano Giovanni Battista Caproni y en un sueño inspirador, éste le anima a que se haga ingeniero como él. “¡Cualquiera puede pilotar un avión!” – le espeta Caproni. Pasan unos años y cuando Jiro va de camino a la Universidad Imperial de Tokyo a estudiar aeronáutica, conoce a Nahoko y su niñera. El Gran Terremoto de Kantō de 1923 les sorprende y se separan sin que puedan intercambiar sus nombres. Años después, en 1927, Jiro ya se ha licenciado y comienza a trabajar con su amigo Kiro Honjo en Mitsubishi para diseñar aviones de guerra.

En su «canto del cisne» al cine, Miyazaki une su amor por la literatura con la conciencia histórica japonesa y deja su testamento a las futuras generaciones. Fue Toshio Suzuki quién le convenció para convertir su manga Kaze Tachinu (2009) en su última película, ya que el director era reticente a dirigir una película de animación al público adulto. Y es que, en su última obra maestra, Hayao Miyazaki mezcla la biografía de dos personas reales de la historia negra de Japón –Jiro Horikoshi y Hori Tatsuo – y le añade un poco de su magia. Pero además, nos deja un testimonio gráfico de finales de la era Taishō (1912-1926) y principios de la era Shōwa (1926-1989): el Gran Terremoto de Kantō, la Gran Depresión, el desempleo, la tuberculosis, el fascismo, etc. Estos años previos a la Segunda Guerra Mundial, Japón se consolida como una gran potencia imperial y se prepara para la guerra y lo hace golpe de presionar al máximo a su población con estructuras laborales deshumanizadas. Pensad que Tokio se destruye en el terremoto de 1923 y cuando Jiro se gradúa en 1927, la ciudad está casi recuperada por completo. De todo esto nos hace partícipes Miyazaki en sus escenas: la terrorífica escena del Terremoto en Tokio cuando conoce a Nahoko, la desesperación de los ciudadanos ante el cierre de los bancos, la emigración de la población del campo a la ciudad para encontrar trabajo.

Decíamos que en este doble homenaje, tenemos por un lado la vida del genio Jiro Horikoshi (1903-1982), el ingeniero del Mitsubishi A6M1, más conocido como el Zero, el avión que llevó a la muerte a los famosos kamikaze japoneses. El pequeño Jiro, moldeado a partir del original, comparte la pasión por la aviación del pequeño Miyazaki, de hecho Miyazaki Airplane construía piezas para el Zero. Jiro se mirará en el espejo del gran Caproni, ambos demasiado enfocados en su sueño de construir aviones bellos, dejarán que sus creaciones se conviertan en herramientas del fascismo. «El sueño de la aviación está maldito» le recordará varias veces Caproni, pero su genialidad y su amor por la belleza mantendrá a Jiro ajeno a la realidad de su tiempo. El director nos hace numerosos guiños al respecto, como cuando Jiro y Honjo visitan la fábrica Junkers en Dessau y Jiro comenta que es una pena tener que cambiar los sitios de los pasajeros por bombas o cuando pretende quitar las bombas para aligerar el peso del Zero. El contrapunto a esta ceguera lo pondrá la introducción de dos personajes históricos completamente conscientes de los tiempos que corren y que sirven de premonición. Primero Hugo Junkers, pacifista convencido y de tendencias socialistas y con un sueño equivalente al de Caproni y Jiro. Los nazis le arrebataron de las manos la fábrica de avión Junkers y le mantuvieron en arresto domiciliario hasta su muerte en 1935. Es él quien les dará su lugar a Jiro y Honjo cuando viajn a Dessau para aprender la tecnología de aviación alemanana y exijan haber firmado un trato entre iguales con Alemania. El otro personaje es Hans Castorp, –a quien conoce en un hotel en Karuizawa cuando se retira a meditar sus derrotas y se reencuentra con Nahoko–, una fusión del personaje homónimo de la novela La Montaña Mágica (1924) de Thomas Mann y el espía soviético Richard Sorge. Esta dualidad en su función la hace completamente explícita el personaje de Castorp: Primero cuando le dice a Jiro que la residencia vacacional le recuerda a la novela de Mann, una novela escrita en clave nietzscheana con la creencia de que hay que conocer profundamente la muerte y la enfermedad para llegar a entender la salud y la vida; Y segundo, cuando sus palabras a Jiro le llegan como una sentencia a muerte: “Hacer una guerra en China. Olvidadlo. Crear un gobierno de marioneta en Manchuria. Olvidadlo. Dejar la Liga de Naciones. Olvidadlo. Enemistarse con el mundo. Olvidadlo. Japón saltará por los aires. Alemania también”. Castorp intentará sutilmente compartir su visión de la vida con Jiro para que valore lo importante de la vida y lo animará a acercarse a Nahoko. El aparente periodista alemán, antes de huir de la policía japonesa, cantará para Jiro “Das gibt’s nur einmal” (“sólo ocurre una vez”), evocando la frugalidad de la vida y la importancia del amor. Richard Sorge fue arrestado por la policía japonesa en 1941 y colgado en la prisión de Sugamo en 1944.

El segundo elemento del doble homenaje es el escritor Tatsuo Hori (1904-1953) y su novela corta homónima Kaze Tachinu serializada en la revista socialista Kaizō entre 1936 y 1937. Hori se enmarca en el movimiento de literatura proletaria en Japón que aparece de forma simultanea a la literatura modernista y esteticista de grandes de las letras universales como Tanizaki Jun’ichiro o Kawabata Yasunari. La calidad de la literatura proletaria no tiene parangón con esta literatura burguesa que no cree en la politización del arte, pero es de un gran interés histórico por su descripción de las tensiones y contradicciones de los años previos a la Segunda Guerra Mundial. Por eso Miyazaki ha querido rendir también un homenaje a este poeta y traductor de poesía francesa, víctima de la precariedad de sus tiempos pero comprometido con la sociedad en la que vivía. La novela de Hori nos sitúa en un hospital para enfermos de tuberculosis en la prefactura de Nagano –donde se encuentra el Hori Tatsuo Memorial Museum y donde el escritor pasó sus últimos años– y narra la evolución de la enfermedad de la protagonista Setsuko. Es una novela intimista y melancólica que refleja la propia lucha del escritor con la tuberculosis de la que pereció en 1953. El título se hace eco del último párrafo del poema de Paul Valéry “Le Cimetière marin”:

Le vent se lève!… Il faut tenter de vivre! / ¡Se alza el viento!…¡Tratemos de vivir!
L’air immense ouvre et referme mon livre, / ¡Cierra y abre mi libo el aire inmenso,
La vague en poudre osea jaillir des rocs! / brota audaz la ola en polvo de las rocas!
Envolez-vous, pages tout éblouies! / ¡Volad páginas todas deslumbradas!
Rompez, vaguez! Rompez d’eaux réjouies! / ¡Olas, romped con vuestra agua gozosa
Ce toit tranquille où picoraient des focs! / calmo techo que foques merodean!

La bella Nahoko está configurada a partir de Setsuko y le ofrece a Jiro la oportunidad de vivir de verdad. Su forma de vivir la vida y su muerte por tuberculosis, le harán comprender el significado real de la vida. Es cierto que no es la prototípica heroína miyazakiana, pero curiosamente en los momentos en los que cumple el rol de mujer tradicional japonesa, el director la viste de rosa, y en los momentos en los que Nahoko se decide a abandonar el sanatorio para correr al lado de Jiro y luego decide abandonarle para morir en el sanatorio, Miyazaki le coloca un abrigo azul: su pequeño símbolo para una mujer fuerte y madura. Nahoko no es una heroína pero su existencia ata a Jiro a la realidad de los tiempos y le obligan a conectar con el mundo en el que vive. En este sentido, es un poco como Fio de Porco Rosso (1992) y obligará a Jiro a confrontar su humanidad y a sufrir las consecuencias de sus propias elecciones. Nótese que el Jiro del manga dibujado por Miyazaki tiene una nariz de cerdo, lo que lo emparenta directamente con Marco Pagoto.

No es casual que la película describa la situación de Japón después del Gran Terremoto de Kanto y la Gran Depresión, cuando los esfuerzos titánicos de la población hicieron posible que el país se modernizara en tan sólo unos años, con el esfuerzo económico que supuso. Esta población tuvo que abandonar sus propios valores para poder defender a sus familias, como el propio padre de Hayao Miyazaki, y tuvo que sufrir verdaderas penurias para hacer posible un milagro económico, como la madre de Hayao Miyazaki que también sufrió de tuberculosis. Studio Ghibli ha querido expresar firmemente su “no a la guerra”, ahondando en uno de los episodios más controvertidos de la historia japonesa y su compromiso no es sólo latente en la película sino en el manifiesto publicado en la revista “Neppu” de Ghibli con motivo de la promoción del filme en el que el estudio se sitúa en contra de revisar el artículo 9 (conocido como “la cláusula de la paz”) de la constitución japonesa. Pero al eterno tema de la guerra en Miyazaki, y a la conciencia histórica, se suma también el tema del avance tecnológico y la modernidad. El director nos pregunta directamente cuando Caproni le pregunta a Jiro: «¿Qué prefieres vivir en un mundo con pirámides o sin ellas?». Tal y como indica Napier, el avance tecnológico y estético durante la historia de la humanidad, se ha saldado con miles de vidas humanas y lo que el espectador debe preguntarse es si ha merecido la pena sacrificarlas (NAPIER, 2014).

La última película de Miyazaki ha generado muchísima controversia, tanto por lo espinoso del tema, como por la manera contradictoria de tratarlo. El punto es que la contradicción forma parte de la historia y el carácter japonés, y Miyazaki lo expresa muy bien cuando viste a los ingenieros de Mitsubishi con ropa occidental y sin embargo sus casa son tradicionales, o cuando nadie quiere usar la mesa de Jiro porque es de importación. Yo estuve en la premiére en el Festival de Sitges y recuerdo a mucha gente marchándose del cine. Supongo que esperaban una trama mucho menos arriesgada y una heroína fuerte y victoriosa. Sin embargo, para su última obra Miyazaki ha pedido a sus seguidores un esfuerzo extra y es cierto que sin conocer el contexto político actual y un poco la historia japonesa es difícil perderse y llegar a comprender o disfrutar de lo magnífico de la obra. Pero para mí, Miyazaki seguirá siendo siempre el más grande, y Kaze Tachinu una obra maestra, la mires como la mires.

Bibliografía

CAVALLARO, Dani. The Late Works of Hayao Miyazaki, A Critical Study, 2004-2013. North Carolina: McFarland, 2014.
NAPIER, Susan. “The Technology of Nostalgia, Grief and Pride: Miyazaki’s The Wind Rises”. En: Mechademia, 21 de octubre de 2014 [en línea]. < http://mechademia.org/reviews/susan-j-napier-review-of-the-wind-rises-kaze-tachinu-by-miyazaki-hayao-10212014/>

Redacción: Sabrina Vaquerizo (@svaquerizo)

Yoshio Tsuchiya nace en 1927 en Yamanashi, Japón. su padre era profesor de literatura en la prestigiosa Universidad de Waseda (Tokyo) y desde muy temprana edad autores como Shakespeare, del que su padre era traductor oficial para Japón, entrarían en su vida. Sus pequeñas incursiones en el teatro no quitaron que terminara estudiando, y completando, medicina en la universidad. Pero la actuación aún picaba dentro de Yoshio y se uniría al respetado grupo teatral Hayuza.

A Tsuchiya tampoco le llamaba el cine, pero en un determinado momento Akira Kurosawa lo convencerá para participar en el casting de “Los 7 Samurais” (Shichinin no samurai, 1954), quedando el director entusiasmado por la fuerza que mostró en dicha prueba. El público lo acogería con gran entusiasmo, y su interpretación del granjero Rikichi sería recordada por los aficionados. La Toho vería en él a una estrella en alza, pero el actor estaba más preocupado por realizar buenas interpretaciones que en la fama. Kurosawa contribuiría a conservar la “calidad” de su descubrimiento e intentará que el joven solo trabajara en producciones de primer nivel.

En 1957 Kurosawa presentaría a Tsuchiya a su buen amigo el director Ishiro Honda, quién había despuntado en la escena de la Ciencia Ficción con la cinta “Gojira”, el mismo año del estreno de “Los 7 Samurais”. Tsuchiya y Honda pronto conectarían – años después el propio actor denominaría a Kurosawa y Honda como “sus otros 2 padres” – y el actor, un ávido aficionado a todo lo relacionado con OVNIs, sería invitado por Honda a participar en “The Mysterian” (1957). Ese mismo año trabajaría para Akira Kurosawa en “Trono de Sangre” y para Hiroshi Inagaki en “Ninjitsu”, su carrera crecía de manera vertiginosa.

Tsuchiya, que aparecía en casi todas las películas de Akira Kurosawa desde “Los Siete Samurais” (1954), finalizaría su relación profesional con el director al término de “Barbarroja” (1965), que con sus 2 años de rodaje ya le había costado renunciar a un papel para “Ghidorah, el dragón de tres cabezas” (Ishiro Honda, 1964). Kurosawa intentaría que participase en “Kagemusha” y “RAN”, pero la apretada agenda del actor lo impediría.

En sus años de carrera, principalmente hasta 1971 que descendería radicalmente su producción cinematográfica, Tsuchiya ha participado en películas de época de diversa factura, como las ya nombradas cintas de Kurosawa, chanbaras con Hiroshi Inagaki, como “Ninjitsu”, “47 Ronin”, “The Secret Sword” o “Incident at Blood Pass”, o Kihachi Okamoto, como “Kill!”, o cine bélico basado en la Segunda Guerra Mundial, del que la Toho sacó partido en los 60, como “The Storm of the Pacific”, “Almirante Yamamoto” o “Batalla del Mar del Japón”. Pero por si algo es bien recordado por los aficionados es por sus incursiones en el mundo de la Ciencia Ficción.

Tsuchiya participó por primera vez en un Kaiju Eiga en “Godzilla Contraataca” (1955) y a partir de ahí su amistad con Ishiro Honda lo haría interpretar papeles en producciones como “Daikaiju Baran” (1958), “Frankenstein Conquers the World” (1965), “Kaijû daisenso” (1965), “El Hijo de Godzilla” (1967), “Invasión extraterrestre” (1968) o “Yog: The Space Amoeba” (1970). Pero no solo se adentraría en los fueros del Kaiju Eiga, ya que en lo referente a Ciencia Ficción realizaría cintas como “The H-Man” (1958), “Battle in Outer Space” (1960), “The Telegian” (1960), “The Human Vapor” (1960) o “Matango” (1963).

Tras abandonar el cine Tsuchiya volvió al teatro. Siempre ha seguido reacio al medio televisivo y a preferido el escenario, pero retomó su carrera en algunas ocasiones. En 1989 interpretaría al Dr Mizuno en “Teito Taisen”, en 1991 volvería al Kaiju Eiga, 20 años después, en “Godzilla vs King Ghidorah” y en 2005 realizaría un papel en la cinta “Kaidan”. Tsuchiya ha compaginado su carrera con su afición por la escritura, escribiendo varios ensayos y libros sobre su etapa como actor con Kurosawa y su afición por los OVNIs.